La thèse analyse les conceptions pré-modernes du laid en confrontant les traités philosophiques, rhétoriques, poétiques et artistiques italiens et français de la Renaissance à la première moitié du dix-septième siècle. En tant que difformité physique, le laid est considéré comme une transgression des normes du corps : il met en question la conception de la mimésis comme imitation idéalisante et permet de repenser la nature de la représentation. Le laid est en outre conçu comme le signe du vice : l’étude cherche à reconstituer le paradigme physiognomonique qui sous-tend cette interprétation traditionnelle du corps et s’interroge sur ses limites en examinant le paradoxe de la laideur de Socrate. Les interprétations morales de la difformité mettent en jeu différentes fonctions sémiotiques de la représentation. Dans la topique héritée de la scolastique, la mimésis du laid vise à stigmatiser les défauts moraux, comme le montrent les allégories des vices et les satires ; de son côté, la difformité paradoxale donne lieu à une herméneutique du texte et de l’image. Enfin, le laid tient à son effet sur le destinataire. Si le laid est traditionnellement appréhendé comme un objet repoussant, sa représentation vise à susciter l’effet inverse, selon les poétiques et les traités d’art inspirés d’Aristote. L’analyse de ce plaisir paradoxal met en lumière les qualités cognitives et esthétiques de la mimésis. Au seuil de la modernité, la question du laid est à la croisée des problématiques morales héritées de l’Antiquité, et des réflexions esthétiques qui se développeront pleinement du dix-huitième siècle à nos jours, notamment dans les théories de la fiction. / Through cross-analysis of French and Italian philosophical, rhetorical, poetic, and artistic treatises from the Renaissance to the first half of the seventeenth century, this study seeks to understand what the early modern period conceived of the ugly. In terms of physical deformity, the ugly is considered as a transgression of the norms of the body: it questions the concept of mimesis as an idealised imitation and allows a reconsideration of the nature of representation. Furthermore, the ugly is seen as the sign of vice: this study looks to reconstruct the physiognomical paradigm which underlies this traditional interpretation of the body and to question its limits through examining Socrates’ paradoxical ugliness. Moral interpretations of deformity bring different semiotic functions of representation into play. In the topic inherited from scholasticism, mimesis of the ugly aims to stigmatise moral defects, as they are represented in allegories about vice and satire. Paradoxical deformity, for its part, gives rise to hermeneutics of text and image. Finally, the ugly is concerned with its effect on its recipient. If the ugly is traditionally understood as a repellent object, its representation aims to arouse the inverse effect, according to the poetics and treatises on art inspired by Aristotle. Analysis of this paradoxical pleasure highlights the aesthetic and cognitive qualities of mimesis. At the brink of modernity, the question of the ugly is at the crossroads of moral issues that stem from the Antiquity, and of aesthetic reflections which develop more fully from the eighteenth century to the present day, notably in theories on fiction.

Au XVIIème siècle, la Querelle des Anciens et des Modernes donne l’occasion de s’interroger sur la manière dont l’homme construit ses connaissances. Deux facultés rentrent en jeu : l’imagination et la raison. Descartes, semble-t-il, a fait de la raison la seule faculté permettant à l’homme de connaître. Par ailleurs, Vico met en évidence l’imagination qui participe activement à la cognition chez l’homme. Ainsi, la tradition philosophique a tendance à faire de l’un l’opposé de l’autre. Mais, pouvons-nous prendre pour acquis une telle opposition ?En s’adonnant à une analyse du corpus cartésien, qu’est-il possible de faire ressortir au sujet de l’imagination ? Que dire de Vico qui, dans sa Scienza Nuova, prend en compte, d’une manière originale, ces deux facultés qui jouent un grand rôle dans la question de la cognition.D’un côté, des critiques font de Vico le farouche opposant de Descartes. D’un autre côté, une relecture de la position cartésienne de l’imagination nous conduit à une reconsidération de l’opposition Descartes/ Vico. La position de Vico permet de considérer l’imagination et la raison dans une relation de hiérarchisation et de complémentarité. Ainsi, l’imagination est chronologiquement la première faculté qui apparaît chez l’Homme. La raison la suit. Mais, ceci signifie t-il que l’une prime sur l’autre ou que l’une relève d’une plus grande importance que l’autre? Aussi, où Vico puise-t-il ses idées ? Comment agence-t-il celles-ci pour une nouvelle perspective dans la construction des connaissances ? Ces questions nous invitent à considérer le rapport Descartes/ Vico comme complexe et ambigu.Notre travail consiste à fixer le statut de l’imagination et son rapport avec la raison chez les deux philosophes et apporter un caractère scientifique à la première. Ceci nous amène à étudier le statut des deux facultés, la relation profonde qui existe entre elles lors de l’appréhension du réel. / In the 17th century, the Quarrel of the Ancients and the Moderns gives the opportunity to wonder about the way in which men build knowledge. Two faculties come into play: imagination and reason. Descartes, it seems, has made reason the only faculty enabling men to know. In addition, Vico highlights the imagination that actively participates in cognition in humans. Thus, the philosophical tradition tends to make the one the opposite of the other. But can we take such opposition for granted?By indulging in an analysis of the Cartesian corpus, what is it possible to bring out about the imagination? What about Vico, who in his Scienza Nuova takes into account, in an original way, those two faculties that play a great role in the question of cognition.On the one hand, critics make Vico the fierce opponent of Descartes. On the other hand, a re-reading of the Cartesian position of the imagination leads us to a reconsideration of the opposition Descartes / Vico. Vico's position allows us to consider the imagination and the reason in a relation of hierarchization and complementarity. Thus, imagination is chronologically the first faculty which appears in men. The reason follows. But does this mean that the one over the other or that one is of greater importance than the other? So where does Vico get his ideas? How does he organize these for a new perspective in the construction of knowledge? These questions invite us to consider the Descartes / Vico report as complex and ambiguous.Our work consists in fixing the status of the imagination and its relationship with reason in the two philosophers and bringing a scientific character to the first. This leads us to study the status of the two faculties, the deep relationship that exists between them when apprehending the real.

La visée méthodologique de cette étude détermine le parcours de la recherche : l’analyse de l’argumentation dans les joutes verbales et celle des figures de rhétorique, définies comme des formes-sens, dans les cinq pièces théâtrales de Bernard-Marie Koltès. Ces deux approches principales permettent de mettre en évidence la théâtralité et la dramaticité des paroles de lutte, qui instaurent des scènes d’agôn dans le théâtre contemporain. Ces réflexions, qui prennent aussi en compte les perspectives intrascéniques et extrascéniques inhérentes à la double énonciation théâtrale, visent à approfondir la compréhension des œuvres koltésiennes dans son rapport particulier au spectateur. Tous les efforts langagiers déployés ainsi que les diverses stratégies argumentatives et figurales conduisent à une incommunication finale, créant tout au long des pièces un mélange de tragique et de comique. D’où la dramaturgie de la confrontation et de la cohabitation de paroles agonales. / The methodological focus of this study is determining the course of research: the analysis of the argumentation in verbal sparring and of figures of speech, defined as sense-forms, in Bernard-Marie Koltès’ five theatrical plays. These two main approaches make it possible to highlight the theatricality and the dramaticity of words of struggle that establish scenes of agon in contemporary theatre. These reflections, which also take into account the intrascenic and extrascenic perspectives inherent in theatrical double enunciation, aim to deepen the understanding of the works of Koltès in their particular relation with the spectator. All language efforts made by characters in confrontations, as well as various argumentative and figurative strategies, prove to be in vain and always lead to a final non-communication, creating a mixture of the tragic and the comic throughout the plays. This is what is at stake in our work: to define Koltèsian dramaturgy as a confrontation and a cohabitation of agonal words.

De quels critères disposons-nous pour évaluer la validité d’une opinion ?La<p>première partie de la thèse revient sur les tentatives des approches contemporaines<p>de l’argumentation de répondre à cette question. Les approches normatives<p>(pragma-dialectique et logique informelle) évaluent la construction des preuves à<p>l’aune d’un idéal de rationalité, lui-même garanti par un ensemble de règles quant à<p>la construction et la formulation publique des arguments. Les approches descriptives<p>(travaux de Plantin et Doury en particulier) se fondent sur une critique de cette<p>méthode :en prétendant fournir des évaluations objectives des arguments, les<p>théoriciens normatifs s’engagent dans le processus argumentatif et, en définitive,<p>produisent des contre-argumentations et non des évaluations. C’est à l’aune du<p>problème du statut épistémologique de la preuve en histoire que j’ai choisi d’illustrer<p>les limites de l’approche descriptive. En particulier, l’oeuvre du critique littéraire<p>Hayden White se caractérise par une même relation entre (1) un scepticisme sur la<p>possibilité d’établir des critères de rationalité et (2) un parti-pris descriptif :les<p>explications historiques pourraient être décrites comme autant de figures rhétoriques,<p>mais on ne saurait définir un critère permettant d’en évaluer la validité. Comme l’a<p>bien montré Carlo Ginzburg, le scepticisme de White ouvre la porte à toutes les<p>dérives négationnistes.<p>Partant, dans une seconde partie, je propose un modèle d’analyse alternatif. Ce<p>modèle s’appuie sur la définition de la rhétorique comme une dunamis par Aristote :<p>une capacité perfectible à porter un regard technique sur les preuves. Il s’agit,<p>concrètement, de prendre en compte trois points de vues sur la preuve :(1) le point<p>de vue de l’orateur qui invente ses preuves face à un problème concret ;(2) le point<p>de vue de l’artisan qui façonne la matière persuasive; (3) le point de vue de<p>l’auditoire qui reçoit les preuves. L’exercice de ces trois points de vues permet à<p>l’analyste de juger les choix rhétoriques d’un orateur à l’aune de sa propre<p>conscience, perfectible par l’exercice, des alternatives possibles et de leur pertinence<p>en fonction des auditoires concernés. Le critère de rationalité n’est alors pas idéaliste<p>ou transcendant, il est humaniste (Chaïm Perelman, Emmanuelle Danblon) :il est de<p>l’ordre de l’expérience acquise.<p>Dans une troisième partie, j’applique mon modèle à trois ouvrages d’histoire :<p>(1) Les traites négrières d’Olivier Pétré-Grenouilleau ;(2) La vie fragile d’Arlette<p>Farge ;(3) The Ascent of Money de Niall Ferguson. Dans chaque cas, j’évalue les<p>choix rhétoriques des historiens (quant aux usages des preuves extra-techniques et<p>à la construction des trois preuves techniques) au regard des problèmes<p>épistémologiques qu’ils affrontent* et des auditoires potentiels auxquels ils<p>s’adressent. Dans chaque cas, je consacre une partie de l’analyse aux réactions<p>suscitées par leurs ouvrages. Ce faisant, je peux mesurer le caractère anti-rhétorique<p>des pratiques actuelles de la critique :le repérage d’une figure de rhétorique<p>(analogie ou métaphore), d’une forte personnalité ou d’un appel aux émotions<p>suffisent à disqualifier un argument aux yeux des critiques. En d’autres termes, notre<p>tradition critique est pétrie d’illusions normatives et, en premier lieu, l’illusion selon<p>laquelle une preuve pourrait être administrée sans technique. Je conclus en montrant<p>que ces illusions, entretenues par notre tradition philosophique, nous ont fait perdre<p>beaucoup de temps dans le développement d’une formation à l’argumentation qui<p>soit de nature à exercer la dunamis critique des étudiants.<p><p>*<p>(1) établir la vérité historique sur un sujet à fort potentiel polémique ;(2) exprimer les intuitions de la<p>phase de découverte ;(3) formuler et justifier une prédiction. / Doctorat en Langues et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Les analyses rhétorique et pragmatique linguistique des échanges dans les six pièces principales de Bernard-Marie Koltès permettent d’observer le fonctionnement des dialogues définis par le dramaturge comme l’ostentation d’une dynamique argumentative. Loin d’être des argumentations « éthiquement » circonscrites, ces dialogues s’avèrent truffés de dysfonctionnements et revêtent l’allure d’échanges sophistiques et de manipulations oratoires. Le dramaturge déjoue les catégories et normes discursives et met en place des argumentations singulières qui participent des effets de langage et du style koltésiens et constituent un véhicule de l’esthétique du dramaturge et de sa vision du monde et de l’homme. La lecture des dysfonctionnements permet d’appréhender l’œuvre en tant que produit artistique reflétant les rapports de l’auteur à la scène et au réel. La parole koltésienne est cette parole contestataire élevée pour dénoncer l’illusion et la facticité qui gouvernent aussi bien les relations manipulatrices de l’homme à l’Autre que le processus de réception de l’œuvre dramatique. / The rhetorical analysis as well as the linguistic pragmatics of the interactive mode of conversation in the six main pieces of Bernard-Marie Koltes show the functionality of the dialogues defined by the playwright as a dynamic argumentation. Far from being ethical argumentations, these dialogues seem to be filled with fallacies and they embody sophistic exchange of appearances and oratory manipulations. The playwright thwarts discursive norms and puts in place peculiar argumentations that provoke linguistical effects and create koltesian’s stylus. Theses argumentations constitute an aesthetical medium of the author’s world and human concept. The fallacies interpretation allows to grasp Koltes’ work as an artistic product revealing his relation to the world and to the theater. The koltesian diction is a rebellious speech denouncing the illusion as well as the artificiality which governs the complicated apparatus of human relationships and the way of understanding the drama work.

Nous nous proposons d’examiner comment les manifestations linguistiques du dialogisme et de la polyphonie observées sur un plan microstructural dans le théâtre vinavérien régissent, sur le plan macrostructural, la poétique dramatique de l’auteur. Celle-ci se focalise d’une part sur l’articulation entre l’espace privé des personnages et le champ politique agonistique et d’autre part, sur la place du personnage et de l’art dans le monde de l’entreprise et dans la société de consommation. En effet, l’esthétique théâtrale vinavérienne et l’ensemble des réflexions de l’auteur lui-même sur les fonctions de l’écriture dramatique aujourd’hui et sur ses rapports au réel nous semblent intimement liés au caractère dialogique du discours des personnages reposant sur les stéréotypes, les clichés, les sentences, les lieux communs et sur les différentes formes de l’hétérogénéité énonciative. Sur le plan polyphonique, l’agencement du dialogisme dans le dialogue vinavérien tire parti des techniques formelles du montage, de la choralité, de l’intertextualité et de la correspondance des arts, formes qui produisent des décharges ironiques et esthétiques porteuses de signifiances multiples préservant l’ouverture de l’œuvre. Pour circonscrire les aspects du dialogisme et de la polyphonie, nous faisons appel à des notions et concepts empruntés aussi bien aux branches de la linguistique [analyse du discours, énonciation et pragmatique] qu’à l’ancienne et à la nouvelle rhétorique. / The study examines how the linguistic forms of dialogism and polyphony observed in Vinaver’s plays, on a microstructural level, give rise to the dramatic poetic art of the author. This poetic art focuses on the one hand on the relationship between the private territory of the characters and the political field of the agôn, and on the other hand, on the place and role of individuals and of art itself in the world of enterprise and in consumer society. Indeed, the theatrical aesthetics of Vinaver and the reflections of the author concerning the functions of writing drama today, and its relationship to reality seem closely related to the dialogical aspects of the character’s discourse that vary within a wide range including the use of stereotypes, clichés, aphorisms, commonplaces and argumentative topoï as well as the different forms of reported discourse or enunciative heterogeneity. On the polyphonic level, the arrangement of dialogic manifestations in the dialogue of Vinaver’s plays leads to the use of various technical forms such as the montage, the choir, the intertextuality and the trans-artistic aesthetic, creating ironical and aesthetic effects that carry multiple significations while preserving an openness in the meaning of the work. In order to describe the aspects of dialogism and polyphony, we will use notions and concepts adopted from the branches of linguistics [discourse analysis, enunciation and linguistic pragmatics] as well as from Ancient and modern rhetoric.

La présente thèse a pour ambition de présenter une nouvelle interprétation de la poésie du principal représentant de la première Renaissance en Espagne, Garcilaso de la Vega (ca. 1499-1536). Bien que partiellement influencée par le Canzoniere de Pétrarque, la cohérence de la poésie de Garcilaso n’émane pas de l’imitation de celui-ci. L’unité de son projet est rendue possible par l’invention d’une nouvelle esthétique, en parfait accord avec l’idéal éthique du courtisan alors formulé par Castiglione (Partie I). De cette poésie, l’Épître à Boscán peut se lire comme le programme. Les parties II et III de la thèse analysent, à partir de la théorie rhétorique et psychologique, l’importance de l’image conçue non comme figure de style, mais comme objet textuel (imago, ou phantasma), respectivement dans les textes d’inspiration pétrarquiste et dans ceux à la forme héritée des modèles antiques. Dans l’esthétique des premiers, cette image est l’image mentale de l’aimée et la poésie décrit ses ravages dans l’esprit de l’amant. Les compositions s’inspirant des Anciens, notamment des élégiaques et de Virgile, privilégient une image de nature artistique, dont la poésie s’évertue à célébrer la splendeur. De l’image de l’aimée à celle du prince, en passant par l’œuvre d’art qui donne de ces images une vision médiatisée, la description devient le lieu principal de la célébration poétique et, conformément à l’idéal de Castiglione, remplit pleinement son rôle épidictique. / This dissertation aims to present a new interpretation of the work of the main poet of the first Spanish Renaissance, Garcilaso de la Vega (ca. 1499-1536). Although it is partially influenced by Petrarch’s Canzoniere, the coherence of Garcilaso’s poetry does not only emanate from its imitation. Its unity is made possible by the poet’s invention of a new aesthetic, plainly in harmony with the ethic ideal designed at that time by Castiglione (1st part). Garcilaso’s Epistle to Boscán may be read as the poetical program of this project. The second and the third parts of the dissertation analyse, within a rhetorical and psychological frame, the importance of the image, conceived not as a stylistic device but as a textual object (imago, or phantasma), either in the texts inspired by the Petrarchists and in those who imitate antique forms. For the aesthetics of the first group, this image is the mental image of the beloved and the poetry pictures the disorder it causes in the lover’s mind. The texts which imitate the Ancients, especially the Elegiacs and Virgil, do prefer an artistic image and try to celebrate its splendour. The image of the beloved and the one of the prince, including those cases in which they are mediated by the charm of the art, determine the poetry as the most important place of the poetic celebration: as defined by Castiglione’s ideal, the poetry fulfils thus its epidictic function.

L’objet de cette thèse est d’étudier les changements qui s’opèrent au cours du XVIIe siècle dans la manière dont les passions sont exprimées et représentées dans la fiction narrative en prose. Avec le passage des longs romans aux nouvelles galantes, la date de 1660 est souvent considérée comme une date charnière pour le genre romanesque. Ce renouveau formel intéresse tout particulièrement la question de l’affectivité – aussi bien sur les plans stylistique, énonciatif que pragmatique. Alors que l’expression pathétique se voit redéfinie par la critique de l’ornement et la promotion du naturel, les vicissitudes du roman semblent en partie corrélées à celles de l’art de parler. Travaillant sur le siècle en son entier, à partir d’un vaste choix de textes fictionnels, de rhétoriques et de poétiques, nous avons voulu décrire une à une les étapes de ce bouleversement. Cette mise en perspective invite à nuancer le caractère novateur de la nouvelle historique et galante. Si le roman baroque se présente comme une anthologie de discours passionnés, on assiste, dès les années 1620, à l’effacement de la voix narrative et, par conséquent, des marques d’une narration émue. De même, le psycho-récit qui est associé dans l’histoire littéraire à La Princesse de Clèves est déjà une technique narrative bien attestée dans le premier XVIIe siècle. Nous inscrivant dans la lignée d’une histoire des formes littéraires, nous souhaiterions proposer une nouvelle périodisation du genre romanesque, à partir de l’examen de la sémiotisation des passions. / This PhD dissertation aims at studying the changes that took place during the XVIIth century in the way passions are expressed and represented in narrative fiction in prose. With the transition from long novels (« longs romans ») to the « nouvelles galantes », the year 1660 is often considered a landmark date for the novelistic genre. This formal renewal has a particular bearing on the question of affectivity, from a stylistic, enunciative and pragmatic point of view. Whereas pathetic expression is redefined by the critique of ornament and the promotion of the natural, the vissicitudes of the novel seem to be partly correlated to those of the art of speaking. By taking the whole century as our object of study, through a vast choice of fictional, rhetoric and poetic texts, we have tried to describe one by one the stages of this evolution. This perspective leads us to qualify the innovative character of the « nouvelle historique et galante ». The baroque novel presents itself as an anthology of passionate discourses. However, from the 1620s on, a fading away of the narrative voice, and consequently of the marks of an emotional narration, take place. Equally, the psycho-narration associated in literary history with the Princesse de Clèves is already a well attested narrative technique in the first XVIIth century. Following the tradition of the history of literary forms, we wish to offer a new periodisation of the novelistic genre, through the analysis of the semiotisation of passions.

L'objectif de ce travail est de donner accès aux discours, fragments et témoignages d'Alcidamas d'Élée (IVè s. avant J.-C.), orateur originaire d’Asie mineure, disciple de Gorgias et grand rival d'Isocrate. Cet auteur est une figure méconnue car marginale de l'histoire de la philosophie: l'établissement de ses textes sur de nouveaux frais puis leur analyse fournissent des éléments qui mettent en évidence des éléments conceptuels récurrents dans sa pensée et qui nous permettent, donc, de dessiner les contours d’une cohérence dans la réflexion du penseur. Ce travail comprend une première partie introductive et méthodologique où sont abordés les problèmes posés par la nature du corpus fragmentaire et la nature de la citation, l'état de la recherche et les raisons qui rendent nécessaire la retraduction de l'oeuvre alcidamantéenne. La deuxième partie est la traduction proprement dite: les discours, fragments et témoignages sont édités avec un apparat actualisé, une notice introductive, une traduction ainsi que de nombreuses notes complémentaires. Une étude lexicale synthétique du vocabulaire psychologique est proposée en troisième partie et vise à démontrer l'existence chez Alcidamas de la constitution d'un vocabulaire psychologique philosophiquement dense. Cette étude permettra de montrer en quoi le vocabulaire de la psychologie permet de se forger une idée de la cohérence des apports et de la pensée novatrice d’Alcidamas. / The main purpose of this work is to give access to the discourses, fragments and testimonials of Alcidamas of Elea (4th century BC), a rhetor born in Asia Minor, Gorgias' disciple and Isocrates’ great rival. This author is a relatively unknown figure of the history of philosophy.This work includes a first part introductive and methodological where are treated the problems posed by the very nature of the fragmentary corpus and of the quotation in Ancient Greece, the state of investigation and the motives why it is necessary to retranslate Alcidamas’ works. The second part is the translation itself: the discourses, fragments and testimonials are edited with an updated critical apparatus, an introduction, a translation and numerous complementary notes. A synthetic lexical study of the psychological vocabulary makes up the third part and aims to prove the existence in Alcidamas’ works of a philosophically consistent psychological vocabulary. This study will allow us to show the reason why a psychological vocabulary puts the emphasis on the coherence and innovative view of Alcidamas.