L’élégie connaît une vogue manifeste à l’aube de notre modernité, au sein de ce qu’il est convenu d’appeler le préromantisme et le romantisme. Mais cet engouement ne va pas sans susciter de profondes interrogations sur la dimension générique de l’élégie. En effet, depuis son acclimatation en français, l’élégie ne peut plus être définie par le seul critère formel, devenu douteux. En outre, dès l’âge classique, deux dangers minent le genre : sa variété thématique qui gêne sa définition et une évolution sclérosante qui le fige en clichés. Émerge donc le souci de rédimer un certain babélisme de l’élégie et d’en refonder le pouvoir expressif par le recours à la notion plus souple d’ « élégiaque ». La modernité de l’élégie s’adosse à cet héritage problématique et réclame une perspective d’étude résolument historique : la vitalité de l’élégie au seuil du XIXe siècle s’autorise d’une nouvelle saisie du genre, qui promeut l’élégiaque au rang de critère premier, ramenant peu à peu l’étiquette d’élégie à la portion congrue. L’œuvre de Millevoye permet de dater ce point de bascule, qui ouvre la voie à l’élégie romantique, attachée à la notion naissante de « lyrisme » et magnifiée par Lamartine sous les auspices de la méditation. Mais en refondant l’élégie sur l’expressivité élégiaque, la modernité romantique l’a soumise aux aléas des sollicitations du sujet par l’histoire, qui le déstabilisent. D’où un déplacement de l’écriture élégiaque durant la seconde moitié du XIXe siècle, dans le repliement intimiste, le dédoublement parodique et humoristique, ou encore la polyphonie, manifestations diverses d’une remise en cause de la source subjective de la plainte élégiaque. Quand revient à la surface du champ littéraire l’élégie revendiquée comme telle, à l’occasion du traumatisme de la Seconde Guerre mondiale, c’est pour cristalliser en un genre labile les doutes, les deuils et les sourires d’un lyrisme incertain de son propre chant comme de l’existence du sujet qui le hante plus qu’il ne le chante. / The elegy was fashionable at the dawn of modernity, during the periods which are known as Pre-Romanticism and Romanticism. But this infatuation with elegy was not without raising deep questioning on its generic dimension. Indeed since the French had appropriated the genre, the elegy can no longer be just defined by a formal criterion which has become disputable. Furthermore, as early as the classical period, two dangers have been subverting the genre: its wide range of themes which is an obstacle to our grasping its quintessence and an evolution at a standstill condemning it to stereotyped perceptions. And from this came the worry to amend the confusion existing around the elegy as well as the urge to revivify its expressive power around the more flexible notion of "elegiac". The modernity of the elegy relies on this problematic heritage and requires a study in historical perspective: the vitality of the elegy at the beginning of the XIXth century allowed itself to provide a new interpretation of its genre that promoted the elegiac as a decisive criterion. Millevoye’s works enables us to date this turning point which paved the way to the romantic elegy linked to the rising notion of "lyricism" and glorified by Lamartine under the auspices of meditation. But while revivifying the elegy on elegiac expressiveness, romantic modernity compelled with the subject having to respond to historical vagaries that were eventually unsettling. Hence a shifting away from elegiac writing during the second half of the XIXth century into intimist withdrawal, parodic splitting or polyphony, all of them being various utterances of a questioning of the elegiac complaint’s subjective source. When the elegy as such resurfaced the literary scene owing to the trauma of the Second World War, it featured a shifting genre to crystallize the doubts, mournings and smiles of a lyricism as uncertain of its own song as the very existence of a subject that haunted its lines more than he inhabited them.

A thèse est consacrée à l’examen de l’image de la Chine en France au siècle des Lumières et au dialogue entre deux civilisations, orientale et occidentale. L’analyse des œuvres littéraires, philosophiques et historiques, ainsi que des documents d’archives fait découvrir l’engouement pour la Chine au siècle des Lumières, les raisons pour lesquelles Voltaire et Montesquieu s’intéressent à ce pays lointain, le rôle des missionnaires catholiques en Chine à cette époque. Les penseurs français ne se contentent pas de consacrer leurs ouvrages à la philosophe et à la civilisation chinoise, ils proposent des mesures concrètes pour mettre en application leurs idées. Dans ce dialogue paradoxal ils inventent la Chine pour changer la France. Cette recherche a pour but de comparer des approches philosophiques françaises et chinoises pour comprendre, comment la diffusion de la philosophie de Confucius en Europe sert le développement des idées d’indépendance et de libre pensée. / The thesis is devoted to the examination of the image of China in France in the Enlightenment and dialogue between two civilizations, East and West. The analysis of literary, philosophical and historical and archival documents to discover the enthusiasm for China in the Enlightenment, why Voltaire and Montesquieu interested in this distant country, the role of missionaries Catholics in China at that time. The French thinkers do not just dedicate their works to the philosopher and Chinese civilization, they propose concrete measures to implement their ideas. In this paradoxical dialogue they invent China to change France.This research aims to compare French and Chinese philosophical approaches to understand how the dissemination of the philosophy of Confucius in Europe is the development of ideas of independence and free thought.

Notre travail s’attache à étudier les particularités de l’emploi du dialogue dans la première moitié du vingtième siècle par Paul Claudel, Paul Valéry, André Gide et Valery Larbaud. Il distingue des appropriations spécifiques du genre chez chacun des auteurs. Il met également en évidence une diversité de ses usages en fonction des sujets abordés et des projets poursuivis. De ces utilisations variées on dégage cependant une même fonction du dialogue : il remplit un rôle médiateur – entre les multiples facettes d’un même écrivain, entre le moi et les autres, entre le monde et une représentation qui tente de l’informer. / Our work focuses on the study of the peculiarities of the use of the dialogue in the first half of the twentieth century by Paul Claudel, Paul Valéry, André Gide and Valery Larbaud. It shows how each author took hold of the dialogue in his own specific way. It also highlights the various ways these writers used it, depending on the topics chosen and their purposes. However, from these various uses one may draw out a prevailing function of the dialogue : it fulfills the role of a mediation – between the many facets of a writer, between myself and the others, between the world and a representation which tries to have an impact on it.

Bien que fort différents, les romans des années 1950 d’Alain Robbe-Grillet et les romans des années 1960 de Robert Pinget ont prétendu contester les formes littéraires que le XXe siècle a héritées du siècle précédent, et notamment la description dite « balzacienne ». Nous interrogeons ici les modalités linguistiques de cette contestation et l’ambiguïté littéraire de ce déni d’héritage. La relation entre la description telle que l’ont pratiquée d’une part ces deux « Nouveaux Romanciers » et d’autre part les grands auteurs réalistes du XIXe siècle est ici envisagée selon une triple perspective : le maintien ou non d’une textualité prototypiquement méronymique ; la construction langagière d’une réalité dont l’existence est soudain moins sûre ; l’effacement énonciatif et ses conséquences esthétiques. Selon une approche résolument technique, les descriptions romanesques de Pinget et de Robbe-Grillet sont donc ici systématiquement mises en regard de descriptions canoniques de Balzac, mais aussi de Flaubert et de Zola. La contestation du protocole réaliste repose en effet sur une reprise et un refus : la complexité textuelle, la confusion dénotative et reférentielle, l’instabilité énonciative permettent aux deux romanciers de procurer des descriptions à la fois hyperréalistes et antiréalistes. Tout en prenant acte de la différence radicale des deux auteurs, il s’agit finalement de montrer comment l’un et l’autre sont parvenus à mettre au point un protocole descriptif résolument nouveau, qui rende compte du monde en tant qu’il est et en tant qu’il échappe. / Although very different, the novels of the 1950s by Alain Robbe-Grillet and of the 1960s by Robert Pinget claimed to challenge the literary forms that the twentieth century has inherited from the previous century, including the description of Honoré de Balzac. We question here the linguistic modalities of this confrontation, as well as the literary ambiguity of this denial of inheritance.The relationship between the description as have practiced these two "New Novelists" and on the other hand the great realistic writers of the nineteenth century is considered here in a triple perspective: maintenance / defence - or not – of a textuality, which is prototypically based on meronymy ; the linguistic construction of a reality whose existence is suddenly uncertain ; the enunciative erasure and its aesthetic consequences. In a decidedly technical approach, the descriptions of the novels of and Robbe-Grillet and Pinget are systematically opposed to the canonical descriptions of Balzac, but also to some extent to Flaubert and Zola. Challenging the realistic protocol is indeed based both on a recovery and a refusal: the textual complexity, the denotative and referential confusion and the enunciative instability allow these two novelists to provide descriptions which can be considered hyperrealistic as well as antirealistic. Eventually, while acknowledging the radical difference between the two authors, the aim is to show how both writers have managed to develop a considerably new descriptive protocol that reflects the world as it is and as it escapes.

Ce travail analyse le rôle fondamental du royaume arthurien dans le récit breton du XIIe siècle. Ce lieu soulève des problématiques relatives aux fonctions de la souveraineté et tend vers la définition d’un idéal qu’on appellera « eutopique ».L’étude repose sur l’hypothèse de l’existence de deux « domaines » arthuriens qui donnent aux textes leur polarité fondamentale : le domaine courtois d’une part, qui se caractérise par une emprise masculine, celle d’Arthur, et le domaine merveilleux qui est davantage marqué par des figures féminines, souvent féeriques. Ce dernier domaine figure un envers symbolique du domaine d’origine du héros dont le parcours met en lumière une tension dialectique féconde. En effet, l’aventure le conduit du domaine courtois au domaine merveilleux, pour le ramener à la fin à la cour d’Arthur. Or ce retour ne signifie pas une régression au point de départ, mais implique au contraire la définition d’un nouvel espace, à la fois concret et idéal, à la tête duquel le héros, désormais investi de la fonction royale, règnera en assurant le bien-être de sa communauté. Ce troisième lieu est donc distinct du domaine courtois originel et en propose une variante régénérée. Le nouveau royaume qui émerge à l’issue de l’aventure chevaleresque peut ainsi être appelé « eutopique ». C’est le lieu de la construction d’un idéal humble, assurant la satisfaction des besoins humains les plus simples : l’abondance alimentaire, et de manière générale la réparation de toutes les « mauvaises coutumes » que le roi fatigué a laissé s’installer. Il se situe donc aussi aux antipodes d’idéaux plus abstraits pour poser cette aspiration simple d’une vie à mesure humaine. / This thesis analyses the fundamental role of the Arthurian kingdom in the Arthurian narrative of the twelfth century. This place raises issues related to the functions of sovereignty and tends towards the definition of an ideal that will be called « eutopic ».The study is based on the hypothesis of the existence of two Arthurian « domains » which give to the texts their fundamental polarity: on the one hand, there is the courteous domain, which is characterized by a male authority, that of Arthur, and on the other hand, the marvelous domain is comprised of fairy feminine figures. The marvelous domain is a symbolic reverse of the hero’s original domain, whose path highlights a dialectical tension. Indeed, the adventure leads him from the courteous domain to the marvelous one, to bring him back at the end to Arthur’s court. This return does not mean a regression to the starting point, but on the contrary implies the definition of a new space, both concrete and ideal, at the head of which the hero, now invested with the royal function, will reign by ensuring the well-being of his community. Therefore, this third place is distinct from the original courteous domain and proposes a regenerated variant. The new kingdom that emerges at the end of the chivalrous adventure can thus be called « eutopic ». It is a place for the construction of a humble ideal, ensuring the satisfaction of the simplest human needs: the abundance of, and more generally the restoration of all the « bad customs » that the tired king let settle down. It is the antithesis of more abstract ideals to pose this simple aspiration of human scale life.

À travers ses créations littéraires, Vénus Khoury-Ghata, écrivaine libanaise francophone vivant à Paris, propose une alternative à une représentation cloisonnante du Liban et de l’identité libanaise. Son regard, développé en français depuis le « dehors », met à profit sa marginalisation à l’égard d’une littérature nationale soucieuse d’« authenticité culturelle » pour inventer d’autres images de son pays d’origine. L’effet littéraire et stylistique produit par une écriture poétique et romanesque, qui se situe à l’intersection des cultures et des langues, est particulièrement saisissant dans son emploi de la métaphore. Cette figure de style est envisagée d’abord à travers les problématiques de la représentation du national, puis dans sa fonction de « passeur culturel » dans le texte, dans un premier temps dans une perspective interculturelle, et dans un second temps dans une perspective transculturelle.Dès lors que l’on considère la culture comme un processus plutôt que comme un patrimoine, la métaphore khouryghatienne se présente comme un dispositif stylistique dans le texte qui ouvre des possibles dans les discours identitaires. En ce sens elle joue chez Vénus Khoury-Ghata le même rôle que la Relation dans la totalité-monde glissantienne. Par le travail de la métaphore, l’œuvre khouryghatienne ouvre la conscience nationale à la conscience mondiale en réalisant la rencontre entre de multiples cultures et œuvre à la compréhension et à la reconstruction identitaire du peuple libanais. / Through her literary works, Francophone Lebanese writer Vénus Khoury-Ghata who resides in Paris, suggests an alternative idea to that of the isolated representation of Lebanon and of the Lebanese identity. Expressed in French from the outside of her motherland’s limits, her point of view makes good use of her marginalization towards the national literature which worries about its “cultural authenticity” while aiming to invent other images of her own country.The literary effect produced through the writing of her poetry and novels, which is situated and placed in the meeting point of cultures and languages, is thought particularly striking through her use of the metaphor. This figure of speech is contemplated primarily through the issues about the representation of the Nation, and it is then dealt with its function of “cultural crossing” through text, firstly in an intercultural perspective and secondly in a transcultural one. Seeing that they consider culture as a process rather than that of heritage, the khouryghatien metaphor in the text stands as a way of disclosing the realms of “possibles” in the Identity studies. In this sense, it plays the same role in Vénus Khoury-Ghata’s work as the Relation in Glissant’s total world. Through the metaphor task, khouryghatien poetry and novels widen national consciousness to the world by encouraging the meeting among multiple cultures and it also works for understanding and reconstructing the identity of the Lebanese people. / Attraverso le sue creazioni letterarie Vénus Khoury-Ghata, scrittrice libanese francofona residente a Parigi, propone un'alternativa ad una rappresentazione separativa del Libano e dell'identità libanese. Il suo punto di vista, elaborato in francese "dall'esterno", mette a profitto la propria marginalizzazione rispetto ad una letteratura nazionale attenta a preservare un’"autenticità culturale" per creare immagini diverse del suo paese d'origine. L'effetto letterario e stilistico prodotto da una scrittura - e in versi e in prosa - situata nell'intersezione di culture e lingue, riesce particolarmente incisivo nell'uso della metafora. Questa figura stilistica viene esaminata anzitutto attraverso le problematiche della rappresentazione del significato nazionale, quindi nella sua funzione di "passeur culturale" nel testo, dapprima nell'ambito di una prospettiva interculturale e poi entro una prospettiva transculturale. Qualora si intenda la cultura come un processo "in fieri" anziché un patrimonio esclusivo da salvaguardare, la metafora khouryghatiana appare come un dispositivo stilistico atto ad aprire dei "possibili" nei discorsi identitari. In questo senso essa gioca nell’opera di Khoury-Ghata lo stesso ruolo della Relazione nella totalità-mondo di Édouard Glissant. Tramite la creazione della metafora, l'opera khouryghatiana apre, dunque, la consapevolezza nazionale a quella mondiale favorendo l'incontro tra più culture e concorre alla comprensione e alla ricostruzione identitaria del popolo libanese.

Dernière reine d’Égypte, Cléopâtre est, en France, la première héroïne de tragédie. Présentée comme un monstre de débauche et d’ambition par les auteurs latins, elle devient une figure majestueuse et digne sur la scène : la dramaturgie humaniste naît sous le signe de l’éloge.L’entrelacement des thèmes et des motifs, la composition des pièces ainsi que le travail stylistique et rhétorique des dramaturges mettent en place un tribunal où est instruit le procès de Cléopâtre, l’étrangère, la femme fatale qui a déjà séduit César et qui, responsable d’Actium, précipite la mort de Marc Antoine. Mais le suicide de la reine est mis en valeur par le recours au dénouement étendu, instrument dramaturgique au service d’une logique d’héroïsation. Ainsi réhabilitée dans le théâtre humaniste et « classique », la figure de Cléopâtre illustre à merveille la définition du héros tragique. / Cleopatra, the last queen of Egypt, is the first heroine of tragedy in France. Depicted by Latinauthors as a debauched and ambitious monster, she became a lofty and dignified figure onstage: thus was born humanist dramaturgy under the sign of eulogy. The interlacing ofthemes and topics, the composition of the plays together with the stylistic and rhetorical workof the playwrights set up a court where is conducted the trial of Cleopatra, the foreigner, thefemme fatale who had seduced Caesar and who, responsible for the defeat of Actium,hastened Mark Antony’s death. But the suicide of the queen is enhanced by the use of theextended outcome, a dramatic instrument serving a logic of heroizing. Thus cleared of hermisdeeds in the humanist and "classic" theatre, the figure of Cleopatra marvelouslyillustrates the definition of the tragic hero

La spécificité de l’œuvre d’André du Bouchet se tient dans un lien extrêmement étroit avec les arts plastiques et les artistes. Son écriture engage la poésie, à l’égal de la peinture, dans la compréhension de l’énigme de la visibilité, en inventant sa propre mise en espace. La page est traitée comme une surface où le fait d’agencer des termes selon des orientations spécifiques octroie au support le bénéfice de l’énergie exercée par cette spatialisation des éléments, en plus de la tension déployée par les entrelacs du sens. Trois axes sont ainsi successivement abordés : le Tracé, la Vision, et le Support. Chacune des opérations lexicales comme syntaxiques procèdent du souci de désenclaver les notions qui viennent clore le sens et de porter l’accent sur la mobilité. Ainsi, André du Bouchet entend approcher les procédés que les peintres mettent en œuvre pour rendre compte, et de leur vision du monde, et de cette échappée du réel à laquelle ils se confrontent. S’interrogeant sur le regard porté sur le monde, puis retournant la question sur la façon dont le monde vient au regard, il façonne cette « langue sans parler…..aveuglément peinture » qui fait entrevoir une réalité inédite. Sa conception d’une épaisseur du support s’appuie sur une pensée en volume qui substitue aux coordonnées spatio-temporelles de la géométrie de l’espace des qualités intensives liées à une appréhension kinesthésique du monde. Il fonde une énergétique de l’espace et engage, ce faisant, une conception de la place de l’homme dans le monde entendue comme déplacement, emportement incessant. / The specificity of André du Bouchet's work lies in its intimate connection with the fine arts and artists. His writing commits poetry - the way painting does - to understanding the riddle of invisibility by inventing its own spatial disposition. The page of a book is treated like a surface which disposing terms together according to specific orientations gives the medium the energy exerted by that spatialisation of elements, on top of a tension displayed by the interweaving of word meaning. Three lines of research are thus treated in succession : Layout, Vision and Medium. Each lexical and syntactic operation aims at opening up the notions which give a limit to meaning, and to emphasise mobility. in this manner, André du Bouchet, intends to come close to the techniques that painters apply in order to express their vision of the worl, but also the escape from reality which they confront themselves to. Pondering on the way we look at the world and then - conversely - on the way the world appears to the eye, he shapes that "speechless language ... dazzlingly painting" which gives a glimpse of an unfamiliar reality. His thinking in terms of volume explains his conception of a multi-layer medium ; its substitutes the space-time coordinates of space geometry for intensive qualities linked to a kinaesthetic apprehension of the world. He brings into being a form of energetics of space and thus introduces a conception of man's place in the world as movement and constant flow.

L’œuvre littéraire de Boris Vian interpelle par la diversité des émotions qu’elle suscite. Elle est pourtant restée longtemps méconnue, masquée par les talents protéiformes de son auteur. Boris Vian, dont la majorité des textes ont été publiés à titre posthume, fut perçu comme un touche-à-tout avant d’être véritablement reconnu comme écrivain, pour finalement entrer dans l’édition de la Pléiade en 2010, cinquante et un an après sa mort. Le premier réflexe est de faire appel à la notion de fantaisie pour analyser son œuvre. Le monde fictionnel qu’il crée est un univers fantaisiste où triomphent imaginaire et inventivité. Pourtant, des univers contradictoires s’entremêlent : féerie et cruauté, légèreté et inquiétude, désinvolture et gravité, imaginaire et réalité. En nous appuyant uniquement sur les textes de fiction en prose (romans, nouvelles et pièces de théâtre), nous nous sommes donc interrogés sur la légitimité de la notion de fantaisie. Son évidence apparente résiste-t-elle à un examen plus poussé ? Ce questionnement nous a conduits à élaborer la notion de « fantaisie noire ». Tantôt féerique, invraisemblable, langagière, comique ou parodique, la fantaisie se heurte à l’intériorité des personnages et à un sentiment d’inquiétude qui contamine les êtres et les choses. La fantaisie cède le pas à la noirceur d’un monde étouffant où le fantasme se révèle dans toute sa puissance. Le retour à la fantaisie n’est alors possible que par des effets de distanciation comiques et une inventivité langagière qui contribue à laisser l’œuvre ouverte. / Boris Vian's literary work calls to mind by the feelings it arouses. For a long time it nevertheless remained unknown concealed by its author's protean talents. Boris Vian, whose texts were mostly published posthumously, wasn't at the beginning seen as a writer to finally get in the Pléiade in 2010, 51 years after his death. To analyse his work it appears natural to consider the idea of fantasy. The fictional world he created remains a fantasist one where imagination and inventiveness prevail. Yet, opposing worlds get mixed up: fairy and cruelty, casualness and anxiety, indifference and seriousness, fantasy and reality. Considering only the fictional texts in prose (novels, short stories and plays) we questionned the legitimity of the fantasy notion. Does its obviousness withstand a further analysis? This questioning drove us to the idea of 'fantaisie noire'. Sometimes magical, incredible, linguistic, comical or parodic, the fantasy collides with the inwardness of the characters and with an anxiety that contaminates both beings and objects. The fantasy defers to an oppresive world where the dream reveals itself in all its power. The come back to fantasy is then only possible by comical detachments and a linguistic inventiveness that contributes to let the work opened.

Au XVIe siècle en Europe, les divisions religieuses au sein de la Chrétienté se répercutent au niveau littéraire dans des débats polémiques extrêmement vifs où les thèmes du blasphème, de l'hérésie, de l'hétérodoxie et de la déviance occupent une place majeure. Dans ce climat d'intolérance, se construit, difficilement, sous des plumes isolées comme celle du calviniste dissident Castellion (1515-1563), exilé à Genève, puis réfugié à Bâle, une tolérance pré-moderne qui n'est pas celle des Lumières. Les ouvrages polémiques de Sébastien Castellion ont eu tendance à être occultés par ses traductions de la Bible qui le firent reconnaître comme l'un des pionniers de la critique biblique (traduction intégrale de la Bible du grec en latin, 1551, puis du grec en français, 1555). Or dans ces mêmes années, Castellion a subi les attaquesdes calvinistes pour avoir pris la défense de Michel Servet (1553), ce qui se traduisit par la rédaction de l'Historia de morte Serveti, du De Haereticis / Traité des Hérétiques (1554) et d'autres traités publiés à titre posthume (Contra libellum Calvini). Ces textes publiés parfois sous d'autres noms (Martin Bellie / Georges Kleinberg / Basile Montfort) sont plus que des réponses circonstancielles à des opuscules de Calvin ou à des conceptions portées par Bèze. La conception de latolérance qu'ils expriment (sur fond de scepticisme doctrinal, aux dires de ses adversaires) est représentative d'un courant de pensée particulier. La recherche récente a montré que la structure argumentative, grammaticale et lexicale des écritsfrançais et latins de Sébastien Castellion révèle des propriétés originales dont l'analyse aide à mieux comprendre l'outillage mental des contemporains face aux enjeux théologiques et éthiques que posait le pluralisme confessionnel et doctrinal. Une étude lexicologique et sémantique de ces textes de combat réalisée avec l'aide d'outils nouveaux comme un logiciel de textométrie permet de renouveler nos connaissances sur une histoire de la tolérance qui reste très instructivepour l'époque contemporaine. / In the 16th century in Europe, religious divisions of christianity erupt in vigorous polemic debates which are fought in literature. The themes of blasphemy, heresy, heterodoxy and deviance become paradigmatic for the political and social changes of the century. In this very special context, a pre-modern idea of tolerance arises in the writings of a few thinkers, like Sebastian Castellio, a former calvinist who veered away from the orthodoxy in Geneva and who took refuge in Basle.The polemical writings of Castellio vanish behind his tranlations of the Bible in latin (1551) and in french (1555), who made of him one of the first critics of the holy scripture. But in the same years, Castellio is violently attacked by the calvinists party for having defended Michael Servetus (1553): a polemic debate on the impunity of heretics breaks out between John Calvinand Sebastian Castellio, who writes his Historia de Morte Serveti and De haereticis / Traité des hérétiques (1554), and other texts which are edited after his death (Contra libellum Calvini) in order to defend his conviction of freedom of conscience. These writings, partly published under pseudonym (Martin Bellius / Georges Kleinberg / Basile Montford) are more then simple answers of circumstance to the texts of Calvin and Théodore de Bèze. They express an idea oftolerance (based on a doctrinal scepticism, as say his adverseries) which is representative for a particular thinking. Recent research has shown that the grammatical, linguistical and logical structure of Castellio's french and latin writings presents a number of original properties. Their analysis can contribute to understand the contemporary mental tools for dealingwith ethical and theological challanges of confesional and doctrinal pluralism. A semantical and lexicological study with a recent texometrical software tool (TXM) allows us to discover new aspects of the history of tolerance, which are revealing for our own century. / Im 16. Jahrhundert zeigen sich die religiösen Spaltungen des Christentums in lebhaften polemischen Debatten in der Literatur. Die Themen der Abweichung, der Blasphemie, der Ketzerei und der Heterodoxie werden paradigmatisch für die politischen und sozialen Spannungen der Epoche. In diesem Klima der Unversöhnlichkeit entsteht allmählich der Gedanke vormoderner Toleranz. Die polemischen Schriften des calvinistischen Abweichlers Sebastian Castellio, der in Basel im Exil lebt, werden von seinen beiden Bibelübersetzungen (1551 lateinisch, 1555 französisch) überschattet, die den Nonkonformisten zu einem der ersten kritischen Bibelübersetzer gemacht haben. Nichtsdestoweniger ist Castellio 1553 heftigsten Angriffen der Calvinisten ausgesetzt, da er in seinen Schriften Michael Servetus verteidigt, der kurz zuvor in Genf als Ketzer verbrannt worden ist. Die heftige Polemik zwischen Johannes Calvin und Sebastian Castellio äussert sich in seinen Schriften Historia de Morte Serveti und De haereticis / Traité des hérétiques (1554), sowie in anderen Texten, die posthum veröffentlicht werden (Contra libellum Calvini). Diese Texte, die teilweise unter einem Pseudonym erscheinen (Martinus Bellius / Georges Kleinberg / Basilius Montfort), sind mehr als nur anlassbezogene Antworten auf die doktrinären Schriften Calvins und Theodor Bezas. Die Konzeption der Toleranz, die Castellio darin entwickelt, und die sich laut seinenGegnern auf einen Skeptizismus gegenüber den konfessionellen Lehren gründet, ist repräsentativ für ein besonderes Menschen- und Weltbild. Die jüngste Forschung hat aufgezeigt, dass die grammatikalische, argumentative und lexikalische Struktur des Texte Sebastian Castellios einzigartige Eigenheiten besitzt, deren Analyse zu einem besseren Verständnis der „geistigen Werkzeuge“ der Zeitgenossen angesichts der theologischen und ethischen Umwälzungen der konfessionellen Epoche beitragen kann. Die semantische und lexikologische Untersuchung der Kampfschriften Castellios anhand einer neuen Software für Textometrie (TXM) wirft ein neues Licht auf die Geschichte der Toleranz, die für unsere Epoche wegweisend ist.