[ES] La representación del territorio ha suscitado un gran interés en los artistas a lo largo de la historia. El principal objetivo de esta investigación consiste en estudiar la relación entre el mapa y la producción de artistas contemporáneos del siglo XX y XXI. Para entender el lenguaje cartográfico analizamos el origen del mapa, su evolución hasta nuestros días y su relación con el arte a lo largo de la historia. Posteriormente indagamos, sobre algunas cuestiones que tienen que ver con la representación del territorio, como su relación con los intereses políticos y económicos. Porque como defiende J.B. Harley en su libro La nueva naturaleza de Los Mapas: Ensayos Sobre La Historia de la Cartografía, los mapas no son una representación objetiva del mundo. La información geográfica que presentan está condicionada para crear una imagen que favorezca unos intereses determinados. La necesidad de entender estos mecanismos de poder nos obliga a analizar la estructura del lenguaje cartográfico y deconstruirlo para descubrir las intenciones ocultas que se encuentran tras un lenguaje su-puestamente objetivo. Esta investigación nos ayuda a profundizar en el lenguaje cartográfico para entender cómo nos relacionamos con el entorno y cómo su percepción puede ser traducida a una obra de arte. Para resolver esta cuestión, analizamos la obra de diferentes artistas del siglo XX y XXI, que utilizan dichos conceptos cartográficos en sus investigaciones artísticas. Este estudio nos permite constatar la importancia de dichas investigaciones tanto por su cantidad como por su calidad y por otra parte nos ayuda a entender el creciente interés de los artistas por cuestiones cartográficas. Por otra parte, como artista, esta investigación nos permite mejorar la solvencia conceptual de nuestra obra, mejorando su calidad en muchos aspectos. / [CA] La representació del territori ha suscitat un gran interès en els artistes al llarg de la història. El principal objectiu d'aquesta investigació consisteix a estudiar la relació entre el mapa i la producció d'artistes contemporanis del segle XX i XXI. Per a entendre el llenguatge cartogràfic analitzem l'origen del mapa, la seua evolució fins als nostres dies i la seua relació amb l'art al llarg de la història. Posteriorment indaguem, a un nivell teòric, algunes qüestions que te-nen a veure amb la representació del territori, com la seua relació amb els interessos polítics i econòmics. Perquè com defensa J.B. Harley en el seu llibre, La nova naturalesa dels Mapes: Assajos Sobre La Història de la Cartografia, els mapes no són una representació objectiva del món. La informació geogràfica que presenten està condicionada per a crear una imatge que afavorisca uns interessos determinats. La necessitat d'entendre aquests mecanismes de poder ens obliga a analitzar l'estructura del llenguatge cartogràfic i desconstruirlo per a descobrir les intencions ocultes que es troben després d'un llenguatge suposadament objectiu. Aquesta investigació ens ajuda a aprofundir en el llenguatge cartogràfic per a entendre com ens relacionem amb l'entorn i com la seua percepció pot ser traduïda a una obra d'art. Per a resoldre aquesta qüestió, analitzem l'obra de diferents artistes del segle XX i XXI, que utilitzen aquests conceptes cartogràfics en les seues investigacions artístiques. Aquest estudi ens permet constatar la importància d'aquestes investigacions tant per la seua quantitat com per la seua qualitat i d'altra banda ens ajuda a entendre el creixent interès dels artistes per qüestions cartogràfiques. D'altra banda, com a artista, aquesta investigació ens permet millorar la solvència conceptual de la nostra obra, millorant la seua qualitat en molts aspectes. / [EN] The representation of territory has aroused great interest in artists throughout history. The main objective of this research is to study the rela-tionship between maps and the production of /the works produced by con-temporary artists of the 20th and 21st centuries. In order to understand cartographic language, I will look at the origin of the map, its evolution up to the present day and its relationship with art throughout history. On a theoretical level, I will subsequently analyse a series of questions related to the representation of territory, such as its relationship with political and economic interests. As Harley argues in his book The New Nature of Maps: Essays in the History of Cartography, maps are not an objective representation of the world. Instead, the geographical information they present is conditioned to create an image that favours certain interests. The need to understand these mechanisms of power forces us to analyse the structure of cartographic language and deconstruct it in order to uncover the hidden intentions behind a supposedly objective language. This theoretical enquiry helps us study cartographic language in more detail so as to understand how we relate to the environment and how its per-ception can be translated into a work of art. To resolve this matter, I will analyse the work of different artists of the 20th and 21st centuries who use these cartographic concepts in their artistic research. This study allows us to see the importance of these investigations, both in terms of quantity and quality, and also helps us to understand the artists' growing interest in cartographic issues. On the other hand, as artist, this research allows us to improve the conceptual soundness of our work, improving its quality in many aspects. / Valero Hoyo, V. (2023). El mapa en el arte contemporáneo, el arte contemporáneo en el mapa. (Viaje al recorrido, al caminar, de la geografía al individuo, del exterior al interior) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/192299

[ES] La historia del ser humano está repleta de tragedias y padecimientos, hechos que, marcándolo profundamente, lo han acompañado tanto en su memoria, la memoria de la piel o esa otra memoria plástica llamada creación. Vemos cómo, la sociedad ha evolucionado vertiginosamente en muchos de los sentidos respecto a quienes vivían en las cavernas, pero si algo aún nos iguala, ello es el DOLOR. El término DOLOR es genérico y puede presentarse desde distintas dimensiones. Ser físico y afectar a nuestro cuerpo o ser mental y padecerlo nuestra alma. Un cáncer, vivido en la propia piel, es el que nos ha motivado a reflexionar a través de nuestra propia práctica artística sobre algunos aspectos transversales al ser humano como son el DOLOR, el SUFRIMIENTO, la ENFERMEDAD o la MUERTE. Como resultado, planteamos una tesis doctoral que indaga sobre estos temas en los que, tras el estudio y acotación de términos, trata de discernir cómo, a pesar de ser comunes a todos los individuos, cada uno los procesamos y experimentamos de forma muy distinta. Aclarar que NO somos psicólogos, psicoterapeutas, médicos, historiadores, sociólogos ni teólogos; SOMOS CREADORES que, sin perder de vista el rigor, la coherencia y un detallado análisis de los temas seleccionados hemos planteado esta investigación desde la propia vivencia y nuestro posicionamiento ante el hecho artístico. Así, para abordar la visión sobre el dolor, se han seleccionado una serie de artistas que nos muestran que hay tanta variedad de padecimientos como formas de procesarlos desde la creación. Todos ellos, nos sumergen en una serie de realidades sobrecogedoras de las que nos hemos hecho eco en esta investigación. Hemos tratado, por un lado, los traumas, las acciones o los horrores del pasado e, incluso, los padecimientos voluntarios y que todos ellos acompañan a la persona en su día a día. Y, por otro lado, desde la No Salud, hemos trabajado la incapacidad o el contratiempo tanto desde lo orgánico y biológico de la propia enfermedad, como desde el plano social en el que tiene cabida el rechazo y lo estigmatizante. En cuanto a la muerte, realizamos un recorrido desde el duelo a la estética de la muerte asociada tanto a la universalidad del conocimiento a la hora de comunicar, como a las reacciones afectivo-personales de presenciar historias de muerte y sufrimiento. Variadas han sido las referencias y fuentes documentales a las que hemos acudido. Destacar las entrevistas que nos hablan en primera persona sobre el dolor, propio o ajeno, o las referencias médicas. Voces a las que interrogamos sobre cómo se viven y afrontan las historias de dolor, sufrimiento, enfermedad y muerte. Una tesis doctoral en la que la investigación se centra en vislumbrar cómo todas estas vivencias tienen su reverberación en el Arte. Descubrir el qué, el cómo, el cuándo y el porqué de las distintas soluciones plásticas en las que podemos ver cómo algunos artistas han partido de su experiencia personal para, a través de su producción artística, reflexionar, denunciar, mostrar, visibilizar, purgar o incluso como resiliencia, el dolor, el sufrimiento, la enfermedad y/o la muerte. Con todo ello hemos construido un cuerpo teórico-práctico que nos ha permitido reflexionar sobre el ciclo natural de la vida en el que desde el nacimiento hasta la muerte existe un dolor que, al igual que nos perturba, ha guiado nuestra supervivencia. Una experiencia personal que queda patente en nuestra producción artística que concluye nuestra investigación y que se muestra en la última parte de esta tesis doctoral. Obras que reflejan un tratamiento del dolor relacionado tanto con la vivencia personal de la enfermedad, como con los golpes e infortunios que atentan contra los demás y que, desafortunadamente han desencadenado en la muerte de la que también hemos sido testigos y que esta tesis deja constancia. / [CA] La història de l'ésser humà està repleta de tragèdies i patiments, fets que, marcant-lo profundament, l'han acompanyat tant en la seua memòria, la memòria de la pell o aqueixa altra memòria plàstica anomenada creació. Veiem com la societat ha evolucionat vertiginosament en molts dels sentits respecte als qui vivien en les cavernes, però si alguna cosa encara ens iguala, això és el DOLOR. El terme DOLOR és genèric i pot presentar-se des de diferents dimensions. Ser físic i afectar el nostre cos o ser mental i patir-lo la nostra ànima. Un càncer, viscut en la pròpia pell, és el que ens ha motivat a reflexionar a través de la nostra pròpia pràctica artística sobre alguns aspectes transversals a l'ésser humà com són el DOLOR, el SOFRIMENT, la MALALTIA o la MORT. Com a resultat, plantegem una tesi doctoral que indaga sobre aquests temes en els quals, després de l'estudi i acotació de termes, tracta de discernir com, malgrat ser comuns a tots els individus, cadascun els processem i experimentem de forma molt diferent. Aclarir que NO som psicòlegs, psicoterapeutes, metges, historiadors, sociòlegs ni teòlegs; SOM CREADORS que, sense perdre de vista el rigor, la coherència i una detallada anàlisi dels temes seleccionats hem plantejat aquesta investigació des de la pròpia vivència i el nostre posicionament davant el fet artístic. Així, per a abordar la visió sobre el dolor, s'han seleccionat una sèrie d'artistes que ens mostren que hi ha tanta varietat de patiments com maneres de processar-los des de la creació. Tots ells, ens submergeixen en una sèrie de realitats colpidores de les quals ens hem fet eco en aquesta investigació. Hem tractat, d'una banda, els traumes, les accions o els horrors del passat i, fins i tot, els patiments voluntaris i que tots ells acompanyen a la persona en el seu dia a dia. I, d'altra banda, des de la No Salut, hem treballat la incapacitat o el contratemps tant des de l'orgànic i biològic de la pròpia malaltia, com des del pla social en el qual té cabuda el rebuig i l' estigmatització. Quant a la mort, realitzem un recorregut des del duel a l'estètica de la mort associada tant a la universalitat del coneixement a l'hora de comunicar, com a les reaccions afectiu-personals de presenciar històries de mort i sofriment. Variades han sigut les referències i fonts documentals a les quals hem acudit. Destacar les entrevistes que ens parlen en primera persona sobre el dolor, propi o alié; o les referències mèdiques. Veus a les quals interroguem sobre com es viuen i afronten les històries de dolor, sofriment, malaltia i mort. Una tesi doctoral en la qual la investigació se centra en albirar com totes aquestes vivències tenen la seua reverberació en l'Art. Descobrir el quin, el com, el quan i el perquè de les diferents solucions plàstiques en les quals podem veure com alguns artistes han partit de la seua experiència personal per a, a través de la seua producció artística, reflexionar, denunciar, mostrar, visibilitzar, purgar o fins i tot com a resiliència; el dolor, el sofriment, la malaltia i/o la mort. Amb tot això hem construït un cos teoricopràctic que ens ha permés reflexionar sobre el cicle natural de la vida en el qual des del naixement fins a la mort existeix un dolor que, igual que ens pertorba, ha guiat la nostra supervivència. Una experiència personal que queda patent en la nostra producció artística que conclou la nostra investigació i que es mostra en l'última part d'aquesta tesi doctoral. Obres que reflecteixen un tractament del dolor relacionat tant amb la vivència personal de la malaltia, com amb els colps i infortunis que atempten contra els altres i que, desafortunadament han desencadenat en la mort de la qual també hem sigut testimonis i que aquesta tesi deixa constància. / [EN] Human history is brimming with stories of tragedies and aliments, which, due to their impact, have accompanied the human race in their memory, skin memory, or that other kind of plastic memory called creation. We see that contemporary society has vertiginously evolved in multiple ways from the times when humans inhabited caverns, but if there is something that puts us on par with them, that is PAIN. Living through cancer in our own skin was precisely what motivated us to reflect through our artistic practice on transversal aspects of human experience such are PAIN, AFFLICTION, ILLNESS, or DEATH. As a result, we put forth the present doctoral thesis, which aims to look into these selected themes. After studying and choosing the researched terms, this thesis should discern how, albeit common amongst all individuals, they are processed and experienced in different ways. It is worth noting that we are NOT psychologists, psychotherapists, doctors, historians, sociologists, or theologians; WE ARE CREATORS who, while never losing sight of rigor, coherence, and a detailed analysis of the selected themes, have laid out this research from the lived experience, and our understanding of the artistic phenomenon. Therefore, to establish a perspective on pain, a series of artists who shed a light on the variety of forms of suffering have been selected to demonstrate that there are as many shapes of affliction as ways of addressing it through creation. Standing as a subject, as a first person, as an object, or by referencing others: all of these artists submerge us in a series of shocking realities which resonate in this research. We have dealt, on the one hand, with trauma, actions or horrors of the past, even the voluntary aliments that accompany a person every day. On the other hand, from the state of unhealthiness, we have worked on the inability or the mishaps of the organic and biological aspects of the illness, as well as the social aspects in which repudiation and stigma come into play. As for death, we trace a path from grief to the aesthetics of death associated with the universality of knowledge when communicating as well as to the personal and affective reactions to witnessing stories of death and sufferance. We have resorted to multiple references and documentary sources. We would like to highlight the interviews in which pain ¿one's own or somebody else's¿ and medical references are dealt with in the first person. We have posed questions on how stories of pain, suffering, illness, or death are discussed. This is a doctoral thesis in which research works towards finding out how all these experiences resonate in Art by finding out the reasons, mediums, timings, and ideas behind the different plastic solutions to which artists have come departing from their personal experience. In this way, through artistic production, artists reflect, denounce, show, demonstrate, and purge pain, suffering, illness, and/or death. All these elements have assembled a theoretical and plastical body of work that has allowed us to reflect on the natural cycle of life by which since birth and up until death a form of pain is always present, and while disturbing, it has guided our survival. There is a personal experience that is instilled in our artistic production, which concludes our research and is displayed in the last part of this doctoral thesis. These are words that reflect the treatment of pain related to the personal experience of illness as well as with the blows and misfortunes that hit others and, unfortunately, have resulted in the witnessed death to which this thesis is also a testament. / Gil Gil, C. (2023). La creación artística y la reverberación del dolor, la enfermedad y la muerte en el arte contemporáneo. Una propuesta artística desde la adversidad y la resiliencia [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/192691

[ES] El aburrimiento es una sensación desagradable y los seres humanos lo experimentan en la vida cotidiana, en el trabajo, en el entretenimiento, o en la educación y la cultura. En dicha investigación, pretendemos explorar la poética del aburrimiento en el arte contemporáneo a través de la indagación en el formalismo y en el conceptualismo, rastreando cómo el aburrimiento afecta a la producción artística, conformándose como una estrategia del arte e influyendo en el espectador. Para realizar este trabajo, iniciamos el estudio de los recursos filosóficos, sociológicos y literarios relacionados con el aburrimiento, con el fin de configurar su rostro y valor. Después, a través de este entendimiento del aburrimiento, rastreamos su manifestación en el arte. Descubrimos que, en efecto, tradicionalmente la impresión establecida del arte ha sido una simulación de ilusión, creando un mundo asombroso en medio de la representación ilusionista de la realidad y la imaginación. Sin embargo, desde las vanguardias, el arte ha roto este lenguaje de la representación ilusionista y ha propuesto otro lenguaje basado en el conceptualismo y en la experiencia pura visual abstracta. Tales rupturas y conflictos con el arte convencional también llevan consigo la posibilidad del aburrimiento en el arte, donde el arte a primera vista ya no es visualmente comprensible y tampoco se basa plenamente en la representación visual. Además, hallamos este vínculo significativo del aburrimiento concretamente en el "Manifiesto Dadá", en el que declara la intención de derrotar el aburrimiento del arte convencional. Sin embargo y paradójicamente el dadaísmo introdujo aquel lenguaje del aburrimiento en el arte, influyendo posteriormente en el arte contemporáneo. Es así que, con el análisis de diversos artistas y estrategias estéticas que utilizan el aburrimiento, revelamos la poética del aburrimiento en el arte contemporáneo. / [CA] L'avorriment és una sensació desagradable i els éssers humans l'experimenten en la vida quotidiana, en el treball, l'entreteniment, o l'educació i la cultura. En aquesta investigació, pretenem explorar la poètica de l'avorriment en l'art contemporani a través de la indagació en el formalisme i en el conceptualisme, rastrejant com l'avorriment afecta a la producció artística, conformant-se com una estratègia de l'art i influint en l'espectador. Per a fer aquest treball, iniciem l'estudi dels recursos filosòfics, sociològics i literaris relacionats amb l'avorriment, amb la finalitat de configurar el seu rostre i valor. Després, a través d'aquest enteniment de l'avorriment, rastregem la seua manifestació en l'art. Descobrim que, en efecte, tradicionalment la impressió establida de l'art ha sigut una simulació d'il·lusió, creant un món sorprenent enmig de la representació il·lusionista de la realitat i la imaginació. No obstant això, des de les avantguardes, l'art ha trencat aquest llenguatge de la representació il·lusionista i ha proposat un altre llenguatge basat en el conceptualisme i en l'experiència pura visual abstracta. Tals ruptures i conflictes amb l'art convencional també porten amb si la possibilitat de l'avorriment en l'art, on l'art a primera vista ja no és visualment comprensible i tampoc es basa plenament en la representació visual. A més, trobem aquest vincle significatiu de l'avorriment concretament en el "Manifest Dadà", en el qual declara la intenció de derrotar l'avorriment de l'art convencional. No obstant això i paradoxalment el dadaisme va introduir aquell llenguatge de l'avorriment en l'art, influint posteriorment en l'art contemporani. És així que, amb l'anàlisi de diversos artistes i estratègies estètiques que utilitzen l'avorriment, revelem la poètica de l'avorriment en l'art contemporani. / [EN] Boredom is an unpleasant feeling that is experienced by human beings in everyday life, in work, entertainment, education, and culture. In this research, we intend to explore the poetics of boredom in contemporary art through the investigation of formalism and conceptualism, tracing how boredom affects artistic production, turns into an art strategy, and affects the viewer. To carry out this work, we began with the study of philosophical, sociological, and literary resources related to boredom in order to configure its features and value. Later, through this understanding of boredom, we traced its manifestation in art. We discovered that, indeed, traditionally the established impression of art has been a simulation of illusion, creating an amazing world between the illusionistic representation of reality and imagination. However, since the avant-gardes, art has broken this language of illusionist representation and has proposed another language based on conceptualism and pure abstract visual experience. Such ruptures and conflicts with conventional art also bring with them the possibility of boredom in art, where art at first sight is no longer visually understandable and also does not completely depend on visual representation. In addition, we find this significant link between boredom and art specifically in the "Dada Manifesto," which declares the aim of defeating boredom in conventional art. However, paradoxically, Dadaism introduced strategies of boredom into art, which subsequently became influential in contemporary art. Thus, with the analysis of various artists and aesthetic strategies involved with boredom, we have revealed the poetics of boredom in contemporary art. / Lee, CY. (2023). Una aproximación a la retórica del aburrimiento en el arte contemporáneo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/192761

[ES] El presente trabajo de doctorado se centra en el artista, accionista, intelectual, compositor, escenógrafo y filósofo austriaco Hermann Nitsch y en su controvertida producción artística de mediados del siglo XX. Esta investigación se ha realizado desde la perspectiva de la conservación y tutela de obras de arte contemporáneas de naturaleza mutable y polimatéricas. La peculiaridad de este tipo de obras y los problemas derivados de su conservación son un tema que se entrelaza con los valores filosóficos intrínsecos a cada pieza. La investigación y el análisis de todos los factores implicados, tanto materiales como inmateriales, son los que hacen especialmente compleja la función del restaurador. Esta tesis propone, en primer lugar, un análisis de la compleja obra de Hermann Nitsch que, a menudo, se desarrolla con dinamismo, asumiendo la connotación de lo que él mismo considera Gesamtkunstwerk, es decir, Obra de Arte Total. A continuación, se analiza el "Museo Archivio Laboratorio per le Arti Contemporanee Hermann Nitsch" de Nápoles, donde se alojan las obras del artista vienés, llevando a cabo una catalogación de las tipologías de obras, de los materiales que las componen y del papel que cada objeto adquiere en las instalaciones artísticas. A partir de este análisis de la conservación de las obras de Nitsch, el objetivo final es articular el concepto general de conservación preventiva, incluyendo la fase de documentación y los criterios de prevención de daños, para garantizar la correcta conservación a largo plazo durante el almacenamiento. / [CA] El present treball de doctorat se centra en l'artista, accionista, intel·lectual, compositor, escenògraf i filòsof austríac Hermann Nitsch i en la seua controvertida producció artística de mitjan segle XX. Aquesta investigació s'ha dut a terme des de la perspectiva de la conservació i tutela d'obres d'art contemporànies de naturalesa mutable i polimaitericas. La peculiaritat d'aquesta mena d'obres i els problemes derivats de la seua conservació són un tema que s'entrellaça amb els valors filosòfics intrínsecs a cada peça. La investigació i l'anàlisi de tots els factors implicats, tant materials com immaterials, són els que fan especialment complexa la funció del restaurador. Aquesta Tesi proposa en primer lloc una anàlisi de les complexes obres d'Hermann Nitsch, que sovint es desenvolupen dinàmicament, adoptant les característiques del que ell denomina Gesamtkunstwerk, o Obra d'Art Total. A continuació s'analitza el "Museo Archivio Laboratorio per le Arti Contemporanee Hermann Nitsch" de Nàpols, on s'allotgen les obres del mestre vienés, duent a terme una catalogació de les tipologies d'obres, dels materials que les componen i del paper que cada objecte adquireix en les instal·lacions artístiques. A partir d'aquesta anàlisi de la conservació de les obres de Nitsch, l'objectiu final és articular el concepte general de conservació preventiva, incloent-hi la fase de documentació i els criteris de prevenció de danys, per a garantir la correcta conservació a llarg termini durant l'emmagatzematge. / [EN] This doctoral Thesis focuses on the Austrian artist, intellectual, composer, philosopher Hermann Nitsch and his controversial artistic production which started in the mid-twentieth century. The research is carried out from the perspective of the conservation of contemporary artworks of unstable and multi-material nature. The peculiarity of this kind of artwork and the problems resulting from their conservation are subjects which relate to the philosophical values intrinsic of each piece. The investigation and analysis of all the involved factors, both material and immaterial, represent a particularly challenging task for the conservator. This Thesis proposes at first an analysis of Hermann Nitsch's complex work, which often develops with dynamics, assuming the connotation of what he calls Gesamtkunstwerk, i.e. Total Work of Art. This is followed by the study of the "Museo Archivio Laboratorio per le Arti Contemporanee Hermann Nitsch" in Naples, where several works of the Viennese artist are collected, characterizing the different typologies of artworks, the used materials as well as the role that each object holds during the art installations. On the basis of these investigations, the final goal is to articulate the general concept of preventive conservation, including the documentation phase and the criteria for damage prevention, in order to ensure proper long-term conservation during storage. / Limatola, L. (2023). La conservación y restauración de las obras de Hermann Nitsch: el Teatro de las Orgías y Misterios como obra de arte total [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/199856

[ES] Una parte fundamental de la historia del VIDEODANZA en la Comunidad Valenciana está ligada a CONTACTART (Acciones Artísticas Contemporáneas), proyecto artístico interdisciplinar que nace en Valencia en 1995, con el objetivo de impulsar el arte contemporáneo en sus diversas formas de expresión. Desde sus orígenes hasta la actualidad, CONTACTART VIDEODANZA ha canalizado numerosas acciones de carácter nacional e internacional alrededor de la actividad coreográfica, su historia y sus prácticas, en colaboración con entidades diversas. La recuperación y revalorización de esta memoria histórica, junto a un estudio más analítico de todo este recorrido y su transmisión como legado a futuras generaciones a través de una catalogación de documentos materializada como base de datos, constituyen los fundamentos de esta tesis doctoral sustentada en una metodología de investigación mixta. / [CA] Una part fonamental de la història de la VIDEODANSA a la Comunitat Valenciana està lligada a CONTACTART (Accions Artístiques Contemporànies), projecte artístic interdisciplinari que naix a València en 1995, amb l'objectiu d'impulsar l'art contemporani en les seues diverses formes d'expressió. Des dels seus orígens fins a l'actualitat, CONTACTART VIDEODANSA ha canalitzat nombroses accions de caràcter nacional i internacional al voltant de l'activitat coreogràfica, la seua història i les seues pràctiques, en col·laboració amb entitats diverses. La recuperació i revaloració d'aquesta memòria històrica, al costat d'un estudi més analític de tot aquest recorregut i la seua transmissió com a llegat a futures generacions a través d'una catalogació de documents materialitzada com a base de dades, constitueixen els fonaments d'aquesta tesi doctoral sustentada en una metodologia d'investigació mixta. / [EN] An essential part of DANCE FILMS history in Valencian Community (Spain) is linked to CONTACTART (Contemporary Artistic Actions), a multidisciplinary artistic project born in Valencia, in 1995, with the aim of boosting the contemporary art in its diverse forms. From its origins to the present time, CONTACTART DANCE FILMS has canalized numerous national and international actions around choreographic activity, its history and its practices, in collaboration with several entities. The recovery and reassessment of this historic memory, along with a deeper analytical study throughout this process and its transmission as legacy to future generations through a cataloging of documents materialized in a data base, constitute the foundations of the present doctoral thesis supported by a mixed research methodology. / Ricart García, R. (2024). CONTACTART (Acciones Artísticas Contemporáneas) 1995-2015: veinte años de Vídeodanza en la Comunidad Valenciana. Trascendencia, Documentación, Repercusión [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/203216

1- En primer lugar se ha elaborado sucintamente la perspectiva histórica del museo de arte moderno, es decir desde que nace la ayuda institucional al artista con la celebración de los Salones y la creación del primer museo de artistas vivos del mundo en el palacio Luxemburgo de París. 2- Posteriormente, nos centramos en el nacimiento del Museum of Modern Art de Nueva York, Moma, creado en 1929 con apenas 13 obras, el cual se convirtió en referencia obligada desde el punto de vista museológico para la creación de los futuros museos de arte moderno en el mundo durante casi seis décadas. Termina el trabajo con el modelo creado en los años setenta, la factoría beaubourg, el museo de la época postindustrial, y el museo postmoderno de los ochenta y sus repercusiones en la nueva museología. Si el Moma de Nueva York, creó una colección enciclopédica del arte del siglo XX, el Musée National d'art Moderne, consiguió implicar a la ciudadanía en el arte moderno. Tan importantes eran las colecciones que se mostraban en su interior como el flujo de visitantes y curiosos que se agolpan en el exterior. Finaliza con una aproximación a los Fonds Regionaux d'art Contemporain y el nacimiento de los Centros de Cultura Contemporánea. / 1- In the first place, a historic perspective of the modern art museum has been concisely elaborated, that is to say, since institutional grants to artists are created with the celebration of the Halls and the creation of the first museum of living world artists at the Luxembourg Palace of Paris.2- Subsequently, we focus on the birth of the Museum of Modern Art in New York, MOMA, created in 1929 with only thirteen pieces of art. This museum became an obliged reference from a museological point of view for the creation of the future modern art museums all over the world for almost six decades. The work concludes with the model created in the 1960s, the factory "Beaubourg", the postindustrial period museum, and the postmodern museum of the 1880s and its repercussions in the new museology. If the MOMA in New York created an encyclopedic collection of the art of the 20th Century, the "Musée National d'art Moderne", achieved to involve the citizens with the modern art. The collections showed inside were as important as the flow of visitors and curious that crowded outside. It ends with approximation to the "Fonds Regionaux d'art Contemporain" and the birth of the Centres of Contemporary Culture.

Con el paso del tiempo, el concepto de un museo se ha sido sometido a cambios. Este proceso evolutivo se ha dado de ser un lugar de almacenamiento o “vitrina” a ser un lugar de estudio e investigación en constante evolución. Esta institución tiene el deber de desarrollarse en función al público al que se enfoca con la pretensión de educar y comunicar. Los museos del futuro serán tal cual hoy se conciba. El proyecto consiste en la implementación del Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Lima, cuya función radica en proteger y albergar obras artísticas desde los años 50 hasta la actualidad con el fin de ser un transmisor cultural. / Over time, the concept of a museum has undergone changes. This evolutionary process has turned from being a storage place or "showcase" to being a place of study and research in constant evolution. This institution has the duty to develop according to the public that it targets with the aim of educating and communicating. The museums of the future will be as they are conceived today. The project consists of implementing the new Museum of Contemporary Art of Lima, whose function is to protect and house artistic works from the 1950s to the present day in order to be a cultural transmitter. / Tesis

El trabajo analiza el concepto de bitácora como objeto/sujeto en donde confluyen aportes individuales y colectivos, sobretodo en el caso de las bitácoras comunitarias. Además de considerar las bitácoras personales se analizarán las bitácoras/bocetos de autores con trayectoria: solitamente escritas por viajeros, antropólogos, comunicadores o artistas, se trata de una base de datos en donde surge la hp de que el mismo material pueda ser considerado académicamente desde diferentes disciplinas cuales la ciencia de la comunicación, la semiótica, las teorías del arte y la antropología cubriendo así múltiples definiciones de medio de comunicación, libro de artista o diario de campo y hasta salirse de las mismas para encontrar entereza en un solo suporte. Lo que implicaría legitimación de unas nuevas herramientas para el trabajo académico y la abertura a estudios interdisciplinarios basados en la expresión visual; además de garantizar un soporte caracterizado por la autoreflexividad, la concientización y la creatividad. A lo largo de la investigación se plantea que la posibilidad expresiva ínsita en las bitácoras contribuya al desarrollo personal y eventualmente social, capacite y empodere quienes las escriben subrayando la posibilidad de tener voz; siendo una herramienta maleable, fácil de utilizar y transportar y económica puede tener un amplio utilizo por parte de quien quiera utilizarlas como medio expresivo. La investigación se acerca a las bitácoras personales escritas desde el 2005 por un total de treinta cinco cuadernos, al mismo tiempo analiza las bitácoras de otros autores contemporáneos internacionales: se trabajará con artistas, literatos, antropólogos, comunicólogos, semióticos y viajeros profesionales. Los conceptos claves serán la relación con lo local y el desarrollo, la creatividad, la percepción y significación, la interdisciplina y la autoreflexividad. Pero al mismo tiempo habrá énfasis en el concepto de autor con un apartado dedicado a la otredad, a la autoría comunitaria hasta llegar a la plasmación teórico-pragmática de unos cuadernos de autoría comunitaria, previo talleres artísticos y prácticas expresivas. Un entero capítulo explica las experiencias significativas detallando las modalidades metodológicas y un sub-capítulo será dedicado a la planeación de una exposición formal de todo este trabajo. / Barbotto, S. (2013). Vita-coras de una etnografía itinerante, subjetiva y social: textos polisémicos y experiencialidad transdisciplinar [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/34783

[ES] Esta tesis es producto de un trabajo investigativo centrado en la recepción estética de la exposición Metamorfosis: ver en el tiempo, presentada en Valencia - España. La investigación busca apropiarse del mismo arte para examinar, reflexionar y cuestionar el arte contemporáneo en relación con el espectador - sus elecciones, gustos, percepciones, comportamientos e interpretaciones. Las 28 obras plásticas híbridas y performativas fueron creadas, bajo la idea de que, en la actualidad, se ha producido una ruptura de intereses y, consiguientemente, un inevitable distanciamiento entre el espectador y el arte contemporáneo. Esta investigación procura conocer las miradas y los afectos del público no especializado en arte y se propone a reflexionar acerca de los principales aspectos y conexiones existentes entre un artista anónimo, sus obras performativas y su espectador. ¿El arte actual puede ser atractivo y entretenido para el gran público? ¿Puede el artista crear obras contemporáneas más democráticas y menos excluyentes? A partir de una encuesta con los visitantes de la exposición y de un cuestionario realizado con 55 personas, se buscó verificar si el artista había logrado afectar al espectador e inducirlo a cuestionamientos y reflexiones sobre los temas, a saber: arte contemporáneo, transformaciones y tiempo. Los datos recolectados y categorizados fueron comentados a la luz del pensamiento y de la teoría de los afectos del filósofo holandés Baruch Spinoza (2016). Por medio tanto de una metodología cuantitativa como, sobre todo, cualitativa, se pudo verificar y trabajar el concepto de obras-parábola, es decir, obras que pueden ser percibidas de acuerdo con la sensibilidad y potencialidad de cada individuo, dejando trasparecer, al mismo tiempo, sus gustos, afecciones y afectos. La tesis se presenta, en fin, como una forma singular de reflexionar y pensar el arte contemporáneo, por medio de obras que se metamorfosearon durante la muestra, y su experiencia estética por parte del espectador en un momento puntual, sin pretensión de crear ningún análisis, teoría o metodología relacionada con la tríada artista-obra-espectador. / [CA] Aquesta tesi és producte d'un treball d'investigació centrat en la recepció estètica de l'exposició Metamorfosi: veure en el temps, presentada a València - Espanya. La investigació busca apropiar-se del mateix art per a examinar, reflexionar i qüestionar l'art contemporani en relació amb l'espectador - les seues eleccions, gustos, percepcions, comportaments i interpretacions. Les 28 obres plàstiques híbrides i performatives van ser creades, sota la idea que, en l'actualitat, s'ha produït una ruptura d'interessos i, consegüentment, un inevitable distanciament entre l'espectador i l'art contemporani. Aquesta investigació procura conèixer les mirades i els afectes del públic no especialitzat en art i es proposa a reflexionar sobre els principals aspectes i connexions existents entre un artista anònim, les seues obres performatives i el seu espectador. L'art actual pot ser atractiu i entretingut per al gran públic? Pot l'artista crear obres contemporànies més democràtiques i menys excloents? A partir d'una enquesta amb els visitants de l'exposició i d'un qüestionari realitzat amb 55 persones, es va buscar verificar si l'artista havia aconseguit afectar l'espectador i induir-lo a qüestiona ments i reflexions sobre els temes, a saber: art contemporani, transformacions i temps. Les dades recol·lectades i categoritzades van ser comentats a la llum del pensament i de la teoria dels afectes del filòsof holandès Baruch Spinoza (2016). Per mitjà tant d'una metodologia quantitativa com, sobretot, qualitativa, es va poder verificar i treballar el concepte d'obres-paràbola, és a dir, obres que poden ser percebudes d'acord amb la sensibilitat i potencialitat de cada individu, deixant transparentar, al mateix temps, els seus gustos, afeccions i afectes. La tesi es presenta, en fi, com una forma singular de reflexionar i pensar l'art contemporani, per mitjà d'obres que es van metamorfosar durant la mostra, i la seua experiència estètica per part de l'espectador en un moment puntual, sense pretensió de crear cap anàlisi, teoria o metodologia relacionada amb la tríade artista-obra-espectador. / [EN] This thesis is the product of an investigative work centered on the aesthetic reception of the exhibition Metamorphoses: see in time, presented in Valencia - Spain. The research seeks to appropriate the art itself to examine, reflect and question contemporary art regarding the viewer - their choices, tastes, perceptions, behaviors and interpretations.The 28 hybrid and performant plastic artworks were created under the idea that, today, there was a rupture of interests and, consequently, an inevitable distance between the viewer and contemporary art. This research seeks to know the views and affections of the public not specialized in art and aims to reflect on the main aspects and connections existing between an anonymous artist, his performant works and his viewer. Can current art be attractive and fun for the general public? Can the artist create more democratic and less exclusive contemporary works? From a survey with the visitors to the exhibition and a questionnaire carried out with 56 people, we sought to verify whether the artist managed to affect the viewer and induce him to question and reflect on the themes: contemporary art, transformations and time. The collected and categorized data were commented on in the light of the thinking and the theory of affects of the Dutch philosopher Baruch Spinoza (2016). Through a quantitative and, above all, qualitative methodology, it was possible to verify and work on the concept of works-parable, that is, works that can be perceived according to the sensitivity and potential of each individual, while showing, at the same time, their tastes, affections and fondness. Finally, the thesis presents itself as a singular way of reflecting and thinking about contemporary art, through works that metamorphosed during the show, and its aesthetic experience by the viewer in a punctual moment, without the intention of creating any analysis, theory or methodology related to the artist-work-viewer triad. / Oliveira Góes, CE. (2021). Miradas en metamorfosis: una investigación estética sobre la producción puntual de un artista anónimo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/177356

[ES] La talla es uno de los procesos escultóricos más antiguos. Se trata de una técnica sustractiva en la cual, partiendo de una masa sólida, se da forma a la materia mediante el corte, cincelado o abrasión. Este medio, que se popularizó en el pasado y fue preferido por artistas como Fidias, Miguel Ángel, Brancusi o Barbara Hepworth, implica un proceso lento y laborioso, un desarrollo pausado. Es, en este sentido, un quehacer disonante en el contexto social actual, cuyo modo de vida, rápido y agitado, no lo asumiría con naturalidad en el sistema artístico. Y su uso, en el arte de hoy, ha decaído hasta condicionarlo con la expresión "estar pasado de moda". Esta investigación analiza, desde aproximaciones cuantitativas y cualitativas, lo que se configura como un corpus documental para presentar una guía de artistas contemporáneos, cuyas poéticas siguen mostrando el protagonismo de este tipo de procedimiento escultórico. De este modo, intentamos argumentar razonadamente que no solo resiste al paso del tiempo, sino que ha logrado adaptarse a nuestro contexto creativo actual. / [CA] La talla és un dels processos escultòrics més antics. Es tracta d'una tècnica subtractiva en la qual, partint d'una massa sòlida, es forma la matèria mitjançant el tall, el cisellat o l'abrasió. Aquest mitjà, que es va popularitzar en el passat i que va ser el preferit d'artistes com Fídies, Miquel Àngel, Brancusi o Barbara Hepworth, implica un procés lent i laboriós, això és, un desenvolupament pausat. En aquest sentit, és una tasca dissonant en el context social actual, atés que, la manera de viure actual, ràpida i atrafegada, no ho assumiria amb naturalitat en el sistema artístic. A més, el seu ús, actualment, ha decaigut, fins al punt d'haver estat etiquetada com una tècnica "passada de moda". En aquesta investigació s'analitza, des d'aproximacions quantitatives i qualitatives, el que es configura com un corpus documental, per tal de presentar una guia d'artistes contemporanis, les poètiques dels quals segueixen mostrant el protagonisme d'aquest tipus de procediment escultòric. D'aquesta manera, intentem argumentar raonadament que aquesta tècnica no sols resisteix al pas del temps, sinó que ha aconseguit adaptar-se al context creatiu actual / [EN] Carving is one of the oldest sculptural processes. It is a subtractive technique through which starting from a solid mass the material is shaped by the cutting, the chiseling or the abrasion. This means, which became very popular in the past and which was preferred by artists such as Phidias, Michelangelo, Brancusi or Barbara Hepworth, involves both a slow and laborious process and also a measured development. According to this, it is a dissonant work in the contemporany social context, whose fast and hectic lifestyle would not assume it as a natural issue into the artistic system. Moreover, its use in today's art has declined such an extent that these days it is considered as"out of fashion". This research analyses what it is configurated as a documentary corpus from both qualitative and quantitative approaches, in order to introduce a guide of contemporary artists whose poetics go on showing the importance of this kind of sculpture technique. In this way, we are trying to argue thoughtfully that it has not only resisted the passage of time but it has also been able to adapt it to our current context. / Samo Terrasa, A. (2022). La talla en el mercado del arte en Europa Occidental. Una revisión de la actualidad (2018-2020) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/189152