Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cleber.pdf: 2765849 bytes, checksum: 709278fa2986d3295b5dcee61646c930 (MD5) Previous issue date: 2012-08-24 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este trabalho busca compreender as contribuições do grupo teatral Jovens Atores no âmbito das políticas culturais implementadas em Diadema/SP a partir dos anos 1990. De início, apresenta noções e proposições sobre políticas culturais por meio da revisão da bibliografia especializada no tema. Indica autores e discussões pertinentes ao assunto e elege, para efeito de análise deste trabalho, o conceito de políticas culturais como sinônimo de públicas para a cultura. Os conceitos de políticas culturais expostos servem de parâmetro para o caso concreto da cidade de Diadema. Para tanto, o trabalho aborda seu contexto sociopolítico procurando identificar os indícios que motivaram as sucessivas gestões, a partir dos anos 1980, a implantar políticas públicas de forma sistemática para a diminuição de desigualdades sociais e como isso impactou no campo cultural. Ressalta, ainda, a problemática da violência presente na própria constituição da cidade à luz de estudos concernentes ao tema, indicando certa contradição entre o processo de melhorias sociais ao mesmo tempo em que há significativo aumento da violência. Paralelamente a isso, é apontado o contexto cultural de Diadema com a finalidade de refletir de que forma a cidade procurou combater o estigma de cidade violenta por meio da promoção cultural na gestão municipal do período 1993-1996. É nesse momento que as manifestações teatrais em Diadema voltam a florescer, a exemplo do que já que houvera nos anos 1970 com o Teatro-Escola. Os Jovens Atores de Diadema, nascidos de uma oficina teatral promovida pela mediação cultural, torna-se o expoente dessa arte na cidade a partir de 1995. O trabalho trata das montagens teatrais do grupo com a finalidade de extrair daí as contribuições e o legado por ele deixado na cidade. Aponta a importante metodologia de narração de histórias pessoais e da cidade na construção de um dos espetáculos e o quanto seu resultado impactou sobre o público. Ressalta ainda a relação qualidade artística e identidade com um dos fatores de sucesso do grupo.Como considerações finais, o trabalho aponta as contribuições do grupo para as políticas culturais questionando os limites dessas políticas

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 LisaSouzaBrito.pdf: 1551719 bytes, checksum: 57f6470a1751f1cc39a3f4c99b1ec455 (MD5) Previous issue date: 2012-05-31 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O presente trabalho tem como objetivo analisar aspectos da busca de Peter Brook no campo teatral. O espetáculo estudado para a compreensão do tema é A perseguição e o assassinato de Jean-Paul Marat, representados pelo Grupo Teatral do Hospício de Charenton, sob a direção do Senhor de Sade, cujo roteiro se inspira no texto dramatúrgico de autoria de Peter Weiss. Esta pesquisa busca ainda discutir o conceito de teatralidade presente no filme de Brook, tendo como ponto inicial a questão do olhar, a partir de autores como Josette Féral, Patrice Pavis, Matteo Bonfitto, e procurando estabelecer um diálogo com facetas das ideias teatrais do próprio Brook. O estudo da linguagem cinematográfica do diretor inglês procura assim considerar a teatralidade do filme fazendo uma analogia com questões do pensamento de Antonin Artaud, que dizem respeito ao teatro como um duplo da vida, em seu Teatro da Crueldade, e com as ideias de Bertolt Brecht em seu Teatro Épico, que considera o mundo passível de transformação

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PATRiCIASILVEIRA.pdf: 895759 bytes, checksum: 112999a3859ffe85312e047b510e9b68 (MD5) Previous issue date: 2012-03-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O presente trabalho discute a relacao entre escrita e oralidade na criacao de dramaturgia. Analisa as caracteristicas especificas de cada modo de utilizar a linguagem verbal, questionando os paradigmas estabelecidos nas formas de entender o texto teatral. Para isso, questiona o tratamento dado as criacoes orais dos atores em situacoes nas quais nao contam com um texto escrito em sua origem para a construcao do texto verbal. Entende que a escrita constitui uma forma de tecnologia para construcao textual surgida ao longo da historia e que, nesse sentido, nao da conta da totalidade da experiencia com a linguagem verbal em sua totalidade. O objetivo e recolocar a criacao oral do ator sob outro ponto de vista, entendendo suas caracteristicas a partir da discussao sobre a oralidade e colaborar, desse modo, para uma melhor utilizacao desse recurso em processos que o utilizem para a construcao do texto final ou texto espetacular. Os principais teoricos utilizados foram Walter Ong, que estuda as relacoes paradigmaticas entre escrita e oralidade, as quais, segundo ele, representam formas mentais e culturais distintas de relacionar-se com a linguagem verbal, o que conduz a procedimentos de criacao verbal e caracteristicas especificas para cada forma de textualidade; e Paul Zumthor, o qual reflete sobre essas diferencas no campo da arte, entendendo que a criacao essencialmente oral pressupoe construcao verbal e performance vocal na mesma instancia de criacao, dando-se, no caso da improvisacao, no mesmo tempo e espaco da performance. A metodologia utilizada foi o levantamento e analise de fontes bibliográficas sobre escrita, oralidade e o texto no teatro, o acompanhamento dos ensaios e realizacao de entrevistas com um grupo teatral que baseia seu processo de construcao de dramaturgia na improvisacao do ator (Grupo teatral UTA Usina do Trabalho do Ator, da cidade de Porto Alegre); e descricao e analise de exercicios de improvisacao, desenvolvidos numa experiencia pratica realizada durante a pesquisa, para a construcao de dramaturgia. A partir dos dados observados e da pratica desenvolvida, inicialmente, foi possivel perceber que a escrita e a oralidade possuem formas distintas de serem experienciadas e produzidas pelo ator, o que reflete em certas diferencas na construcao do texto teatral. Essas diferencas, mais do que determinarem resultados, referem-se a aspectos do processo de construcao do texto verbal, modo como ele pode ser contextualizado e, consequentemente, experienciado enquanto obra teatral. Contudo, essas questoes ainda nao sao completamente reconhecidas pela teoria do texto teatral, a qual oferece um entendimento sobre o signo linguistico no teatro como algo essencialmente ligado ao fenomeno da escrita. Alem disso, foi visto que uma dramaturgia criada oralmente, sem a utilizacao da escrita enquanto tecnica de composicao textual, tende a colocar corpo e palavra como suportes um do outro, construindo uma unidade criativa para o ator. Esta criacao verbal parte de uma relacao signica constituida de todos os elementos teatrais envolvidos na elaboracao cenica e, por isso, apenas nesse contexto pode assumir valor estetico e formal de obra teatral. O reconhecimento das caracteristicas e das diferencas entre escrita e oralidade na elaboracao do texto de teatro pode orientar novas buscas para a construcao de dramaturgia a partir do trabalho do ator, assim como trazer novas luzes ao papel do signo linguistico no evento teatral, amparando-se, para isso, na problematizacao e na criacao de novos olhares sobre a relacao entre corpo e palavra

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ROBERTO.pdf: 518630 bytes, checksum: fbfef8edee4d11a7fc02ede4ec399772 (MD5) Previous issue date: 2013-03-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research discusses the relashionship between body and objects in the Puppet Theatre. To think about these direct and tactile relashionships whith materials and objects, is to think about the act of animation. This act is more than simulation of life in one inanimated object, animation is also transformation. Body and object have their physical and metaphorical caracteristics changed when are in contact. The present research is about these changes and how they can happen. One question of this research is about how body and others materials works in tactile contact. The current research is based in texts where the proximity between body, objects, materials and space creates contact images. This contact, reveals qualities perceived only by touch, creating one space of tactile interactions between human body and other external materials. The concepts that are discussed in this text, emerges from this moment: the moment of interaction between body and object / A presente pesquisa tem como objetivo levantar questionamentos sobre as relações entre corpo e objeto no Teatro de Animação. Pensar nessa relação direta, tátil com os materiais, é pensar também que tal relação não se limita apenas ao ato de simular vida em um objeto inanimado. Corpo e objeto têm suas características físicas e metafóricas reelaboradas quando estão em contato e é refletindo sobre tais alterações e mudanças, que esta pesquisa se desdobra. Como o corpo e o objeto se modificam nesse diálogo tátil, é uma das questões presentes. Os questionamentos levantados sobre como corpo e objeto atuam na transformação um do outro, nessa pesquisa, se dão a partir de reflexões sobre textos que suscitam imagens onde o contato entre corpos, objetos, materiais e espaço é a matriz das relações. O contato entre corpo e objeto revela qualidades que a distância não podem ser percebidas e é desse momento, desse espaço de interações táteis entre corpo humano e outros materiais considerados externos, que emergem os conceitos discutidos

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 andre.pdf: 2189502 bytes, checksum: 1b7754d59cdba007a21afe49938f8a37 (MD5) Previous issue date: 2012-06-28 / This research looks at similarities between ROLEPLAYING GAME and Process Drama by identifying their elements of theatricality and performativity, both common aspects to roleplaying and theatre. This investigation focus on theory and practice. In theoretical terms, studies on Performance and Theatre were carried out, based on Schechner (2006) and Feral (2003); the relationship between game and theatre was examined from the perspectives of Huizinga (2001), Caillois (1994) and Pavis (1999). The game analysis was based on RPG view point and its live version, LARP (Live Action Roleplaying). Regarding practice, two experiments with LARP were carried out. In both, The Crucible , by Arthur Miller, was used as pre-text. In these experiences, students from the first semester majoring in theatre used elements of Drama and Theatre Games. The analysis of both practices point to similarities between the Game Master and the Teacher-in-role, a planning based on episodes, and a game dimension oriented by a pre-text. This investigation also included a conceptual analysis of game, acting and representation / Esta pesquisa examina as similaridades entre ROLEPLAYING GAME e o Process Drama, identificando seus aspectos de teatralidade e performatividade, ambos comuns ao ROLEPLAYING GAME e ao teatro. Esta investigação esteve centrada em teoria e prática. Em termos teóricos, foram desenvolvidos estudos sobre performatividade e teatralidade, baseados em Schechner (2006) e Féral (2003); o relacionamento entre jogo e teatro foi examinado a partir das perspectivas de Huizinga (2001), Caillois (1994) e Pavis (1999). A análise do jogo foi considerada pelo ponto de vista do RPG e de sua versão ao vivo, LARP (Live Action Roleplaying). Com relação à prática, duas experiências com LARP foram desenvolvidas. Ambas tiveram "As Bruxas de Salém", de Arthur Miller, como pré-texto. Nestas experiências, alunos da primeira fase de licenciatura em teatro usaram elementos de drama e jogos teatrais. A análise de ambas as práticas apontam similaridades entre o Mestre do Jogo e o Teacher-inrole, um planejamento baseado em episódios, e uma dimensão de jogo orientada por um prétexto. Esta investigação também incluiu uma análise conceitual de jogo, atuação e representação

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113137.pdf: 26519000 bytes, checksum: 33c400f28df7da5b028e0eceeea0982d (MD5) Previous issue date: 2013-03-07 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A dissertação intitulada ¿A dramaturgia de Hilda Hilst: Percursos e diálogos entre o dramático e o não dramático¿ é um estudo sobre a escritora Hilda Hilst (1930-2004) e sua obra, com enfoque na sua produção dramatúrgica. No primeiro capítulo desta pesquisa, apresento um panorama da trajetória literária da autora, iniciando por sua poesia até chegar à sua escrita dramatúrgica, destacando as influências formais, estruturais e temáticas que reverberaram em seus textos teatrais, bem como as particularidades deste gênero e sua relação com o contexto sócio histórico em que foi produzido. No segundo capítulo, faço uma apresentação e uma reflexão sobre linguagens teatrais (dramático; simbolismo; absurdo; performativo) com as quais dialoga a produção teatral da escritora. Por fim, no terceiro capítulo, faço uma análise de três peças da autora, sendo elas O rato no muro, Auto da barca de Camiri e As aves da noite, partindo de teorizações sobre a estrutura textual, a construção da figura teatral, a alegorização, o símbolo e as qualidades políticas dos textos teatrais em análise.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 114037.pdf: 2441864 bytes, checksum: b9e78a3d20e9a224a0d901ebb9cb39e0 (MD5) Previous issue date: 2013-09-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research focuses on the voice in Puppet Theater a term that embraces different kinds of performances, characterized by hybridity and the dynamics of the animate/inanimate present in Puppet Theater, Mask Theater, Shadow Puppetry, Visual Theater, etc. The voice is approached, in Puppet Theater, as a creator of presence and meaning, according to Hans Ulrich Gumbrecht s theory of presence production. I investigate how the voice can generate presence in relation to specific Puppet Theater poetics. The voice, in singular, refers to its essence as an oscillation between presence and meaning. However, since the voice unfolds itself in different cultural, poetic and historical contexts, actually the voice is plural in its several manifestations. By setting out the following problem, when voice is in Puppet Theater? , I seek to identify poetics that are also defined by its voice presence. Once identified such poetics, I seek to distinguish the voice s generating and constituting elements that establish it as presence and meaning, in relation to its poetics. During the investigation, I contemplate authors and artists that reflect about the use of voice in Puppet Theater and research their procedures, as well as those who treat it as a background to or even outlaw it from the scene. I survey the bibliography on the subject, bring examples from national and international performances seen in the last three years in Brazil, and use material drawn from interviews, seminars and courses realized in this period. Along this research, some recurring vocal procedures in Puppet Theater are individuated, and in some cases, these revealed themselves as specific to an art form characterized by the separation between the puppet-object and its sound source. During the investigation I came to realize that, although the Brazilian Puppet Theater quite often uses speech in its performances, there is significant absence of voice as I have defined above: voice as an oscillation between presence and meaning. Based on Adriana Cavarero s philosophical studies, which describe the de- vocalization process of a civilization centered in the logos (understood as reason), I realized that this process is mirrored by the Puppet Theater scene. The twentieth century emerges as a century in which performances are based on the sense of vision, promoted by a civilization centered on the image. The sense of vision has taken over all the other senses, promoting the de-vocalization of the logos, leading to a de-vocalization of the scene. The aim with this research is to - identify the vocal havens and to investigate the procedures that establish this oscillation between presence and meaning in Puppet Theater s voice, in relation to its poetics. This purpose is key to the re-vocalization in contemporary Brazilian Puppet Theater. / Esta pesquisa trata a voz no Teatro de Animação - termo que abraça diversas formas espetaculares híbridas centradas na dinâmica do animado/inanimado, como o teatro de bonecos, de máscaras, de sombras, visual, etc. A voz é abordada, no Teatro de Animação, como produtora de presença e sentido, conforme a teoria de produção de presença de Hans Ulrich Gumbrecht. Investigo como a voz gera presença numa relação com determinada poética no âmbito do Teatro de Animação. A voz no singular refere-se à sua essência como oscilação entre presença e sentido. Todavia, como a voz surge em diferentes contextos culturais e poéticos, ou seja, históricos, a voz na realidade é plural nas suas diversas manifestações. A partir da questão quando a voz é no Teatro de Animação? , procuro identificar poéticas que engendram o princípio pelo qual a voz é. Uma vez identificada a poética, busco distinguir os elementos que geram e constituem a voz, instaurando-a como presença e sentido, numa relação com a sua poética. Na investigação, contemplo autores e artistas que refletem sobre o uso da voz no teatro de animação e exploram seus procedimentos, assim como aqueles que a relegam a segundo plano ou mesmo a banem da cena. Faço um levantamento bibliográfico do assunto, recorro a exemplos de espetáculos nacionais e internacionais assistidos nos últimos três anos no Brasil e utilizo material colhido em entrevistas, seminários e cursos realizados nesse período. Durante a exposição desta pesquisa são individuados procedimentos recorrentes de uso da voz no Teatro de Animação que, em alguns casos, revelaram-se como específicos da linguagem cuja característica é a separação entre boneco-objeto e fonte sonora. Durante a investigação, constato que, embora a voz seja muito utilizada em cena no Teatro de Animação no Brasil, há uma significante ausência da voz como a defino acima: voz como oscilação entre presença e sentido. A partir dos estudos filosóficos de Adriana Cavarero, que descreve um processo de desvocalização numa civilização centrada no logos entendido como razão, chego à conclusão de que esse processo se espelha na cena do teatro de animação. O século XX desponta como um século cuja espetacularidade teatral é calcada na visão, reflexo de uma civilização centrada na imagem, em que o sentido da visão tem primazia sobre os outros sentidos, promovendo a desvocalização do logos, levando a uma desvocalização na cena. Tal conclusão faz com que o propósito da pesquisa - identificação dos redutos vocais e investigação dos procedimentos que instauram uma oscilação de presença e sentido na voz no Teatro de Animação, numa relação com as poéticas - seja fundamental para a revocalização da cena no Teatro de Animação contemporâneo no Brasil.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 115723.pdf: 4359809 bytes, checksum: 726167979372e68a5a2aec2d91105c8c (MD5) Previous issue date: 2014-03-07 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This work s aim is approach the use of the theater made by the working classes in the 1910s, in the city of Pelotas. The working theater, by the most part anarchist, was used very often during this period, serving to the reconciliation of the working class and to the dissemination of libertarian ideals. This historical period have been chosen in virtue of the projection that in those years the Grupo Teatral Cultura Social, based in the Liga Operária de Pelotas. This group distinguishes itself by his intense action, reported in the newspapers of the period, with a significant production of anarchist theater writings, made by the workers who were active in the city of Pelotas. This dissertation presents a panorama of the anarchist lively activity in the Liga Operária de Pelotas and an analysis of the dramaturgical creation of the Grupo Teatral Cultura Social, the most important involved, the staged genres and the presentations that occurred throughout the 1910s. Ultimately, is developed an analysis of the literary and dramaturgical creation of the worker Santos Barbosa, including his dialogues, stories and a dramatic prologue that provides a different view of the anarchist working class culture. / O presente trabalho tem como objetivo abordar o uso do teatro pelas classes trabalhadoras na década de 1910, na cidade de Pelotas. O teatro operário, em sua maior parte anarquista, foi utilizado com significativa frequência nesse período, servindo para o congraçamento da classe operária e para a propagação dos ideais libertários. A opção por esse recorte histórico se dá pela projeção que teve, nesses anos, o Grupo Teatral Cultura Social, sediado na Liga Operária de Pelotas. Esse Grupo se destaca pela sua intensa atuação, noticiada nos jornais do período, com uma significativa produção de textos teatrais anarquistas, realizada por operários que militavam na cidade de Pelotas. Nesta dissertação apresenta-se um panorama da efervescência anarquista na Liga Operária de Pelotas e uma análise da produção dramatúrgica do Grupo Teatral Cultura Social, os principais envolvidos, os gêneros encenados e as apresentações que ocorreram ao longo da década de 1910. Por fim, é realizada uma análise da produção literária e dramatúrgica do operário Santos Barbosa que possibilitam um olhar diferenciado sobre a cultura operária anarquista.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 117119.pdf: 876523 bytes, checksum: 2d928883296ff247ee2657fcf27780b6 (MD5) Previous issue date: 2014-04-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The present dissertation have as objective investigate the theatrical phenomenon from the ideas of Martin Heidegger. For this, understands the theater as a work of art, because there is only poetic happening in this condition. The essence of art is, according perspective of Heidegger, poetry and she unveils the truth of being. For better understanding of what is the poetic happen in theater this question was separated into three responses. The first one refers to the ontic condition of the scene through an outline of your story, where it shows, in this way, what is and isn´t art. The second response intends to overcome the ontic characteristics presented before but not deny them, because the being is not without the entity and, thus, show what is the art. And from this, deepen the layers of "poetic happen", once admit several layers: the opening , glade, technique, originating , time, presence , truth, World and Earth, home , entity and being. The third chapter cares to think about how do to arrive the work of art in the viewer , in another words, how it happens the "poetic happen" in the staging in instance of experience. Here is investigate the availability of the actor while the work of art server, because he is the immediate link in relation of work of art, artist and viewer. Questions such as listening, serenity and donation - three items that Heidegger considers fundamental to the artist let strengthen the work of art and not himself here are focused. As a final reflection the current theater is analyzed and the possibilities and the necessities (or not) of a theater as work of art too, a theater that has as path the sense of being, since art has to unveil and contribute to understanding the current historical time. / A presente dissertação tem como objetivo investigar o fenômeno teatral a partir das ideias de Martin Heidegger. Para tanto, toma o teatro enquanto obra de arte, pois só há acontecimento poético nessa condição. A arte por essência é, segundo a perspectiva heideggeriana, poesia e ela pode desvelar a verdade do ser. Para melhor compreensão do que é o acontecer poético no teatro, tal questão foi desmembrada em três partes. A primeira refere-se à condição ôntica da cena, através de um esboço de sua história, onde se evidencia o que, nesse percurso, é e não é arte. A segunda resposta pretende problematizar as características ônticas antes apresentadas e não negá-las, pois o ser não se dá sem o ente e, assim, revelar indícios do que pode vir a ser arte. E, a partir disso, descamar o acontecer poético, uma vez que admite várias camadas: abertura, clareira, técnica, originário, tempo, presença, verdade, Mundo e Terra, repouso, ente e ser. O terceiro capítulo se ocupa em pensar o modo, o como fazer para a obra chegar ao espectador, ou seja, como se dá o acontecer poético na encenação enquanto experiência. Aqui é investigada a disponibilidade do ator enquanto servidor da obra, pois é o elo imediato na relação entre obra, artista e espectador. Questões tais como escuta, serenidade e doação três quesitos que Heidegger considera fundamentais para que o artista deixe vigorar a obra de arte e não ele próprio são aqui enfocadas. Como reflexões finais são analisados o teatro atual e as possibilidades e necessidades (ou não) de um teatro enquanto obra arte, um teatro que tem como vereda o sentido do ser, uma vez que a arte desvela e contribui para a compreensão do tempo histórico atual.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 117126.pdf: 11035737 bytes, checksum: d78f6dee8e872d48590ed9ac6e256dde (MD5) Previous issue date: 2014-03-26 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The objective of this writing is to present The Dramaturgy of the Orisha Dance by Augusto Omolú, Brazilian actor/dancer who was a member of the Danish group Odin Teatret, directed by Eugenio Barba. For nearly two decades, the artist sought to codify the orisha dance moves, a practice present in the Candomble ritual. This dissertation discusses, from the discourse of the artist, about the energy of the orishas as an impulse for the scenic creation. In this way, the dramaturgy was built between the movement, that brings in itself the mythology and the relationship of the orishas with the elements of nature, and the dramatic text. Therefore, beyond the theoretical and bibliographical references, the following materials will be used: the interview with the artist, the experience of participant observation in the Dramaturgy Dance of the Orishas Seminar in Salvador and the videographic material from the spectacle Orô de Otelo (1994). / O objetivo do presente escrito é apresentar a Dramaturgia da Dança dos Orixás de Augusto Omolú, ator/dançarino brasileiro que foi integrante do grupo dinamarquês Odin Teatret, dirigido por Eugenio Barba. Por quase duas décadas, o artista buscou codificar os movimentos da dança dos orixás, prática presente no ritual do candomblé. Este trabalho disserta sobre a energia do orixá como impulso para a criação cênica a partir do discurso do artista. Assim, a dramaturgia era construída entre o movimento, que traz em si a mitologia e a relação do orixá com os elementos da natureza, e o texto dramático. Para tanto, além dos referencias teóricos e bibliográficos, serão utilizados os seguintes materiais: a entrevista feita com o artista, a experiência de observação participante no Seminário da Dramaturgia da Dança dos Orixás em Salvador e o material videográfico do espetáculo Orô de Otelo (1994).