Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 121228.pdf: 5167659 bytes, checksum: f3170376a0fe5cc99f36e610e07c07b7 (MD5) Previous issue date: 2013-03-05 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation aims to reflect on some artistic practices of urban intervention. The analysed practices are the ones performed within the city by artists or artistic groups, although outside the usual assigned spaces for performances and plays. To accomplish the task, it uses a mapmaking method that far than only mapping a preexistent production, also intends to compose a connection net among elements such as statements collected in interviews, theorical reference and the empirical artistic experience of the author. Groups and artists from cities such as Curitiba, Porto Alegre, Buenos Aires, Montevideo, Sevilla and Granada have been interviewed for this research. It could be confirmed that these urban interventions have been often connected to the 20th century artistic vanguards, when it comes to the desire of blurring the boundaries between art and life. Furthermore, they have been establishing themselves as micropolitical projects that singularize the referred spaces. This happens specially because of the 1960´s cultural changes contamination. In a reaction to the organization process of the post modern cities and it´s subordination to the economic capital holders, as well as their submission to the strenght of the internacional art market, these interventions present a political dimension in their poetical projects, although this content may not be expressed in a thematic manner. / O objetivo desta dissertação é refletir sobre algumas práticas artísticas de intervenção urbana, considerando como tal as ações realizadas na cidade, fora dos espaços destinados a mostras artísticas e espetáculos, por artistas ou coletivos artísticos. Para tanto, vale-se de um método cartográfico que, mais do que mapear uma produção preexistente, propõe-se à composição de uma rede de conexões entre elementos tais como as falas coletadas em entrevistas, referências teóricas associadas ao tema em questão e a prática artística do autor da pesquisa. Foram entrevistados grupos e artistas das cidades Curitiba, Porto Alegre, Buenos Aires, Montevidéo, Sevilha e Granada. Pude verificar que as intervenções urbanas possuem uma tradição ligada às vanguardas artísticas do século XX, no que tange ao desejo de borrar as fronteiras entre arte e vida. Contudo, vem se configurando enquanto projetos micropolíticos de singularização do espaço, devido a sua contaminação por mudanças culturais surgidas, sobretudo, após 1960. Numa reação ao processo de organização das cidades pós-modernas - e sua submissão aos detentores do capital econômico -, bem como à força de um mercado de arte internacional, estas intervenções apresentam uma dimensão política em seus projetos poéticos, ainda que tal conteúdo possa não estar expresso de forma temática.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 121231.pdf: 2654038 bytes, checksum: 1cc58d93c1001d24e6c4a75ffbabfa74 (MD5) Previous issue date: 2014-12-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A historiografia do teatro brasileiro, pouco a pouco, vem ganhando novos contornos e novas análises. Num primeiro momento, esteve vinculada à crítica literária, depois passou a ter vida própria e se solidificou. Ainda que tenhamos muitas maneiras de registrar a cena, o teatro continua uma arte da presença, o que dificulta sua captura. O historiador, por sua vez, faz escolhas, recortes e constrói caminhos. O objetivo deste estudo é discutir as práticas e as ideias teatrais de Flávio de Carvalho, já que seus experimentos e escritos estão inseridos num momento decisivo para o teatro no Brasil, que é a sua modernização com o início dos anos de 1920, com Renato Vianna e Álvaro Moreyra na proa e sua consolidação décadas depois. Flávio de Carvalho com o Teatro Experiência e com a montagem do espetáculo O Bailado do Deus Morto, com a Experiência N° 2 e com a Experiência Nº 3, por exemplo, já reivindica, a partir dos anos de 1930, um teatro feito para a cena e para o ator. A iluminação, o cenário, o texto e o corpo do ator, enfim, passam a ser pesquisados fora da hierarquia convencional que tinha na tríade texto, ator principal e empresário a espinha dorsal de um espetáculo. Por isso, considero que a análise das ideias e das práticas teatrais de Flávio de Carvalho à luz da história e da estética pode abrir novos espaços e sugerir novos modos de olhar nossa história teatral.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122482.pdf: 2208128 bytes, checksum: fdbec15e851ede26063c859cf1431462 (MD5) Previous issue date: 2015-03-20 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Há um saber que desvela a poesia dos acontecimentos. Aprende-se esse saber vivendo a continuidade de ser. A presente dissertação surge a partir desse saber, desse viver, desse ser, experimentados pela pesquisadora ao longo do seu estudo sobre a Compagnie Dos à Deux, dos diretores e atores-dançarinos André Curti e Artur Ribeiro. Esse saber, que é o saber poético, orquestra esta pesquisa por meio de um arranjo: o dos afetos. Tal composição apresenta um pouco da história da companhia franco-brasileira de teatro gestual ao longo dos seus dezessete anos de existência: fundação, espetáculos e premiações. Os laços que uniram os diretores e as vivências da pesquisadora são contados para o leitor por meio de duas memórias: as evocadas e as prospectivas. Estas possibilitam algumas articulações e reflexões sobre a questão que orienta o desenvolvimento desta dissertação: o que é o gesto para Curti e Ribeiro? A partir de tais reflexões, a pesquisadora apresenta três princípios que sustentam a metodologia do treinamento da companhia: a escuta , a tonicidade do microgesto e o contato .

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 123401.pdf: 39874112 bytes, checksum: 68f4c2d81b5a8d653cafe41e27912d69 (MD5) Previous issue date: 2015-03-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / When I took interest in Butoh and wanted to know more about the subject, I soon realized that answers like what is Butoh or how does one dance Butoh? were not given to me. Still, I´ve been cultivating for a few years the research and practice of Butoh. Between approximations and questionings, I realized that my interest resided in this disturbance of wanting to know and the kind of relationship made possible by the choice of not saying, not showing, not revealing, etc. Something that doesn´t configure any egoism but, on the opposite, makes the artist responsible for his own desire of creation. Through the interest towards this figure of the other that accompanies and shares a search process, I report some experiences from the creative process of DNA de DAN, dance/instalation performance created with the artist Maikon K, in 2013, through the award Prêmio Funarte Petrobrás de Dança Klauss Vianna/2012, in which I was a body coach and director of movement. In this course I have experienced what can be this position of the other who listens, punctuates, suggests, argues and proposes questions. The theoretical reflections and the themes approached by this work are thoughts that the practice produced like, for instance, the ideas of self cultivation by Michel Foucault and the spiritual exercises by Pierre Hadot. All those questions contribute to the thought of an ethics of the artistic doings. / Quando me interessei pelo Butoh e desejei saber mais sobre o assunto, logo percebi que as respostas como o que é Butoh? ou como se dança Butoh? não me eram dadas. Ainda assim, por alguns anos cultivo a pesquisa e a prática do Butoh. Entre aproximações e questionamentos percebi que meu interesse residia nessa perturbação de querer saber e no tipo de relação possibilitada pela escolha do não-dizer, não mostrar, não revelar, etc. Algo que não configura qualquer egoísmo, mas que torna o artista responsável pelo seu desejo de criação. Através do interesse por essa figura do outro que acompanha e compartilha um processo de busca, relato experiências no processo criativo de DNA de DAN, performance de dança/instalação criada com o artista Maikon K, em 2013, através do Prêmio Funarte Petrobrás de Dança Klauss Vianna/2012, na qual fui preparadora corporal e orientadora de movimento. Nesse percurso vivenciei o que pode ser essa posição de outro que ouve, pontua, sugere, discute e lança questões. As reflexões teóricas e as temáticas abordadas neste trabalho são apontamentos que a prática produziu, como, por exemplo, as ideias de cultivo de si de Michel Foucault e os exercícios espirituais de Pierre Hadot. Questões essas que contribuem para pensar uma ética do fazer artístico

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 123971.pdf: 3207612 bytes, checksum: 14deff484d9b72aa5a74a4ee043990d2 (MD5) Previous issue date: 2015-05-15 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The study articulates reflections between imaginary aspects and the state of pleasure present in the relationship between stage and audience in a contemporary aesthetic point of view. Authors like Durant, Bachelard, Castoriadis and Maffesoli are revisited in order to collaborate in the imaginary conception of the formulation developed here from primarily a dialogical design and game between the productive dimensions (artists) and receptive (viewer). We propose an investigation and a strain on imaging concepts, imagination and imagination in order to view them as fundamental artistic aesthetic principles to reconfigure the theatrical event. Thus, it is necessary to investigate the relationships created around the pleasure of the viewer as an extension of the creative possibilities and subject s interpersonal relations. To restore the receiver as the work towards the propellant, the theatrical aesthetics are discussed in the dimension of imaginary play, creative and poetic, which takes place in the presence of character, enhancing the speech and the immanent sense of the theatrical discourse. Such principles are developed through the study of two shows produced by recognized and active groups in Brazil, as follows: "A marca da água" Armazém Cia de Theatre / active in RJ and "Os Bem-Intencionados" LUME Theatre group Campinas / SP. / O estudo articula reflexões entre aspectos do imaginário e o estado de prazer presentes nas relações entre cena e público, segundo um ponto de vista estético contemporâneo. Autores como Bachelard, Durand, e Castoriadis são revisitados a fim de colaborarem na formulação da concepção de imaginário aqui desenvolvido a partir, sobretudo, de uma concepção dialógica e de jogo entre as dimensões produtivas (artistas) e receptivas (espectador). Para tanto, propõe uma investigação e uma distensão nos conceitos de imagem, imaginação e imaginário, a fim de perspectivá-los como princípios estéticos artísticos fundamentais para elaborar novas possibilidades de relações no acontecimento teatral. Assim, torna-se necessário investigar as diretrizes criadas em torno do prazer do espectador enquanto extensão das possibilidades criativas e relações intersubjetivas do sujeito. Ao restituir o receptor como propulsor do sentido da obra, a estética teatral é discutida na dimensão de jogo imaginário, criativo e poético, que se efetua em caráter de presença, potencializando o sentido imanente do discurso teatral. Tais preceitos desembocam na investigação analítica de dois espetáculos produzidos por grupos reconhecidos e atuantes no Brasil, sendo eles: A marca da Água do Armazém Cia de Teatro de Londrina/ atuante no RJ e Os Bem-intencionados do grupo LUME Teatro de Campinas/SP.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 123973.pdf: 2284353 bytes, checksum: bb77326a8d3f3be018ec7cd882b3b6ad (MD5) Previous issue date: 2015-06-11 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O presente trabalho pretende analisar o texto teatral Sete Crianças Judias de Caryl Churchill como um jogo de profanação política. Escrita em 2009, a obra é uma resposta artística e política da autora à operação militar israelense ocorrida em Gaza em 2008/09 e gerou fortes repercussões no mundo todo, inclusive acusações de antissemitismo. O texto é analisado em seu caráter híbrido que transita entre gêneros líricos e épicos, e entre formas dramáticas/melodramáticas e formas não mais dramáticas. Assim, a estrutura formal será abordada a partir da ideia de texto rapsódico, proposta por Sarrazac (2002). A partir do conceito tradicional de jogo conforme Huizinga (2000) e Caillois (1990), e suas correlações com a forma dramática absoluta, a primeira cena é compreendida como a proposição de um jogo melodramático localizado em um passado longínquo. Acordo esse que não será cumprido. Para compreender o jogo proposto pela autora, recorro a três autores principais. 1 - A visão de jogo infinito de Carse (1986) para descrever o dispositivo de abertura temporal e o descumprimento do acordo melodramático. 2- A noção de Gadamer (1999) sobre a capacidade do jogo de mobilizar e transformar indivíduo e sociedade para descrever os dispositivos de deslocamento e mobilizações intra e extraficcionais do texto. 3- A provocação de Agamben (2007), ao eleger como tarefa política do jogo o ato profanador. Nesse trabalho sustento a hipótese de que Sete Crianças Judias profana simbolicamente o uso consagrado do gênero melodramático para a manutenção de uma moralidade instituída, do uso da concepção moderna do imaginário da criança como objeto de justificativa da guerra, e do caráter mítico do discurso histórico oficial israelense.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Roseli.pdf: 798851 bytes, checksum: 7d1dfbc7d4170ba5200652e4eb2bb1b1 (MD5) Previous issue date: 2007-05-05 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This study proposes a contemporary reflection through the analysis and the identification of the comic presence in Bertolt Brecht s work of art. It focuses mainly on his theatrical practice the several influences and experiences in the first period of his artistic production in Munich in between the years 1920 and 1925, when he lived with many artists, among them the comic Karl Valentin from whom he received contributions to the elaboration of his further works in which the irony and the grotesque are introduced. This research tries to understand how Bertolt Brecht always worried about the aesthetic fruition of the work (feel and instruct), and how he appropriates these elements and recreates them giving a new perspective inside his work as a constitutive element of criticism / O presente estudo propõe uma reflexão contemporânea por meio da análise e identificação da presença da comicidade na obra artística de Bertolt Brecht. Focalizam-se, sobretudo em sua prática teatral, as várias influências e experiências na fase inicial de sua produção artística em Munique, no período compreendido entre 1920 a 1925, quando conviveu com vários artistas, dentre eles o cômico Karl Valentin, de quem recebeu contribuições fundamentais para a elaboração de suas futuras obras, em que a ironia e o grotesco se apresentam. Procura-se, nessa pesquisa, compreender como Bertolt Brecht, sempre preocupado com a fruição estética da obra (deleitar e instruir), se apropria desses elementos e os recria, dando uma nova perspectiva a sua obra como elemento constitutivo de crítica

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Melize.pdf: 2987208 bytes, checksum: 1c8ba2cc8b82ebc6c79bd2dd9d9f8536 (MD5) Previous issue date: 2008-06-10 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research investigates in which dimension the formalization of the procedures from solo theater of physical line, in which the scene determines the spoken text, offers concrete ways to a specific problem in the performing arts: the gesture-speech relation. To check the hypothesis and problems of the theme of this research two works presented by Brazilian groups that have as base for their dramaturgy the monologues written by the Italian actor and dramaturg Dario Fo were analyzed: A descoberta das Américas, presented by Julio Adrião, directed by Alessandra Vannucci and produced by the production team Leões de Circo Pequenos empreendimentos from Rio de Janeiro and Il Primo Miracolo, presented and directed by Roberto Birindelli, of the Cia do Bebê from Porto Alegre. The research focuses on the analysis of some elements that constitute gestural score of these spectacles and their relation to the text, such as: repetition, fragmentation, breaks, description, sense creation, textual embodiment and its intertextual relations / Esta pesquisa investiga em que dimensão a formalização de procedimentos provenientes do teatro-solo de linha física, no qual a cena é determinante do texto falado, oferece caminhos concretos para um problema específico da arte teatral: a relação gestualidade - palavra. Para a verificação das hipóteses e problematização do tema desta pesquisa, foram analisados dois trabalhos apresentados por grupos brasileiros que possuem como base para sua dramaturgia os monólogos escritos pelo ator e dramaturgo italiano Dario Fo: A descoberta das Américas, representado por Julio Adrião, dirigido por Alessandra Vannucci e produzido pelo Núcleo de Produção Leões de Circo Pequenos Empreendimentos do Rio de Janeiro, e Il Primo Miracolo, representado e dirigido por Roberto Birindelli, da Cia do Bebê de Porto Alegre. A pesquisa está centrada na análise de alguns elementos que constituem as partituras gestuais destes espetáculos e sua relação com o texto, tais como: repetição, fragmentação, quebras, descrição, criação de sentido, corporificação do texto e suas relações intertextuais

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PaulaRojasAmador2009.pdf: 1974150 bytes, checksum: 2895b01b886732e96569cce9c912a0a6 (MD5) Previous issue date: 2009-02-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research has as its object the analysis of theatrical interpretation in anti-naturalists performances. It also studies the existence of some principles in the mask theater; marionette theater, and nô theater, such as: economy of means, focus, score of gestures and actions, neutrality, immobility and the relation of the actor with his energetic center, also known as gravity center. The study centers its analysis in two contemporaneous spectacles played in Brazil: Agreste directed by Márcio Aurélio and played by Cia. Razões Inversas in the year of 2004 in São Paulo-SP; and O Pupilo quer ser tutor´, written by the Austrian playwright Peter Handke and played by the Cia. Teatro sim... Por que não?! in the year of 2007 in Florianópolis-SC, under the direction of Francisco Medeiros. The research includes the concept of theatricality and its relations with the mimesis as concrete elements to discuss the interpretative work which distances itself from the naturalistic way of playing / A presente pesquisa tem como objeto a análise da interpretação teatral em encenações antinaturalistas. Também estuda a existência de alguns dos princípios presentes no teatro de máscara, no teatro de marionetes e no teatro nô, tais como: a economia de meios, o foco, a partitura de gestos e ações, a neutralidade, a imobilidade e a relação do ator com seu centro energético, também conhecido como centro de gravidade. O estudo centra suas análises em dois espetáculos contemporâneos encenados no Brasil: Agreste dirigido por Márcio Aurélio e encenado pela Cia. Razões Inversas, no ano de 2004 em São Paulo-SP; e O Pupilo quer ser tutor, peça do dramaturgo austríaco Peter Handke encenado pela Cia. Teatro sim... Por que não?! no ano de 2007, em Florianópolis-SC, sob a direção de Francisco Medeiros. A pesquisa incorpora o conceito de teatralidade e suas relações com a mimese como elementos concretos para discutir o trabalho interpretativo que se distancia do modo naturalista de atuar

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DissertacaoFlavia.pdf: 873949 bytes, checksum: 651f1217af2333f2894a070f10d3d2c3 (MD5) Previous issue date: 2008-08-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation is a reflexion on production procedures related to Group Theatre. Developed research analyses group production procedures regarding the ways of autonomous management associated to articulation in the areas of autonomy which are characteristic to group work. Therefore, I analyse procedures of three national groups: Galpão Group (MG); Imbuaça Group (SE); Carona Company (SC). These groups constitute a polyvalent universe as to working procedures, and at the same time, they represent distinct cultural zones of a certain theatre produced in the largest Brazilian capitals RJ and SP. The dissertation intends to draw a profile of these groups, highlighting affinities and differences in order to identify production and anagement organization strategies that work as basis in the construction of the autonomy of these groups. Following the principle that the Producer and Theatre Manager are seen as a link between the market, the artists, the State and the public. And that they producer and manager constitute a management nucleus of group theatre with the role of thinking about production strategies as well as distribution of cultural goods strategies, and that this nucleus is closely related to the process of artistic creation of the groups. The main question to be anwered is: how will the producer/manager overcome the logic of art goods into meaningful art? By making the artistic project to define the financing means and not that the financing means define the artistic Project. On a second level, I try to draw production strategies that look for financial autonomy as well as artistic autonomy of group theatre / A presente dissertação apresenta uma reflexão sobre os procedimentos de produção relacionados com o Teatro de Grupo. A pesquisa desenvolvida analisa os procedimentos de produção grupais enquanto formas de gestão autônoma associadas à articulação de zonas de autonomia características do trabalho de grupo. Para tanto analiso os procedimentos de três grupos nacionais: Grupo Galpão (MG); Grupo Imbuaça (SE); Companhia Carona (SC). Estes grupos constituem um universo polivalente no que se refere aos procedimentos de trabalho, e ao mesmo tempo representam zonas culturais distintas de um certo teatro produzido nas mega-capitais brasileiras RJ e SP. A dissertação se propõe a delinear um perfil destes grupos, destacando suas afinidades e diferenças para identificar estratégias de produção e de organização administrativas que sirvam de alicerce na construção de autonomia destes grupos. Partindo do princípio de que o Produtor e Administrador Teatral são vistos como um elo entre o mercado, os artistas, o Estado e o público. E que estes - produtor e administrador constituem o núcleo administrativo do teatro de grupo com a função de pensar estratégias de produção e distribuição do bem cultural, e este núcleo está intrinsecamente ligado ao processo de criação artística do mesmo. A principal questão a ser respondida é: como este produtor/gestor vai ultrapassar a lógica da arte de mercadoria para a arte com significação? Fazendo com que o projeto artístico defina o financiamento e não o financiamento defina o projeto artístico. Em segundo plano procuro delinear estratégias de produção que busquem a autonomia financeira e artística do teatro de grupo