Tomando os conhecimentos sobre o cérebro como mote organizador, esta tese buscou problematizar a intersecção entre o campo da ciência e o das artes. Para tanto, foi criada a ação artística “Reverberações do Corpo”, que objetivou a produção de uma obra de arte sobre o cérebro e representou um modo de articulação entre os campos do saber. Constituída como uma forma de arte política, envolvendo a participação do outro na confecção de uma obra sobre o cérebro, a ação foi composta pelos trabalhos artísticos produzidos durante a pesquisa e pelos artefatos culturais criados por profissionais de diferentes áreas acadêmicas. Os participantes foram convidados por meio de uma Carta-Convite, que teve origem a partir das problematizações acerca do cérebro e das criações artísticas da pesquisadora, geradas pela dissertação de mestrado, além de questionamentos sobre essa temática que circulam na cultura. A análise dos materiais considerou as reflexões provocadas pelos artefatos culturais e a perspectiva dos profissionais participantes, o encontro entre esses artefatos e a reverberação formada pelas suas reflexões, tanto em relação à produção artística da pesquisadora quanto às próprias análises que compõem a tese. Foram problematizados os discursos contemporâneos sobre o cérebro presentes nos artefatos criados, entre os quais se encontram os conhecimentos produzidos pelas descobertas da neurociência, que têm sido amplamente divulgados na mídia e que fazem parte do repertório cultural da população, a noção de que o cérebro define quem somos, os discursos sobre a plasticidade cerebral e o uso de imagens da neurociência em diferentes contextos, incluindo a compreensão da anatomia e funcionamento cerebral, o diagnóstico e tratamento de doenças, além de sua utilização em áreas híbridas, como o neuromarketing e a neuroeducação. O conceito de reverberação foi utilizado como forma de tensionamento da intersecção proposta nesta pesquisa, produzindo outro tipo de conhecimento, na fronteira entre a arte e a ciência. / Taking knowledge about the brain as an organizing motive, this thesis sought to discuss the intersection between the science and arts fields. For that purpose, an artistic action, "Reverberações do corpo" (Reverberations of the body), was created. It intended to produce a work of art about the brain and represented a connection between these two fields of knowledge. Conceived as a form of political art and comprising the engagement of the other in the making of a work about the brain, the action comprehended the artistic works presented throughout the research process and the cultural artefacts produced by professionals from different academic fields. Participants were brought on by means of an invitation letter originated from discussions about the brain and the researcher's own artistic creations which derive from her master's dissertation in addition to related topics that populate the cultural sphere. Assesment of the material took into account the reflections stirred by these cultural artefacts and the viewpoint of the participants, the meeting point of these artefacts and the reverberations caused by their reflection concerning the researcher's artistic production as well as the analyses within the thesis. We examine the contemporary discourses about the brain in these works. Those comprise knowledge produced by the new findings in neuroscience highly publicized in the media which are part of the general cultural repertoire, the notion that brain defines who we are, discourses about brain plasticity and usage of neuroscience images in various contexts including the comprehension of anatomy and brain function, diagnosis and treatment of diseases and also its usage in hybrid fields like neuromarketing and neuroeducation. The reverberation concept was used as a way of stretching and tightening the intersection proposed in this research work, generating another kind of knowledge, on the limits of art and science.

O presente projeto concentra-se nas relações entre artes visuais, poesia e música. A partir de uma produção poética individual e em diálogo sistemático com outros autores e artistas, a investigação pretende levantar alguns questionamentos sobre os limites da linguagem, bem como apresentar novas possibilidades de criação poética num contexto relacional com outras proposições artísticas. / The present project concentrates on the relations between visual arts, poetry and music. From a poetic production individual and systematic dialogue with other authors and artists, as well as raise some questions about the limits of language, seeking new possibilities of poetic creation in a relational context with other artistic propositions.

Essa pesquisa investiga a relação entre paisagem, imagem e memória, em duas séries de trabalhos artísticos, de minha autoria, realizados nos últimos dois anos. Ambas apresentam imagens feitas a partir da observação da memória. A primeira, Interiores, é composta por desenhos, feitos em grandes formatos, com materiais não convencionais para a arte: fórmica (PVC) e esmalte sintético para metais, usualmente utilizados nos acabamentos da construção civil. Esta série apresenta paisagens arquitetônicas, figurando ambientes comuns de nosso espaço urbano. Analiso seu simbolismo pela interpretação arquetípica do mito do Labirinto do Minotauro e a contextualizo na arte contemporânea brasileira recente, através da análise da obra de três artistas: Adriana Varejão, Daniel Senise e Rodrigo Andrade. A segunda série, Paisagens com Eucaliptos e Neblina, são pinturas acrílicas sobre tela, que apresentam imagens de plantações de eucaliptos nas beiras das estradas sendo engolidas pela neblina. Mapeio o território de influências conscientes e inconscientes que desembocam nelas. A investigação desta pesquisa começa pelos sentidos profundos da paisagem e seu papel na formação de nossa cultura visual, desde a absorção, por ela, das leis da perspectiva. A imagem contemporânea é entendida aqui a partir do conceito de simulacro de Baudrillard, no qual as imagens não se referem a uma realidade exterior, mas elas próprias formam uma realidade autônoma em si. / This research investigate the relation between landscape, image and memory, in two artworks series, from my own, realized in the last two years. The both presents images made from observation of memory. The first one, Interiors, is composed of drawings, done in large sizes, with non-conventional materials for ‘traditional art’: Formica (PVC) and synthetic enamel for metals, usuallly utilized for finishing touches in the construction industry. This series presents architectural landscapes featuring common settings within urban space. I analyse it’s symbolism using a archetypal interpretation of the myth of Minotaur’s labyrinth, and contextualize it within the recent Brazilian art scene through the artworks of three artists: Adriana Varejão, Daniel Senise and Rodrigo Andrade. The second serie, Landscape with Eucalyptus and Fog, is a set of acrylic paintings on canvas that present images of eucalyptus plantations by the roadside being swallowed by the fog. In it, I map the territory of conscious and unconscious influences that pour into it. I begin the research from the deep meanings of landscape and it’s place in the building of our visual culture, since it’s absorption of the laws of perspectives. I analyse the contemporary image using as a starting point the concept of simulacrum by Baudrillard, in which the images do not refer to another reality, but form an autonomous reality in themselves.

Esta tese trata das potencialidades subjetivas de gênero pulsantes no diálogo entre os feminismos e as artes visuais. Partindo da constatação de que o campo da educação tem trabalhado a imagem quase singularmente como instrumento de uma vontade de saber que educa normativamente os corpos, esta tese é, sobretudo, uma aposta teórico-metodológica sobre uma outra forma de nos relacionarmos com as imagens, qual seja: pensar a relação com a imagem como um lócus fértil a uma educação ética do olhar. Com efeito, e fundamentado em Michel Foucault, Georges Didi-Huberman e Judith Butler, objetivamos, com este estudo, problematizar como algumas práticas artísticas contemporâneas colocam em questão, na e pela relação do olhar, as formas como, hoje, o gênero é percebido, vivido e pensado dentro de uma onto-epistemologia normativa do humano. Para tanto, as proposições lançadas neste trabalho são desenvolvidas a partir da análise de três artistas contemporâneas – Yasumasa Morimura, Maria Lídia Magliani e Judy Chicago –, pois, como argumentamos, reverberam, em seu conjunto, como os feminismos nos convocam a transformarmos e criarmos eticamente nossas subjetividades. / This thesis covers the potential of the dialogue between feminisms and the visual arts to gender subjectivities. During the development of this study, we have been observing that the field of Education has worked with image almost singularly as an instrument of a will to knowledge that normatively educates the bodies; otherwise, this thesis proposes to think the image as a fertile locus to an ethical education of the eye. Based on Michel Foucault, Georges Didi-Huberman and Judith Butler, we aim to problematize how some contemporary artistic practices call into question the ways in which gender is understood, lived and thought within a normative ontoepistemology of the human. For that, the ideas launched in this work are established on the analysis of three contemporary artists - Yasumasa Morimura, Maria Lídia Magliani and Judy Chicago -, because we believe that feminisms call us to transform and create ethically our subjectivities.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2015. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2016-01-19T15:06:07Z No. of bitstreams: 1 2015_LiviaZacariasRocha.pdf: 10414134 bytes, checksum: 474e7e3b6aec9401821bc58f6aed576c (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-01-26T20:29:50Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_LiviaZacariasRocha.pdf: 10414134 bytes, checksum: 474e7e3b6aec9401821bc58f6aed576c (MD5) / Made available in DSpace on 2016-01-26T20:29:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_LiviaZacariasRocha.pdf: 10414134 bytes, checksum: 474e7e3b6aec9401821bc58f6aed576c (MD5) / O trabalho proposto nesta dissertação objetiva analisar as relações entre literatura, teatro e artes visuais, tendo como ponto de partida as versões sobre A Morte de Ofélia, do pintor francês Eugène Delacroix (1798-1863). Assim, a pesquisa abordará questões teóricas acerca dos estudos interartes e as contribuições que o pintor proporcionou para esse campo de trabalho. Por meio da explanação das transformações ocorridas no teatro francês entre os séculos XVII e XIX, esta investigação pretende, também, estabelecer conexões entre a mise en scène e o estilo de interpretação francês do século XIX com as escolhas feitas por Delacroix em relação ao gesto e à organização dos personagens em suas obras. / The work proposed in this dissertation intends to analyze the relationship among literature, theater and visual arts, taking as a starting point the versions of The Death of Ophelia by French painter Eugène Delacroix (1798-1863). Thus, theoretical questions about interart studies and the contributions that the painter gave to this field of work will be arguing. By the means of the explanation of the changes occurred in French theatre between the seventeenth and nineteenth centuries it is intended to create connections among the mise en scène and French acting style of nineteenth century with the choices made by Delacroix in relation to gesture and characters organization in his works.

Esta dissertação aborda os sentidos produzidos nas aulas de Artes Visuais para jovens e adultos das Totalidades Iniciais do Centro Municipal de Educação dos Trabalhadores Paulo Freire (CMET Paulo Freire), centro de educação de jovens e adultos vinculado à Secretaria Municipal de Educação de Porto Alegre. O trabalho insere-se na temática da arte e educação de jovens e adultos. A pesquisa foi realizada ao longo do ano de 2004. Paulo Freire, Alberto Melucci, Miguel Arroyo, João Francisco Duarte Jr., Fayga Ostrower, Ernest Fischer, Louis Porcher, A.J.Greimas, entre outros, foram fontes teórico-inspiradoras. A metodologia utilizada está apoiada em entrevistas individuais, na esfera das histórias de vida, das entrevistas coletivas e do diário de campo. As histórias de vida contam um pouco de como foi e como é a vida de duas idosas alunas do CMET, ilustrando quem são os adultos idosos que lá freqüentam as aulas. Nas entrevistas coletivas, três categorias foram encontradas: papel do professor, importância das aulas de arte, fazer arte. Cada uma dessas categorias expressa o olhar que o aluno tem sobre as aulas de Artes Visuais, o que lhe é significativo, o que lhe chama atenção. São muitos os sentidos produzidos nas aulas de Artes Visuais: o tempo interno de cada um, a possibilidade de fazer arte, o cotidiano desses sujeitos de pesquisa, modificado seja pelas trocas entre pares, com professora e com familiares, seja por fazerem coisas que nunca imaginaram fazer. Os sujeitos perceberam-se seresfazedores que, com o resultado de seu fazer, tornam-se seres-sabedores-de-beleza. Os alunos foram fazer aula de Artes Visuais e encontraram, talvez, outros sentidos para si mesmos, para a vida. Sentidos produzidos para além das aulas.

Esta dissertação alia-se às discussões contemporâneas da arte/educação, entendendo o professor como produto e produtor de significados por meio de sua experiência estética. Propõe uma compreensão de como o professor articula as suas experiências estéticas com a docência em artes visuais, através de estudo de caso – seis professoras da Rede Municipal de Ensino de Caxias do Sul - RS – e abordagem qualitativa. Fundamenta-se teoricamente na reflexão sobre os pensamentos moderno e pós-moderno na arte, na educação e no ensino de arte, considerando ainda os conceitos de experiência e de experiência estética. A pesquisa evidencia, em seu desenvolvimento, que o ensino contemporâneo de artes visuais constitui-se, de forma heterogênea, tanto de aspectos da pós-modernidade como da modernidade, assinalando que a experiência estética docente tem potencial para atuar positivamente na construção do conhecimento artístico na escola em consonância com a complexidade do mundo atual. / This dissertation joins with the contemporary discussions of art/education understanding the teacher as the product and the producer of meanings by its own aesthetic experiences. Propose a comprehension of how the teacher articulates its aesthetic experiences with the visual arts teaching through case study – six teachers from Municipal Education System of Caxias do Sul - RS – and qualitative approach. It substantiates itself theoretically in the reflection about modern and post-modern thoughts in the art, education and art/education, also considering the conceptions of experience and aesthetic experiences. In its development the research evidences that the contemporary teaching of visual arts constitutes itself, in heterogeneous form, both post moderns and moderns’ aspects, remarking that the teacher’s aesthetic experience has the potential to act positively in the building of artistic knowledge in the school in consonance with the complexity of the nowadays world.

Esta dissertação discute um dos aspectos presentes em alguns trabalhos gerados por mim entre os anos de 2000 e 2006: a evolução do conceito de espaço físico nas artes visuais e nas ciências ao longo das suas histórias como um arcabouço para a construção de uma poética visual. Esta pesquisa divide-se em três pontos. No primeiro, são apresentadas as figuras dos trabalhos que serão discutidos durante a dissertação. Estes trabalhos têm sido desenvolvidos um pouco antes e durante o desenvolvimento desta dissertação. No segundo, são apresentadas algumas das principais teorias sobre o espaço físico, desde a sua percepção bidimensional, até a sua percepção e elaboração de espaços mais complexos, com mais dimensões, que necessitam de uma geometria não-euclidiana. Em paralelo, tentase traçar como essa evolução do conceito e percepção de espaço teve influência e influenciou a produção artística ao longo dos anos. No terceiro ponto, discorre-se sobre os trabalhos gerados por mim, que dialogam com os pontos anteriormente apresentados e ilustrados no início da dissertação. Os trabalhos usam da linguagem da fotografia e da escultura, além de instalação e site-specifics. / This dissertation deals with some discussions on one of the many aspects present in some of my works produced between the years of 2000 and 2006: the physical space concept evolution in art and science through their histories as an outline for the construction of a Poetic in Visual Art. This research is divided in three major points: in the first, figures of the works that will be discussed are shown. In the second, it is presented some of the main theories about the physical space, from the bi-dimensional perception to the perception and elaboration of more complex spaces, which need the geometry non- Euclidean. Parallel to that, it is shown how these perception influenced and was influenced the art production of these years. The third part is dedicated to description and discussions about the works produced by me, and illustrated in the beginning of the dissertation. These works uses the area of installation, photography, sculpture and site-specific.

Il s'agit de l'action de cueillir de Ia pluie. La pluie se présente comme matiere plastique de recherche et c'est ce qu'on exprime dans ce travail qui entrelace les Arts Visuels et l'Éducation. De maniere à que l'impression et dilution de l'eau et de supports constituent le mouvement qui montre et parcourt, dans un processus d'expérimentations qui est un apprentissage. Pour ça, cette recherche produit des photographies et s'approche des notions de Ia gravure. Elle essaie des façons de rechercher avec l'art et Ia littérature puisque ces façons ont lieu à travers Ia poétique visuelle et l'écriture. Avec Roland Barthes, elle trouve dans Ia notion de Punctum le dédencheur pour Ia production d'un texte de désir, en s'approchant de l'expression française CoupdeFoudretrouvée dans les contes de Guy de Maupassant. CoupdeFoudrea comme figure l'Amour subit et immédiatpourquelqu'unoAinsi, l'amour, Ia pluie et Ia nuit sont des éléments qui ouvrent le texte et les images produites à des hasards et à des traversements non programmés. Dans cette rencontre entre le processus plastique et l'écriture, cette recherche a, dans Ia brieveté, dans Ia possibilité d'être incitée et aussi dans les marques qui restent et qui se diluent, son apprentissage. Apprentissage sans lequel, autant pour celui qui recherche que pour celui qui lit Ia recherche, un art ne se produitpas. / Trata da ação de colher chuva. A chuva apresenta-se como matéria plástica de pesquisa e é o que se expressa neste trabalho que entrelaça Artes Visuais e Educação. De modo que a impressão e diluição da água e de suportes constituem o movimento que mostra e percorre, num processo de experimentações que é um aprendizado. Para isso, esta pesquisa produz fotografias e se aproxima das noções da gravura. Experimenta maneiras de pesquisar, com a arte e a literatura, sendo que tais maneiras acontecem através da escrita e da poética visual. Com Roland Barthes, encontra na noção de Punctum o disparador para a produção de um texto de desejo. Junto a esta noção, o trabalho aproxima a expressão francesa Coupde Foudreencontrada em contos de Guy de Maupassant. CoupdeFoudretraduz-se literalmente por golpede relâmpagoe tem como figura o Amor àprimeiravista. Assim, o amor, a chuva e a noite são elementos que abrem o texto e as imagens produzidas para acasos e atravessamentos não programados. Neste encontro entre o processo plástico e a escrita, tal pesquisa tem na brevidade, na possibilidade de ser pungido e também nas marcas que permanecem e que se diluem, seu aprendizado. Aprendizado sem o qual, tanto para quem pesquisa ecomo também para quem lê a pesquisa, uma arte não acontece.

A dissertação trata das questões ligadas às políticas culturais públicas para as artes visuais no Brasil através de um mecanismo de apoio à cultura pioneiro, surgido em 1994, em Porto Alegre: o Fumproarte. Após o estabelecimento das condições históricas, sociais, políticas e culturais que possibilitaram o surgimento deste mecanismo, o trabalho detalha seu funcionamento e sua utilização no campo das artes visuais, destacando a arte contemporânea. O objetivo do estudo é levantar as principais dificuldades encontradas pelos artistas, produtores e gestores na busca de um mecanismo adequado que contemple o desenvolvimento da área, a partir de suas atuais especificidades. / The dissertation treats at issues concerning the public cultural policies to visual arts in Brazil by means of a pioneer mechanism of support to culture, namely the Fumproarte, which came about in 1994 in the city of Porto Alegre. Following the review of the historical, social, political and cultural conditions that made Fumproarte's appearance possible, the paper details its functioning and use in the field of visual arts, giving special emphasys to contemporary art. The study aims at pointing out the main difficulties faced by artists, producers and managers in the search for an adequate mechanism that allows the development of the field, stemming from its current specificities.