Ce projet de maîtrise explore les défis et les enjeux d’une approche filmique collaborative avec des jeunes, en situation pédagogique et en contexte post-conflit en Colombie. Cette recherche-création participe à la contribution scientifique dans un domaine interdisciplinaire, celui des arts – précisément la pratique cinématographique – et de la consolidation de la paix ; c’est-à-dire dans une pratique artistique qui s’engage dans la réconciliation, le développement communautaire et la justice sociale. Elle questionne l’action de filmer - comment agir et réagir - avec une communauté affectée par la violence et s’interroge sur comment utiliser les outils cinématographiques pour qu’ils soient bénéfiques à une communauté en situation de précarité. Le premier chapitre est consacré à la contextualisation du conflit armé en Colombie et aux enjeux de reconstruction. Dans le deuxième chapitre, j’expose à partir de mon expérience de terrain, la méthodologie et le dispositif que j’ai développé dans la réalisation du film En el fondo del núcleo del átomo, las chispas… au sein d’une école rurale en Colombie. On analysera de près les principes, les échecs et les réussites d’une approche collaborative située. / This master's project explores the challenges and issues of a collaborative film approach with young people, in an educational situation and in a post-conflict context in Colombia. This research-creation participates in the scientific contribution in an interdisciplinary field, that of the arts – precisely the practice of cinema – and the consolidation of peace; that is, in an artistic practice that engages in reconciliation, community development and social justice. It questions the action of filming - how to act and react - with a community affected by violence and questions how to use cinematographic tools so that they are beneficial to a community in a precarious situation. The first chapter is devoted to the contextualization of the armed conflict in Colombia and the challenges of reconstruction. In the second chapter, I expose from my field experience, the methodology and the device I developed in the realization of the film En el fondo del núcleo del átomo, las chispas… within a rural school in Colombia. We will closely analyze the principles, failures and successes of a situated collaborative approach.

Ce mémoire porte sur les représentations de la masculinité traumatisée dans le cinéma expressionniste allemand. Le traumatisme de la Première Guerre mondiale occasionne, en Allemagne, l’ébranlement des identités genrées individuelles et de l’identité masculine nationale. Par le biais de l’analyse de cinq films expressionnistes (Das Cabinet des Dr Caligari, Robert Wiene, 1920 ; Nosferatu, Wilhelm Murnau, 1922; Die Nibelungen, Fritz Lang, 1924 ; Orlacs Hände, Robert Wiene, 1924 ; Metropolis, Fritz Lang, 1927), le présent mémoire étudie à la fois l’expression du genre, du traumatisme et de l’Histoire nationale. Nous y envisagerons l’image filmique comme un lieu de conflits et de compromis. C’est particulièrement par le biais des enjeux de contrôle, des corps et de leur économie et des dynamiques d’agentivité dans les rapports hommes-femmes que se manifeste l’ébranlement de la masculinité allemande d’après-guerre. Si certaines œuvres confrontent les anxiétés masculines de l’époque en traitant frontalement des traumatismes liés à la guerre et au bouleversement de la place de l’homme dans la société d’après-guerre, d’autres s’appliquent plutôt à rétablir une masculinité d’avant-guerre par l’expression de fantasmes nationaux et individuels de pouvoir et de virilité. En privilégiant une approche psychanalytique du cinéma, ce mémoire s’intéresse notamment aux mécanismes de défense qui transparaissent dans les œuvres. Il s’agit, tout compte fait, de comprendre comment le cinéma négocie avec le genre suite au traumatisme, et comment la temporalité peut influencer cette négociation. / This thesis focuses on representations of traumatized masculinity in German Expressionism. In Germany, trauma caused by the First World War unsettled individual gender identities and upset national conceptions of male identity. The thesis examines issues of gender, trauma and national history in five Expressionist films (Das Cabinet des Dr Caligari, Robert Wiene, 1920; Nosferatu, Wilhelm Murnau, 1922; Die Nibelungen, Fritz Lang, 1924; Orlacs Hände, Robert Wiene, 1924; Metropolis, Fritz Lang, 1927). These films comprise notable embodiments of conflict and compromise. It is argued that the disruption of German masculinity after the war registers in them by way of issues related to control, corporeality and gender relations. Contemporary anxieties about masculinity are tackled differently in the films, with some directly addressing themes of war trauma, emasculation and the postwar disruption to men’s traditional social roles and others seek to re-establish pre-war notions of manhood through expressing national and individual fantasies of power and virility. Drawing on a psychoanalytic approach to cinema, this thesis examines how defence mechanisms operate in the films. Key aims are to understand how Expressionist cinema addresses the impact of trauma on masculine identity and also how its approach to articulating trauma shifts through time.

Cette thèse de doctorat se propose de mettre en lumière les liens étroits qui existent entre les imaginaires de la fantomalité, de la hantise et de la cinéphilie contemporaine. Elle cherche à montrer qu’il se développe, depuis le tournant du millénaire, une sous-catégorie de cinéma « à veine cinéphilique », à travers laquelle la figure, à la fois métaphorique et conceptuelle, du fantôme se révèle une instance productrice de discours sur la mémoire du cinéma. Nous cherchons à éclairer la spécificité de cette résurgence de présences fantomales – qui se traduit dans des œuvres cinématographiques, littéraires, critiques et théoriques – et à saisir, dans une perspective esthétique et philosophique, les modalités de hantise qu’elles mettent en scène. L’hypothèse principale de cette recherche s’appuie sur la certitude que cette résurgence de figures fantomales s’inscrit dans une époque instable, marquée par de nombreux bouleversements (politiques, esthétiques, culturels, technologiques), qui l’amène à cultiver une relation surconsciente à la mémoire et à l’amour du cinéma. Pour témoigner de cette tendance et des modalités esthétiques qui la définissent, nous introduisons les concepts de « cinéphilie hantée » et de « hantise cinéphilique ». La première partie de cette thèse analyse les temporalités anachroniques et les logiques cycliques à travers lesquelles les fantômes du cinéma réapparaissent ponctuellement, à l’aune des réflexions de Georges Didi-Huberman, Jacques Derrida, Paul Willemen et Christian Keathley. La deuxième partie s’attache au lieu « catalyseur » de la hantise médiatique : dans quels ancrages ou sites s’immiscent aujourd’hui les présences fantomales qui appellent à repenser la mémoire du cinéma ? Nous étudions quatre cas de figures : le corps de l’acteur Jean-Pierre Léaud, la pellicule filmique en proie à sa désintégration, la salle de cinéma et les variations technologiques contemporaines de la notion de « média hanté » (notamment l’algorithme et le message texte téléphonique). Enfin, dans la troisième et dernière partie de cette thèse, nous observons par quels moyens littéraires ou techniques se déploie cette poétique de « cinéphilie hantée » et quels discours critiques en ressortent. Les œuvres littéraires de Didier Blonde, Jacques Thorens, Nathalie Léger et Jean Paul Civeyrac nous permettent de définir ce qu’est une « écriture hantée » alors que des études portant, entre autres, sur les œuvres de Jean-Luc Godard, Sandi Tan, Frank Beauvais, Nobuhiro Suwa, Pierre Hébert et Guy Maddin nous montrent à quel point le langage cinématographique, dans ses effets formels et techniques, participe intimement de cette écriture de la hantise. En nous penchant sur les questions des temps, des lieux et des manières implicites ou explicites par lesquelles la cinéphilie contemporaine se révèle empreinte de fantomalité, nous cernons les ramifications de cette tendance du cinéma contemporain et en mesurons toute la pertinence. / The aim of this doctoral thesis is to shed light on the close ties between the imaginaries of ghostliness, hauntings and contemporary cinephilia. It seeks to demonstrate that, particularly since the turn of the millennium, a sub-category of cinema “with cinephilic inclinations” has been developing, through which the conceptual metaphor of the ghost reveals itself as a productive instance of discourse on the memory of cinema. Our aim is to elucidate the specificity of this resurgence of ghostly presences—reflected in cinematographic, literary, critical and theoretical works alike—and to grasp, from an aesthetic and philosophical perspective, the modalities of haunting that they stage. The main hypothesis of this research is based on the conviction that the resurgence of ghostly figures is rooted in an unstable era, marked by numerous upheavals (political, aesthetic, cultural, technological), which lead to cultivate an overconscious relationship to the memory and love of cinema. To further demonstrate this tendency and the aesthetic modalities that define it, we introduce in this thesis the “haunted cinephilia” and “cinephilic haunting” concepts. The first part of this thesis analyzes the anachronistic temporalities and cyclical logics through which the ghosts of cinema punctually reappear, in the light of reflections by Georges Didi-Huberman, Jacques Derrida, Paul Willemen and Christian Keathley. The second part focuses on the “catalyst” place of media hauntings: in which anchorages or sites do ghostly presences that call for a rethinking of the memory and love of cinema intrude today? Our research concentrates on four major points: the body of French actor Jean-Pierre Léaud, the disintegrating filmstrip, the movie theatre and the contemporary technological variations of the notion of “haunted media” (particularily the algorithm and the text message). Finally, in the last and third part of the thesis, we examine the literary and technical means by which the poetics of “haunted cinephilia” is deployed, and the critical discourses that emerge from it. We study the literary works of Didier Blonde, Jacques Thorens, Nathalie Léger and Jean Paul Civeyrac to define what constitutes “cinephilic haunted writing”. Studies of the works of Sandi Tan, Frank Beauvais, Jean-Luc Godard, Nobuhiro Suwa, Pierre Hébert and Guy Maddin (among others) also enable us to pinpoint how cinematic language, in its formal and technical effects, can contribute to the development of haunted writing. By examining questions of time, place and the implicit or explicit ways in which cinephilia reveals itself to be permeated with ghostliness, we identify the ramifications of this trend in contemporary cinema and recognize its full scope.

Cette thèse met en avant, d’une part, les bouleversements qui parcourent le secteur cinématographique en Afrique du Sud depuis 1994 : volontés d’autonomie esthétique et économique, recherches de voix authentiques, formation d’une nouvelle famille de cinéastes.D’autre part, cette recherche révèle le rôle de l’État Sud-Africain dans la définition de la fonction du cinéma au sein de la démocratie contemporaine : Organes spécialisés de l’État, politiques publiques, idéologies, relations avec les professionnels du secteur. / This thesis highlights on one hand, changes that run through the film industry in South Africa since 1994 : wills of aesthetic autonomy and economic, research of authentic voices, growth of a new family of filmmakers. Moreover, this research reveals the role of government in the South African definition of the function of cinema in the contemporary democracy: specialized organs of the State, public policies, ideologies, relationships with industry professionals.

Dans ce travail, nous proposons une approche essentiellement expérimentale. Dans une première partie, nous exposons les résultats obtenus par imagerie rapide et mesures électriques corrélées dans le temps, concernant l’étude de la transition entre des électrodes de cuivre dans l’air et l’argon, et entre des électrodes de tungstène dans l’argon pour des pressions comprises entre 100 mbar et 1 bar. Dans aucun cas une transition à l’arc n’est observée sans constriction quasi-totale de la colonne positive. Dans le cas d’électrodes en tungstène dans l’argon, la vitesse d’extension de la zone filamentaire depuis l’anode vers la cathode a été vue dépendante de la pression et de l’intensité. La durée d’une transition spontanée a été linéairement corrélée à la distance inter-électrode, suggérant un mécanisme propagatif à vitesse constante dans la colonne. Plus la pression est élevée, plus la durée totale des transitions est longue ; par ailleurs, à pression constante, cette durée de transition spontanée décroît à intensité croissante, pour tendre vers une durée limite, correspondant à la durée constante de changement de structure de la zone cathodique. Dans une seconde partie, nous nous intéressons à l’échauffement de surfaces d’anodes et de cathodes en cuivre dans l’air et dans l’argon soumises à des arcs électrique pour plusieurs gammes de courant (de 30 à 120 A). Deux méthodes de mesures sont utilisées. Enfin, nous utilisons les mesures de températures de surface pour proposer deux modèles simples de bilan de puissance à la surface des électrodes (flux de chaleur). L’un considère uniquement le chauffage dû au spot d’arc et l’autre le chauffage supplémentaire de la colonne d’arc. / In this work, an approach which is essentially experimental is proposed. In the first part, results are presented which were obtained by synchronized fast camera imaging and electrical measurements. These concern the study of the transition between copper electrodes in air and in argon, and between tungsten electrodes in argon for gas pressure in the range 100 mbar – 1 bar. In no case was the transition to arc been observed without the quasi-total constriction of the positive column. Considering tungsten electrodes in argon, the propagation speed of the filamentary part of the positive column from the anode to the cathode was found to be dependent on the gas pressure and the discharge current intensity. During spontaneous transition, the transition duration has been linearly correlated to the electrode gap, suggesting a propagative mechanism with a constant speed. The higher the pressure, the longer is the total transition duration. For a constant pressure and discharge current, the duration of spontaneous transition decreases with decreasing gap distance toward a limiting value, which corresponds to the constant duration of the structural change of the cathode root from diffuse to spot. In the second part, heating of copper anodes and copper cathodes submitted to electric arcs in air and in argon and for various current intensity values (from 30A to 120 A) is considered. Two measurement methods are used. Finally, the surface temperature measurements are used to purpose two models of the electrode surface power balance (heat flux). One model only considers the heating due to the arc spot and the second one considers a supplementary heating from the arc column.

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Ce mémoire de maitrise se penche précisément sur une des caractéristiques de la culture du viol, soit l’érotisation des violences sexuelles. Il cherche à démontrer la présence de stratégies formelles et narratives érotisantes dans les scènes d’agressions sexuelles de longs métrages de fiction québécois des années 1960 à aujourd’hui et par le fait même, il étudie le fonctionnement du processus cinématographique d’érotisation. Afin de bien mener cette recherche, les agressions sexuelles, la culture du viol et l’érotisme font l’objet d’un exercice de définition. Le premier chapitre s’intéresse à la conceptualisation de l’érotisme, ce qui permet de circonscrire des stratégies formelles et narratives pertinentes à l’analyse de nos objets d’étude. Nous y détaillons les caractéristiques du cinéma érotique et du cinéma pornographique puisqu’elles participent au processus d’érotisation. Également, nous nous attardons sur la théorie des regards, notamment sur le male gaze, le female gaze et notre proposition de regard déplacé, puisqu’elle occupe une place prépondérante dans la définition de l’érotisme à l’écran. Le deuxième chapitre est consacré à l’analyse formelle et narrative de Gina (Denys Arcand, 1975) tandis que le troisième chapitre se concentre sur les études de La Rivière sans repos (Marie-Hélène Cousineau et Madeline Ivalu, 2019) et du cas limitrophe d’Elles étaient cinq (Ghislaine Côté, 2004) qui précise et nuance l’opposition entre l’érotisation et la non-érotisation des représentations d’agressions sexuelles. Ces analyses filmiques détaillées sont supplémentées de tableaux analysant 30 longs métrages. / This master’s thesis examines one of the rape culture characteristics, namely the eroticization of sexual violence. It seeks to demonstrate the presence of eroticizing formal and narrative strategies in scenes of sexual assault in Quebec feature films from the 1960s to the present. In doing so, it explores the functioning of the cinematic process of eroticization. To properly conduct this research, we define the concepts of eroticism, rape culture and sexual assault. The first chapter focuses on the conceptualization of eroticism, which allows us to determine formal and narrative strategies relevant to our objects of study analysis. Notably, we detail the characteristics of erotic cinema and pornographic cinema since they are all part of the eroticization process. Also, we elaborate on the gaze theory since it occupies a dominating place in the definition of cinematic eroticism, particularly on the male gaze, the female gaze, and our proposal of regard déplacé. The second chapter is dedicated to the formal and narrative analysis of Gina (Denys Arcand, 1975) while the third chapter focuses on the studies of La Rivière sans repos (Marie-Hélène Cousineau and Madeline Ivalu, 2019) and of the bordering case of Elles étaient cinq (Ghislaine Côté, 2004) which clarifies and nuances the opposition between the eroticization and non-eroticization of sexual assault representations. These film analyses are enriched by analytical grids covering 30 movies.

Cette thèse explore les ramifications et les enjeux de l’exotisme lorsqu’il prend forme au cinéma. Elle pose pour hypothèse de départ que le cinéma a non seulement participé à forger et à consolider un imaginaire occidental par le biais de l’exotisme, mais qu’il continue de le faire dans le contexte actuel sous de nouvelles formes. À partir d’une lecture postcoloniale de différentes œuvres, nous nous posons deux questions principales. La première : selon quelles modalités le cinéma peut-il être pensé conjointement avec l’exotisme ? La seconde : quelles sont les dynamiques à l’œuvre dans les films pour construire/déconstruire les « autres » et les « ailleurs » non occidentaux ? Suivant ces interrogations, nous revisitons certaines périodes clés de la production cinématographique occidentale (à la fois anglaise, européenne et nord-américaine). La thèse se divise en quatre parties retraçant chacune différentes variations de l’exotisme au cinéma : émergence, instrumentalisation, critique et retour. La première aborde les travelogues à partir de l’œuvre d’Elias Burton Holmes, les archives géo-ethnographiques et l’œuvre d’Albert Kahn, les films d’expéditions polaires et l’œuvre d’Herbet G. Ponting, et les films de chasses et de safaris à partir de l’œuvre du couple d’aventuriers Martin et Osa Johnson. La seconde interroge l’instrumentalisation de ces premiers films à des fins narratives. Nous y analysons succinctement les films d’aventures hollywoodiens dans la jungle, les drames nordiques, les romances océaniques, les westerns et les drames psychologiques dans les colonies du Maghreb. La troisième partie pose les bases des tendances critiques de l’exotisme colonial et occidentalocentré. Nous y abordons d’une part les rapprochements entre la critique de l’exotisme et l’idée du « contre-exotisme » (Christin 2000 ; Urbain 2002 ; Staszak 2008 ; Gauthier 2008). Y sont analysés les films Les statues meurent aussi (1953, Marker, Resnais, Cloquet) et Les maitres fous (1955, Rouch). Nous interrogeons d’autre part l’œuvre de Sembene Ousmane et particulièrement son film La noire de… (1966), en la rapprochant des mouvements des cinémas nationaux et à ce qui a été identifié en littérature comme l’« autre par lui-même » (Moura 1998). Finalement, la quatrième partie interroge les enjeux de la mondialisation et des nouvelles technologies suggérant qu’ils mettent de l’avant un retour de l’exotisme occidental au cinéma. En analysant quelques films sortis depuis les années 1980 et en offrant une analyse approfondie du film Avatar (2009, Cameron), nous cherchons à démontrer que les Blockbusters états-uniens renouent avec une longue tradition de l’exotisme comme mise en spectacle de l’altérité pour et par les Occidentaux. / This thesis explores the ramifications and issues of exoticism when it takes shape in cinema. It posits the starting hypothesis that cinema has not only participated in forging and consolidating a Western imagination through exoticism, but that it continues to do so in the current context in new forms. From a post-colonial reading of different works, we ask ourselves two main questions. The first: how can cinema be thought of together with exoticism? The second: what are the dynamics at work in the films to construct/deconstruct non-Western "others" and "elsewhere"? Following these questions, we revisit certain key periods of Western film production (both English, European and North American). The thesis is divided into four parts, each retracing different variations of exoticism in cinema: emergence, instrumentalization, criticism and return. The first deals with travelogues based on the work of Elias Burton Holmes, the geo-ethnographic archives and the work of Albert Kahn, the films of polar expeditions and the work of Herbet G. Ponting, and the films of hunts and safaris from the work of the couple of adventurers Martin and Osa Johnson. The second questions the instrumentalization of these first films for narrative purposes. We briefly analyze Hollywood jungle adventure films, Nordic dramas, ocean romances, westerns and psychological dramas in the colonies of the Maghreb.The third part lays the foundations of the critical tendencies of colonial and Western-centric exoticism. On the one hand, we address the connections between the critique of exoticism and the idea of "counter-exoticism" (Christin 2000; Urbain 2002; Staszak 2008; Gauthier 2008). The films The Statues Also Die (1953, Marker, Resnais, Cloquet) and The Crazy Masters (1955, Rouch) are analyzed there. We also examine the work of Sembene Ousmane and particularly his film La noire de… (1966), by bringing it closer to the movements of national cinemas and to what has been identified in literature as the “other by itself (Moura 1998). Finally, the fourth part questions the issues of globalization and new technologies, suggesting that they put forward a return of Western exoticism to cinema. By analyzing a few films released since the 1980s and by offering an in-depth analysis of the film Avatar (2009, Cameron), we seek to demonstrate that American Blockbusters are reviving a long tradition of exoticism as a spectacle of otherness for and by Westerners.

Mémoire en recherche-création / The starting point for this research project is the use of contemporary improvisational theater techniques in the making of films. Transversal is that which crosses or intersects a work, that which edifies certain parts that are situated in the work, that which is directed obliquely. Transversality in this case is a transfer of theatrical methods to film creation, as the improvisation space is displaced: the audience is removed and cameras are placed in front of the actor-creators; the stage is converted into a film set; and the thrill of live action is replaced by the challenge of not having a second take. The methods for training improvisers, based on a specific part of Impro whose aim is the creation of stories, are almost the same as in theater, yet the training exercises and techniques must be adapted in consideration of the cinematic environment. What I call Contemporary Improvisation is a set of techniques, exercises and methods that aim at the act of improvising as an end, for a show - the final artistic work is formed by the scenes created live in front of an audience. Improvisation facilitates human coexistence, at least through its power to make people more receptive to each other, while respecting each person's place to speak. Improvisation can therefore be said to imply a transversal approach, as it crosses the different spheres of our relational activities, which are a strong source of inspiration for the creation of stories, at all times and in all communities of our society, in the family, social, professional or state sphere. What I intend to demonstrate, based on a few contemporary researchers and my experience as director of the improvisational theater troupe "Teatro do Nada" for over fifteen years, is that improvisation can inspire all stages of the filmmaking process. / Le point de départ de ce projet de recherche est l'utilisation des techniques du théâtre d'improvisation contemporaine dans l’élaboration de films. Transversal est ce qui traverse ou coupe un travail, ce qui édifie certaines parties qui sont situés au travail, ce qui se dirige de manière oblique. La transversalité dans ce cas est un transfert des méthodes théâtrales pour la création en cinéma, puisqu’il y a un déplacement de l’espace d’improvisation : on enlève le public et on met des caméras devant les acteurs-créateurs; la scène est convertie en plateau de tournage; et le frisson du direct fait place au défi de ne pas avoir de seconde prise. Les méthodes pour entrainer les improvisateurs, basées sur une partie spécifique de l’Impro dont le but est la création d’histoires, sont presque les mêmes qu’au théâtre, pourtant il faut adapter les exercices de formation et les techniques en considérant l’environnement cinématographique. Ce que j'appelle Improvisation Contemporaine est un ensemble de techniques, d'exercices, de méthodes qui visent l'acte d'improviser comme une fin, pour un spectacle - l'œuvre artistique finale est formée par les scènes créées en direct devant un public. L’improvisation facilite la coexistence humaine, au moins par son pouvoir de rendre les gens plus réceptifs les uns aux autres, en respectant le lieu de parole de chacun. On peut donc dire que l'improvisation implique une approche transversale, car elle traverse les différentes sphères de nos activités relationnelles, qui sont une forte source d'inspiration pour la création des histoires, à tout moment et dans toutes les communautés de notre société, dans la sphère familiale, sociale, professionnelle ou de l’État. Ce que j'ai l'intention de démontrer à partir de quelques chercheurs contemporains et de mon expérience en tant que directeur de la troupe de théâtre d'improvisation « Teatro do Nada » depuis plus de quinze ans, c'est que l'improvisation peut inspirer toutes les étapes du processus de création cinématographique.

Mémoire en recherche-création. / À partir d’archives diffusées sur YouTube, ce mémoire s’intéresse à la catastrophe naturelle du Verglas de 1998. Les vidéos sont l’occasion d’une réflexion sur l’esthétique des images d’information journalistique de catastrophes naturelles, sur le support VHS qui a permis leur premier enregistrement (la création d’une mémoire), et sur la télévision, médium qui les a d’abord diffusées. Conjointement à l’analyse de ces images est exposée la démarche de leur réemploi qui a mené à la réalisation d’un essai filmique. Le réemploi s’est notamment effectué en altérant des archives avec des magnétoscopes, fruits de la technologie de l’époque, qui avaient permis d’enregistrer les images télévisées. Avec ce geste de réemploi sont apparues des perspectives esthétiques qui permettent de voir la catastrophe autrement. D’autre part, ce projet a conduit l’auteur, muni d’une caméra VHS, à aller sur les lieux de l’événement, filmer les pylônes reconstruits, mais aussi au-delà, à la Baie James. Ce travail de recherche-création procède d’une méthode non systématique mais qui suit des chemins ouverts par les archives, par les technologies rencontrées ou par les images créées. Il envisage la question fondamentale que posent les catastrophes naturelles : celle du rapport qu’entretient l’homme avec la nature. / From archives released on YouTube, this thesis aims to explore the natural disaster of Ice Storm of 1998. The videos offer an opportunity to reflect on the aesthetic images of journalistic information on natural disasters, but also on the VHS medium that allowed their first recording (the creation of a memory), as well as on television, the medium that first distributed them. Alongside the analysis of these images, this thesis presents the process for reusing them, which led to the production of a film essay. Archives were altered thanks to video recorders, the technological advancement of the time, which allowed the recording of televised images. With reuse, came aesthetic perspectives that allow us to see the disaster differently. On the other hand, this project led the author, equipped with a VHS camera, to go to the scene of the event, to film the reconstructed pylons, but also to go beyond, to James Bay. This research-creation work was developed through a non-systematic method, rather following the paths opened up by the archives, technologies encountered or images created. It considers the fundamental question posed by natural disasters : that of the relationship between man and nature.