Que se passe-t-il sur scène lors d’un concert de rock ? Quels sont les éléments qui permettent d’apprécier ce moment perçu comme "unique" (improvisation, durée des morceaux, performance, interprétation,…) qui ne semble pas identique au disque ?L’angle d’approche de ce projet se base sur les différences musicologiques entre une version phonographique d’une chanson et sa version concert. L’hypothèse de départ est que ces différences font sens.Dans ce cadre, plusieurs analyses sont nécessaires : l’analyse musicologique, l’analyse scénographique et la prise en compte des éléments sociologiques. En effet, nous pensons que le processus de passage sur scène d’un groupe de musique actuelle, outre un rapport privilégié avec le public qu’il est pertinent de prendre en considération, influe sur le processus créatif du groupe, sur la composition même.Plusieurs concepts sont abordés pour traiter ce questionnement : l’authenticité liée aux musiques rock, la postmodernité, le problème ontologique rencontré par les musiques actuelles, le processus de re-création, la fête et le rituel liés au concert, l’interprétation et la performance. Nous traitons aussi des enjeux du disque (création, industrie) et du concert (définition, création) dans le but de comprendre les contraintes matérielles d’un groupe sur la création.Pour mener à bien ce projet, nous nous appuyons sur l’étude du groupe Noir Désir (productions phonographiques, scéniques, influences, analyses du corpus, etc.) et particulièrement sur des analyses comparatives entre versions phonographiques et versions scéniques afin de découvrir les modalités d’existence d’une re-création musicale lors d’un passage sur scène. / What exactly happens on stage during a rock concert ? What are the elements that enable us to appreciate this moment perceived as "unique" (improvisation, duration of songs, performance, interpretation…) which does not seem to be identical to the record?The angle of approach to this project is based on the musicological differences between a phonographic version of a song and its live version. The hypothesis is that these differences make sense.In this perspective, several points of analysis are necessary: the musicological analysis, the scenographic analysis as well as the sociological aspects.Indeed we think that not only a privileged relationship with the public is relevant, but also the process by which a popular music group does from creating records to going on stage influences the creative process of the group and of the composition itself.To answer these questions, the following concepts will be used: the notion of authenticity that is linked to rock music, postmodernity, the ontological problem which popular music faces, the process of re-creation, the celebration and the rituals inherent to concerts, interpretation and performance. To understand the material constraints of creation for a music group, we dealt with the underlying implications of recording and stage performance. In order to carry out this project successfully, we chose to study Noir Désir (phonographic productions, scenic productions, influences, corpus analysis, etc.) with an emphasis on comparative analysis between phonographic versions and scenic versions to discover the modalities of existence of musical re-creation from record to stage performance.

Ce livre réfléchit à un aspect discursif et gestuel du personnage dans les deux romans de Julien Green, Moïra et L'Autre. Le personnage, bien qu'étant inventé par l'auteur, assume un rôle autonome par rapport à la voix du narrateur. Sous cet angle, nous pouvons faire des analyses sur le discours direct ainsi que le discours indirect libre ; ce sont les formes langagières par lesquelles le sujet origine fictif dont relève le personnage exprime son idée individuelle qui contredit souvent l'intention première du sujet énonciateur que sont le narrateur et l'auteur implicite. Ce phénomène résulte de la conception romanesque de l'auteur qui essaie de représenter le sujet conscient vivant pour le lecteur. <br />Ce dont il fait l'expérience dans le roman se manifeste par celle d'un rêve ou d'un dédoublement psychologique. Ils sont dus à la souffrance morale du sujet fictif qui commet une action immonde envers un autre sujet, mais qui est inévitable pour qu'il puisse se rendre compte qu'il est un homme pécheur : il n'est qu'un être de chair voué à la mort. Le péché commis par le sujet fictif est une étape ouvrant une voie à une connaissance expérimentale pour l'auteur. Ainsi l'écriture du péché devient un leitmotiv du roman. Finalement, la mort de l'héroïne de L'Autre ainsi que de Moïra peut être interprétée comme une conséquence de l'être en péché. Ils arrivent à reconnaître leur existence éphémère. Mais la mort qu'ils subissent éclaire d'une manière réflexive leur être de finitude voué dès le début à sa disparition. C'est le moment où se croisent la mort de l'héroïne et la fin de sa narration fictionnelle.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Ce mémoire comprend deux volets : une étude théorique et un texte de création littéraire. Dans un premier temps, il s’agir d’étudier le rôle du désir dans la démarche thématique et philosophique employée par l’écrivain Wilson Harris dans son roman The Palace of the Peacock. Ainsi démonterons-nous dans le premier chapitre que Harris se sert – de façon paradoxale – du désir empirique pour faire valoir les limites mêmes de celui-ci. Nous aborderons dans le deuxième chapitre le rapport problématique qu’entretient, chez Harris, la subjectivité féminine avec la subjectivité masculine. En particulier, nous examinerons la représentation de ce rapport sous la forme de métaphores ayant trait à l’environnement et à l’anatomie. Nous avancerons que le caractère problématique que revêt le rapport entre subjectivités féminine et masculine dans le roman est en quelque sorte nécessitée par l’écriture même de Harris. Dans le troisième chapitre, nous prendrons part aux débats sur la poétique qui animent la littérature contemporaine afin de situer notre propre élan vers la création littéraire. En même temps, nous entreprendrons une tentative de récupération de certains des concepts théoriques formulés par Harris, en lien avec notre propre poétique. S’ensuivra notre projet de création littéraire, intitulé HEROISM/EULOGIES, qui constitue le quatrième et dernier chapitre du mémoire. Ce texte, extrait d’un projet d’écriture créative plus vaste, trace les mouvements d’un certain nombre de sujets à travers une Amérique imaginée. / This study contains two parts: a theoretical component and a literary text. The theoretical component discusses desire as a thematic and philosophical methodology in Wilson Harris’s The Palace of the Peacock. Chapter one argues that Harris paradoxically makes use of forms of empirical desire to demonstrate its epistemological limits. Chapter two discusses the problematic situation of female subjectivity in relation to male subjects, through environmental and anatomic metaphors, which Harris’s writing necessitates. Chapter three discusses contemporary poetics in order to situate my impetus for literary writing and attempts to salvage some of Harris’s theoretical concepts in dialogue with my own poetics. Chapter four contains the creative writing project, HEROISM/EULOGIES—an excerpt from a larger project—that charts the movement of various subjects across an imagined American landscape.

Si les propositions proprement révolutionnaires de l’apprendre comme de l’enseigner de J.-J. Rousseau au XVIIIe siècle ont pu alimenter toute la pensée de l’éducation pendant près de deux siècles, se seraient-elles effondrées au milieu du XXe siècle avec l’arrivée des Approches communicatives, Perspective actionnelle et Cadre européen commun de références pour les langues dans leur prolongement ? Ou bien, ces nouveaux modèles d’apprentissage rejouent-ils Emile ou de l’éducation ? Se pourrait-il que cette fiction nous informe du continuum et de la rupture avec la Tradition éducative occidentale depuis Platon ? car si Emile annonce l’apprenant d’aujourd’hui, ils se séparent radicalement quant à leur « destination » (Kant). Il est en effet des conditions pour que le métier d’homme, se transforme en savoir-être.De son côté, l’Essai sur l’origine des langues rousseauiste pose une question qui, même sondée par la linguistique, reste toujours en suspens. Le langage des hommes leur servirait-il à exprimer leurs besoins et leurs pensées ? Rousseau n’y croit pas, Saussure non plus, d’aucuns (Lacan pour principal) avance même que la langue sert à tout autre chose qu’à la communication, et d’autres, écrivains et poètes, lui font dire des choses insoupçonnées qu’on reconnaît cependant. Serait-elle néanmoins réductible à un savoir-faire par tout le monde ?A vouloir vite tourner les pages de l’histoire, la didactique (DLE et FLE notamment) se prive d’un illustre ancêtre qui pourtant voyait loin. Cette étude se propose d’y retourner. / If Jean-Jacques Rousseau’s radically innovative proposals for learning and teachning in tle 18th century nourished educational thought for two centuries, why did they collapse in the middle of 20th century with the development of Communicative and Action-oriented approaches, and, in their wake, the Common European Framework of References for Languages ? Or, alternatively, did these newer models of knowledge acquisition replay in some fashion or another the ideas contained in Rousseau’s Emile, or On Education ?Could it be that Rousseau’s fiction tell us about certain continuities and discontinuities in the Western intellectual tradition of educational thought since Plato ? If contemporary discussions of learning acquisition differ radically in Kantian terms of their ends, there are certain conditions necessary for vocational training to be transformed into life-skills (savoir-être).On the other hand, Rousseau’s Essay on the Origin of Languages asked a question to which contemporary linguists have been unable to give an adequate answer : does human language exists in order to express needs and thoughts ? Neither Rousseau, nor Saussure long after him, believed so. Lacan claimed that language serves another purpose besides communication. Others, writers and poets for example, regularly use language to say things otherwise unknown but recognizable nevertheless. Does this make language use’s purpose reducible to a form of expertise, or know-how (savoir-faire) ?In its rush to turn the pages of history, pedagogical approaches (notably Foreign Language Teaching and French Foreign Language programs) have deprived educational instructors of visionary aspects of Rousseau’s ideas about theses issues. This study shows their relevance to contemporary linguistic concerns.

Ces quarante dernières années, Louise Glück a su s’imposer dans le paysage de la poésiecontemporaine américaine sans que l’on ait jamais pu l’assigner à quelque genre que ce soit. Sa poésie déroute car traversée par le féminin, elle s’obstine pourtant à lui résister. Le moi glückien se dissimule derrière des masques plus ou moins opaques : des personae de la mythologie telle Perséphone auxmasques sournoisement transparents du recueil Ararat, sa voix poétique se fait plurielle mais singulière, celle d’un moi qui parle, toujours en proie au désir. Glück édifie dans chacun de ses recueils un réseau de paradigmes où la mémoire coexiste avec l’oubli, où la domesticité s’oppose à l’ailleurs hostile, où le mythe et l’ordinaire se confrontent et se confondent.Louise Glück esquive ces structures paradigmatiques à travers une poétique épurée et une ponctuation qui obscurcissent et diffèrent le sens jusqu’à l’éluder. L’entre-deux que son oeuvre explore forme à la fois un interstice et une béance : ce peut être la fissure d’Averno, la crevasse du deux-points ou le silence de Dieu dans The Wild Iris ; le milieu qui nous sépare de l’autre et de nous-mêmes et qui, simultanément, nous lie inextricablement à eux. Nous appelons ce milieu pluriel le neutre, concept que nous devons à Roland Barthes qui lui a consacré un cours au Collège de France en 1977-1978. Nous nous sommes inspirés de son approche pour lire la poésie de Glück, dont les personae sont habitées par un désir qui est, chez le poète, un désir d’écriture pour surseoir à la mort : un désir de neutre. / For forty years now, Louise Glück has been a major figure in contemporary American poetry, particularly because her poems shun the obvious and the lyric genres as we know them. If her poetry give the feminine to read, her work resists and endures it as a genre. The various masks the poet puts on may often seem transparent, but the poetic voice remains that of a persona, be it Persephone or even the ones in Ararat, her most life-inspired collection. Many and different are the faces to people her work, but behind the mask, Glück’s remains unique: her voice can be described as Dickinsonian in its bareness and subversive imagery: disguised as a desiring I, the impersonal threatens. Throughout her work, Glück has drawn a web of paradigmatic oppositions, only to be ‘baffled’: memory coexists with oblivion, the safe and cozy home is opposed to the dangerous outside world, the mythic and the mundane are intertwined in Meadowlands.Louise Glück evades and outplays the paradigm thanks to a bare language and a choice of punctuation, which darken and delay meaning to the extent of eluding it. Her poems explore an inbetweenness, which assumes the shape of a Freudian rift in Persephone’s soul, or of God’s silence to His creatures’s prayers in The Wild Iris. We are naming such in-betweenness the Neutral, a theory the French literary theorist and semiotician Roland Barthes exposed in a lecture course at the Collège de France in 1977-1978. The Neutral is the desire and its intensity, it is what parts us from the other and from ourselves, what intimately binds us together. Our reading of Louise Glück’s poetry was firstly inspired by Barthes’s theory. We see in her work a desire for the Neutral which translates as a desire for the poet to write, and relentlessly defer the instant of death.

Esta pesquisa busca investigar qual o papel das técnicas lúdicas no ensino de Língua Estrangeira, verificando, sobretudo, as reações dos alunos frente a esta abordagem lúdica. Este trabalho procura ainda entender o que leva o aluno a querer aprender uma Língua estrangeira. Questiona o papel do professor frente ao conteúdo a ser ensinado e, se ele, enquanto ensinante, pode fazer algo concretamente para que o aluno deseje aprender a LE. Todos os questionamentos são colocados a partir da Psicopedagogia, em especial dos aportes de Alicia Fernandez, lembrando que sua obra tem um forte vínculo com a psicanálise, em especial com a obra de Winnicott, tão instigante no que se refere ao lúdico. A experiência prática, aqui descrita, deu-se em uma escola privada na cidade de São Paulo, com um grupo da 7a. série do ensino fundamental. Para a sua realização, utilizou-se a Técnica de Simulação Global de Francis Yaiche. Todo o percurso foi traçado a partir das experiências e inquietações do pesquisador, que é professor de língua francesa há 20 anos. / Cette recherche a eu pour but vérifier le rôle de techniques ludiques dans l´enseignement de Langues Étrangères, à partir surtout de l’analyse des réactions des élèves face à cette approche ludique.. On a eu aussi l´intention de comprendre ce qui mène un élève à avoir le désir d´aprendre une Langue Étrangère, ainsi que de vérifier ce qu´on peut faire pour le stimuler. On discute le rôle du professeur face aux contenus à enseigner et si, en tant qu´enseignant, il peut faire concrètement quelque chose pour créer chez l’ élève le désir d’ apprendre la LE. Toutes les questions sont posées à partir de la Psychopédagogie, en spécial des apports d´Alicia Fernández. Sans oublier que son oeuvre a une relation très forte avec la psychanalyse, surtout avec l´oeuvre de Winnicott, si inquiétante en ce qui concerne le ludique. L´expérience a été réalisée dans une école privée de São Paulo, auprès d´un groupe d ´éléves de “7a. série" de “l ´enseignement fondamental". On s´est servi de la technique de la Simulation Globale de Francis Yaiche pour analyser la fonction du ludique dans l´enseignement des Langues Étrangères.

La présente thèse s’organise comme une étude du cinéma brésilien contemporain visant à mettre en évidence la constitution des regards féminins. Cette étude s’appuie sur l’analyse filmique pour circonscrire un modèle esthétique en opposition au regard dominant qui structure la majorité de la production cinématographique. Il propose une perspective distincte de la théorie féministe classique, moins focalisée sur des paires d'opposés historiquement consacrées (masculin versus féminin), et qui se concentre davantage sur ce que les films offrent comme indices d’une organisation symbolique. L’ambition est de déceler la constitution d’un regard féminin cinématographique, et de décrire les traits structurels de ceux-ci. / The present thesis is a study of contemporary Brazilian cinema focused on the constitution of female gazes. This study is based on film analysis and aims to describe an aesthetic model in opposition to the dominant (male) gaze that structures the majority of film production. It develops a perspective that distinguishes itself from classical feminist theory, by means of a shift in focus from the historically consecrated pair of opposites (masculine versus feminine) to an emphasis on what films offer as indications pointing to new symbolic structures. Its goal is to shed light on the constitution of a cinematic female gaze, and to describe the structural lines that define it.

Dans le présent mémoire, l'auteure propose une réflexion sur le désir charnel censuré durant la Deuxième Guerre mondiale au Québec à travers la mise en parallèle de deux romans dont le thème central est la volonté d'outrepasser les tabous malgré l'oppression des membres du clergé. Il s'agit de Désespoir de vieille fille de Thérèse Tardif (1943) et d'Orage sur mon corps d'André Béland (1944). Puisque ces romans favorisent les désirs individuels par rapport à ceux de la collectivité, ils soulèvent des questionnements similaires: en quoi le paysage socio-historique et littéraire des années 1930 et 1940 a-t-il pu favoriser l'éclosion d'œuvres singulières? Quelle fut la réaction des critiques littéraires face à cette littérature émergente? Comment l'autocensure se manifeste-t-elle dans les romans? De quelle façon le langage figuré contourne-t-il les tabous afin de faire entendre des désirs qui ne peuvent s'exprimer autrement? Afin de répondre à ces questions, madame Ostiguy fait appel à plusieurs historiens et littéraires qui nous éclairent sur les tabous de l'époque et sur les modes de censure. Il permet ainsi d'approfondir une réflexion sur les normes sociales du genre et de mieux comprendre le déchirement intérieur que vit le sujet marginal. Les théories du langage figuré seront mises à contribution afin de saisir les procédés rhétoriques utilisés par les auteurs afin de s'exprimer malgré les tabous. L'analyse des stratégies narratives dévoile un discours subversif codé, opposé aux valeurs traditionnelles prônées par l'Église, qui cherche à faire taire les œuvres révolutionnaires puisqu'elles tendent à construire une nouvelle vision du monde qui laisse place à l'individualité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : censure, autocensure, tabous, écriture des femmes, homosexualité, désirs, langage figuré, littérature québécoise, Désespoir de vieille fille, Thérèse Tardif, Orage sur mon corps, André Béland.

Ce mémoire comprend deux volets : une étude théorique et un texte de création littéraire. Dans un premier temps, il s’agir d’étudier le rôle du désir dans la démarche thématique et philosophique employée par l’écrivain Wilson Harris dans son roman The Palace of the Peacock. Ainsi démonterons-nous dans le premier chapitre que Harris se sert – de façon paradoxale – du désir empirique pour faire valoir les limites mêmes de celui-ci. Nous aborderons dans le deuxième chapitre le rapport problématique qu’entretient, chez Harris, la subjectivité féminine avec la subjectivité masculine. En particulier, nous examinerons la représentation de ce rapport sous la forme de métaphores ayant trait à l’environnement et à l’anatomie. Nous avancerons que le caractère problématique que revêt le rapport entre subjectivités féminine et masculine dans le roman est en quelque sorte nécessitée par l’écriture même de Harris. Dans le troisième chapitre, nous prendrons part aux débats sur la poétique qui animent la littérature contemporaine afin de situer notre propre élan vers la création littéraire. En même temps, nous entreprendrons une tentative de récupération de certains des concepts théoriques formulés par Harris, en lien avec notre propre poétique. S’ensuivra notre projet de création littéraire, intitulé HEROISM/EULOGIES, qui constitue le quatrième et dernier chapitre du mémoire. Ce texte, extrait d’un projet d’écriture créative plus vaste, trace les mouvements d’un certain nombre de sujets à travers une Amérique imaginée. / This study contains two parts: a theoretical component and a literary text. The theoretical component discusses desire as a thematic and philosophical methodology in Wilson Harris’s The Palace of the Peacock. Chapter one argues that Harris paradoxically makes use of forms of empirical desire to demonstrate its epistemological limits. Chapter two discusses the problematic situation of female subjectivity in relation to male subjects, through environmental and anatomic metaphors, which Harris’s writing necessitates. Chapter three discusses contemporary poetics in order to situate my impetus for literary writing and attempts to salvage some of Harris’s theoretical concepts in dialogue with my own poetics. Chapter four contains the creative writing project, HEROISM/EULOGIES—an excerpt from a larger project—that charts the movement of various subjects across an imagined American landscape.