Este trabalho surge da inquietação frente aos diálogos entre educação estética e design, observados por anos em experiências profissionais dentro de educativos de museus e centros culturais da cidade de São Paulo. Decorrente da vontade de analisar mais detidamente estes diálogos, a finalidade deste trabalho é de estuda-los por meio de uma análise histórica do design, com a qual o caso do educativo do sistema britânico de ensino, South Kensington, guarda importantes interlocuções, mesmo que em chave crítica de análise. A partir desta crítica, ampliam-se os estudos em direção à filosofia, permitindo a investigação destes diálogos sob a lente do conceito de \"emancipação\", de Jacques Rancière e, simultaneamente, sob as perspectivas teóricas de Bruno Latour, especificamente aquelas voltadas ao design. É do reexame da ideia de design e de educação estética que esta pesquisa parte para uma reflexão sobre como o modus operandi do primeiro, articulador por essência, impulsiona o segundo no sentido de possibilitar regimes emancipatórios, a partir da ideia de estética enquanto configuração de paisagens sensíveis de determinados sujeitos. Tendo em vista essa atualização das duas disciplinas, este trabalho pretende analisar a potência de trabalha-los sob uma perspectiva transdisciplinar, segundo a hipótese de que, para permitir a emancipação, faz-se necessário considerar tanto regimes constituídos por ímpetos de elaboração quanto os constituídos por paixões e afetos. / This work arose from the restlessness felt when facing the dialogues between aesthetic education and design, observed for years in professional experiences within museums and cultural centers educational programs in São Paulo. From the will to analyze more closely these dialogues derived the purpose of this work, to study them through a historical analysis of design, in which the case of the British educational system, South Kensington, holds important connections, even in a critical way. From this point, the studies extend toward philosophy, allowing us to investigate these dialogues under Jacques Rancière\'s concept of \"emancipation\" and, simultaneously, under Bruno Latour\'s theoretical perspectives, specifically those focused on design. It is from the reexamination of the ideas of design and aesthetic education that this research proposes a reflection about how design\'s modus operandi, an articulator by essence, boosts the aesthetic education in order to incorporate emancipatory schemes based on the definition of aesthetics as the sensitive landscape of certain individuals. Considering this update of both disciplines, this work aims to analyze the power of approaching them from a transdisciplinary perspective, according to the hypothesis that, to allow emancipation, it is necessary to consider both schemes, those consisting of the impetus of elaboration as those consisting of passions and affections.

O foco de interesse deste trabalho reside no mapeamento e na investigação de procedimentos presentes na produção de William Forsythe que estimulam a reflexão sobre a prática cênica e o fenômeno da arte sob uma perspectiva transitiva e espacial. Mover, alterar perspectivas e sugerir o aparecimento de novos ângulos, pesos e intensidades é interferir nas dinâmicas que geram campos instalativos e paisagens frágeis nas quais a percepção está em constante movimento. Qualidades e características presentes nos trabalhos de Forsythe, sobretudo na série Objetos Coreográficos, serão apresentadas aqui como eixos orientadores de discussões que, ao problematizarem conceitos e fundamentos sobre movimento e espaço, lançam diferentes possibilidades de observação sob o fenômeno teatral. Os Objetos Coreográficos, ponto de partida e foco deste estudo, são propostas ou mecanismos de interação entre corpo e espaço, seja o corpo do artista ou do espectador, que incentivam reflexões sobre a arte como um extenso campo de investigação e produção de conhecimento. Ao promoverem impactos físicos, incursões espaciais e desvios de referenciais da percepção, os Objetos Coreográficos tencionam limites entre as artes cênicas, as artes visuais, a arquitetura, a dança e a filosofia ao mesmo tempo em que promovem a superação de padrões e conceitos instituídos e inauguram campos de conhecimento. / The focus of this work lies in mapping and researching the procedures in the production of William Forsythe which stimulate the reflection about the theatrical practice and the art phenomenon from a transitive and spatial perspective. Moving, changing perspectives and suggesting the emergence of new angles, weights and intensities is about interfering in the dynamics that generate \"instalatives\" fields, fragile landscapes in which the perception is constantly moving. Qualities and characteristics present in the works of Forsythe, especially in the Choreographic Objects series, will appear here as guiding axis of discussions, to problematize concepts and fundamentals of movement and space, throw different possibilities for observation under the theatrical phenomenon. The Choreographic Objects, starting point and focus of this study, are proposes or mechanisms of interaction between body and space, the body of the artist or the viewer, encouraging reflections on art as an extensive field of research and production of knowledge. Promoting physical impacts, spatial incursions and deviation of perception references, the Choreographic Objects discuss the boundaries between theatre, fine arts, architecture, dance and philosophy while promoting the overcoming of standards and instituted concepts and inaugurate fields of knowledge.

Estabelecida em torno da arte-educação e da fotografia, esta pesquisa é uma reflexão sobre o que é e o que pode ser o processo de ensino e aprendizagem da arte. O encontro destes mundos é explorado de forma a contribuir para uma melhor compreensão a respeito do ser humano, em um permanente movimento de busca dos seus potenciais. O ponto de partida é a prática pedagógica do fotógrafo e educador Miguel Chikaoka, que construiu um trabalho onde não prevalece a técnica, mas a experiência estética, por meio de um aprendizado artesanal e sensorial, criando, assim, um íntimo contato com a luz, o insumo básico da linguagem fotográfica. Os estudos desenvolvidos resultaram na construção de uma poética pedagógica própria, na qual a fotografia se estabeleceu como fio condutor dos processos de ensino e aprendizagem da arte, no trabalho realizado dentro do Programa de Iniciação Artística (PIÁ). Tudo isso configurou-se em perspectiva para uma reflexão sobre a educação numa sociedade visual, cuja relação com a imagem já virou uma experiência cotidiana. Pensar a fotografia como um instrumento que pode potencializar o trabalho educativo é um dos objetivos deste trabalho, estabelecendo assim um diálogo com o mundo contemporâneo. As questões trazidas por Juan Fontcuberta, Walter Benjamin e Vilém Flusser embasam o pensamento fotográfico, enquanto que John Dewey e Herbert Read alimentam as reflexões sobre arte e educação, e John Berger e Fayga Ostrower sustentam o pensamento sobre imagem, percepção e processo criativo, cujos contornos se fazem por meio da concepção de Paulo Freire sobre uma educação crítica e libertadora. / Cette recherche c\'est une réflexion sur ce qui est et ce qui pourrait être le processus d\'enseignement et d\'apprentissage de l\'art. Elle est établie autour de l\'enseignement de l\'art, de l\'éducation et de la photographie. La rencontre de ces mondes est explorée afin de contribuer à une meilleure compréhension de l\'être humain, dans un mouvement de quête constante de leur potentiel. Le point de départ est le travail du photographe et éducateur Miguel Chikaoka qui a construit une oeuvre que ne prévaut la technique, mais l\'expérience esthétique à travers de un travail manuel et l\'apprentissage sensoriel, créant ainsi un contact intime avec la lumière, entrée de base du langage photographique. Les études développés on abouti à la construction de ma propre poétique pédagogique, dans laquelle la photographie est établi comme un principe directeur des processus d\'enseignement et d\'apprentissage dans le travail fait dans le Programa de Iniciação Artística (Proggrame d\'Initiation Artistique - PIÁ). Tout cela s\'est configuré dans une perspective sur pour une réflexion sur l\'éducation dans une société visuelle, dont la relation avec l\'image est devenue une expérience quotidienne. Pensez à la photographie comme un outil qui peut améliorer le travail éducatif est l\'un des objectifs de la recherche, établissant ainsi un dialogue avec le monde contemporain. Les questions soulevées par Juan Fontcuberta, Walter Benjamin et Vilém Flusser soutiennent la pensée photographique, tandis que John Dewey et Herbert Read nourrissent les réflexions sur l\'art et l\'éducation, et John Berger et Fayga Ostrower détiennent la réflexion sur l\'image, la perception et les processus de création, dont les contours sont faits en s\'appuyant sur la conception de Paulo Freire, un enseignement critique et libératrice.

O foco de interesse deste trabalho reside no mapeamento e na investigação de procedimentos presentes na produção de William Forsythe que estimulam a reflexão sobre a prática cênica e o fenômeno da arte sob uma perspectiva transitiva e espacial. Mover, alterar perspectivas e sugerir o aparecimento de novos ângulos, pesos e intensidades é interferir nas dinâmicas que geram campos instalativos e paisagens frágeis nas quais a percepção está em constante movimento. Qualidades e características presentes nos trabalhos de Forsythe, sobretudo na série Objetos Coreográficos, serão apresentadas aqui como eixos orientadores de discussões que, ao problematizarem conceitos e fundamentos sobre movimento e espaço, lançam diferentes possibilidades de observação sob o fenômeno teatral. Os Objetos Coreográficos, ponto de partida e foco deste estudo, são propostas ou mecanismos de interação entre corpo e espaço, seja o corpo do artista ou do espectador, que incentivam reflexões sobre a arte como um extenso campo de investigação e produção de conhecimento. Ao promoverem impactos físicos, incursões espaciais e desvios de referenciais da percepção, os Objetos Coreográficos tencionam limites entre as artes cênicas, as artes visuais, a arquitetura, a dança e a filosofia ao mesmo tempo em que promovem a superação de padrões e conceitos instituídos e inauguram campos de conhecimento. / The focus of this work lies in mapping and researching the procedures in the production of William Forsythe which stimulate the reflection about the theatrical practice and the art phenomenon from a transitive and spatial perspective. Moving, changing perspectives and suggesting the emergence of new angles, weights and intensities is about interfering in the dynamics that generate \"instalatives\" fields, fragile landscapes in which the perception is constantly moving. Qualities and characteristics present in the works of Forsythe, especially in the Choreographic Objects series, will appear here as guiding axis of discussions, to problematize concepts and fundamentals of movement and space, throw different possibilities for observation under the theatrical phenomenon. The Choreographic Objects, starting point and focus of this study, are proposes or mechanisms of interaction between body and space, the body of the artist or the viewer, encouraging reflections on art as an extensive field of research and production of knowledge. Promoting physical impacts, spatial incursions and deviation of perception references, the Choreographic Objects discuss the boundaries between theatre, fine arts, architecture, dance and philosophy while promoting the overcoming of standards and instituted concepts and inaugurate fields of knowledge.

Esta pesquisa pretende dialogar sobre os questionamentos sobre a transversalidade da experiência estética na Educação infantil. A primeira parte pesquisada dialoga sobre a idade infantil e seus estágios de desenvolvimento, a relação da estética e a arte na educação infantil, uma tentativa de reflexão sobre a educação infantil e o fazer artístico como ferramentas de aprendizado humano e complexo. A segunda parte da pesquisa aborda a experiência estética na complexidade, as relações artísticas, humanas e culturais que se constroem no social e no fazer artístico. A epistemologia e a religiosidade, aspectos dialogando-se entre a experiência estética e o sentido do fazer e criar, uma busca do geral no âmbito pessoal. E a terceira e última parte da pesquisa, aborda ações promovidas na experiência estética no desenvolvimento infantil, ferramentas arte-lúdica para a leitura de mundo infantil. A busca de uma coisa que dê o conceito a transversalidade da arte na educação, propostas artísticas, arte-lúdica, para a educação infantil. / This research intends to talk about the questions about The Transversality of the aesthetic experience in early childhood education. The first part of the research dialogs about the childs age and its development stages, the relation of aesthetics and art in childhood education, an attempt of reflection on childhood education and artistic experience as tools for human and complex learning. The second part of the research deals with the aesthetic experience within the theories of complexity, the artistic, human and cultural relations which are built within social life and in artistic experience. It works with the epistemology and religiosity, aspects that are dialoguing between themselves about the aesthetic experience and the meaning of making and creating, a quest for the general within the personal area. And the third and last part of the research presents actions promoted within the aesthetic experience in child development, art-play tools to read the childs world. It is a quest for a pedagogical tool which can provide the concept and meaning for transversality of art in education, artistic proposals, art-play for childhood education.

Submitted by Poliana Carvalho Almeida (polianacarvalhoalmeida@yahoo.com.br) on 2017-01-31T14:10:38Z No. of bitstreams: 1 Poliana Almeida Tese Versão Final.pdf: 932124 bytes, checksum: bfac1ea37d63c039e805d5f9fed345aa (MD5) / Approved for entry into archive by Maria Auxiliadora da Silva Lopes (silopes@ufba.br) on 2017-02-17T18:55:51Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Poliana Almeida Tese Versão Final.pdf: 932124 bytes, checksum: bfac1ea37d63c039e805d5f9fed345aa (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-17T18:55:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Poliana Almeida Tese Versão Final.pdf: 932124 bytes, checksum: bfac1ea37d63c039e805d5f9fed345aa (MD5) / Esta pesquisa teve como objetivo investigar os processos de elaboração de justificativas de gosto musical. O referencial teórico inscreve-se no campo da Filosofia (Estética) e da Sociologia da Música, levando em conta a complexidade da difusão e recepção da música pós-Indústria Cultural e das relações entre corpo e experiência estético-musical. O problema abordado nasce de questionamentos sobre a validade do gosto musical das massas e, em especial de jovens não músicos. A questão de pesquisa é: como jovens estudantes elaboram suas justificativas de gosto e preferência musical? Serão analisadas (análise de conteúdo) justificativas de preferência de estudantes do Ensino Médio, coletadas em registros de atividades de apreciação musical realizadas em turmas do 1º ano do Ensino Médio, no período de 2007 a 2013, na disciplina Artes/Música. Este trabalho traz como dados de pesquisa a caracterização do repertório musical de preferência dos estudantes no ano de 2013, antecedido por dois quadros teóricos cujos eixos são a Estética e a Sociologia da Música, e uma cartografia das justificativas de gosto musical dos estudantes, fundamentada no pensamento de Deleuze e Guattari, procurando assim verificar a hipótese de que justificativas de preferências musicais, independente do tipo de música a que se referem, seguem estruturas de pensamento elaboradas a priori, ou a posteriori, por isso, tais justificativas se equivalem e se anulam não sendo capazes de comunicar a significação da experiência musical. Assim, o julgamento musical de um “leigo” é tão válido quanto o julgamento musical de um músico. / ABSTRACT This research project aims to investigate the elaboration process justification of musical taste. The theoretical framework falls within the field of Philosophy (Aesthetics) and Sociology of Music, taking into account the complexity of the music diffusion and reception post Cultural Industry and the relationship between body and aesthetic-musical experience. The problem discussed is born of questions about the validity of the musical tastes of the masses, especially young no musicians. The research question is: how young students prepare their justifications of taste and musical preference? Will be analyzed (content analysis) the high school students justifications preference collected in the registers of music appreciation classes held in the 1st year of high school in the period 2007-2013, in the discipline Arts / Music activities. This work brings as preliminary research data to characterize the repertoire of students' preference in 2013 preceded by two theoretical frameworks whose axes are the Aesthetics and Sociology of Music, thus seeking to verify the hypothesis that justification of musical preferences, independent the type of music to which they refer, follow structures of thought elaborate a priori (music history, music theory, etc.) or a posteriori (connection to feelings and sensory experiences), so such justifications are equal

Orientador: Ana Angélica Albano / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-17T19:31:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_SimoneCristianeSilveiraCintra_D.pdf: 7944771 bytes, checksum: 4d4bba7675d704e220fd02d4e7251615 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Narro e discuto aspectos dos muitos caminhos que integraram esta pesquisa, constituindo-a como uma "via de mão dupla", em que processos de construção de conhecimento e de autoconhecimento - não só dos licenciandos com os quais ela foi realizada, mas também, os meus próprios processos como educadora, artista e pesquisadora - estiveram em constante diálogo. Durante os anos de 2007 e 2008 realizei três práticas de formação com grupos distintos formados por licenciandos da Unicamp - Universidade Estadual de Campinas. Durante nossos encontros os participantes elaboraram narrativas poéticas autobiográficas, assim denominadas por terem sido criadas a partir de elementos das linguagens artísticas. Paralelamente, realizei, como aluna de disciplinas do Programa de Pós-graduação da Unicamp, exercícios memorialísticos junto aos quais pude rememorar-me e narrar-me por meio de metáforas e símbolos. A reflexão e a ressignificação dessas práticas de autoinvestigação, vividas como pesquisadora e como aluna, conduziram minha ação investigativa. A partir desse movimento reflexivo passei a conceber as narrativas poéticas autobiográficas como lugares privilegiados para a elaboração de símbolos - manifestos pela e na ação criativa e postos à apreciação por meio do produto dessa ação. Elegi como corpus de análise da pesquisa, tanto o processo vivenciado com o grupo formado por licenciandas em pedagogia, como as produções por elas realizadas. Baseando-me em aportes da Psicologia Analítica de Carl G. Jung identifiquei indícios do processo de produção e convivência com símbolos junto a duas narrativas poéticas autobiográficas criadas por alunas desse grupo. E, a partir desses indícios, construí relações entre esse processo e práticas autorreflexivas no âmbito da formação docente. Essas relações estabeleceram-se diante da possibilidade do consciente, por meio da ação de processos simbólicos, ampliar-se e transformar-se no contato com o conteúdo inconsciente, implicando em outros modos de vivência do conhecimento de si e do mundo, podendo, ainda, redimensionar nossa capacidade de refletir sobre esse (auto)conhecimento e a partir dele (re)organizar nossas ações diante da vida e da docência. / Abstract: The present research consists on a "two-way-road": processes of achieving knowledge and self-knowledge, both from the subjects and my own, were in constant dialogue. During the years of 2007 and 2008 I worked on three different training practices with three different groups of UNICAMP - Campinas University - students. During our meetings, the participants prepared poetic autobiographical narratives, so named because they were created from elements of artistic languages. Along with that process I wrote memoirs in order to recall myself of my own experiences, telling my own story through metaphors and symbols. My whole investigation was based on these very self-reflective practices. I discovered through the process of research that the autobiographical narratives were ideal places for conceiving symbols to be manifested in creative action and through creative action. I chose as the corpus of my research both the process experienced within the group formed by undergraduates in pedagogy as well as the productions undertaken by them. I then tried to identify the main symbols present on two of the students' narratives, based on C. G. Jung's Analytical Psychology. From such evidence I then started to find relationships between these processes and the self-reflexive practices within teacher education. These relationships would point towards the integration of unconscious contents into consciousness, showing the possibility of new ways of living and knowing the world and ourselves and also reshaping our ability to reflect on how (self) knowledge can (re) organize our actions in life and teaching. / Doutorado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Doutor em Educação

Made available in DSpace on 2016-04-18T21:31:34Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Suely Ramos da Silva1.pdf: 93642 bytes, checksum: 44193d818bc915bf42ab46c178531f16 (MD5) Suely Ramos da Silva2.pdf: 1347866 bytes, checksum: d3fd05db36edebb52684b0e3f8e28526 (MD5) Previous issue date: 2007-01-30 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / The present work intends to propose the beggining a change at school, through the concept of teaching with projects, attached to the aesthetical education, in all subjects. It formulates the research question about a difficulty faced by teachers of other areas to evaluate the students without knowing the art concepts, and it proposes the formative evaluation as a solution, especially through the student s self-evaluation. It targets school and high school students of the public educational institutes of São Paulo state. It considers at first that the recognized creativity of Brazilian people should be used at school, what it is believed that would cause a major impact in the students learning process and would help to form happier and more fulfilled civilians. It proposes a cooperative work in classroom, teaching theory connected to practice aiming to collaborate in the education of individuals more capable of participating in the so called society of information and knowledge that we live in. Colaborating with teaching professionals interested in the present subject, a real experience was reported: the development of a project which the final result was an exhibition of photographs of São Paulo city taken by the high school students, during its 450 year celebration in 2004.This project was proposed to History discipline, and the students have made a self-evaluation in order to reflect about the experience and learning. The research result pointed that students were capable of serious self-evaluation and that a formative evaluation was efficient for artistic works, at least in that specific project. / Este trabalho tem como objetivo, propor um começo de mudança na escola, por meio do ensino com projetos, vinculado à educação estética, em todos os componentes curriculares. Formula a questão de pesquisa sobre uma possível dificuldade dos professores de outras áreas avaliarem seus alunos sem o conhecimento dos conceitos do campo da Arte e propõe como solução a utilização da avaliação formativa, principalmente por intermédio da auto-avaliação dos alunos. Vislumbra como público alvo, os alunos do ensino médio e fundamental, da rede pública do Estado de São Paulo. Considera como premissa que deve-se aproveitar a reconhecida criatividade do povo brasileiro, desde sua passagem pela escola, o que acreditase, causaria grande impacto no processo de aprendizagem dos educandos e contribuiria na formação de sujeitos mais felizes e realizados. Propõe o trabalho cooperativo em sala de aula, com um ensino da teoria interligado à prática, para colaborar na formação de sujeitos mais capazes de participar da sociedade da informação e do conhecimento, que ora temos. Com a intenção de colaborar com outros profissionais do ensino, que tenham interesse no tema desta dissertação, demonstrou-se um relato de experiência, a saber, o desenvolvimento de um projeto, que teve como produto final uma mostra de fotografias elaboradas pelos alunos do ensino médio, sobre a cidade de São Paulo, na comemoração dos 450 anos de sua fundação, em 2004. O trabalho atendeu à uma proposta da disciplina de História e os alunos procederam à uma auto-avaliação para refletirem sobre suas vivências e aprendizado. O resultado da pesquisa apontou que estes alunos foram capazes de se auto-avaliarem com seriedade e que a avaliação formativa foi uma alternativa eficaz para avaliar suas produções artísticas, ao menos neste projeto específico.

Este trabalho surge da inquietação frente aos diálogos entre educação estética e design, observados por anos em experiências profissionais dentro de educativos de museus e centros culturais da cidade de São Paulo. Decorrente da vontade de analisar mais detidamente estes diálogos, a finalidade deste trabalho é de estuda-los por meio de uma análise histórica do design, com a qual o caso do educativo do sistema britânico de ensino, South Kensington, guarda importantes interlocuções, mesmo que em chave crítica de análise. A partir desta crítica, ampliam-se os estudos em direção à filosofia, permitindo a investigação destes diálogos sob a lente do conceito de \"emancipação\", de Jacques Rancière e, simultaneamente, sob as perspectivas teóricas de Bruno Latour, especificamente aquelas voltadas ao design. É do reexame da ideia de design e de educação estética que esta pesquisa parte para uma reflexão sobre como o modus operandi do primeiro, articulador por essência, impulsiona o segundo no sentido de possibilitar regimes emancipatórios, a partir da ideia de estética enquanto configuração de paisagens sensíveis de determinados sujeitos. Tendo em vista essa atualização das duas disciplinas, este trabalho pretende analisar a potência de trabalha-los sob uma perspectiva transdisciplinar, segundo a hipótese de que, para permitir a emancipação, faz-se necessário considerar tanto regimes constituídos por ímpetos de elaboração quanto os constituídos por paixões e afetos. / This work arose from the restlessness felt when facing the dialogues between aesthetic education and design, observed for years in professional experiences within museums and cultural centers educational programs in São Paulo. From the will to analyze more closely these dialogues derived the purpose of this work, to study them through a historical analysis of design, in which the case of the British educational system, South Kensington, holds important connections, even in a critical way. From this point, the studies extend toward philosophy, allowing us to investigate these dialogues under Jacques Rancière\'s concept of \"emancipation\" and, simultaneously, under Bruno Latour\'s theoretical perspectives, specifically those focused on design. It is from the reexamination of the ideas of design and aesthetic education that this research proposes a reflection about how design\'s modus operandi, an articulator by essence, boosts the aesthetic education in order to incorporate emancipatory schemes based on the definition of aesthetics as the sensitive landscape of certain individuals. Considering this update of both disciplines, this work aims to analyze the power of approaching them from a transdisciplinary perspective, according to the hypothesis that, to allow emancipation, it is necessary to consider both schemes, those consisting of the impetus of elaboration as those consisting of passions and affections.

Orientador: João Francisco Duarte Júnior / Tese(doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-20T11:08:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Salome_JoseliaSchwanka_D.pdf: 13541892 bytes, checksum: 422362cd37604c3f6cd4982ab7da2a14 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: O universo de estudo desta pesquisa configura-se em torno dos processos que levaram à perda da sensibilidade e à desumanização dos sentidos na sociedade contemporânea. O corpo, apartado da mente pela modernidade, torna-se cada vez mais uma máquina que assiste à ruptura do ser humano com a natureza. Na sociedade de consumo busca-se o lucro, o poder, a perfeição, valorizando-se o pensamento racionalista e reducionista. Essa dicotomia entre o corpo e a mente se faz presente na educação. As atuais metodologias para o ensino da arte acabam por engessar as leituras das imagens num único olhar correto para a obra de arte e, por conseqüência, redundam na elaboração de trabalhos artísticos desprovidos de qualquer significação pessoal. Essas metodologias por vezes enfocam uma atitude de valorização do pensar sobre o sentir. A tese defende a importância do trabalho com arte na escola de modo a se integrar o saber sensível e o conhecimento inteligível, destacando que o ensino da arte necessita ser pensado para além dos aspectos apenas cognitivistas. Entendendo a arte como uma construção simbólica que relaciona o mundo que nós vivemos ao mundo que nós pensamos, a possibilidade de trabalho na escola se abre para uma ponte entre o sensível e o inteligível. A arte se apresenta como uma antítese a essa sociedade de homens-máquinas, possibilitando que nos percebamos sensivelmente humanos. O recorte temporal desta tese aborda o ensino da arte nas décadas finais do século XX trazendo para a discussão a realidade do estado do Paraná pelo viés de uma professora de artes visuais. O objetivo desta tese é contribuir para as discussões acerca dos caminhos para o trabalho com a arte nas escolas em relação às questões referentes à presença das imagens e obras de arte nas aulas, superando a visão apenas cognitivista e enfatizando que é por meio da educação estética que podemos conhecer melhor o nosso entorno e nós mesmos, auxiliando o desenvolvimento de uma atitude crítica e sensível frente ao mundo / Abstract: The universe of this research is set around the processes that led to loss of sensation and sense of dehumanization in modern society. The body, apart from the modern mind, it becomes increasingly a machine that assists the breakdown of man and nature. In the consumer society we seek to profit, power, perfection, valuing the rationalist and reductionist. This dichotomy between body and mind is present in education. The current methods for teaching the art eventually stifle the readings of the images look correct for a single work of art and, consequently, result in the development of artistic works devoid of any personal significance. These methods often focus on an appreciation of the attitude of thinking over feeling. The thesis argues for the importance of working with art in school in order to integrate knowledge and knowledge intelligible sensitive, pointing out that art education needs to be thought beyond the cognitive aspects only. Understanding art as a symbolic construction that relates the world we live in the world that we think, the ability to work in the school opens to a bridge between the sensible and intelligible. The art is presented as an antithesis to that company of men, machines, enabling us to realize substantially human. The time range of this thesis covers the teaching of art in the final decades of the twentieth century bringing to discussion the reality of the state of Paraná from the perspective of a professor of visual arts. The aim of this thesis is to contribute to discussions of ways to work with art in schools in relation to issues concerning the presence of images and works of art classes, exceeding the vision and cognitive emphasizing that only through education is cosmetic we can better understand our surroundings and ourselves, helping the development of a critical and sensitive to the world / Doutorado / Artes Visuais / Doutor em Artes