Submitted by Cássia Santos (cassia.bcufg@gmail.com) on 2017-09-01T13:15:14Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Luiz Maria Dumont - 2017.pdf: 2441642 bytes, checksum: 5a51b110f6db31d66e66763e13f8b362 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-09-15T13:47:59Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Luiz Maria Dumont - 2017.pdf: 2441642 bytes, checksum: 5a51b110f6db31d66e66763e13f8b362 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-15T13:47:59Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Luiz Maria Dumont - 2017.pdf: 2441642 bytes, checksum: 5a51b110f6db31d66e66763e13f8b362 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-08-21 / This research focuses on the recognition of the importance and the need for emphasis on form readers of movies that they can find a common thread to understand the universe. The use of cinema as educational practice significantly facilitates the dialogue between curriculum content and the more general knowledge. The analysis of images and tools used by seventh art contribute to the development of critical understanding of the world and new forms of entertainment and thus the formation of the citizen. From the problematization of the cinema as able to transform the spectator into player and bolstered by theoretical supports Rosalia Duarte, Jacques Aumont and Robert Stam, among others, this research seeks to introduce paths for a pedagogical practice involving the film and school. In addition, presents a significant set of discussions and ideas that allow the formation of the reader, from a phenomenological analysis of tree films by Walter Salles, "Foreign Land" (1995), "Central of Brazil" (1998) and "Behind the Sun" (2001), as well as comment from other directors who influenced the field of film studies, art, culture and aesthetics. This dissertation seeks a response of dimensions that this theme, the cinema, has influenced the formation of the reader, search also the expansion of the concept of reading from a cinematic experience where the Viewer is participatory and recognize the language tags and the knowledge gained throughout their schooling. Search still incorporate the art of cinema to the cultural repertoire of the spectator, increasing, so your potential in a critical and reflective stance in life. / Esta dissertação centra-se no reconhecimento da importância, bem como da necessidade de ênfase em formar leitores de filmes que possam encontrar um fio condutor para compreender o universo cinematográfico. O uso do cinema como prática educativa facilita significativamente o diálogo entre os conteúdos curriculares e os conhecimentos mais gerais. A leitura e análise de imagens e de ferramentas utilizadas pela sétima arte contribuem para o desenvolvimento da compreensão crítica do mundo e das novas formas de entretenimento, proporcionando assim a formação do cidadão. A partir da problematização do cinema como capaz de transformar o espectador em leitor e amparado pelos suportes teóricos de Rosália Duarte, Jacques Aumont e Robert Stam, dentre outros, a presente pesquisa procura apresentar caminhos para uma prática pedagógica que envolva o cinema e a escola. Além disso, apresenta um conjunto significativo de discussões e ideias que possibilitem a formação do leitor, a partir de uma análise fenomenológica de três filmes de Walter Salles, “Terra Estrangeira” (1995), “Central do Brasil” (1998) e “Abril Despedaçado” (2001), além de tecer comentários de outros diretores que o influenciaram no campo da filmografia, da arte, da cultura e da estética. Essa dissertação busca uma resposta das dimensões que esse tema, o cinema, tem influenciado a formação do leitor, busca também a ampliação da concepção de leitura a partir de uma experiência cinematográfica em que o espectador seja participativo e reconheça as marcas de linguagem e os conhecimentos adquiridos ao longo da escolaridade. Busca ainda incorporar a arte do cinema ao repertório cultural do espectador, ampliando, assim, sua potencialidade no exercício de uma postura crítica e reflexiva na vida.

Esta pesquisa trata da contribuição de Mário Pedrosa e de Ferreira Gullar para o ambiente artístico brasileiro na década de 50 e início da década de 60. Para esse empreendimento, não nos limitamos à transposição literal de registros sobre a produção artística naquele período, mas implementamos uma análise do ideário dos críticos. Assim, houve uma tentativa de esclarecimento tanto dos posicionamentos de Pedrosa e de Gullar como do valor atribuído por eles à nossa produção artística. Em suma, a pesquisa se dirigiu para uma apreciação histórica das idéias dos críticos como ponto dialogador e de tensão com a produção plástica / -

O melanoma representa menos de 5% de todos os cânceres de pele, porém, quando em estádio metastático possui prognóstico ruim. Entretanto, o genótipo dos melanomas pode prover uma oportunidade para intervenção terapêutica pelo fato de 90% dos casos de melanoma possuem p53 selvagem e grande parte destes possuem deleção na região cromossômica codificadora de interferon beta. Em prévios estudos, desenvolvemos o vetor adenoviral AdRGD-PG que fornece expressão do transgene em resposta à p53 através do promotor PG e ainda o tripeptídeo RGD, que possibilita que o adenovírus transduza uma maior gama de células pela alteração de seu mecanismo de entrada. Temos utilizado este vetor para entrega da versão murina de interferon beta em modelos de terapia gênica e imunoterapia de melanoma murino, revelando uma significativa habilidade do interferon beta em inibir a proliferação celular in vitro e in vivo e promover resposta imune antitumoral. No presente trabalho, os esforços se aplicam em adaptar essa estratégia em modelo de melanoma humano para observar se a mesma interação é encontrada. O vetor AdRGD-PGhIbeta, portador do cDNA de interferon beta humano (hIbeta) foi construído e expressão do transgene observada após transdução das linhagens estabelecidas de melanoma humano SK-MEL-05 e SK-MEL-147 (ambas p53 selvagem). Foi observado um robusto efeito antitumoral in vitro onde transferência de hIbeta promoveu acumulo de células hipodiploides (mais que 80% da população celular 96 horas após transdução) e evidências de morte por apoptose (exposição de fosfatidilserina e atividade de caspases 3/7) em ambas as linhagens. Nas duas linhagens, o efeito bystander foi demonstrado quando a presença de poucas células transduzidas (ex., 10%) foi suficiente para promover o acumulo significativo de células hipodiploides (mais que 40% neste exemplo). Em modelo de terapia gênica in situ utilizando células SK-MEL-147, também foi observado forte efeito antitumoral da hIbeta com total remissão do tumor de todos os animais tratados sem recidiva durante noventa dias. A presença de hIbeta na circulação dos animais foi confirmada 48h após o tratamento com AdRGD-PG hbeta mas presente em somente dois de sete animais 90 dias após o tratamento, sugerindo que o tratamento inicial e não um efeito off target foi responsável pela resposta. Com a finalidade de investigar efeitos colaterais do sequestro do vetor adenoviral pelo fígado, observamos a concentração circulante das enzimas aminotransferase de aspartate e aminotransferase de alanine (AST e ALT, respectivamente), que se mostrou não alterada quando comparadas entre animais que receberam injeção do vetor tratamento, vetor controle e solução salina. Com nossos resultados concluímos que vetores adenovirais carreando interferon-beta humano são capazes de transduzir a linhagem de melanoma SK-MEL-147 in vitro e in vivo, promovendo efeito bystander e remissão tumoral sem indução de efeitos adversos / Melanoma represents less than 5% of all cases of skin cancer, although, when metastatic, prognosis is dire. However, the genotype of melanomas might provide an opportunity for therapeutic intervention since 90% of melanoma cases possess wild-type p53 and a great portion of these possess deletion of the chromosomal region encoding interferon beta. In previous studies, we developed the adenoviral vector AdRGD-PG that supplies expression of the transgene in response to p53 through the PG promoter and that utilizes the RGD tripeptide, allowing the adenovirus to transduce a wider range of cells due to the alterated mechanism of entrance. We have used this vector to deliver the murine version of interferon beta in murine models of melanoma gene therapy and immunotherapy, revealing a significant ability of interferon beta to inhibit cellular proliferation in vitro and in vivo and promote an anti-tumor immune response. In the present project, we aimed to adapt this strategy for a human melanoma model in order to reveal if the same impact will be observed. The AdRGD-PGhIbeta vector encoding the human interferon beta (hIbeta) cDNA was constructed and expression of the transgene confirmed after transduction of the established human melanoma cell lines SK-MEL-05 and SK-MEL-147 (both wild-type p53). A striking anti-tumor effect was observed in vitro where the transfer of hIbeta promoted an accumulation of hypodiploid cells (over 80% of the cellular population 96 hours after transduction) and evidence of death by apoptosis (exposure of phosphatidylserine and activity of caspases 3/7) in both cell lines. In these cell lines, a bystander effect was demonstrated when the presence of few transduced cells (ex., 10%) was enough to promote significant accumulation of hypodiploid cells (over 40% in this example). In a model of in situ gene therapy using SK-MEL-147 cells, hIbeta induced a strong anti-tumor effect including total tumor remission in all treated animals without relapse during ninety days. The presence of hIbeta in the circulation of the animals was confirmed 48h after treatment with AdRGD-PGhIbeta, but was present in only two of the seven animals 90 days post-treatment, suggesting that the initial treatment, not off target effects, was responsible for the response. With the goal of investigating collateral effects of adenoviral sequestration by the liver, we assayed the circulating concentration of aspartate aminotransferase and alanine aminotransferase (AST and ALT, respectively), which showed no alteration when compared with animals that received the treatment with a control vector or saline solution. We conclude that our adenoviral vector carrying human interferon-beta is capable of transducing the human melanoma cell line SK-MEL-147 in vitro and in vivo, promoting a bystander effect and tumor remission without inducing adverse effects

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:15:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Igor Gasparini.pdf: 1781173 bytes, checksum: 4b0d7c7a2b4e6ae815252d0b68cbfee0 (MD5) Previous issue date: 2015-12-14 / The main focus of this study is the cultural journalism crisis, that homogenizes culture and entertainment with severe consequences to the relation between spectator and artistic production. The goal is to investigate the cultural journalism in the analogical and digital medias, facing the emergent digital platforms developed by artists (Movimento 7x7, Discoreografia, and others). The aim is to check if the specific places dedicated to the dance communication are able to attract/cultivate/maintain the public interests, in a moment in which the segmentation is imposed as a form of coexistence. To investigate the relation between the individual with the art piece, the research is based on the Teoria Corpomídia (KATZ and GREINER, 2012). The communication piece‐spectator is worked considering the perspective proposed by MARTÍN‐BARBERO (2009), where the cultural journalism becomes a mediation; and the viewer is seen as an emancipated spectator, according to RANCIÈRE (2010). The studies of SCOTT TIMBERG (2015) about the artistic class, and the ones of PASCAL GIELEN (2013) about the creativity as a fundamentalism are also part of the theoretical foundation. The hypothesis is that the cultural journalism specialized in dance has already initiated a reinvention process, in order to face the increased silence on traditional medias. The methodology was concentrated in literature review, the analysis of a selected corpus and interviews with some of the agents of this context, namely, journalists, artists and curators of public cultural places / O tema principal da pesquisa é a crise que atinge o jornalismo cultural, homogeneizando cultura e entretenimento, com graves consequências para a relação do espectador com a produção artística. O objetivo é investigar o jornalismo cultural tradicional através de veículos de comunicação, sejam eles analógicos ou digitais, em comparação às plataformas digitais emergentes realizadas por artistas (Movimento 7X7, Discoreografia, entre outros). O intuito é o de verificar se os espaços específicos dedicados à comunicação da dança são capazes de atrair/cultivar/manter o interesse do público, em tempos nos quais a segmentação impõe‐se como forma de convívio. Para investigar o encontro do indivíduo com a obra, a pesquisa apoia‐se na Teoria Corpomídia (KATZ e GREINER, 2012). A comunicação obra‐espectador é trabalhada na perspectiva proposta por MARTÍN‐BARBERO (2009), de que o jornalismo cultural tornou‐se uma mediação; e o espectador é visto como um espectador emancipado, a partir de RANCIÈRE (2010). Ainda fazem parte da fundamentação teórica os estudos de SCOTT TIMBERG (2015) sobre a classe artística e os de PASCAL GIELEN (2013) sobre a criatividade como uma espécie de fundamentalismo. A hipótese é a de que o jornalismo cultural especializado em dança já iniciou um processo de reinvenção, de modo a enfrentar o silenciamento crescente nas mídias tradicionais. A metodologia concentrou‐se na revisão bibliográfica, na análise do corpus aqui recortado e na realização de entrevistas com alguns dos agentes desse contexto, a saber, jornalistas, artistas e programadores de espaços públicos

O presente estudo, cuja inspiração procedimental advém do legado de Michel Foucault, dedicase à análise das relações históricas entre práticas teatrais e determinada lógica de governança de tipo pedagógico do tecido social no Brasil. Constatando que tal correlação de forças encontraria seu alvo principal na figura do espectador, investigam-se os processos históricos que culminaram na emergência de determinado espectador crítico, autônomo e cidadão no interior das práticas teatrais brasileiras. Com vistas a perspectivar o problema do espectador ao longo da história da prática teatral no país, a pesquisa realiza um recuo temporal e organiza um corpo documental composto por periódicos (jornais e revistas) publicados entre 1812 e 1960. Sobrevém desses textos do passado a prática da pateada, desaparecida nos dias de hoje, a qual consistia em um ruidoso bater dos pés a ser disparado a qualquer momento da representação por parte dos espectadores insatisfeitos em relação ao que viam e ouviam. A pateada é aqui analisada sob duas perspectivas: a primeira investiga os sentidos dessa prática e a compreende como um gesto de ajuizamento singular formalizado por determinada época; a segunda percorre uma série de problematizações históricas que passaram a contestar a existência dessa prática e trabalharam em prol de sua extinção. Em meio ao processo do desaparecimento da pateada, pode-se ainda observar duas forças institucionais firmemente engajadas nesse movimento: a polícia e a crítica teatral. Essa segunda força, por sua vez, teve sua emergência vinculada a toda uma nova racionalidade jurídica que passaria a ganhar força no país com a inauguração das faculdades de Direito, e se desenvolveu com a consolidação da imprensa escrita da época. Ainda, recorrendo à análise da existência e extinção de uma prática como a pateada, objetivase apresentar um momento histórico em que tanto o comportamento quanto a subjetividade do espectador começariam a ser regulados em direções diversas e um novo tipo de endereçamento público-cena emergiria. Tratar-se-ia, portanto, de uma disputa a respeito das maneiras por meio das quais as manifestações dos espectadores em relação às peças e aos artistas poderiam ser exercidas. Assim, fazendo eco ao procedimental de pesquisa foucaultiano, trata-se de descrever e analisar a emergência de uma nova ordem de governo das condutas e subjetividades dos espectadores que diz respeito, em certa medida, às suas configurações contemporâneas. Perspectiva-se, enfim, que três seriam os eixos que formalizariam a entrada em cena de um novo espectador que nos seria muito mais familiar do que o público pateador oitocentista: o governo; o par formado pelas práticas teatrais e educacionais; e a regulação da própria experiência de ajuizamento em relação às práticas artísticas. / The present study, whose procedural inspiration comes from Michel Foucaults legacy, aims to analyze the historical relations between theatrical practices and a certain logics of governance, of pedagogical nature, in the Brazilian social fabric. Given that such relation of forces is principally focused on the spectator, the historical processes which led to the appearance of a certain critical, autonomous, and citizen spectator in Brazilian theatrical practices are studied. For an outlook on the issue of the spectator throughout the history of the countrys theatrical practice, the research steps back in time and organizes a documental body made up of periodicals (newspapers and magazines) published between 1812 and 1960. Out of these texts, there appears the practice of the pateada, gone nowadays, which was a loud hitting of the feet triggered at any moment during the representation by spectators dissatisfied with what they saw or heard. Pateada is herein analyzed under two perspectives: the first one investigates the meanings of this practice and understands it as a singular ruling gesture, set by a determined epoch; the second one follows a series of historical issues which started to object the existence of this practice and strived to have it ended. In the process to end with the pateada, one can observe two institutional forces engaged in the movement: the police and theater criticism. The second force, for its part, had its appearance associated with a whole new juridical rationality, which would grow strong in the country with the opening of Law Schools, and which developed during the consolidation of the written press of the time. Moreover, by analyzing the existence and disappearance of a practice such as the pateada, it is intended to dwell on a historical moment when the spectators behavior and subjectivity started to be regulated in several directions and a new king of audience-scene approach emerged. Therefore, this is about a struggle about the ways in which the audiences manifestations towards the plays and artists could be actualized. Thus, by echoing Foucaults research, it is aimed to describe and analyze the appearance of a new type of rule for the behavior and subjectivity of spectators as to what concerns, to a certain extent, their contemporary configurations. Finally, a perspective is given for the three axes which would formalize the coming into being of a new spectator, much more familiar to us than the 1800s audience of the Pateada: the government; the pair formed by theatrical and educational practices; and the regulation of the very experience of ruling artistic practices.

Made available in DSpace on 2016-04-29T14:22:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Daniel Ferreira Lucato.pdf: 47377168 bytes, checksum: 2b257bac5182b8ef29e103b7cf8ff7e6 (MD5) Previous issue date: 2011-04-13 / To study the transformation of industrial devices in artistic arrangements, this research does an analysis of a corpus of the artistic production. This research presents the process which involves the development of objects, especially the appropriation, the deconstruction of some appropriations, storing these appropriations and finally the construction of the artwork. This presentation aims to place the reader inside to the production of an artwork. In a second moment, comparisons are made between the properties and functions of the developed work with the properties and functions perceived by a sample of viewers. With some questions received by viewers, on the occasions when the artwork was exposed, It was possible to confirm the influence of the perceptual filters of each subject. We saw how perception contributes to the various formats of the same artwork. The early research aims to show all the processes involved in a creation of an artwork. It analyzes the characteristics of each production stage. The research uses as objects of study, the artwork produced so far. It presents images, characteristics, materials, mounting needs and description os actions if It is available. With that, the research contributes to form a consistent analysis of a period of career development. To support of this analysis are presented throughout the text, some artists who contributed to this artwork be recognized in the artistic field. This research also present some contemporary artists, Brazilians, who produce works which have affinities with the objects of study, visual, but mostly conceptual. They are artists who produce recycled hacks with industrial devices, creating artworks that run in error, uncertainty and inactivity, giving them goals and other characteristics. At the end of the production analysis are brought reports of a sample of viewers. The purpose of analyzing the contact between the spectator and the artwork artistic arrangements It is to prove that they can share a moment of creation, formatting functions, joints, assemblages and properties in accordance with their own perceptual filters. At that stage, the theories used are the assemblages of double Gilles Deleuze and Félix Guattari and the concepts of imagination, perception and open work, especially for authors like Juremir Machado da Silva, Umberto Eco e Maurice Merleau-Ponty to serve as support to the raise hypothesis / Para estudar a transformação de dispositivos industriais em arranjos artísticos esta pesquisa faz a análise de um corpus de produção artística. São apresentados os processos que envolvem o desenvolvimento dos objetos, em especial a apropriação, a desconstrução de algumas apropriações, o armazenamento dessas apropriações e por fim a construção dos trabalhos artísticos. Essa apresentação visa colocar o leitor a par desse tipo de produção artística. Em um segundo momento, são feitas comparações entre as propriedades e funções dos trabalhos desenvolvidos, com as propriedades e funções percebidas por uma amostra de espectadores. Com algumas questões recebidas pelos espectadores, em ocasiões nas quais os trabalhos estiveram expostos, foi possível confirmarmos a influência dos filtros perceptivos de cada sujeito. Vimos como a percepção contribui para as diversas formatações de um mesmo trabalho artístico. O início da pesquisa visa destrinchar todos os processos que envolvem a criação dos trabalhos artísticos. São analisadas as especificidades presentes em cada etapa da própria produção. Para tanto são utilizados como objetos de estudo os trabalhos produzidos até então. São apresentadas imagens, características, materiais, necessidades de montagem e descrições de ações - quando existem. Com isso a pesquisa contribui para formar uma análise consistente de um período da carreira artística em desenvolvimento. Como apoio a essa análise são apresentados, ao longo do texto, alguns artistas que contribuíram para que tais trabalhos sejam reconhecidos no campo artístico. São apresentados também alguns artistas contemporâneos, brasileiros, que produzem trabalhos os quais possuem afinidades com os objetos de estudo, sejam elas visuais, mas principalmente conceituais. São artistas que produzem gambiarras com dispositivos industriais reciclados, criando trabalhos que operam no erro, na incerteza, na inoperância, dando a eles outras finalidades e características. Ao término da análise da produção são trazidos os relatos de uma amostra de espectadores. O objetivo de analisar o contato do espectador com o trabalho - arranjos artísticos - é demonstrar que os mesmos podem partilhar de um momento de criação, formatando funções, articulações, agenciamentos e propriedades de acordo com os seus próprios filtros perceptivos. Nessa etapa são utilizadas as teorias de agenciamentos da dupla Gilles Deleuze e Félix Guattari, e os conceitos de imaginário, obra aberta e percepção, com destaque aos autores, respectivamente, Juremir Machado da Silva, Umberto Eco e Maurice Merleau-Ponty, para servirem de apoio à hipótese levantada

[pt] O objetivo desta dissertação é analisar a relação entre a obra de arte, o artista e o espectador a partir da produção de Lygia Clark e Hélio Oiticica. Esses dois artistas foram escolhidos como objeto de estudo por terem direcionado sua pesquisa no sentido de incluir o espectador como agente modificador e até mesmo criador da obra de arte. Ambos são reconhecidos por propor novas questões a respeito ocupação do espaço real pela obra de arte e pela busca da libertação da bidimensionalidade da tela e da moldura. Esta pesquisa se baseia na idéia de que os dois pintores se tornaram referência para a história da arte no Brasil e investiga suas trajetórias desde a participação no grupo Neoconcreto até seus últimos trabalhos, estudando os problemas propostos na produção de cada um, em especial, no que se refere ao diálogo que estabelecem com o público. / [en] The goal of this dissertation is to analyse the existing relationship between the art work, the artist and the spectator within the context of Lygia Clark s e Hélio Oiticica s work. These two artists were chosen as the object of this study because both were committed to proposing new issues regarding the inclusion of the spectator as a direct agent in the modification and even creation of the art work. They stood out in the artistic world by proposing innovating issues, searching to occupy the real space and free themselves from the bidimensionality of the canvas and the easel. The research is based on the premise that both are current references in the history of Brazilian art and investigates the span of their trajectory, from their participation in the Neoconcrete group up to their last pieces, stressing the problematics involved in each one s work and, specially, to what point they were able to establish a direct dialogue with the public.

[pt] Essa tese investiga a relação entre o espectador e a cena a partir de algumas experiências de dança contemporânea. Procura-se entender como os artistas trabalhados criam, cenicamente, novos modos de fazer circular afetos e sentidos convidando o espectador a se despir das posições a que tradicionalmente está atrelado, seja como alienado, seja como hermeneuta. A trajetória da coreógrafa e cineasta Yvonne Rainer é o ponto de partida para a reflexão sobre a complexa relação entre a cena e o espectador, na qual as dimensões política, afetiva e imaginária da experiência artítica se tensionam. Rainer pesquisa, desde os anos 60, formas do corpo em cena resistir à captura do olhar do espectador, através da valorização de sua materialidade. A tese procura pensar, portanto, a partir da trilha aberta pela coreógrafa, como essa noção de materialidade não se entende como uma forma que possa ser significada, mas como uma força que desestabiliza a ordem das representações e impele a novos modos de produzir e refletir acerca do sentido do mundo. A partir dos trabalhos de Rainer, Jérôme Bel e Ann Teresa de Keersmaeker, Lia Rodrigues e Israel Galván, em diálogo com o pensamento contemporâneo a respeito da relação entre arte, corpo e política, a tese se propõe a pensar, por fim, como a exposição cênica da vulnerabilidade pode ser concebida como uma estratégia de criação potente. / [en] The present thesis investigates the connections between the spectator and the scene through some experiences of contemporary dance, trying to understand how the artists here studied create, scenically, new modes of circulation of affects and senses. Thus, the spectator is invited to abandon its traditional positions in which he appears either as an alienated participant either as hermeneutist interpreting the codes of the scene. The trajectory of the choreograph and film maker Yvonne Rainer is the starting point to question the complex relationship between the scene and the spectator in wich the political, affective and imaginary aspects of the artistic experience are in permanent tension. Rainer searches since de 60 s ways to make the body resist to the capture of the spectator s gaze, by valuing it s intrinsic materiality. Trough the path opened by Rainer, the thesis wishes to understand materiality not as a form that can be signified but as a force that destabilizes the logic of representation and impele in the direction of new forms of producing and thinking about the sense of the world. Through the works of the performers Yvonne Rainer, Jérôme Bel, Ann Teresa de Keersmaeker, Lia Rodrigues and Israel Galván in dialogue with contemporary thinking about the connections between arts, politics and body the thesis intends, finally, to think of how the scenic exposure of vulnerability can be conceived as a powerful strategy of artistic creation.

Autotélico traz uma reflexão acerca das estruturas que constituem a linguagem poética com a qual trabalho. No decorrer dos anos percebi que as obras vêm se organizando através de regras próprias, relações estabelecidas no processo poético entre os conceitos de objeto, mitologia, construções narrativas cinemáticas e um espaço polissêmico manipulado pelo observador. Elementos heteróclitos que tendem a se interconectar e constituir um todo auto-organizado, através da regulação de um sistema unificador e coordenador dos elementos. Através da análise e reflexão sobre as principais obras em minha trajetória, permeada por questões teóricas e contrapontos com outras áreas, desenvolvo um pensamento sobre a obra como forma de instauração de realidades e apresento a idéia de uma estrutura poética como um processo contínuo de reconstrução, um sistema aberto em mutação, que tende a criar o ambiente material e teórico para novas reconfigurações ampliadas. Essa dissertação age, então, como uma ferramenta de mapeamento dos métodos de criação de sistemas para a instauração da obra artística, onde cada obra se apresenta una e múltipla, sinédoque de suas possibilidades, criando universos poéticos que se bifurcam e se transformam. / Autotélico (Autotelic) presents a reflection about the structures of the poetic language in the author‟s work. Over the years the artworks have been organizing themselves through relationships established during poetic process between object concepts, mythology, cinematic narrative constructions and a polysemic space manipulated by the observer. Eccentric elements tend to interconnect to create an organized whole through an adjuster system in itself. The most important works in the author‟s portfolio were analyzed with the related theory and other areas‟ counterpoints. The ideas of artworks as a reality establisher and a poetic structure as a continuous process of rebuild and mutation are developed. This dissertation brings a kind of mapping tool of the conception methods where each work is unique and multiple creating poetic universes that are in touch and in transformation.

[pt] problema que orienta o desenvolvimento desta pesquisa pergunta pelo lugar do espectador na arte contemporânea levando em consideração os seus limites e as suas possibilidades críticas. Marcel Duchamp ilustra a questão declarando, na sentença de abertura do seu texto O ato criador, Consideremos dois importantes fatores, os dois polos da criação artística: de um lado o artista, do outro o público, que mais tarde se transforma na posteridade. É desta dupla polaridade que se ocupa esta tese. Mais especificamente, ocupa-se, como princípio, da possibilidade de reconhecer no público ajuizador dos fenômenos estéticos, um lugar efetivo como salvaguarda de obras de arte. Neste sentido, caberia ao público-espectador proteger, preservar e garantir a integridade e a perenidade de obras artísticas. Do ponto de vista desta pesquisa é mediante a capacidade humana de julgar que se efetuaria a salvaguarda. Com efeito, o exercício do juízo é condição primeira fundamental para a efetuação da salvaguarda, porém, seguido de uma segunda condição: que o juízo se faça público ou, em outros termos, que se faça compartilhar. Ainda que incluso em uma malha de relações na qual figuram o artista, a obra artística e o local de exposição da obra, dentre outros componentes, o espectador, tradicionalmente, tem assumido papel acessório ou de permanente subordinação em suas relações com o mundo da arte. Um tanto alijado do plano das artes, parecem caber ao espectador (de fato, porém, não de direito) intervenções tímidas, periféricas, algo guiadas, impregnadas por uma suspeita de inoperância estética e de um despreparo como tradutor ou contratradutor dos fenômenos artísticos. Na tese, proponho que a relação entre o espectador e a obra seja tratada a partir de moldes kantianos. Naturalmente, dado o domínio dessas relações, o domínio artístico, refiro-me ao julgar, ou ao juízo, entendido em sua função reflexiva. Põe-se em causa, aqui, questões ligadas à contemplação, à produção de ideias, à comunicabilidade e à sociabilidade, bem como à ação do sujeito no mundo e à diversidade característica do discurso e do juízo. E, não tanto como um desdobramento, mas como algo intrínseco, quiçá anterior a todas estas questões, põe-se em causa, também, o lugar ocupado pelo sujeito do juízo de um ponto de vista político. Como nos lembra Hannah Arendt, sempre que a relevância do discurso (do juízo, neste caso) entra em jogo, a questão torna-se política por definição, pois é o discurso que faz do homem um ser político. Na tese, o espectador é proposto como sujeito do juízo, o juízo como lugar da salvaguarda e a salvaguarda se efetivando na condição da promulgação pública e compartida do juízo. Neste contexto, o espectador, em sua singularidade, é sempre plural, diverso, não necessariamente conforme e cultor de relações intersubjetivas. Por sua vez, o juízo é público, manifesto, partilhável, disponível a qualquer outro e portador de uma dimensão criativa que reconstrói o sentido da obra artística por meio do seu testemunho. Por extensão, a condição pública e plural de enunciação do juízo, revela a importância política do julgamento estético. / [en] The problem which guides the development of this research inquires about the spectator s place in contemporary art considering his or her limits and critical possibilities. Marcel Duchamp illustrates the question by declaring in the opening sentence of his text The Creative Act, Let us consider two important factors, the two poles of the creation of art: the artist on one hand, and on the other the spectator who later becomes the posterity. It is with this double polarity that this thesis occupies itself. More specifically, it occupies itself, as a principle, with the possibility of recognizing in the judging public of aesthetic phenomena an effective place as a safeguard of works of art. In that sense, it would fall to the public-spectator to protect, preserve and assure the integrity and perenniality of works of art. From this research s standpoint it is through the human power of judgment that this safeguarding would be accomplished. In fact, the exercise of judgment is a first fundamental condition for the fulfillment of the safeguarding, followed, however, by a second condition: that the judgment be made public or, in other words, that it be made shareable. Although inserted in a web of relations which includes the artist, the work of art and its place of exhibition, among other components, the spectator has traditionally played an accessory role or one of permanent subordination in his relations with the world of art. Somewhat excluded from the plane of arts, it seems to fall to the spectator (de facto but not de jure) to make timid, peripheral, somewhat guided interventions, impregnated with a suspicion of aesthetic inoperability and ill-preparedness as translator or counter-translator of artistic phenomena. In the thesis, I propose that the relation between spectator and work be treated with Kantian patterns. Naturally, given the dominion of these relations, the artistic dominion, I refer to judging or judgment when understood in their reflective function. Questions linked to contemplation, production of ideas, communicability and sociability, as well as to the subject s action in the world and to the characteristic diversity of discourse and judgment are called into question here. And not exactly as an unfolding, but as something intrinsic, perhaps prior to all these questions, the place occupied by the judgment s subject from a political standpoint is also called into question. As we are reminded by Hannah Arendt, whenever the relevance of the discourse (of judgment, in this case) comes into play, the question becomes political by definition, because discourse turns man into a political being. In the thesis, the spectator is proposed as the judgment s subject and judgment as the place of safeguard, this safeguarding being accomplished on condition of the public and shared promulgation of judgment. In this context, the spectator is always, in his singularity, plural, diverse, not necessarily conformist and adherent to intersubjective relations. In its turn, judgment is public, manifest, shareable, available to any other and carries a creative dimension which reconstructs the meaning of a work of art through its testimony. By extension, the public and plural condition of judgment s enunciation reveals the political importance of the aesthetic judgment.