La tesi Text i Tectònica, consta de tres parts. En la primera [capítol 1] s'ofereix un marc teòric sintètic sobre la necessitat de la concepció holística o globalitzant de la percepció de l’arquitectura com a necessitat de proposar un canvi cultural. La segona part [capítols 2 i 3] comprèn el desenvolupament de la recerca empírica realitzada mitjançant el mètode comparatiu especulatiu de l’obra escrita de Le Corbusier, en dos texts, Vers une Architecture (1923), i UNITÉ (1948). Els resultats que s'han obtingut s’han organitzat en conceptes arquitectònics, sota una estructura iconostàsica (en retaule) que el mateix Le Corbusier ja va preveure en aquell període . En la tercera part [capítol 4], es pretén validar l’estructura iconòstàsica de Le Corbusier com a mètode d’aprenentatge artístic o arquitectònic. La primera validació ve de la teoria del llenguatge, la segona de la teoria poètica, i l’última del camp filosòfic o també anomenat arquitectònica del pensament. Finalment, en el [capítol 5] l'autor fa una proposta concreta per endegar un procés global on les conclusions de la recerca i la metodologia validada d'acord amb el tema estudiat se’ns mostren com un bri d’aire d’aquesta possibilitat de percepció. / La tesis Text i Tectònica consta de tres partes. En la primera [capítulo 1] se ofrece un marco teórico sintético sobre la necesidad de la concepción holística o globalizante de la percepción de la arquitectura como necesidad de proponer un cambio cultural. La segunda parte [capítulos 2 y 3] comprende el desarrollo de la investigación empírica realizada mediante el método comparativo especulativo de la obra escrita de Le Corbusier, en dos textos, Vers une Architecture (1923), y UNITÉ (1948). Los resultados obtenidos se han organizado en conceptos arquitectónicos, bajo una estructura iconostàsica (en retablo) que el propio Le Corbusier ya previó en ese período. En la tercera parte [capítulo 4], se pretende validar la estructura iconòstàsica de Le Corbusier como método de aprendizaje artístico o arquitectónico. La primera validación viene de la teoría del lenguaje, la segunda de la teoría poética, y la última del campo filosófico o también llamado arquitectónica filosófica. Finalmente, en el [capítulo 5] el autor hace una propuesta concreta para iniciar un proceso global donde las conclusiones de la investigación y la metodología validada de acuerdo con el tema estudiado se nos muestran como un germen de cambio de esta posibilidad de percepción. / The thesis Text Tectonics consists of three parts. The first one [chapter 1] provides a synthetic theoretical framework about the need for the holistic or globalizing perception of architecture as necessary to propose a cultural change. The second part [chapters 2 & 3] includes the development of empirical research conducted by the comparative and speculative method of the written work of Le Corbusier, in two texts, Vers une Architecture (1923), and UNITE (1948). The results are organized into architectural concepts under an iconostasis structure (in altarpiece) that Le Corbusier foresaw himself in that period. In the third part [chapter 4], the main objective is to validate the structure of Le Corbusier iconostasis as an artistic or architectonic learning method. The first validation comes from the theory of language, the second of poetic theory, and the last one from philosophy, also known as architectonic philosophy. Finally in [chapter 5] the author makes a concrete proposal to launch a comprehensive global process where the conclusions of the research and the validated methodology according to the subject studied are shown as a seed of possibility of changing this perception

La investigación estética filosófica también se puede ocupar de las artes aplicadas. La íntima relación de estas artes con el contexto de producción aporta contenidos de gran interés para la investigación crítica de la autonomía del arte. La actualidad de esta relación se concentra en el diseño. Y, por otro lado, la actividad teórica i práctica del diseño también necesita hoy de una mirada más atenta y crítica de los principios que pretende aplicar.Las investigaciones de más interés en este sentido se han centrado en la confrontación entre las aplicaciones del tipo y del ornamento. Pero el diseño es una actividad colectiva y, por este motivo, la expresión verbal de sus resultados también es uno de los momentos fundamentales de su proceso. El tratamiento conceptual de los artefactos de diseño es también un contenido indispensable para la estética filosófica y para el mismo diseño. La nominación del artefacto en el proceso de diseño es el ámbito de estudio crítico de todas las formas de tratamiento conceptual en esta actividad colectiva. La presente tesis desarrolla una investigación crítica sobre cuatro formas de tratamiento conceptual: teoría, metodología, concepto de una particularidad y nombre.

"L'Anell de pedra" és una aliança amb la natura i una reflexió oberta sobre la comunicació que s'experimenta en contacte amb ella. Presenta un ordre en la complexitat de l'acte creatiu i manifesta la voluntat de fer un pacte estable. Vol ser una gnosi, un fil d'unió entre el pensament estètic, la sensibilitat espiritual i el paradigma emergent. Amb la informació disponible sobre l'existència paradoxal de les coses, la tesi defineix una gràfica virtual amb tres àrees de realitat: · El món exterior construït amb matèria inerta, base comuna de la realitat.· Les coses sensibles encarnades en el cicle de la vida i la mort.· Allò que emergeix de l'activitat mental, les hipòtesis de treball científic i les obres d'art. Aquests universos estan traspassats per un fil invisible unit a les lleis de la física, als processos metabòlics i bioquímics que constitueixen la base de la vida. La visió del paradigma emergent, post cartesià, unifica la matèria, la vida i la ment i ens obliga a definir de bell nou la relació existent entre l'home i la resta d'éssers vius. La raó humana no és una característica diferenciadora de la resta d'animals, sinó que és una qualitat que ens unifica amb ells, ens situa en la mateixa línia d'evolució de la vida. En la roda dels canvis, en la transformació de la matèria, tant sols estem en altre nivell, en una fase de complexitat diferent.L'art pot ser ara una manera que l'home fa servir per connectar amb l'alè invisible del món, amb el llenguatge encriptat que presenta la natura. Des de la perspectiva de la realitat estètica, l'obra d'art és el vehicle que posa en comunió la matèria i les seves produccions, és el nodol de les xarxes de relació entre la matèria, la vida i la cultura. L'Anell de pedra vol mitigar el dolor de la vida i apaivagar els nivells d'incertesa. La seva forma presenta un ordre amb el qual es mira el misteri inefable del món, en ell queda emmirallat un patró de conducta que s'auto replica, que balla sobre un fons caòtic i genera ontologia. Aquesta percepció de la matèria sensible l'he anomenada "la realitat estètica". Tot emergeix d'aquesta premissa; la qualitat creativa de la matèria. El món que veiem, és la seva obra i en ella intentem trobar-nos i acomodar la nostra existència. La ressonància creadora, les "hierofanies" que emanen d'una muntanya, no són la veu del sagrat, són constatacions de la realitat estètica, intuïcions creatives, "revelacions", fruït d'anàlisis de la raó científica. Hem de pensar, però, que tot és físic, incloent les emocions i els pensaments, tot emergeix d'una memòria implicada en la matèria que es desplega als ulls per mitjà de reaccions físiques i químiques. L'univers es revela a la mirada com holografies, creacions instantànies de la ment que queden unides per xarxes de relació física. En el fons caòtic del món i la ment, tot és atzar i necessitat, intercanvi d'energia i informació.El procediment de treball ha portat varies direccions:· Constatar en l'experiència de camp que la ressonància de la matèria es comunica i traspassa els tres àmbits anunciats. · La recerca i documentació d'aspectes sensibles en la natura, com a eina que ajuda a conèixer la condició humana.· Elaborar la idea que l'art és també el llenguatge de la natura, ja que aquesta està sotmesa al cicle creatiu de la vida i de la mort. · La vida també és art i aparença; pregunta obsessiva que cerca el seu significat en una contínua transformació. CONCLUSIONS: Com a escultor he assajat escenaris per fer accions en la cara fosca de la realitat: les ocultacions. Com a resposta a les meves conviccions, allí, on les simetries fonamentals de les partícules presenten el principi d'incertesa, he presentat l'obra, allí he redactat el compromís conceptual de l'aliança. En el món exterior, en el de les coses tangibles he instal·lat la forma de l'anell de pedra. / "El anillo de piedra" es una reflexión abierta desde la escultura que trata sobre la comunicación débil y sobre la comunión que se establece con la naturaleza. Presenta un orden en la complejidad del acto creativo y expresa la voluntad de establecer una alianza dentro de la oscuridad del mundo. Quiere ser una gnosis, un hilo de unión entre el pensamiento estético, la sensibilidad espiritual y el paradigma emergente, la nueva formulación de la realidad. Con la información disponible sobre la existencia paradójica de las cosas, la tesis define una gráfica con tres áreas de realidad: · El mundo exterior construido con materia exánime pero común a todo lo que nos rodea.· Las cosas sensibles encarnadas en el ciclo de la vida y de la muerte.· Las acciones que emergen de la actividad mental, las ideas, ilusiones, fascinaciones, hipótesis de trabajo científico y las obras de arte. Presenta estos universos traspasados por un hilo invisible, unidos siempre a las leyes de la física, a los procesos metabólicos y bioquímicos que constituyen la base de la vida. La visión del paradigma emergente, post cartesiano, unifica la materia, la vida y la mente y nos obliga a definir de nuevo la relación existente entre el hombre y el resto de seres vivos. Las propuestas de la tesis nos invitan a formar parte del fluir creativo de la naturaleza. Se reflexiona sobre la razón estética y apunta que no es una característica que nos diferencie del resto de los animales, sino que es una cualidad que nos unifica con ellos; nos sitúa en la misma línea de evolución, así, podemos de pensar que tan sólo nos encontramos en una fase diferente.Las aportaciones del procedimiento creativo son:· Constatar en la experiencia de campo que la resonancia de la materia se comunica y traspasa los tres ámbitos anunciados. · La búsqueda y documentación de aspectos sensibles en la naturaleza ha proporcionado una respuesta estética que mitiga los niveles de incertidumbre y nos reconcilia con el mundo.· La vida es arte y apariencia en proceso permanente, cuestión que nos obliga a elaborar una idea firme más allá del escenario de los objetos. El arte es también el lenguaje de la naturaleza, ya que ésta está sometida al ciclo de la vida y de la muerte. Conclusiones: como escultor he ensayado espacios para hacer acciones en la cara oculta de la realidad: las ocultaciones. Como respuesta a mis convicciones, allí, donde les simetrías fundamentales de las partículas presentan el principio de incertidumbre, he presentado la obra, allí he redactado el compromiso conceptual de la alianza. En el mundo exterior, en el de las cosas tangibles y contingentes, he instalado la forma, el Anillo de piedra. / ENGLISH SUMMARY:"Stone ring" is an open reflection and experiment of poor communication, which introduces order into the complexity of the creative act and reveals the will to create an alliance with Nature.It is a work of gnosis, a connection between the aesthetic thought, the spiritual sensitivity and the emergent paradigm; a new world order. By means of information on the paradoxical existence of things, the thesis defines a virtual graphic displaying three areas of reality:· The external world built with spiritless material, common to everything. · Sensible things involved in the cycle of life and death.· Everything that arises from mental activity; ideas, illusions, fantasies, hypotheses of scientific and art works.These universes are connected by an invisible thread which is united to the laws of physics, metabolic and biochemical processes that constitute the basis for life.The post Cartesian vision of the emergent paradigm unifies matter, life and soul, and forces us to redefine the relationship between man and other beings; nature.Reason does not make us different from other animals. In fact, it is a quality that unifies us, that places us in the same evolution chain, despite representing different phases of evolution. The procedure for the project has focused on three main areas:· Prove through field experience that resonance of matter can communicate and move through the three above-mentioned areas· Use research as a tool to document sensitive aspects of nature and reduce levels of uncertainty· Develop the ideas that art is the language of nature, subjected to the cycle of life and death and that life is art and appearance.CONCLUSIONS:As a sculptor, I have conducted research in different settings in order to perform actions on the dark side of reality: concealments. To prove my convictions, I have presented my work where the main symmetries of particles display the uncertainty principle. The display is found in the external world of tangible objects and is where I have placed the Stone ring and ultimately written the conceptual compromise of alliance.

Uno de los ámbitos de actuación de la estética filosófica, con referencia a las artes aplicadas, sería el relativo a los nuevos medios digitales computacionales emergentes y, dentro de éstos, el desarrollo de los mundos virtuales y de las nuevas realidades que propugnan, de gran interés para la investigación crítica tanto del arte como de la estética actual.Las investigaciones más recientes en este sentido se han centrado en la definición y contraste entre los conceptos de realidad y virtualidad, y en la búsqueda de una nueva estética adaptada a los nuevos medios.A partir de lo anterior, el presente trabajo desarrolla una investigación, fundamentada en una estética basada en el paradigma constructivista, de las relaciones y los nuevos parámetros que se establecen entre los diferentes ámbitos de actuación que intervienen en el fenómeno estético: el creativo; la obra o el objeto; el espectador, observador o usuario, y los contextos donde se desenvuelve todo ello. / One of the scopes of aesthetic performance of the philosophical one, in reference to the applied arts, he would be the relative one to new emergent computational digital means and, within these, the development of virtual worlds and the new realities that they advocate, of great interest for the critical investigation as much of the art as of aesthetic the present one. The most recent investigations in this sense have been centered in the definition and resists between the concepts of reality and virtuality, and in adapted the new search of an aesthetic one to new means. From the previous thing, the present work develops an investigation, based on an aesthetic cradle in the constructivist paradigm, of the relations and the new parameters that settle down between the different scopes of performance which they take part in the aesthetic phenomenon: the creative one; the work or the object; the spectator, observer or user, and the contexts where it develops all.

La presente investigación parte de dos postulados básicos: primero, la rotunda dimensión cognitiva que cabe asignar al arte; y segundo, la primacía del discurso y la experiencia estéticos frente a los modos epistémicos que dislocan conciencia y realidad por medio de múltiples dicotomías. Nuestro ámbito principal de indagación es la obra del poeta romántico William Wordsworth. Haremos especial hincapié en su producción desde 1797 hasta 1805, o sea, el período en que se perfiló el proyecto filosófico-poético cuyo impulso central es inseparable del movimiento romántico, ya que está vertebrado por los mencionados postulados sobre el valor cognitivo de lo estético y su preponderancia sobre discursos concurrentes.Así pues, el objetivo de este trabajo persigue elaborar la estructura implícita de ideas que subyace a los postulados antes mencionados y, con ello, determinar sobre qué fundamento es posible encontrar en lo estético una primacía epistemológica como la que Wordsworth y el movimiento romántico en general sostienen como piedra de toque de sus teorías. Para el despliegue de esta investigación hemos planteamos una serie de preguntas que han guiado el desarrollo general de la tesis. Nuestra estructura se ha desplegado alrededor de cuatro cuestiones principales: ¿en qué consiste la visión que otorgan el arte y el modelo de experiencia estética?; ¿en qué sentido la actitud estética deviene agente de esta verdad viva, más amplia, radical y completa?; ¿cómo se operan la comprensión y la asimilación de los modelos cognitivos reductivos de la tradición desde este nuevo modelo?; y también, como reflexión final, ¿se le otorga a la filosofía, en su sentido tradicional, un papel respecto a ello, o por el contrario se le exige una remodelación de raíz en sus modos y sus hábitos más sedimentados?A través de estas cuestiones y el análisis de los conceptos centrales del romanticismo de Wordsworth como 'imaginación', 'naturaleza', 'poesía', etc., hemos pretendido una explicitación de un modelo cognitivo radical y completo: el modelo estético del conocimiento y del saber. Este modelo asume el carácter no problemático de nuestra participación en los procesos de conocimiento y de realidad, y se estructurará alrededor de cuatro ejes centrales: percepción extensiva, significados abiertos, dinámicos e inagotables, la asunción plena de la lógica de la polaridad, y el postulado de un sustrato primordial, de una fuente o campo indiferenciado del aparecer, inherente a lo aparecido mismo y accesible por un ejercicio de agudeza perceptiva. El análisis de las nociones 'Imaginación' y 'Naturaleza' en Wordsworth nos llevará a la conclusión de su indiferenciación última, puesto que ambas apuntarán en su significa pleno y más amplio a esta realidad original entendida como apertura, como un campo integrado y unificado inherente a los fenómenos, a los cuales anima, realiza y disuelve en un juego interminable de encuentros e interrelaciones, de reciprocidades que disuelven los límites taxativos entre sensaciones, cosas e ideas. / This thesis is based on two fundamental premises: first, the deep cognitive dimension attributable to art; and second, the primacy of discourse and aesthetic experience over epistemological modes which dislocate awareness and reality through multiple dichotomies. Our principal line of inquiry is the work of the poet William Wordsworth. We shall pay special attention to his output from 1797 to 1805, that is, the period in which he outlined his philosophical-poetic project, the main thrust of which is inseparable from the Romantic movement.Thus, our aim is to construct the implicit structure of ideas underpinning the above mentioned beliefs and, through this, to determine on what basis it is possible to find an epistemological primacy, such as Wordsworth, and the Romantics in general, maintained was the touchstone of their theories, in the aesthetic. The research has been carried out employing a set of questions to guide the general development of the thesis and has been structured around four main questions: Of what does the vision provided by art and the model of aesthetic experience consist? In what sense does the aesthetic stance work as an agent of this broader, radical and complete living truth? How does the comprehension and assimilation of reductive, cognitive models of tradition work within this new model? Finally: is philosophy, in the traditional sense, given a role with respect to that new model, or on the contrary, does it demand a root and branch remodelling of philosophy's most settled modes and habits?Through these questions and the analysis of the central concepts of Wordsworth's Romanticism as "imagination", "nature" or "poetry", we shall try to form an explicit statement of a radical and complete cognitive model: an aesthetic model of knowledge and knowing. This model assumes our uncomplicated participation in the processes of knowledge and reality, and will be structured around four key concepts: extensive perception; open, dynamic and inexhaustible meanings; the full assumption of the logic of polarity; and the suggestion of a primordial substrate, of a source or an undifferentiated field of appearance inherent in what appears and accessible by exercising acute perception.

El objetivo de la presente investigación responde a la voluntad de abordar un acercamiento al pensamiento unamuniano desde una doble perspectiva, la literaria y artística, desvelando cómo las ideas estéticas se integran en su discurso hasta configurar un todo indisoluble. He establecido cinco períodos: La primera etapa, que comprende de 1888 a 1895, se inicia con el artículo “Madrid y Bilbao. Reflexiones de un bilbaíno en la corte” de marzo de 1888, en el cual expresa por primera vez inquietud por la cultura artística. Al cabo de un año, en “Alcalá de Henares. Castilla y Vizcaya” de 1899, Unamuno sienta las bases de su credo estético al plantear la existencia del arte vascongado, la búsqueda intrahistórica que desarrollará en los ensayos de En torno al casticismo de 1895 y los valores estéticos del paisaje. La segunda etapa, que oscila de 1896 a 1900 al ser nombrado Rector de la Universidad de Salamanca, continúa con el planteamiento intrahistórico, cuya premisa resume en que hay que buscar en el pueblo la materia prima del arte (“Sobre el cultivo de la demótica”, 1896). Otro de los pilares sobre el que entreteje su discurso enlaza con la visión de un arte plenairista que entronca con Beruete y Francisco Giner de los Ríos, Miguel de Unamuno se asoma al nuevo siglo como espectador reticente a las nuevas vanguardias que irrumpen en el panorama artístico. La tercera etapa, la más extensa, abarca de 1901 a 1914, resulta crucial para adentrarnos en el juicio estético de Unamuno ya que es cuando ejerce propiamente de crítico de arte y desarrolla todas las concepciones estéticas gestadas en los anteriores años. Se inmiscuye en el ámbito de la crítica teniendo como referente la Estética de Hegel, El Breviario de estética de Benedetto Croce y la Historia de las ideas estéticas de Marcelino Menéndez Pelayo y vierte las bases de su crítica pictórica en “De arte pictótica I y II” de 1912. No obstante la principal aportación es la de erigirse en estandarte de la escuela vasca con Zuloaga a la cabeza, escribió: “Zuloaga el vasco” de 1908, “Nemesio Mogrobejo” de 1910, “Darío de Regoyos” de 1913 y “La escultura honrada” de 1913. La cuarta etapa se extiende de 1915 a 1924, año del exilio a Fuerteventura. Se ratifica a favor de la libertad de expresión y se posiciona contra el estilo grandilocuente del arte germánico. En el contexto de la Primera Guerra Mundial la implicación periodística del escritor es esencialmente política, a excepción de varios artículos dedicados a artistas vascos como: “La labor patriótica de Zuloaga” de 1917, “La obra de arte de Adolfo Guiard”, de 1918 y “En el Museo del Prado” de 1919. La quinta y última etapa, de 1925 a 1936, marcada por el destierro voluntario en París y Hendaya, por la inestabilidad política y por la emergente Guerra Civil. Todo ello sume al escritor en un estado de desaliento que le aleja de las inquietudes artísticas, a excepción de “Mis santas campañas. Paco Iturrino”. Datan de esta época algunos de los retratos más sobresalientes del escritor, como el de Zuloaga de 1925, los de Juan de Echevarría, y el de Daniel Vázquez Díaz de 1936. Del Unamuno dibujante, al Unamuno retratado; el escritor convertido en asunto pictórico, motivo que le lleva a relacionarse fraternalmente con los pintores coetáneos hasta el punto de compartir con los artistas de la vertiente cántabra no sólo una confesada amistad sino también un mismo credo estético, tal y como se analiza a lo largo del presente estudio "Unamuno y las artes". / This research aims to reveal the possible links that existed between the paradigmatic thinker, Miguel de Unamuno, and art, according to their particularities and various forms of expression, artists, concepts and aesthetic preferences. However the facet of Unamuno seen in some biographies (perhaps Colette and Jean - Claude Rabaté along with Jon Juaristi have delved deeper into the subject), his relationship with art remains known but not studied in depth. Some authors have explored this direction with valuable contributions and many of them have highlighted the ideological-plastic understanding between Unamuno and Zuloaga as Tellechea Idígoras, Calvo Serraller, José Carlos Mainer, F. Garín, F. Tomás and Miguel Zuzaga. It is essential to consult catalogs as El Greco: La seva revaloració pel modernisme català, Sorolla y la Hispanic Society – Una visión de la España de entre siglos -, Sorolla - Zuloaga. Dos visiones para un cambio de siglo, and above all: La huella del 98 en la pintura española contemporánea. From his beginnings as an artist in the garret of the painter Lecuona, recognition of his drawing skills and his confession of longing to be a painter, has drawn a line of permanent contact with the arts that has been strengthened by regular treatment with contemporary painters. His incursion in arts as an art critic, as did also Valle-Inclán and Azorín, the interest generated by almost all the artistic intellectuality of end of century, Cossio's monograph on El Greco, the Historia de las ideas estéticas en España by Marcelino Menéndez Pelayo, and the Breviario de estética by Benedetto Croce, all favored the gestation of a culture broth which acquired consistency early in the century with the emergence of the avant-garde and the theoretical background of the manifestos. By philosophical-artistic compenetration Unamuno polls reality and extracts from it the intrahistorical formula. Both Velazquez and Zuloaga rose up the genuinely “castizo” reveling the essence of being. The writer oscillates between tradition and progress to enrich his speech with the visual art component, while claims for the humanizing role and drives with Giner de los Ríos the aesthetic appreciation of landscape. From a social conception of art, Unamuno becomes chronicler and critic to establish the basis of creed aesthetic that will be described in the following pages.

La concepció occidental del paisatge, estretament lligada a la seva representació pictòrica, ha tendit a crear un imaginari paisatgístic de la unitat i la immobilitat que ha condicionat una part important de les reflexions estètiques al voltant del paisatge. L'objectiu d'aquesta tesi és plantejar els principis per una estètica del paisatge cinematogràfic fonamentada en les dues grans particularitats tècniques del cinema: el découpage i la imatge en moviment. Basant-nos en el diàleg intertextual entre cinema, pintura i literatura dibuixem una "altra història" del paisatge on la fragmentació, l'entrellaçament i la mobilitat són els principals mecanismes de representació paisatgística. L'estructura de la tesi, en consonància amb l'esperit de la investigació, parteix de la situació del paisatge en la contemporaneïtat per, posteriorment, emprendre un viatge arqueològic a través del temps per tal de localitzar els orígens del découpage paisatgístic i del paisatge en moviment. A través d'aquesta mirada retrospectiva s'observa com el cinema reescriu i dialoga per la via cinemàtica amb formes paisatgístiques que estaven disseminades en els altres arts. / The Occidental conception of the landscape –that has been closely linked to its pictorial representation- has tended to create an imaginary of the unity and the immobility. It conditioned an important part of the aesthetic refections regarding the landscape. The aim of this thesis is to consider the principles for an aesthetic of the film landscape, which is based on two technical characteristics of the cinema: the découpage and the moving image. Looking at the intertextual dialogue between the cinema, the painting and the literature, we describe “another history” of the landscape where the fragmentation, the entanglement and the mobility are the principal mechanisms of the landscape representation. According to the spirit of this research, the structure of the thesis starts from the situation of the landscape in the contemporary world to go on a later archaeological journey across the time. This trip seeks to locate the origins of the landscape découpage and the moving landscape. Through this retrospective look, we can observe how the cinema rewrite and dialogue by a cinematic way with the forms of the landscape that were spread out in other arts.

Daniel Berlyne propuso en 1971 que las personas preferirían estímulos visuales de complejidad intermedia por encima de los de alta y baja complejidad. A pesar de que los resultados de algunos trabajos posteriores han verificado esta predicción, otros apuntan a que la preferencia aumenta linealmente con la complejidad, mientras que otros no han hallado relación significativa alguna. El objetivo de este trabajo es clarificar las causas de esta divergencia entre resultados anteriores. Nuestros propios resultados sugieren que ni diferencias en la composición de los grupos de participantes en cuanto al sexo ni en el tipo de materiales utilizados explican la discrepancia. Por el contrario, nuestros resultados sugieren que la divergencia en los resultados de estudios anteriores que han explorado la relación entre complejidad visual y preferencia estética se debe principalmente a diferencias en la concepción, definición y operativización del concepto de complejidad. / L'any 1971 Daniel Berlyne va proposar que les persones preferirien estímuls visuals de complexitat intermitja per sobre dels estímuls d'alta i baixa complexitat. Tot i que els resultats d'alguns treballs previs han verificat aquesta predicció, altres investigacions, en canvi, apunten que la preferència augmenta linealment amb la complexitat, mentre que d'altres no han trobat relació significativa alguna. L'objectiu d'aquest treball és el de clarificar les causes d'aquesta divergència entre els resultats anteriors. Els nostres propis resultats suggereixen que ni les diferències en la composició dels grups de participants pel que fa al sexe, ni tampoc el tipus de materials utilitzats, expliquen la discrepància. Pel contrari, els nostres resultats indiquen que la divergència en els resultats d'estudis anteriors que han explorat la relació entre complexitat visual i preferència estètica es deu principalment a diferències en la concepció, definició i operativització del concepte de «complexitat». / In 1971 Daniel Berlyne suggested that people would prefer intermediately complex visual stimuli over very simple or very complex ones. In spite of the fact that some subsequent studies have verified this prediction, others found that preference was linearly related with complexity, whereas others have found no significant relation. The objective of this work is to clarify the causes of this divergence among prior results. Our own results suggest that neither differences in the composition of participant groups in relation to sex nor the kind of materials they used explained the discrepancy. On the contrary, our results indicate that the divergence in the results of prior studies that have explored the relation between visual complexity and aesthetic preference is mainly due to difference sin the conception, definition, and operativization of the concept of complexity.

Aquesta tesi analitza i posa en relació, des d'un punt de vista teòric, la funció del sistema emocional humà y els processos de la comunicació publicitària. I busca en l'estètica i l'art, i més concretament en la pintura, els recursos expressius que permeten establir un lligam emocional amb el receptor de la publicitat. / This theoretical work analyzes and finds the relationship between the human emotional system and the advertising communication process. And search, in aesthetics and art, the expressive resources that allow an emotional link with the advertising receptor.

"La projecció d'un ideal estètic durant el Noucentisme. Josep Aragay i Blanchar (1889-1973)" es el primer estudi integral dedicat a aquest artista i teòric del Noucentisme. La tesi analitza amb profunditat la trajectòria d’Aragay com a dibuixant, pintor, gravador i ceramista, però també com a poeta, professor i polític; a més del paper que va exercir com a crític, polemista i teòric de l’art. La tesi posa de manifest la labor artística i intel•lectual d’aquest personatge que va assumir, defensar i projectar, fins el final de la seva vida, aquell ideal estètic de signe mediterraneista i classitzant, que sorgia a Catalunya a principis del segle XX. / "La projecció d'un ideal estètic durant el Noucentisme. Josep Aragay i Blanchar (1889-1973)" is the first comprehensive work based on this artist and theoretician of the Noucentisme’s movement. The above-mentioned doctoral thesis, studies his career not only as a draughtsman, painter, engraver and potter but also as a poet, lecturer and politician, besides his production as a brilliant polemicist and theoretician of Art. The Thesis stresses an artistic and intellectual work of Aragay who assumed, defended and projected, until the end of his days, those aesthetics ideals of a Mediterranean and Classicistic style that emerged in Catalonia on the early XX century.