Texte remanié de: Habilitationsschrift--Ost- und Aussereuropäische Sprach- und Kulturwissenschaften--Frankfurt am Main--Johann Wolfgang Goethe-Universität, 1988.

Dès son arrivée à Paris en 1909, jusqu’au déclanchement de la guerre en 1914, Alexander Archipenko réalise environs cinquante sculptures, qu’il présente lors des salons des Indépendants et d’Automne, à l’occasion des manifestations cubistes, ainsi que dans deux expositions personnelles organisées en Allemagne, à Hagen et Berlin. Son nom apparaît souvent dans les comptes-rendus des salons publiés dans la presse de l’époque. Indiqué à la fois comme ‘sculpteur cubiste’ ou ‘novateur élégant’ (à savoir, à l’esprit décoratif), il participe avec son travail à ce croisement de chemins qui caractérise, au début du XXe siècle, le développement de la sculpture moderne. Cependant seulement une partie de cette production majeure est aujourd’hui connue, plusieurs œuvres ayant été dispersées ou retravaillées au cours du temps. Le but de la thèse a été celui de reconstituer ce corpus dans son état d’origine ainsi que son parcours d’exposition, afin de replacer l’œuvre d’Archipenko à l’intérieur de la scène artistique parisienne de l’avant-guerre pour la faire dialoguer avec celle de ses collègues, peintres et sculpteurs. Cela a été possible par le biais d’une analyse formelle pointue et d’un travail croisé sur la presse et les catalogues d’exposition de l’époque, et grâce au dépouillement de plusieurs fonds d’archives. Parmi lesquels, celui de la revue « Der Sturm » (Staatsbibliothek, Berlin), ainsi que les archives de la Archipenko Foundation (Bearsville, NY), et les Archives of American Art (Smithsonian Institution, Washington, D.C.). Il en sort le portrait d’un artiste qui, avec sa recherche, a pleinement embrassé l’esprit de découverte propre à son temps. / Between his arrival in Paris in 1909, and the outbreak of World War I in 1914, Alexander Archipenko created nearly fifty sculptures, which he presented at the Salon des Indépendants, the Salon d’Automne, numerous cubist exhibitions, as well as two personal exhibitions organized in Germany (Hagen and Berlin). His name appeared often in the reviews of the Salons that were published in the press. Considered as both a ‘cubist sculptor’ and a ‘novateur élégant’ (in the decorative sense), Archipenko actively participated in both of these artistic currents, which together led to the development of modern sculpture. Despite his importance, only part of his artistic production from this period is generally known today, many of the works were lost or re-worked at a later date. The aim of this thesis is to reconstitute his corpus of work in its original state, as well as document his participation in expositions, in order to place Archipenko’s artwork within the Parisian antebellum artistic scene, and in doing so, create a context in which his work may be compared to that of other sculptors, colleagues, and painters of the epoch. This work is based upon an attentive formal analysis of these works, and thorough review of the exhibition catalogue of the period. And also, by the analysis of different archives, among which the “Der Strum” archives (Staatsbibliothek of Berlin), the Archipenko Foundation’s ones (Bearsville, NY) and those of American Art (Smithsonian Institution, Washington, D.C.). From this research emerges the portrait of an artist who fully embraced the spirit of discovery of his times.

Revision of Thesis (Ph. D.)--University of Michigan, 1977. / Includes bibliographical references (p. [213]-218) and index.

La notion d’orphisme est née à la veille de la Première Guerre mondiale. Forgée par Guillaume Apollinaire, elle lui sert à désigner l’art nouveau et audacieux de ses amis-peintres, notamment ceux réunis autour de Robert Delaunay. Cependant, dès cette époque, le terme, utilisé de manière imprécise par le poète, pose problème. Depuis, les controverses se multiplient et durant le siècle qui nous sépare de l’invention de ce nom tout ce qui touche à l’orphisme a été remis en cause, jusqu’à son existence même. Prenant position contre cette attitude, nous proposons dans cette thèse d’envisager la production et les conceptions artistiques de l’époque sous un angle nouveau. En nous défaisant des étiquettes traditionnelles de nombreux « -ismes », nous prenons – selon la suggestion d’Apollinaire – le mythe d’Orphée comme un outil permettant de réanalyser l’art du début du XXème siècle. Cette relecture (des parcours des artistes, de leurs sources d’inspiration, des rapports entre différents centres artistiques et acteurs de la scène artistique), ainsi qu’une analyse comparative des œuvres ont pour but de démontrer que ce que nous appelons l’« orphisme » ne fut pas un concept artificiel, appliqué de manière parfaitement arbitraire à la somme des trajectoires – quelques peu accidentelles et indépendantes les unes des autres – de différents artistes, mais plutôt une évolution logique et cohérente, dont l’ampleur et l’impact sur la postérité ne furent jamais appréciés à leur juste valeur. En utilisant le mythe d’Orphée comme fil conducteur structurant notre analyse, nous mettons donc en évidence les grandes lignes de l’évolution du phénomène auquel Apollinaire a donné le nom d’orphisme : les origines et l’interprétation du terme et de la conception mêmes, le contexte historique et artistique de l’apparition et de l’évolution du mouvement, les rapports entre ses différents acteurs, les sources d’inspiration des artistes et enfin une évolution stylistico-chronologique de cette tendance. / The notion of Orphism was born on the eve of the World War II. Forged by Guillaume Apollinaire, it served him to describe a new and bold art of his friends, especially those concentrated around Robert Delaunay. However, the notion was already troublesome back then: ill-defined and unclear, it was used by the poet in a vague way. Since then, the controversies continue to mount and in a century that elapsed since the invention of the notion, everything concerning Orphism is questioned, even its very existence. Contesting this negationist approach, we propose in this thesis to analyze the artistic production and conceptions of this period under a new light. We are distancing ourselves from the traditional labels of “-isms” and we are using the Orpheus myth – as suggested by Apollinaire – as a tool which allows us to reanalyze the art from the beginning of the 20th century. This new analysis – of artists’ career paths, their fascinations, relationships between different artistic centers and between people involved in this avant-garde – and the comparative analysis of artworks serves to prove that what we call Orphism is not an artificial concept, applied in an arbitrary manner to the somewhat accidental and independent career paths of different artists. On the contrary, Orphism is a logical and consistent evolution, whose true importance and impact was never fully appreciated. By using the Orpheus myth as a guiding thread, we are bringing to light the main lines of the evolution of Orphism: the origins and interpretation of the notion and the conception, the historical and artistic context in which the movement was born and was evolving, the relationships between its actors, artists’ inspirations and, last but not least, the stylistic evolution of Orphism over the time.

Le début du 20e siècle en Russie aura été une période de grands bouleversements politiques, économiques, sociaux et artistiques. De la première révolution de 1905 vers la Révolution d'octobre 1917 plusieurs changements se sont opérés mais le grand tournant dans l'histoire socio-politique de la Russie se fera surtout après 1917. Vladimir Maïakovski, l'un des fondateurs du futurisme russe, un poète révolutionnaire, artiste pluridisciplinaire de l'avant-garde, participera artistiquement au projet révolutionnaire entre 1917 et 1930. J'analyserai dans ce mémoire la figure de la masse que le poète projette dans l'œuvre de circonstance 150 000 000. Ceci, dans le but de saisir le rapport art/masses qui se dégage de cette œuvre. Pour ce faire, je tenterai de comprendre l'œuvre en la situant dans son contexte de production générale, soit la période socio-historique entourant l'année de sa publication, 1921. En lien avec son contexte de création, je présenterai une analyse littéraire du poème qui ciblera plus particulièrement les procédés stylistiques utilisés par Maïakovski. En m'appuyant sur les critiques manichéennes qui ont été adressées à Maïakovski concernant ce poème, je dresserai un portrait général des diverses positions préconisées par la critique ainsi que les hauts dirigeants bolchéviques, concernant l'art de masse et son public. Une œuvre que Lénine qualifiera de prétentieuse et stupide. De cette polémique entre Lénine et Maïakovski, il sera question de comprendre comment leur vision de la masse s'oppose. Le but premier de ce mémoire est donc de cerner la figure de la masse au travers l'épopée pathético-héroïque 150 000 000. De cette figure se dégage le regard que Maïakovski portait sur les masses russes. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Vladimir Maïakovski (1893-1930), avant-garde, futurisme russe, propagande, masse, révolution.

Pendant soixante-dix ans, de 1945 à 2015, les artistes italiens ont, à travers leurs œuvres, mené un travail de mémoire. Entre une génération née avant le Fascisme, une alors qu'il est à l'apogée de sa puissance impérialiste, une autre après la guerre et enfin une génération de jeunes artistes nés trente ans après la fin du conflit, les mémoires singulières et collectives se bousculent. L'objectif de cette recherche est de reconstruire l'histoire de ces témoignages sur un passé vécu ou pas, et de donner les outils pour comprendre les conditions de leur genèse. Parler de la mémoire à travers des œuvres d'art est une expression intime, singulière, mais également un acte éminemment politique. Les manipulations de la mémoire du Fascisme influencent-elles tout au long de la période la création sur le sujet ? Quelles postures les artistes adoptent-ils face aux problématiques soulevées par une redéfinition du danger fasciste alors que la dictature est officiellement terminée ? Quelles formes plastiques sont données à ces remémorations et réactualisations ? / Over a period spanning 70 years, 1945 through 2015, ltalian artists carried out a "memory" endeavour for those generations that were bom before the fascist era, during the period of its highest imperialistic aims, during the aftermath of the war, and even for the generation of those artists bom 30 years after the end of the war. As a result, a multitude of individual and collective memories had emerged. This work aims to reconstruct and track the history of these memories (whether or not actually experienced by the artist), and to provide the tools to understand the genesis ofthese memories. Analysing "memory" through art pieces is an intimate, singular, and political act. To what extent fascist memory manipulations affect artistic creations? How do the artists react and position themselves, once confronted with the problems of re-defining "Fascism", after the dictatorship fell? Which new "plastic forms" emerge from these new adaptations of individual and collective memories? / Durante settant'anni, dal 1945 al 2015, gli artisti italiani, attraverso le loro opere, hanno svolto un lavoro di memoria. Fra una generazione nata prima del Fascismo, una nata quando questo è al culmine della sua potenza imperialista, un'altra nata dopo la guerra e infine una generazione di giovani artisti nati trent'anni dopo la fine del conflitto, le memorie individuali e collettive si affollano. L'obiettivo di questa ricerca è di ricostruire la storia di queste testimonianze su un passato, vissuto o no, e di fomire gli strumenti per capire le condizioni della loro genesi. Parlare della memoria attraverso le opere d'arte è un'espressione intima, singolare, ma allo stesso tempo un atto eminentemente politico. Nel periodo preso in esame, le manipolazioni della memoria del Fascismo influenzano la creazione su questo tema? Quai è la posizione degli artisti di fronte alle problematiche nate da una ridefinizione del pericolo fascista, sebbene la dittatura sia ufficialmente caduta? Quali forme plastiche son date a queste rimemorazioni e riattualizzazioni?

Entre 1911 et 1920, Kazimir Malévitch découvre de nouvelles lois artistiques. Grâce à l' « Optique physiologique » d'Hermann von Helmholtz (1856-1866), il transforme les lois scientifiques des sensations optiques (couleur, lumière, mouvement) et celles des structures optiques de la vision en lois artistiques avec lesquelles il crée ses tableaux néo-primitivistes (1911-1912), proto-cubistes (1912-1913), futuristes (1912), cubistes (1913-1914) et suprématistes (1915-1920). Cette transformation des lois scientifiques de la vision en principes créatifs explique les innovations et l'évolution stylistique de Malévitch de 1911 à 1920. Ces découvertes sur les procédés créatifs de Malévitch sont totalement nouvelles, car ce travail est le premier à porter sur ce sujet. La présente thèse est composée de deux parties. La première présente en trois chapitres les lois de la perception sensorielle. Ell explique comment l'oeil voit la direction, la position, la taille et les dimensions dans le champ visuel. La seconde consiste également en trois chapitres, dans lesquels l'auteur analyse l'exploration par Malévitch de la sensation et de la perception sensorielle dans ses tableaux néo-primitivistes et proto-cubistes, de la perception sensorielle seule dans le cubisme et des sensations de couleur et de lumière pures dans le suprématisme. Tandis que la science révèle à l'artiste les vérités de la vision, les tableaux de Malévitch deviennent l'art de la vision optique. Ces recherches fournissent une contribution majeure pour la compréhension de l'oeuvre de Kazimir Malévitch. / Between 1911 and 1920, Kazimir Malevitch was discovering new artistic laws with which to create. Relying on Hermann von Helmholtz's, « Treatise on Physiological Optics (1856-1866), scientific laws of optical sensations (colour, light and movement) and optical structures of seeing were transformed into artistic laws. With them Malevitch created his Neo-Primitivist paintings (1911-1912), Proto-Cubist paintings (1912-1913), Futurist paintings (1912), Cubist paintings (1913-1914), and Suprematist paintings (1915-1920). Adapting scientific laws of vision to creative laws of painting is what accounts for Malevitch's innovations and artistic development, 1911-1920.These are entirely new discoveries about malevitch's creative processes, a subject investigated here for the first time. Divided into two parts, the first part consists of three chapters on the science of optical sensations, the laws of light and colour, and the laws of sense perceptions : how the eye sees direction, position, size and dimensions in the visual field. The second part consists of three chapters analysing how Malevitch explored sensation and sense perception in the Neo-Primitive and Proto-Cubist paintings, sense perception in Cubism, and, in Suprematism, the pure sensations of colour and light. With science providing the truths of vision, Kazimir Malevitch's paintings became the art of the seeing eye, and this is a major new contribution to the understanding of the painting of Kazimir Malevitch.

Le collage et le cut-up sont deux " procédés " apparus, comme pratique et comme concept, dans le courant du XXe siècle : dans la première décennie pour ce qui est du collage et, pour le cutup, à la fin des années cinquante. Le terme de collage est issu des arts plastiques, et des pratiques qui ont succédé aux expérimentations des " papiers collés " de Georges Braque et Pablo Picasso à partir de 1912, tandis que celui de cut-up est emprunté à l'écrivain américain Brion Gysin expérimentant cette technique, avec William Burroughs, en 1959. Une cinquantaine d'années sépare les deux " procédés ", qui ne recouvrent pas exactement les mêmes pratiques, comme le notait Brion Gysin : " L'écriture a cinquante ans de retard sur la peinture ", en entendant par là appliquer à la lettre - et à la littérature - la pratique même des " papiers collés " des expérimentations cubistes. Cinquante ans de retard ? Rien n'est moins sûr en réalité, si l'on examine l'histoire de la pratique dans la littérature, notamment à travers les expérimentations des premiers courants d'avant-garde, puisque se mettent en place, dès 1912-1913, des procédures de transmédiation qui font progressivement glisser l'esthétique du collage des arts plastiques à la poésie. C'est sur l'histoire de ces cinquante années " de retard " que voudrait revenir cette étude, pour examiner les différentes formes que prend cette transmédiation de l'esthétique du collage dans les courants d'avant-garde, jusqu'à l'invention du cut-up.

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