Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 parte 1.pdf: 23347015 bytes, checksum: e482732e0ef164e8efbc58b0f302ce27 (MD5) Previous issue date: 2013-02-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Adaptation is one more artistic resource used in cinema to show a fictitious story. The word show also means tell, but it is employed by Linda Hutcheon (2011) when she refers to cinema, by considering it a performance art which has a process of representation centred on the speech of characters played by actors, the actions, sounds and visual images. The process of adaptation has been a resource used in art throughout mankind s history. The symbolist picture in Ofélia (1851), by John Everett Millais, for instance, is a plastic adaptation depicting the death of the Shakespearean character ( Hamlet ). The process of adaptation is a very interesting resource due to the fact that it makes us think of the approximation between different semiotic systems and helps us to observe how one narrative way acquires signification from another. Thus, our work is a study on the short story called Father against mother (1906), by Machado de Assis, and its free adaptation called How much is it or is it by the kilo? (2004), by Sérgio Bianchi. Through a analytical study, we endeavoured to investigate how the Machado de Assis topos fight for survival , symbolized by the predatory relationship and contradiction ( represented by the characters ) is transcoded in the diegetic space of the film. With this in mind, we attempted to observe stylistic features, such as irony, pessimism and realism, as well as structural aspects: characters, time and focus. This category was promptly characterized in our analysis as the narrative element which enabled us to reflect on the film creative process. In order to analyse the function of the narrative focus, we based our assumptions on authors who study the narrative categories in literature, such as Norman Friedman (2002) and mainly Gérard Genette (1989); also Francis Vanoye and Anne Goliot-Lété (1994) and Marcel Martin (2003) who particularly study the narrative focus in cinematographic language. / A adaptação é mais um recurso artístico utilizado pelo cinema para mostrar uma história fictícia. O signo mostrar tem o mesmo sentido de contar, mas é empregado por Linda Hutcheon (2011) ao se referir ao cinema, por considerá-lo uma arte performática, que tem um processo de representação centrado na fala de personagens interpretados por atores, nas ações, sons e imagens visuais. O processo adaptativo tem sido um recurso utilizado pela arte em muitas épocas da história da humanidade. O quadro simbolista Ofélia (1851), de John Everett Millais, por exemplo, é uma adaptação plástica da morte da personagem shakespeariana (Hamlet). O processo de adaptação é um recurso muito interessante porque nos permite pensar a aproximação entre sistemas semióticos artísticos diferentes e verificar como um modo narrativo adquire significação a partir de outro. Partindo desse pressuposto, o nosso trabalho é um estudo sobre o conto Pai contra mãe (1906), de Machado de Assis, e sua adaptação livre Quanto vale ou é por quilo?(2004), de Sérgio Bianchi. Procuramos, a partir de um estudo analítico, investigar como o topos machadiano da luta pela sobrevivência , simbolizado pela relação predatória e pela contradição (representado pelos personagens) é transcodificado no espaço diegético do filme. Para tal objetivo, procuramos observar questões estilísticas como a ironia, o pessimismo e o realismo, e aspectos estruturais: personagens, tempo e focalização. Esta categoria se configurou pontualmente, em nossa análise, como o elemento narratológico investigado para se pensar o processo criativo do filme. Para analisar a função do foco narrativo, buscamos suporte teórico nos autores que estudam as categorias narrativas na literatura: Norman Friedman (2002) e principalmente Gérard Genette (1989); além de Francis Vanoye e Anne Goliot-Lété (1994) e Marcel Martin (2003) que estudam mais particularmente o foco narrativo na linguagem cinematográfica.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 804668 bytes, checksum: 016c2e29915f239e04543683dbf42582 (MD5) Previous issue date: 2006-05-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The aim of this dissertation was to study the permanence of the myth of Inês de Castro on the Northeastern imaginary. To accomplish this purpose, it was analyzed the proverb Agora é tarde, Inês é morta (now is too late, Inês is dead), the chapters I, II, III of the poem Invenção de Orfeu (The invention of Orpheus), by Jorge de Lima and the sculpture La Victime, by Francisco Brennand. This project was initiated presenting the myth as a point of convergence for this triad, intercalating such different narratives. After that, it was verified the function and the trajectory of the myth of Inês de Castro on the oral tradition through the popular proverb. The poem of Jorge de Lima shows how the myth assumes multiple feminine faces and, finally, the analysis of the sculpture makes clear that it represents the concretization of the feminine love suffering evidenced on the proverb. Finally, having as source the concept of mitocrítica (myth critics), by Gilbert Durand, that allows to verify when a piece of art has a myth as its essence, and a lot of reading about the history of woman, the myth, the love and the oral tradition, it was possible to analyze how the (re)invention of Inês de Castro has been manifested on the Northeastern imaginary. / O objetivo desta dissertação foi estudar a permanência do mito de Inês de Castro no imaginário nordestino. Para isto, analisou-se o provérbio Agora é tarde, Inês é morta , os capítulos II, VIII e IX do poema Invenção de Orfeu, de Jorge de Lima e a escultura La victime, de Francisco Brennand. Iniciou-se este trabalho mostrando o mito como ponto de convergência nessa tríade, narrativas tão diferenciadas. Em seguida, verificou-se a função e a trajetória do mito de Inês de Castro na oralidade através do provérbio popular. Na poética de Jorge de Lima mostrou-se como esse mito assume múltiplas faces femininas e, finalmente, com a análise da escultura constatou-se que ela representa a concretização do sofrimento amoroso feminino explicitado no provérbio. Baseado no conceito de mitocrítica , de Gilbert Durand, que permite analisar quanto uma obra está permeada pelo mito e de uma série de leituras sobre a história das mulheres, o mito, o amor e a oralidade foi possível analisar de que forma se deu a (re) invenção de Inês de Castro no imaginário do Nordeste.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 832669 bytes, checksum: c4ffed2da377087222827774af948042 (MD5) Previous issue date: 2014-03-28 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Supported by Antonio Candido´s aesthetic and analytical perspective, the academic paper Dried Childhoods: the scourge of hunger during the Modernism period in the Northeast of Brazil presents the study of the representations of the child's world under the scourge of hunger as a result from frequent droughts in the region that, associated to the indifference of the Brazilian state, condemns the Northeast people, especially its children, to food deprivation, painful and forced exodus, subjecting them to social breakdown, kidnapping them of their childhood and, in most cases, of their own lives. In this understanding, was elected, as analysis objects, Raquel de Queiroz novelistic discourse O Quinze (1930), and the narrative from Graciliano Ramos Vidas Secas published eight years after the novel from Raquel´s writer. The selected works are presented to us as privileged examples of hunger thematic, particularly, child hunger in Brazilian literature. At the same time, are constituted as paradigmatic texts of modernist strand of the Northeast, which opposes the optimistic views of romantic concerning the country, the notion of underdevelopment, poverty and domestic anomie, redirecting, a path of subversion, literary look at Brazil (Candido, 1989). The fictional complaint, the works selected, proceeds notably, through the descriptions of child migrants, robbed them of the natural right to food, or their own living. Such descriptions, prepared by the tragic tone, turn these novels into decisive statement showing another nationality´s project, illustrating, irrefutably, the diversity of Brazilian Modernism. / Acostado à perspectiva estética e analítica de Antonio Candido, o trabalho acadêmico Infâncias secas: o flagelo da fome no Modernismo do Nordeste trata do estudo das representações do mundo infantil sob o flagelo da fome, decorrente das frequentes estiagens na região que, aliada à inoperância e ao descaso do Estado brasileiro, condena os sertanejos nordestinos, em especial suas crianças, à privação alimentar, ao êxodo penoso e forçado, submetendo-as à desagregação social, sequestrando-lhes a infância e, no mais das vezes, a própria vida. Nessa compreensão, elegeu-se, como objetos de análise, o discurso romanesco de Rachel de Queiroz, O Quinze (1930), e a narrativa de Graciliano Ramos, Vidas secas, publicada oito anos depois do romance da escritora cearense. As obras escolhidas se apresentam, para nós, como exemplos privilegiados da tematização da fome, em particular da fome infantil, na literatura brasileira. Ao mesmo tempo, se constituem enquanto textos paradigmáticos da vertente modernista do Nordeste, que se opõe às concepções otimistas dos românticos quanto ao país, criando a noção de subdesenvolvimento, de pobreza e de anomia nacional, redirecionando, num trajeto de subversão, o olhar literário sobre o Brasil (CANDIDO, 1989). A denúncia ficcional, nas obras escolhidas, se processa, notadamente, através das descrições, das crianças-retirantes, espoliadas do direito natural à alimentação, ou seja, do próprio viver. Tais descrições, elaboradas pelo tom da tragicidade, transformam esses romances em mostras decisivas de afirmação de um projeto outro de nacionalidade, ilustrando, de maneira irrefutável, a diversidade do Modernismo brasileiro.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 2302850 bytes, checksum: ebc599f6e2346e28d90c6593489c38c5 (MD5) Previous issue date: 2014-03-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Le présent étude a l intention de réaliser une analyse opére avec les images s utilisées pour Platon à l intérieur du contexte de la Politeia vulgairement connu comme République , à la fin du livre VI et du début du livre VII, afin de montrer que les traductiones ne peuvent pas transmettre les idées platoniciennes par le rapport entre le Bien et le Soleil, lefils du Bien, la Ligne [Segmentée] et la Caverne thème du corpus ici étudie. Le anachronisme issu de ce procès de traduction, en effet, assombrit le voir du Platon, non pas pour l incompétence des traducteurs, mais à cause des langues modernes qu ils se soutiennent, specialment, dans traductions latines classiques au cours du temps et pour démontrer une grande influence sort dans le dificulté d interpreter l original en grec ancien sait dans le vocabulaire latin que ne possede pas la même concretude et la même richesse d aspects verbaux ainsi que l usage des participes, par exemple, que succède dans les texts grecs. Toutes les traductione du Politeia sont contagées par une vocabulaire latin que paradoxalment Il a pris a penser comme la philosofie du platon. On rapport avec corpus platonicum delimitée, est possible prouver que Platon n a pas écrit, précisément, une méthaphore du Soleil, n a pas distingue exactement un monde sensible d un monde visible dans sa Ligne, ni n a pas écrit un mythe du caverne. En verité, ce qui parait dans la litterature platonicienne, est que il utilize des images εἰκόνες pour essayer atteindre celle qui n a pas été atteint pour la nature humaine: le connaissance du Bien ηὸ ἀγαθὸν , car, est seulement através de ces images que la pensée et la langue grecque ont constru un chemin au-delà de μεθοδὸν pour atteindre la verité des choises, donc, l´éducation παιδέια est posté au centre de l âme humaine ψυχή , elle deviendra libre pour réaliser ou construire ce chemin dialeticque dans la recherché de la réalité. / O presente estudo trabalha com as imagens do tratado de Platão Politeia, vulgarmente conhecida como República, no final do Livro VI e no início do Livro VII, com a finalidade de mostrar o problema das traduções modernas não dão conta de transmitir as ideias platônicas sobre a relação do Bem com o Sol, o Filho do Bem, a Linha Segmentada e a Caverna tema do corpus aqui estudado , não por incompetência dos tradutores, mas por causa das línguas modernas que se apoiaram especialmente nas traduções latinas clássicas ao longo do tempo e por demonstrarem uma grande influência tanto na dificuldade de interpretar o original em grego clássico quanto no vocabulário latino que não possui a mesma concretude e a mesma riqueza de aspectos verbais bem como o uso dos particípios, por exemplo, que acontece nos textos gregos. Todas as traduções da Politeia estão contaminadas por um vocabulário latino que paradoxalmente aprendeu a pensar com a filosofia de Platão. Com relação ao corpus platonicum delimitado, é possível provar que Platão não escreveu nenhuma Metáfora do Sol, não distinguiu exatamente um mundo sensível de um mundo inteligível em sua Linha Segmentada, nem escreveu um Mito da Caverna. Na verdade, o que acontece na literatura de Platão é que ele se utiliza de imagens εἰκόνες para tentar atingir o que não pode ser atingido pelo homem: o conhecimento do Bem ηὸ ἀγαθὸν , pois, é somente através dessas imagens que o pensamento e a língua grega construíram um caminho além μεθοδὸν para alcançar a verdade das coisas. Portanto, a educação παιδέια sendo posta no cerne da alma ψυχή humana, ele se tornará livre para trilhar esse caminho dialético em busca do que é a realidade.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 912741 bytes, checksum: b3da70b08326b5544ff9fd5c6d893c1b (MD5) Previous issue date: 2009-06-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This study has as its main focus an analysis of the TV version of the sophoclean tragedy Oedipus the King by Gianfrancesco Guarnieri, considering the dramatic composition of the tragic work, as well as the structural transformations present in its adaptation for the teledramaturgical language. Having in view that Guarnieri s text revisits Sophocles celebrated tragedy, this research begins with a review on the concept of myth and its use in our western literary tradition, examining the subject in the works of theoreticians and philosophers, among them, Eliade, Cassirer, Brandão, Patai, Chauí, Rosenfeld, and illustrating the adaptation of myths for different ideological purposes through critical readings of some relevant plays from different periods of the dramatic tradition. Through a review of the theoretical legacy on tragic drama, based on Aristotle, Ben Jonson, Hegel, Brunetière, Leski, Vernant & Vidal Naquet, Sandra Luna, among others, it was possible to observe the relations of continuity and rupture between modern drama and ancient classical plays. These ruptures occur, more emphatically, after the 18th century, but it will be in the 20th century that drama will experience an expressive formal freedom, making it possible for a myth to be read in the light of challenging political propositions. Departing from the contextualization of Guarnieri s life and works in the scene of Brazilian theatre, and considering the theoretical and historical background for the study of modern drama, the significance of his adaptation of the ancient mythos for TV emerges. The theoretical support for the analysis of the teledramaturgical language comes from Aumont, Betton, Bernadet, Pallotini and others. From this perspective, the analysis of Guarnieri s text shows that drama and teledrama, though using distinct artistic languages, engender dialogues which perpetuate the long tradition of authors who make use of ancient myths to express their own ideals. / Este estudo tem como foco principal uma análise da versão para a TV da tragédia sofocleana Édipo Rei por Gianfrancesco Guarnieri, considerando-se a composição dramática da obra trágica, assim como as transformações estruturais presentes em sua adaptação para a linguagem teledramatúrgica. Tendo em vista que o texto de Guarnieri revisita a celebrada tragédia de Sófocles, esta pesquisa inicia-se com uma revisão sobre o conceito de mito e seu uso em nossa tradição dramática ocidental, examinando o assunto em obras de teóricos e filósofos, dentre os quais, Eliade, Cassirer, Brandão, Patai, Chauí, Rosenfeld, e ilustrando a adaptação de mitos a diferentes propósitos ideológicos através de leituras críticas de algumas peças relevantes de diferentes períodos da tradição dramática. Através de uma revisão do legado teórico sobre a dramaturgia trágica, baseado em Aristóteles, Ben Jonson, Hegel, Brunetière, Leski, Vernant & Vidal Naquet, Sandra Luna, entre outros, foi possível observar as relações de continuidade e ruptura entre o drama moderno e as antigas peças clássicas. Essas rupturas ocorrem, mais enfaticamente, depois do século XVIII, mas será no século XX que o drama experimentará uma expressiva liberdade formal, sendo possível ao mito ser lido à luz de desafiadoras proposições políticas. Partindo da contextualização da vida e obra de Guarnieri na cena do teatro brasileiro e considerando o suporte teórico e histórico para o estudo do drama moderno, emerge a significância de sua adaptação do antigo mythos para a TV. O suporte teórico para a análise da linguagem teledramatúrgica procede de Aumont, Betton, Bernadet, Pallotini e outros. Nesta perspectiva, a análise do texto de Guarnieri mostra que o drama e o teledrama, embora usando linguagens artísticas distintas, engendram diálogos que perpetuam a longa tradição de autores que fazem uso de mitos antigos para expressar seus próprios ideais.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1784464 bytes, checksum: e18212f0d4ab6b2535791fde07cb75a8 (MD5) Previous issue date: 2014-05-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This study called The lyrical depictions of death in H. Dobal´s poetry is dedicated to investigating expressive stylistic settings of death in the poetry of Hindemburgo Dobal Teixeira, whose poetry was observed as being deeply imbibed of the constructs of this issue of essence, which is very significant and crucial for humanity. From the assumption that it is possible to recognize a variety of ways and biases of settings of death in the poetry of H. Dobal, this study paper proposes the recognition and categorization of these poetic constructs, in order to contribute more specifically, to the critic density of this author from Piauí, and more generally, for studies of Brazilian poetry, especially with regard to the issue of death. The analytical course was undertaken in the light of studies of the critic and historian Antonio Candido in his writing focused on the themes of Brazilian literature as cultural production, which is dialectically gestated within society and carried out by agents in their relationships and contexts, transmuted into literary art, in this particular case, the poetry of H. Dobal. From the same social context as Antonio Candido, in questions of theoretical nature on literature and society, other prominent thinkers in the international sphere contributed who add to this understanding, such as Walter Benjamin and Theodor Adorno. To provide groundings to the studies pertaining to the subject of death, the study of several researchers have been associated, mainly from French Philippe Ariès and Edgar Morin, and Brazilian, Joao José Reis and Júlio José Chiavenato. As for the concepts and methods chosen for theme exploration with focus on the poetic lines, with respect to the instrumental analysis and views on the lyrical element, in addition to Antonio Candido himself, the analytic process was guided by scholars in this area of the literature, such as Emil Staiger, Mikel Dufrenne, T.S. Eliot, Paul Valery and Otávio Paz, among others. With the look always towards tracing the literary constructions of "Death", the study dived into in the exercise of scanning poetic figures in a careful analytical course, in order to bring to light what was observed as a cast of figurations of the Death issue, which reveal themselves as genuine contributions of this poet from Piauí to the literary panorama of Brazilian poetry, in the recognition , evaluation and dissemination of which this study pursues. Finally, from the findings gathered, we define a set of settings of categories of death, taken out from Dobal´s poetics, which are presented as a contribution to studies on the theme of death in the world of poetry. / O presente estudo denominado As representações líricas da morte na poesia de H. Dobal se dedica à investigação das configurações estilísticas expressivas da morte na poesia de Hindemburgo Dobal Teixeira, cuja obra poética observou-se profundamente embebida dos constructos dessa temática de essência tão significativa e crucial para a humanidade. A partir da hipótese de que é possível reconhecer uma variedade de caminhos e de vieses das configurações da morte na poesia de H. Dobal, o trabalho propõe o reconhecimento e a categorização desses constructos poéticos, no intuito de contribuir, de forma mais específica, para a fortuna crítica do autor piauiense, e, de maneira mais geral, para os estudos da poesia brasileira, sobretudo no que diz respeito ao tema da morte. O percurso analítico foi empreendido à luz dos estudos do crítico e historiador Antonio Candido em sua escrita voltada para as temáticas da literatura brasileira como produção cultural dialeticamente gestada no âmago da sociedade e protagonizada por seus atores em suas relações e contextos, transmutados em arte literária, neste caso específico, a poesia de H. Dobal. Da mesma vertente social de Antonio Candido, nas questões de natureza teórica sobre literatura e sociedade, contribuíram outros pensadores de destaque na esfera internacional que se aliam nessa compreensão, tais como Walter Benjamin, Georg Lukács e Theodor Adorno. Para calçar os estudos nas questões atinentes ao tema da morte, associam-se os estudos de vários pesquisadores, principalmente dos franceses Phillippe Ariès e Edgard Morin, e dos brasileiros, João José Reis e Julio José Chiavenato. Quanto aos conceitos e métodos escolhidos para as explorações do tema em foco nas linhas poéticas, no que diz respeito ao instrumental de análise e concepções sobre a lírica, além do próprio Antonio Candido, o processo analítico foi guiado por estudiosos desta área da literatura, tais como Emil Staiger, Mikel Dufrenne, T.S. Eliot, Paul Valery e Otávio Paz, dentre outros. Com o olhar sempre voltado para o rastreamento das construções literárias sobre a Morte , mergulhou-se no exercício de garimpar figuras poéticas em um percurso analítico atento, a fim de trazer à tona o que se observou como sendo um elenco de figurações do tema da Morte, que se revelam como contribuições genuínas do poeta piauiense ao panorama literário da poesia brasileira, em cujo reconhecimento, avaliação e divulgação este trabalho se empenha. Ao final, a partir dos achados reunidos, define-se um conjunto de categorias de configurações da morte, desentranhadas da poética de Dobal, as quais se apresentam como contribuição aos estudos sobre a temática da morte no universo da poesia.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 2034256 bytes, checksum: d8bccf3acfb6dec55d0e7bb536b9f98d (MD5) Previous issue date: 2008-10-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / La rilato inter literaturo kaj pentrarto instigadas filozofojn ekde la helenlatina antikveco. Nuntempe disvolviĝas novaj branĉoj en Semiotiko kun tiu celo. Tiu ĉi esploro baziĝas sur la semiotika teorio de Jean-Marie Floch aŭ, pli precize, sur la adaptiĝo de ties teorio al la brazila kulturo fare de Antonio Vicente Pietroforte. Por esplorobjekto elektiĝis la pentraĵo kaj la poezio de Kaboverdo, celante klarigi la jenan demandon: Ĉu la pentra verko de Kiki Lima rilatiĝas al la historia revuo "Claridade" (Heleco)? La revuo Claridade sumis nur naŭ numerojn (1936 ĝis 1960). Tamen ĉirkaŭ la revuo la verkistoj nomitaj "Claridosos" (heleculoj) diskutadis la kulturan tipologion de Kaboverdo kaj influis la decidon por la sendependigo de tiu lando. Spite al la diktatura reĝimo, la heleculoj publikigis altnivelajn eseojn, fikciajn tekstojn kaj poemojn, kies enhavo fariĝis plensignifa kultura heredaĵo de la popolo de Kaboverdo. Pere de la kultura spegulo de Brazilo la heleculoj konstuis tezon pri la kaboverdana kreoliĝo. Laŭ Manuel Ferreira, la ĉefaj temoj de la revuo Claridade estis la senpluveco kaj la malsato, la migrado kaj la insuleco. La rezisto al la emo elmigri kiel solvo al la persona kaj nacia problemoj oftiĝis en la verkoj de la heleculoj. Kiki Lima (1953), la plej elstara pentristo de Kaboverdo, per sia pentra verko dialogas kun la literaturo de la revuo Claridade. Kun la maturiĝo de lia arta laboro, radikale ŝanĝiĝis lia strategio prezenti la kaboverdan popolon. Anstataŭ montri mizeran scenejon pri sia lando, li decidis prezenti pozitivajn bildojn pri la ĉiutaga vivo de la kaboverdano. Tiu decido pozitivigi la bildon pri Kaboverdo influis lian teknikon pentri. En la matura fazo du ĉefaj koloroj montriĝas sur la ekrano: la cejana kaj la oranĝa. Tiuj koloroj, komplementaj en la paletro, estas absolute kontrastaj inter si. Semiotike vidata, la rolo de la cejana kaj de la oranĝa reprezentas la eksterigon pli profunda dikotomio. Se temas pri la individuo, la genera dikotomia senco estas vivo kaj morto; se temas pri la socia realo, la dikotomia paro estas naturo kaj socio. Oranĝkolora estas la korpo (individuo) kaj la tero (socio); cejana estas la vesto (individuo) kaj la maro (socio). Kiki Lima favoras la rolon de la oranĝa koloro kaj malfavoras la cejanan. Neante la cejanan li neas la maron kaj la veston aŭ, analogie, respektive li neas la migradon kaj la fremdan kulturon. Valorigante la oranĝkoloran inkon li simpatias al la korpo kaj al la tero. Kaj jen la solvo al la emo migri. Tiu semiotika strategio pozitive respondas al la poetiko proponata de la heleculoj. Konklude Kiki Lima intuitive translokigas el la paĝoj de la helecula poezio en la ekranon de la nuntempa pentraĵo la plej gravan kulturan problemon de Kaboverdo, tio estas la elmigremo. Tamen li proponas ĝin solvi ne per negativaj bildoj de la koboverdana loĝantaro, sed per gaja kolora kontrasto inter la cejana kaj la oranĝa. En tiu kolorbatalo la oranĝa sukcesas. La pozitiva sankcio de tiu varma koloro simbolizas la venkon de la kreola kultura. / A relação entre literatura e pintura vem instigando filósofos desde a antiguidade greco-latina. Atualmente desenvolvem-se novos ramos na Semiotiko com esse propósito. Esta pesquisa se baseia sobre a teoria semiótica de Jean-Marie Floch ou, mais precisamente, sobre a adaptação da teoria deste à cultura brasileira feita por Antonio Vicente Pietroforte. Para objeto de pesquisa escolheu-se a pintura e a poesia de Cabo Verde, objetivando-se esclarecer a seguinte questão: A obra pictórica de Kiki Lima relaciona-se com a histórica revista Claridade? A revista Claridade somou apenas nove números (1936 até 1960). No entanto, em torno da revista os escritores chamados "Claridosos" discutiram a tipologia cultural de Cabo Verde e influíram na decisão pela independência desse país. Apesar do regime ditatorial, os claridosos publicaram ensaios de alto nível, textos ficcionai e poemas, cujo conteúdo se tornou uma herança plena de significados para o povo de Cabo Verde. Atravé do espelho cultural do Brasil, os claridosos construíram uma tese sobre a criolização cabo-verdiana. Segundo Manuel Ferreira, os principais temas da revista Claridade eram a seca e a fome, a migração e a insularidade. A resistência à tendência de emigrar como solução para os problemas pessoais e nacionais eram recorrentes nos trabalhos dos claridosos. Kiki Lima (1953), o mais importante pintor de Cabo Verde, dialoga em sua pintura com a literatura da revista Claridade. Com a maturidade de seu trabalho artístico, mudou radicalmente sua estratégia de apresentaro povo cabo-verdiano. No lugar de mostrar um cenário miserável de seu país, ele decidiu apresentar imagens positivas da vida cotidiana do cabo-verdiano. Essa decisão de positivar a imagem de Cabo Verde influiu-lhe a técnica de pintar. Em sua fase madura, duas cores principais mostram-se sobre a tela: o azul-ciã e o laranja. Essas cores, complementares na paleta, são absolutamente contrárias entre si. Semioticamente visto, o papel do ciã e do laranja representa a exteriorização de um dicotomia mais profunda. Em se tratando do indivíduo, a dicotomia do sentido gerativo do sentido é a vida e a morte; se se tratada da relação social, o par dicotômico é a natureza e a cultura. Laranja é o corpo (indivíduo) e a terra (sociedade); ciã é a roupa (indivíduo) e o mar (sociedade). Kiki Lima favorece o papel da cor laranja e desfavorece o ciã. Negando o ciã, ele nega o mar e a roupa ou, por analogia, respectivamente ele nega a migração e a cultura estrangeira. Valorizando a tinta de cor laranja, ele se identifica com o corpo e a terra. E eis a solução para a tendência de migrar. Essa estratégia semiótica reponde positivamente à poética proposta pelos claridosos. Em conclusão, Kiki Lima intuitivamente transfere das páginas da poesia claridosa para a tela da pintura contemporânea o mais importante problema cultural de Cabo Verde, ou seja, a tendência para a emigração. Contudo, ele se propõe solucioná-lo não por imagens negativas da população cabo-verdiana, mas por um alegre contraste entre o ciã e o laranja. Nessa batalha de cores, vence o laranja. A sanção positiva dessa cor quente simboliza a vitória da cultura criola

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 2892954 bytes, checksum: fe53f8bf743ef2778ab6c2727e9eac00 (MD5) Previous issue date: 2014-03-24 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This dissertation, based on theoretical assumptions of Discourse Analysis of French line, especially in studies undertaken by Michel Pêcheux, Michel Foucault and Jean-Jacques Courtine, attempts to identify the imaginary body presented in textual and pictorial statements materialized in JUNIOR magazine, monthly publication by MixBrasil publisher, which focuses on the Brazilian gay public. The magazine, understood as a disciplinary device outlet, influences its readers by presenting a pedagogy based on a truth desire of being gay that pursues, above all, a frame of the subject in a body that has the muscly standard as a sign of virility and beauty. The body culture is presented as a mean for access to forms of subjectivities that would ensure visibility to gay men. The process of subjectivation is thought, therefore, from the body transformation techniques, which, based on the discourse from various discursive formations, update the principle of "care of the self" and incite the subject-readers to the consumption of products to beautify their body, diets and workout exercises to optimize the muscle gain, and also to submit themselves to invasive aesthetic treatments, like plastic surgery. Through the notion of discourse memory, we realized the appearance of the body in the media as a new event that restores discursive and non-discursive practices linked to hedonism and narcissism individualist culture in which subjects, under the auspices of individual freedoms, become, in fact, subjected to the prevailing aesthetic standards. / Esta dissertação, fundamentada nos pressupostos teóricos da Análise do Discurso de linha francesa, sobretudo, nos estudos empreendidos por Michel Pêcheux, Michel Foucault e Jean-Jacques Courtine, procura identificar os imaginários de corpo presentes nos enunciados textuais e imagéticos materializados na revista JUNIOR, publicação mensal da editora MixBrasil, voltada para o público homossexual brasileiro. A revista, tomada enquanto dispositivo disciplinar, exerce sobre seus leitores uma pedagogia do corpo apoiada em vontades de verdade sobre o ser gay que visa, sobretudo, o enquadramento dos sujeitos numa norma corporal que tem o músculo como signo de virilidade e beleza. A cultura do corpo é apresentada como via de acesso a formas de subjetividades que garantiriam visibilidade aos sujeitos gays. O processo de subjetivação é pensado, portanto, a partir das técnicas de transformação corporal, as quais, respaldadas em discursos oriundos de diferentes formações discursivas, atualizam o princípio do cuidado de si e incitam os sujeitos-leitores ao consumo de produtos para embelezar o corpo, dietas e exercícios para otimizar o ganho de massa muscular e até tratamentos estéticos invasivos, como a cirurgia plástica. Através da noção de memória discursiva, percebemos a irrupção do corpo na mídia como um novo acontecimento que recobra práticas discursivas e não discursivas ligadas ao hedonismo e narcisismo marcantes da cultura individualista em que os sujeitos, sob a égide das liberdades individuais, tornam-se, na verdade, assujeitados aos padrões estéticos vigentes.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1291304 bytes, checksum: 9542dd794ea06b8a29e2b22eeddec2c2 (MD5) Previous issue date: 2014-02-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This research, entitled STUDY OF MYTH THROUGH LITERARY ANALYSIS OF "THE CONTEST OF HOMER AND HESIOD", aims to present a theoretical study on the myth from the analysis of a literary text whose authorship is attributed to Hesiod, The Contest of Homer and Hesiod. In order to achieve its objective, the research part of the reflection on the myth considering its polysemy, that is, the different senses that the institute may have, that is, its different facets. The theoretical foundation is basically the authors, in alphabetical order, Aristotle (1991), Barthes (2001), Burkert (2001), Campbell (2007), Detienne [19--], Eliade (2010), Hegel (2004) and Vernant (1990 and 2006). The translation of the corpus, whose original is written in Greek, used in the research is that of Torrano (2005), the only version available for Portuguese language. The work is divided as follows: the first chapter presents a brief theoretical study of the myth, considering it as a narrative, as language and in its religious content, highlighting the issue of genealogy and funeral rituals, as well as a study of the function the poet in the classical world. The second chapter presents a contextualization of the corpus, especially its characterization according to gender. The third chapter presents the analysis of the literary text under consideration, The Contest of Homer and Hesiod. / A presente pesquisa, intitulada ESTUDO DO MITO ATRAVÉS DA ANÁLISE LITERÁRIA D"O CERTAME HOMERO-HESÍODO", tem como objetivo apresentar um estudo teórico sobre o mito a partir da análise de um texto literário cuja autoria é atribuída a Hesíodo, O Certame Homero-Hesíodo. A fim de alcançar o seu objetivo, a pesquisa parte da reflexão sobre o mito considerando a sua polissemia, isto é, os diversos sentidos que o instituto pode ter, as suas diferentes facetas. A fundamentação teórica está basicamente nos autores, em ordem alfabética, Aristóteles (1991), Barthes (2001), Burkert (2001), Campbell (2007), Detienne [19--], Eliade (2010), Hegel (2004) e Vernant (1990 e 2006). A tradução do corpus, cujo original é escrito em grego clássico, utilizada na pesquisa é a de Torrano (2005), única versão para a língua portuguesa disponível a que foi possível ter acesso. O trabalho está assim dividido: o primeiro capítulo apresenta um breve estudo teórico sobre o mito, considerando-o como narrativa, como linguagem e em seu teor religioso, com destaque para a questão da genealogia e dos rituais fúnebres, além de um estudo sobre a função do poeta no mundo clássico. O segundo capítulo apresenta uma contextualização do corpus, especialmente a sua caracterização quanto ao gênero. O terceiro capítulo apresenta a análise do texto literário em apreço, O Certame Homero-Hesíodo.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 808561 bytes, checksum: fee542307e5c8ee7d620dc53b8696a12 (MD5) Previous issue date: 2014-03-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The current work intends to analyze betrayal in action at the play A mulher sem pecado, by Nelson Rodrigues. The perception that the title of genius author was compared to damned one, led us to observe which precepts led the author´s playwriting production, seeking the roots of his theater in Brazilian Modernism. Apart from the relations with such esthetic movement, we seek noticing, in his poetic, the importance of concepts connected to tragedy, to fait divers, and to melodrama, used at analysis, of chosen corpus. Talking about a handicapped husband´s obsession, Olegário, by his wife, Lídia, the play is about a constant persecution, with dynamic dialogues and tension measured by the interruption of such dialogues. Analysis allow us to say that Nelson Rodrigues endow the play of an occult complexity, weaving elements that hides, a conection of dramatic genre that leads on stage, trhough formal transgressions, the transgression of a woman which had no sins. / O presente trabalho tem como objetivo analisar a traição como ação na obra A mulher sem pecado, de Nelson Rodrigues. A percepção de que o título de autor genial recebia contrastes com o de autor maldito, levou-nos a observar quais preceitos nortearam a produção dramatúrgica do autor, buscando raízes do seu teatro no Modernismo brasileiro. Afora as relações com tal movimento estético, procuramos perceber a importância, em sua poética, de conceitos ligados à tragédia, ao fait divers e ao melodrama, utilizados na análise do corpus escolhido. Tratando da obsessão de um marido paralítico, Olegário, por sua esposa, Lídia, a peça configura uma perseguição constante, com diálogos dinâmicos e tensões pautadas nas interrupções de tais diálogos. Análises permitem-nos dizer que Nelson Rodrigues dota a peça em questão de uma complexidade oculta, tecendo elementos que escondem, no trato de uma temática tão corriqueira como o adultério, um imbricamento de gêneros dramáticos que leva ao palco, através de transgressões formais, a transgressão de uma mulher que não possuía pecados.