Le collage et le cut-up sont deux « procédés » apparus, comme pratique et comme concept, dans le courant du XXe siècle : dans la première décennie pour ce qui est du collage et, pour le cut-up, à la fin des années cinquante. Le terme de collage est issu des arts plastiques, et des pratiques qui ont succédé aux expérimentations des « papiers collés » de Georges Braque et Pablo Picasso à partir de 1912, tandis que celui de cut-up est emprunté à l'écrivain américain Brion Gysin expérimentant cette technique, avec William Burroughs, en 1959. Une cinquantaine d'années sépare les deux « procédés », qui ne recouvrent pas exactement les mêmes pratiques, comme le notait Brion Gysin : « L'écriture a cinquante ans de retard sur la peinture », en entendant par là appliquer à la lettre – et à la littérature – la pratique même des « papiers collés » des expérimentations cubistes.Cinquante ans de retard ? Rien n'est moins sûr en réalité, si l'on examine l'histoire de la pratique dans la littérature, notamment à travers les expérimentations des premiers courants d'avant-garde, puisque se mettent en place, dès 1912-1913, des procédures de transmédiation qui font progressivement glisser l'esthétique du collage des arts plastiques à la poésie.C'est sur l'histoire de ces cinquante années « de retard » que voudrait revenir cette étude, pour examiner les différentes formes que prend cette transmédiation de l'esthétique du collage dans les courants d'avant-garde, jusqu'à l'invention du cut-up. / Collage and cut-up are two techniques that have emerged – as a practice and as a concept – in the mid-twentieth century: collage appeared in the first decade, while cut-up appeared in the late fifties. The word collage comes from the visual arts and from the practices that have succeeded to the experiments that Georges Braque and Pablo Picasso did with “papiers collés” from 1912, while the term cut-up is borrowed from American writer Brion Gysin who experimented this technique together with William Burroughs in 1959. Some fifty years separate the two techniques which do not cover quite the same practices as Brion Gysin noted: “Writing is fifty years behind painting”, thereby meaning to strictly apply to literature the very practice of “papiers collés” of cubist experiments.

Le parcours de l’écrivain français, François Cheng, d’origine chinoise, se situe en un lieu de rencontre privilégié, celui de la culture chinoise de sa jeunesse et de la culture occidentale issue du monde gréco-latin, qu’il fit sienne après son arrivée en France en 1947. La lecture de son œuvre poétique selon le double paradigme de la Voix orphique et de la Voie du Chan, mariage du bouddhisme indien et du taoïsme chinois, ouvre à l’analyse un vaste champ polysémique. L’objet de cette thèse est de montrer comment, dans l’anthologie poétique À l’orient de tout, cette dimension tensionnelle sous-tend l’écriture et conduit, entre convergence et divergence, change-échange, dialogue et silence, au déploiement du chant orphique dans l’espace de la métaphysique chinoise. Dans cet ordre cosmique à trois dimensions, dont le Vide est le fond indifférencié et le Dao le moteur de toutes choses, Voix et Voie entretiennent un dialogue naturel, intuition dont la notion rilkéenne de l’Ouvert a tenté de rendre compte. L’itinéraire spirituel de la Voix éveillée, trajectoire d’élévation à un pur re-voir et plongée dans la profondeur, ouvre le poème à un discret lyrisme de la vacuité, qui laisse transparaitre l’invisible à travers le visible et s’adonne au plaisir de re-nommer le monde. Répondre à ces exigences est pour le poète un défi linguistique et esthétique : par des stratégies appropriées, il doit conserver à travers la langue française le continuum du monde mais sans le soutien de l’idéographie, et se conformer au procès créateur de l’évolution et de la mutation d’une œuvre, dont la source est au cœur même du Principe immanent du Dao. / The course of the Chinese born French writer François Cheng, takes place between two cultures : the one of his youth Chinese culture and the one of the Western Greek-Latin world, which he adopted when he arrived in France in 1947. The reading of his poetic works according to both paradigms of orphic Chant and Way of Buddism Chan, junction of the Buddhism and Chinese Taoism, generate a vast polysemic field for analysis. The objective of this thesis is to demonstrate how in the poetic anthology À l’orient de tout, this two dimensions sustain his writing and lead, between convergence and divergence, change-exchange, dialogue and silence, to the expansion of the orphic Chant in the Chinese metaphysic space. In this three dimensions cosmic order, where the emptiness is the bottomless Undifferentiated of Universe and the Dao, the active Principle of everything, Voice and Way converse through a natural dialogue, an intuition which Rilke’s notion of the Open tried to highlight. The spiritual path of the Awakened Voice rises into a pure vision and plunges into depth, which opens the poem to a discreet lyricism of vacuity, and suggests the invisible through the visible and devotes itself to rename the world. For the poet, the answer to these requirements is a linguistic and aesthetic challenge. With proper strategies, he must preserve the continuum of the world through the French language but without the support of ideography and must also abide by the creative process of endless evolution of the work, the source of which is the very heart of the immanent Principle of Dao.

Ce travail constitue une analyse de la place du pictural dans la poétique de Rimbaud. Il a pour objectif de comprendre la naissance du pictural, cette image particulière qui s’impose au lecteur dans les poèmes de Rimbaud. Le pictural désigne la plasticité de l’image poétique, qui prend la forme d’une image mentale évoquée par l’agencement des mots. Ce travail traite ainsi, non pas du rapport entre un certain poème et une certaine peinture, mais du lien entre la formation du pictural et la forme d’expression. L’auteur cherche à montrer l’importance du pictural qui est ancré dans la poétique de Rimbaud, à travers l’analyse de la formation et de l’évolution de la notion du pictural de ses premiers poèmes aux Illuminations. À cette fin, ce travail explore en premier lieu la connaissance livresque que Rimbaud avait de l’art, la naissance d’une définition personnelle de la peinture qui permettent l’apparition d’une forme primitive du pictural dans les premiers poèmes de Rimbaud. En second lieu, il analyse l’évolution du pictural propre à Rimbaud qui émerge de l’emprunt intentionnel aux formes d’expression déjà établies : les trois chapitres sont consacrés à l’ekphrasis, au pittoresque et à la métaphore dans les poèmes descriptifs des Illuminations. Mettant en relief le rôle de médium du pictural, entre le poète et le lecteur, le lecteur et le texte, et le texte et le poète, l’incorporation du moi du poète dans la poésie est analysée sous l’angle du pictural. La recherche porte finalement sur la correspondance esthétique entre le langage poétique de Rimbaud et le langage plastique de Roger de La Fresnaye autour des dessins de ce dernier pour les Illuminations. / In this analysis of how pictorial takes place in Rimbaud’s poetics, we aim at understanding the birth of pictorial, this particular image which compels the reader of Rimbaud’s poems. Pictorial refers to the plasticity of poetic imaging, when the ordering of words elicits the creation of a mental picture. This study does not deal with the relationship between a given poem and a given painting, but explores the link between the building of pictorial and the wording of expression. We attempt to show the importance of the pictorial that is anchored into Rimbaud’s poetics, through a study of how the elements of pictorial form and develop from his first poems to the Illuminations. We first explore the bookish knowledge of art that Rimbaud had acquired and the emergence of a personal definition of painting which gave birth to a primitive form of pictorial in the first poems of Rimbaud. Secondly, we examine the evolution of Rimbaud’s own pictorial after it had emerged from intentional borrowings from already established forms of expression : three consecutive chapters deal with ekphrasis, picturesque and metaphor in the descriptive poems of the Illuminations. By giving depth to the role of the pictorial’s medium, from poet to reader, reader to text, and text to poet, we analyze the incorporation of the poet’s ego in his poetry, under the pictorial viewpoint. Our research concludes with the esthetical correspondence between the poetic language of Rimbaud and the plastic language of Roger de La Fresnaye in his drawings to illustrate the Illuminations.

L’objectif de cette thèse est de penser le voyage en tant que métaphore absolue de l’existence dans les œuvres de Benjamin Fondane (1898-1944), Adonis (né en 1929) et Roberto Mussapi (né en 1952). Le thème du voyage, commun à ces trois auteurs, est ici étudié travers leur œuvre critique ou théorique, mais surtout poétique. Cette étude prend appui sur les théories du philosophe allemand Hans Blumenberg, et plus précisément sur la métaphorologie, discipline dont il a posé les bases. La thèse étudie le voyage sous ses différentes formes : la navigation maritime, l’envol, l’errance sur la terre, enfin le feu – qui correspondent aux quatre éléments et dessinent les grands axes d’une géographie mentale des auteurs. Il s’agit ainsi d’explorer les différentes potentialités du voyage, réel aussi bien que métaphorique. Le voyage par le feu, étudié dans la dernière partie, correspond à un dépassement des voyages placés sous le signe des trois autres éléments : métaphore de la mort, il pose la question du destin de l’individu dans l’au-delà. Il apparaît alors que l’élément liquide lui aussi peut intervenir pour poser la question des fins dernières : la figure du naufrage comme métaphore de la mort revêt une également une importance capitale pour nos poètes ; la métaphorologie de Blumenberg en fournit une interprétation particulièrement éclairante. Le voyage se révèle dès lors être aussi un thème propre à démontrer l’existence d’une « sagesse poétique », par opposition à l’approche conceptuelle des philosophes. Alors que le philosophe se tient sur la rive et observe de loin le naufrage, le poète est celui qui, par la poésie, fait l’expérience du naufrage et tente de la formuler. Notre thèse se présente donc aussi comme une réflexion sur l’emploi proprement poétique des mythes et des métaphores ; elle vise par là à rétablir le lien entre le logos philosophique et le mythos poétique, traditionnellement opposés. / The set objective of this thesis is to present the travel as the ultimate metaphorical interpretation of life and existence in the works of Benjamin Fondane (1898-1944), Adonis (1929) and Roberto Mussapi (1952). Through their critical and theoretical essays and particularly through their poetic works, we decipher their own perception of travel. This analysis is based on concepts defined by the German philosopher Hans Blumenberg and particularly his theory of ‘metaphorology’. Navigating the elements of land, sea, air and fire – these four quintessential pillars of man’s ‘mental map’– we ultimately discover the different possibilities of the real travel as well of the metaphorical one, a travel which ultimately gets shipwrecked. This work is as much a reflection on the travel as it is a ‘reconstruction’ of the poetic journey. While exposing its most preferred constructs, the myths enriching them and its scope in relation to universal knowledge, the travel becomes not only a metaphor of our existence but also the looking-glass through which ‘poetic wisdom’ becomes revealed. This thesis suggests connecting links between the philosophical “logos” and poetical “mythos”, two traditionally opposing sides with the resulting conclusion that life is indeed a journey and man is its helpless and bound traveler.

Si la postérité a gardé l'image d'un Boileau législateur du classicisme, le poète de son vivant se présentait davantage comme le « Régent du Parnasse », représentant littéraire d'un pouvoir exécutif qui s'est absenté. À la fois lié et délié de l'autorité royale, le pouvoir de Boileau sur les lettres, senti à l'époque comme un véritable choc scandaleux, apparaît aujourd'hui comme une fable dont on a empoisonné des générations d'élèves. Réel et fictif, ce pouvoir, contre lequel nombre de contemporains de Boileau s'élevèrent, questionne les frontières entre le monde séparé des belles-lettres et l'insertion sociale des auteurs. Notre hypothèse est que cette configuration paradoxale s'exprime dans les différents aspects de l'écriture de Boileau : une carrière institutionnelle exceptionnelle qui plaça le satirique au plus près du corps de la monarchie en tant qu'historiographe du roi ; une pratique exceptionnellement tolérée de la satire violente et nominale qui déclencha quantité de querelles ; une théorie du sublime et de la parole d'exception capable de mouvoir et de modifier notre perception des frontières du possible, du licite et de l'imaginable. Cette étude du « pouvoir littéraire » tente ainsi de combiner une approche historique des pratiques d'écriture par lesquelles Boileau affirme sa violence sociale de l'intérieur des belles-lettres ; une approche générique et linguistique des moyens d'expression de la puissance à l'intérieur des genres et du langage usuels ; et une approche herméneutique de sa théorie de l'interprétation qui fait du sublime la force par laquelle l'homme peut excéder de l'intérieur ses propres limites. / If Boileau is remembered as the legislator of classicism, alive, the poet would rather have introduced himself as the “Regent of Parnassus”, or the literary representative of an absent executive power. Boileau's influence on literature, both tied to and freed from royal authority, but also seen as outrageaously scandalous at that time, seems today to have become a fable tormenting generations of pupils. Real or fantasized, that power, against which loads of Boileau's contemporaries stood up, questions the limits between the secluded literary world and the authors' social integration. We assume that this paradoxical configuration expresses itself through various aspects of Boileau's writing: an outstanding institutional career as the King's historiographer, thanks to which the satirist had never been closer to the body of monarchy; an exceptionally lenient use of violent and nominal satire which triggered numerous quarrels; a theory of the sublime and remarkable speech which can both move and change our understanding of the frontiers between what can be done, what can be allowed, and what can be imagined. This study on “literary power” attempts to combine a historical approach to Boileau's writing through which he asserted the social violence oozing out of the literary world; to a generic and linguistic work on the means of expressions of power inside genres and common langage; and to another hermeneutic approach to his theory on interpretation which makes the sublime the strength with which man can exceed from inside his own limits.

À quelques exceptions près, dans le canon littéraire italien comme dans la réception que lui réserva la critique, la poésie de Volponi occupe une place secondaire par rapport à sa production narrative. Cela apparaît comme une contradiction, car l’auteur se considérait avant tout comme un poète. Une contradiction qui va de pair avec une biographie fort riche, qui fait de Volponi un homme et un écrivain à mi-chemin entre participation et dissidence, entre ordre et désordre. À la lumière de tout ceci, nous nous sommes interrogé sur la place que Volponi attribue à la poésie, à partir des notions mêmes d’ordre et de désordre : depuis les conquêtes scientifiques du début du XXe siècle ces derniers ne sont plus deux concepts en opposition entre eux, mais les deux faces nécessaires de toute organisation naturelle complexe, y compris humaine. Dès lors, nous avons adopté l’interaction complexe entre ordre et désordre comme clef de lecture de la poésie volponienne. Une complexité que nous avons observée au niveau tout d’abord biographique, d’où émergent les schèmes fondamentaux de la poésie de Volponi qu’on retrouve thématisés au fil de ses livres de poésie, à travers lesquels Volponi montre toujours une volonté claire de construction progressive d’un seul et unique Livre. À cette construction contribuent les outils poétiques empruntés par le poète, car ils varient en fonction de l’organisation qu’ils sont appelés à exprimer. Enfin, nous nous sommes penché sur la réflexion que mène Volponi au sujet de la poésie pour en conclure qu’à ses yeux elle n’est pas un genre littéraire, mais une force créatrice chargée de mettre en relation l’homme et la matière et les hommes entre eux. / Despite a few exceptions, Volponi’s poetry remains in the background as opposed to his narrative production, both in the Italian literary cannon and in the way it was received by critics. This seems to be a contradictory statement because the author considered himself as a poet primarily. This contradiction is inextricably linked to a very rich biography based on a plethora of life experiences and which makes Volponi a man and a writer at a crossroads between participation and dissidence, between order and disorder. I raise thus the question of the status assigned to poetry by Volponi. It was first necessary to redefine the notions of order and disorder to answer it: the scientific achievements of the beginning of the 20th century demonstrated that these two concepts are not antithetic anymore but that they are two necessary sides of any complex natural organization, including the human organization. I chose this complex interaction between order and disorder as a key to reading Volponi’s poetic work. First this complexity is to be found in Volponi’s biography, that shapes the fundamental frameworks of his poetry, frameworks which are then used as topics in each of his poetry books. In these works, the poet always clearly shows his will to elaborate progressively towards the one and only Book. Indeed, the poetic tools resorted to by the poet contribute to this elaboration because they vary according to the organization which they are meant to express. Finally, I tackled the problem of Volponi’s own reflection about poetry which leads him to conclude that poetry is not a literary genre, but a creative strength meant to connect man and matter but also man and man.

Cette thèse porte sur l’oeuvre complète du poète argentin Juan Gelman (1930-2014). Bien qu’il soit un auteur de renommée internationale, les recueils qu’il a publiés pendant les dernières années de sa vie restent amplement méconnus. Ainsi, à trois ans de sa mort, nous proposons une étude qui analyse sa production la plus récente en la mettant en perspective avec la poésie qu’il a écrite auparavant. La richesse et l’originalité de son écriture ainsi que la complexité du contexte historique dans lequel elle s’inscrit, nous ont amenée à adopter une perspective critique post-théorique, à savoir une approche caractérisée par une certaine performativité interdisciplinaire. De cette manière, nous avons pu établir une dialectique féconde entre analyse littéraire etquestionnement épistémologique et dresser, par la suite, une carte rhizomatique de l’oeuvre du poète. À cette fin, nous nous sommes focalisée sur ce que nous considérons comme étant les aspects fondamentaux de la poésie de l’Argentin : l’engagement politique, la fictionnalisation de la voix poétique, le témoignage littéraire, le travail de deuil et l’expérience de l’exil. Chaque aspect faisant l’objet d’une problématisation transdisciplinaire, notre thèse vise à contribuer à l’actualisation du discours critique sur la poésie de notre auteur et à restituer à son oeuvre la complexité qui lui est propre. / In this thesis, we analyse the complete work of the Argentinian poet Juan Gelman (1930-2014). Even though his poetry has earned great renown, the collections he published later in his life remain largely unknown. Accordingly, we wrote a study that focuses on his later works while bringing a new perspective on his previous books. The richness and originality of his riting as well as the complexity of the historical context in which he lived, led us to adopt a post-theoretical approach to his poetry. The dialectic relationship we established between literary analysis and epistemological questioning allowed us to draw a rhizomatic map of Gelman's work. In particular, we focused on what we consider to be the fundamental aspects of his poetry: the political commitment, the fictionalisation of the poetic voice, the notion of literary testimony, the work of mourning and the experience of exile. In this way, our thesis aims to complete and update the critical discourse on Gelman’s poetry and to reflect the complexity of his writing.

Volonté de présenter la poésie de 19 Varieties of Gazelle de Naomi Shihab Nye, In the Country of My Dreams de Elmaz Abinader, The Capital of Solitude de Gregory Orfalea et Before Our Eyes de Lawrence Joseph pour mettre en lumière les approches idéologiques, cette thèse s’appuie sur plusieurs axes pour synthétiser la vision de ces poètes américains, enfants d’immigrants arabes. Les recueils préfigurent eux-mêmes ces axes. Aussi proposons-nous d’aborder l’impact du père chez ceux qui écrivent, l’impact de l’identité arabe sur la relation à l’autre, qu’il soit américain ou arabe, et sur leur idéologie politique et religieuse / Willing to introduce the poetry of 19 Varieties of Gazelle by Naomi Shihab Nye, In the Country of My Dreams by Elmaz Abinader, The Capital of Solitude by Gregory Orfalea et Before Our Eyes by Lawrence Joseph to shed light on the ideological approaches, this thesis emphasizes several directions to synthesize the vision of those American poets, children of Arab immigrants. The very anthologies prefigure those directions. Thus, we suggest to tackle the impact of the father on those who write, the impact of the Arab identity on the relation to the other, whether American or Arab, and on their political and religious ideology

L’époque romantique marque un tournant décisif dans les relations entre création littéraire et connaissance scientifique. Le discours scientifique se dote progressivement d’un langage et d’une méthode spécifiques, rompant avec la philosophie naturelle, qui conjuguait jusqu’alors considérations physiques et métaphysiques, observation et célébration de la nature. À l’heure où William Wordsworth lance l’aphorisme « we murder to dissect », déclaration d’indépendance de la parole poétique vis-à-vis du discours scientifique, Percy Bysshe Shelley (1792-1822) étudie avec assiduité les sciences à Eton puis à Oxford, avant d’entreprendre une formation médicale au Saint Bartholomew’s Hospital de Londres. Cette thèse met en évidence la transfiguration poétique des concepts et théories scientifiques dont Shelley avait pris connaissance à travers ses lectures et sa formation, ainsi que le saut imaginatif qui subvertit ces représentations en les intégrant aux réseaux des métaphores que le texte tisse selon ses propres lois. En une métamorphose féconde, Shelley déploie les soubassements mythiques et imaginaires, ainsi que les prolongements éthiques et métaphysiques des écrits scientifiques sur lesquels il se pencha. Cette étude se situe à la rencontre de deux ambitions heuristiques, de deux exigences formelles. Science et poésie sont à la recherche des harmonies cachées qui sous-tendent le monde des apparences. Soumettre l’absolu à la mesure, soumettre la beauté à la métrique poétique, soumettre la complexité infinie du monde naturel au calcul mathématique : telles sont les entreprises parallèles de la poésie de Shelley et de la science de son temps. / The Romantic era was a time of tremendous change in the relationship between literary creation and scientific knowledge. Scientists framed a specific language and distinctive methods as they moved away from natural philosophy, which had thus far combined physics with metaphysics and united the observation of nature with its celebration. While William Wordsworth stated that « we murder to dissect », thus declaring the secession of poetic writing from scientific discourse, Percy Bysshe Shelley (1792-1822) was steadily studying science at Eton and then at Oxford, before embarking on a medical training at Saint Bartholomew’s Hospital in London. This thesis explores the poetic transfiguration of the scientific theories and concepts that Shelley came across in his readings and during his studies. It focuses on the way science is subverted by the poet’s imagination, as scientific representations undergo a fruitful metamorphosis, and become pa! rt of the webs of metaphors woven by the text according to its own laws. Shelley recreates the mythical and imaginary foundations as well as the ethical and metaphysical implications which lie dormant in the scientific writings he looks into. This study examines the encounter of two heuristic endeavours, of two highly formalised ways of writing. Science and poetry are in search of the hidden harmonies which underlie appearances. Measuring the measureless, encompassing absolute beauty within poetic metrics, subsuming the infinite richness of the natural world within the rules of mathematical calculation, such are the parallel endeavours of Shelley’s poetry and the science of his age.

Gertrude Stein (Allegheny, Pennsylvanie, 1874 – Paris, 1946), figure centrale du modernisme américain, est souvent saluée pour avoir porté très loin une expérience linguistique et grammaticale, au sein d’une œuvre très vaste explorant tous les genres – romans, nouvelles, poèmes longs et courts, essais et conférences, pièces de théâtre, livrets d’opéra, biographies et autobiographies. L’objet de ce travail est d’analyser le rapport que la langue de Gertrude Stein entretient avec le réalisme : comme tradition littéraire d’abord, en réinvestissant l’héritage naturaliste et en l’américanisant par le remplacement de Claude Bernard par William James comme figure tutélaire de la méthode expérimentale ; comme déplacement du réel dans la langue elle-même qui échoue toujours à se réifier tout à fait ; comme injonction à la véracité enfin, dans des fictions plus tardives qui mettent en scène leur propre mauvaise foi et font de l’Amérique le territoire idéal et idéel de l’iréel. Parallèlement, nous tentons de mettre au jour la dynamique des genres qui se joue dans cette conversation renouvelée avec le réalisme, où chaque déplacement au sein d’une poétique mouvante devient une nouvelle façon de mettre la langue à l’épreuve du monde et de sa capacité à le viser. À partir de deux œuvres du début de sa carrière (les trois nouvelles de Three Lives et le long roman The Making of Americans), de sa poésie dite descriptive (les « portraits »), des Stanzas in Meditation et de deux œuvres en prose plus tardives (Four in America et Ida a Novel) nous essayons de comprendre la façon dont Stein envisageait les partitions génériques, notamment entre prose et poésie, et le rôle qu’elle leur donnait dans son parcours artistique et esthétique. / Gertrude Stein (Allegheny, Pennsylvania, 1874 – Paris, 1946) is a central figure of American modernism. She is celebrated for the radical experiments with language and grammar she conducted throughout a literary career in which she tried her hand at all genres: novels, novellas, long and short poems, essays, conferences, plays, opera librettos, biographies and autobiographies. The present dissertation analyzes the connections of Stein’s language to realism. The notion will be understood, first, as a literary tradition, which Stein reinterprets by americanizing it (through the replacement of Claude Bernard by William James as her mentor in the experimental method); second, as a displacement of the “real” within language itself, despite its consistent failure to become just a thing among others; third, as a call to veracity, in later works of fiction which stage their own disingenuousness and make America the ideal territory of the unreal. It will be argued that this constantly evolving conversation between Stein’s work and realism also implies a renewal of generic issues: each shift within an unstable generic system is a new way to test the ability of language to account for the world. Focusing on two early works (the three novellas of Three Lives and the long novel The Making of Americans), pieces of “descriptive” poetry (the “portraits”), the Stanzas in Meditation and two later prose works (Four in America) and (Ida a Novel), this dissertation will try to show how Stein understood generic boundaries, including that between poetry and prose, and what part they played in her aesthetic development.