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11	Die Fremde im Werk von Marina Abramovic, Lothar Baumgarten und Nikolaus Lang - Annäherungen und Transformationen Kuhlmann, Rosl 10 September 2012 (has links) Das üppige Spektrum der künstlerischen Methoden von Marina Abramović, Nikolaus Lang und Lothar Baumgarten in ihren Herangehensweisen an die Fremde reicht von spiritueller Kommunikation über Materialexperimente zu skeptischen Worten an der Wand. In drei Kapiteln über die Künstler werden die verschiedenen inhaltlichen Ebenen der Werke und ihre Bezüge zur eigenen und zu fremden Kulturen untersucht. In den Schlussbetrachtungen werden die Strategien der künstlerischen Annäherungen an die Fremde miteinander verglichen. – Nikolaus Lang arbeitete in Japan abseits urbaner Zentren. Er bedachte Objekte von den Rändern der Zivilisation mit „Ritualen der Achtsamkeit“ und fügte sie ein in seine „Japanischen Landschaften“. In Australien spürte er zuerst einer historischen Ockerkarawane der Aborigines nach und bearbeitete dann das Gebiet der Flinders Ranges in Südaustralien in mehreren Dimensionen. Seine Arbeiten enthalten die Schichtungen von Zeit und Raum und mit seinem Werkkomplex „Nunga und Goonya“ fand er eine ganz eigene Art und Weise, „das Land zu erzählen“. – Für Marina Abramović wurde die australische Wüste zu einem „Ort der Transformation“, ihre Erfahrungen dort und ihre Einblicke in den tibetischen Buddhismus nahm die Künstlerin in den Performancezyklus „Nightsea Crossing“ auf. Während ihres „Great Wall Walk“, ihrer Begehung der Chinesischen Mauer, erfuhr sie in besonderer Weise die „Energien der Erde“ und versuchte, diese mittels der „Transitory Objects“ ihrem Publikum erfahrbar zu machen. Ihren Körper mit seinen Energielinien wiederum stellte sie großen Würgeschlangen als „Erde“ in ihrer Performancereihe „Dragon Heads“ zur Verfügung. Tibetische Lamas und Aborigines lud sie für mehrere Werke zur Zusammenarbeit ein, sie fungierten dort als Träger spiritueller Kräfte. – Ein Schlüsselerlebnis in Leben und Werk von Lothar Baumgarten war sein 18-monatiger Aufenthalt bei den Yanomami am oberen Orinoco. Handelten seine davor entstandenen Arbeiten von westlichen Vorstellungen von der Fremde, so thematisierte er nun erlebte Nähe und unüberbrückbare Distanz, zuerst in seiner Anthologie „Die Namen der Bäume.“. Mehrere Arbeiten handelten von schriftlosen Kulturen und mit „Accès aux Quais“ eröffnete er in der Pariser Metro Gleise zu verdrängten Kontinenten. Gegenstand von „Carbon“ waren historische Schichtungen und Prozesse der Landnahme in Nordamerika. – In den Schlussbetrachtungen wird die Auseinandersetzung der drei Künstler mit der Fremde in systematischer Weise zusammengefasst und verglichen. Ergebnis dieser Untersuchung ist die Formulierung gemeinsamer Themen und Handlungsweisen, trotz aller Unterschiede der künstlerischen Ausdrucksformen: Von Vertrautem ausgehen - Vorstellungen von der Fremde / Erkundung und Orientierung / Sammeln und Ordnen / Mythen und Rituale / Die fremden Menschen - Begegnung und Zusammenarbeit. Kunst nach 1945 Kunstpädagogik Marina Abramovic Lothar Baumgarten Nikolaus Lang Fremde Yanomami Aborigines Chinesische Mauer Bildhauerei Fotografie Performance Exotismus 20.07 - Kunstkritik, Kunstinterpretation 20.31 - Bildende Künstler ddc:700 ddc:730 ddc:770
12	Le "pour de vrai" et le "vrai" en art performance : fiction vs trace / The "Like true" and the"True" in performance art : Fiction Vs Trace Lagouarde, Clément 04 July 2018 (has links) L’art performance est un art contemporain difficile à définir. Néanmoins il peut se décrire par l’action d’un artiste de performance qui, à la différence du théâtre traditionnel, se présente lui-même devant un public, s’infligeant parfois de véritable blessure. Cet art questionne le « pour de vrai » et le « vrai ». En le comparant au théâtre il semble moins fictif car les blessures est le sang sont « vrais », et sa trace (captations vidéos, captations sonores, photographies, objets, croquis, écrits, etc.) le prouve. La fiction et la trace paraissent opposées, là où la première est une invention (le « pour de vrai ») l’autre est un élément pérenne d’une action vécue (le « vrai »), l’art performance permettrait alors de penser ces deux notions non plus comme opposés mais comme corrélatives. L’art performance présente sa trace comme un élément pérenne d’une action plus ou moins inventée : le « vrai » dont la frontière avec le « pour de vrai » peut être questionné. Cette thèse argumente ces hypothèses à travers une première partie comparative entre l’art performance et l’art théâtral, avec comme problématique la fiction qui semble opposée au « vrai ». Et une seconde partie corrélative sur le possible « pour de vrai » de la trace, qui permet l’étude de trois traces épistémologiques : la mémoire, l’écriture et l’indice à travers des exemples respectifs d’artistes de performance. / Performance art is a contemporary art is hard to define but which can be described as an action made an audience by a performance artist who, in contrast to the traditional theater, is the artist himself is inflicting sometimes real physical injuries. This art questions the 'like true' and the 'true' and seems less fictitious than traditional theater because blood’s physical injuries is 'true' and that he uses his trace as evidence (video recordings, sound recordings, photographs, objects, sketches, written, etc.). If the fiction and the trace seem opposed, because the first is an invention (the "like true") the other is a sustainable living action (the ' true') element, performance art then would think these two concepts not as opposites but as Horn related. As performance art, object of study here, presents his trail as a perennial element of a more or less invented action: as the 'true' including the border with the "like true" can be questioned. This thesis argues its assumptions through a comparative part between performance art and theatrical art, with as problematic fiction that seems opposite to 'true'. And a second consequential part on the possible "like true" of the trace, which allows the study of three epistemological traces : memory, writing, and trifle through respective examples of performance artists. Art performance Performance Performeur Fiction Pour de vrai Trace Vrai Théâtre Art scénique Mimèsis Jean-Marie Schaeffer Imitation Représentation Connaissance Public Richard Schechner Alexandre Serres Paul Ricœur Mémoire Marina Abramovic Jacques Derrida Ecriture HP Process Carlo Ginzburg Indice Mike Kelley Performance Art Performance Performer Fiction Like true Trace True Theater Scenic art Mimesis Jean-Marie Schaeffer Imitation Representation Knowledge Public Richard Schechner Alexandre Serres Paul Ricœur Memory Marina Abramovic Jacques Derrida Writing HP Process Carlo Ginzburg Trifle Mike Kelley
13	Tränen in der modernen Kunst Spiekermann, Geraldine 15 June 2012 (has links) Tränen überschreiten die Grenzen des Körpers von innen nach außen und werden damit zu einem sichtbaren Anzeichen eines seelischen Extremzustands. In der Arbeit wird untersucht, ob die Träne, die Körpergrenzen gefährdet oder sogar auflöst, in der modernen und gegenwärtigen Kunst Metapher und Trägerin innerästhetischer Transgression werden kann. Dies bedeutet zugleich, dass eine Umwertung der Träne, von der Perle der Reinheit zu einem bedrohlichen Fluidum, stattgefunden hat. Die Träne als eine bedrohliche Grenzüberschreiterin ist ein Motiv, das in früheren Kunstepochen so nicht anzutreffen ist. Damit verweist sie zugleich exemplarisch auf die Auflösungsstrategien, welche die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts bestimmen. Fotoarbeiten von Man Ray, Madame Yevonde und Sam Taylor-Wood, Zeichnungen von Pablo Picasso und Hans Bellmer, Performances von Marina Abramović und Gina Pane, Video-arbeiten von Bill Viola und Bas Jan Ader, Installationen von Daniele Buetti und eine Buchserie von Dieter Roth, denen allen das Motiv der Träne gemeinsam ist, werden in einem Close Rea-ding auf Auflösungstendenzen hin untersucht. Besonderes Augenmerk gilt medienspezifischen Strukturen und Analogien. / Tears overstep the bounds of the human body from within – to become evidence of a crit-ical state of mind. The present study examines whether the tear, which endangers or even dispels the boundaries of the body, could be seen as a metaphor and even as an indication of aesthetic transgression in modern and contemporary art. This would mean that the tear as motif has also undergone a paradigm change, from the pearl of purity to a threatening fluid. The aspect of the tear as a transgressor of boundaries is not to be found in earlier periods of art. Accordingly, it also references the process of disintegration, which strongly determines 20th and 21st century art. Photographs by Man Ray, Madame Yevonde and Sam Taylor-Wood, drawings by Pablo Picasso and Hans Bellmer, performances of Marina Abramovic and Gina Pane, video works by Bill Viola and Bas Jan Ader, installations by Daniele Buetti and a series of books by Dieter Roth – which all deal with the tear complex – will be examined in close reading. Their connection with disintegrative tendencies will be scrutinised, and special attention given to media-specific structures and analogies. Körper Tränen Weinen Gefühl Affekt Ausdruck Grenzüberschreitung Körperflüssigkeiten Moderne Kunst Zeitgenössische Kunst Man Ray Madame Yevonde Sam Taylor-Wood Pablo Picasso Hans Bellmer Marina Abramovic Gina Pane Bill Viola Bas Jan Ader Daniele Buetti Dieter Roth Colyn de Coter Dirk Bouts Secondo Pia Georges Bataille Body Tears Crying Emotion Affect Expression Transgression Bodily Fluids Modern Art Contemporary Art Man Ray Madame Yevonde Sam Taylor-Wood Pablo Picasso Hans Bellmer Marina Abramovic Gina Pane Bill Viola Bas Jan Ader Daniele Buetti Dieter Roth Colyn de Coter Dirk Bouts Secondo Pia Georges Bataille 700 Künste, Bildende Kunst allgemein 46 Bildende Kunst LH 84123 ddc:700
14	Revealing The Nature Of Human Characteristics Through Interaction Design Luu, Trieu Vy January 2017 (has links) Everyday we come up with new solutions for our existing problems. But the solutions of today are tomorrow’s problem. The products we create as designers are often bringing more complexity in our society than it is initially intended for. This thesis aims to give a new perspective on the design practice community. Instead of starting with a problem-solving scope, this thesis intent is to find what is truly meaningful for human life, meaning finding, and to propose how we can envision new ways of meaning making within interaction design. The two processes together of meaning finding and meaning making is how we can aim for concrete results that are relevant for our society. To better understand what truly matters for human life, I collected 14 stories through ethnographic research. These ethnographic stories reveal the nature of human characteristics when people face and overcome big challenges in life. Some of these ethnographic stories highlights the life of a WWII survivor, war refugee, leukaemia child-patient and a widow. Parallel, to the ethnographic work, I explored how I can evoke a deeper connection between people, by making them listen to each-other’s heartbeat. Inevitably, by exploring the fundamental elements of human life and observing the emotions and behaviour of my interviewees and participants, the thesis find itself often on the playground between philosophy and human life. But by taking a strong interaction design perspective, these insights were manifested in the human design manifesto booklet. This booklet proposes six expressions for designers, with the intention to embrace the fundamental elements of human life when we design: 1. Design attitudes, not solutions. 2. Design the medicine of the mind. 3. Design for relationships. 4. Design for our direct senses. 5. Design for the deep human connection. 6. Design the act of kindness Later on, for the meaning making part: one statement from the Human Design Manifesto was selected to explore in depth: Design the act of kindness. For this expression project Hidden Figures was created. Hidden Figures is a design proposal which demonstrates that a design creation can be driven by the fundamental elements of human life. In this case proposing the act of kindness as a vision on how our society could be. In overall, this master’s thesis demonstrates how our design proposals can embody and resonate well between the three levels of design philosophy, a designer’s vision and interaction design practice: How we, as designers, can use meaning-making and meaning-finding to create more relevant impact for our society. Last, I hope this work encourages other designers to think deeply about their own creations and its impact. And help designers reflect on why they create and how they could also alternatively practice design. interaction design human connection meaning making meaning finding human heartbeat fundamental elements performance art hidden figures ethnography anthropology design fiction speculative design marina abramovic trieuvy luu manifesto human design design future kindness creating kindness deep connection reflection Design Design Humanities and the Arts Humaniora och konst Interaction Technologies Interaktionsteknik

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