L'étude de la représentation des bateaux en Europe du Nord-Ouest ne se limite pas à la seule question iconographique et pose pour l'objectif la compréhension de l'humain dans son acte représentatif. Aussi la problématique s'intéresse-t-elle à la modalité perceptive et sa mise en culture. Comprendre la représentation des bateaux durant le Moyen Age nord-européen s'attache ainsi à définir la verbalisation de l'objet technologique qu'est le navire, les modes de productions visuelles et les schémas mentaux qui lestent chacune des images tant mentales que visuelles d'un sens culturel. Il s'agit de donner une définition anthropologique de l'image du bateau restituée à son contexte de développement et d'ainsi rétablir l'intentionnalité créatrice de chacun des auteurs. Image d'un processus créatif en cours, le bateau mythologique pose donc les questions d'un comportement humain fondamental, aussi est-il important de baser cette analyse sur un questionnement épistémologique. Il s'agit de véritablement d'appréhender le mouvement créatif humain. Cette thèse est un bateau.

Biblical mythology as a possible programme for a musical work never attracted Tchaikovsky's interest. Epistolary heritage also does not give the reason to suppose that the Bible was the composer's favourite book. Nevertheless, these superficially obvious facts do not settle the question about Tchaikovsky and the Bible.

Le héros grec Amphilochos, descendant mythique de la célèbre famille des hérosprophètes Mélampodides, était, comme son père Amphiaraos, un devin reconnu et un soldat aux aptitudes militaires formidables. Après avoir participé à la seconde expédition contre Thèbes et à la guerre de Troie, celui-ci aurait pérégriné dans bon nombre de contrées en fondant plusieurs cités situées entre l’Espagne et la Syrie. Quelque temps après sa mort brutale en combat singulier contre un autre devin nommé Mopsos, Amphilochos fut élevé au rang de divinité oraculaire à Mallos de Cilicie, une cité dont il avait été lui-même le fondateur. À l’époque romaine, Amphilochos avait acquit, en plus d’un statut ontologique supérieur, une très grande réputation dans cette région où il rendait des oracles à des pèlerins qui venaient eux-mêmes le visiter dans son antre. Cette recherche, qui vise d’une part à étudier de façon exhaustive la légende d’Amphilochos, tente surtout de déterminer, malgré un nombre restreint d’indices, les modalités de la révélation oraculaire dans le sanctuaire de Mallos de Cilicie. / The Greek hero Amphilochos, the mythical descendant of the famous family of the Melampodides hero-prophets, was, like his father Amphiaraos, a recognized soothsayer and a soldier with formidable military skills. After taking part in the second expedition against Thebes and the Trojan War, he is said to have wandered in many a land and founded several cities lying between Spain and Syria. Soon after his sudden death in a single combat with another seer named Mopsos, he was elevated to the rank of oracular divinity in Mallos of Cilicia, a city which he himself founded. During the Roman period, Amphilochos, indued with increased ontological status, got into high repute in this region where he gave oracles to the pilgrims who came and visited him by themselves in his abode. This research, which aims first to explore exhaustively the legend of Amphilochos, attempts above all to determine the terms of the oracular revelation in the sanctuary of Mallos of Cilicia, in spite of little compelling evidence.

L'Art Brut est un concept inventé par le peintre français Jean Dubuffet en 1945 pour désigner des œuvres faites par des artistes non professionnels, autodidactes et isolés en contextes rural, psychiatrique voire carcéral. De 1947 à 1976, avec l'aide de la Compagnie de l'Art Brut, il collecta, présenta et documenta ces œuvres dans le but de remettre en question le goût et les valeurs de son époque. Faites le plus souvent à partir de médias non achetés dans des commerces d'art, leur matérialité questionne les catégories artistiques, les pratiques conventionnelles de l'art, ainsi que l'accrochage muséal.Cette thèse s'attache à montrer en quoi le processus créateur, les matériaux, et les dimensions des œuvres collectées par Dubuffet et ses compagnons ont servi à construire un « mythe », au sens barthien du terme, dans le contexte de l'après Seconde Guerre mondiale. Nous montrons que les matériaux « pauvres », les formats extrêmes – très petits, très grands, informes – ont supporté l'idée fantasmatique d'un art « brut », « hors-norme », « anti-culturel » et « autre ». Notre travail réinscrit, d'autre part, le projet de l'Art Brut dans l'histoire des avant-gardes dans le but d'en montrer la spécificité et la portée politique. Nous mettons enfin en avant en quoi les formats des œuvres collectées ont amené à une réforme de l'espace muséal. La Collection de l'Art Brut, ouverte en 1976 et conçue spécifiquement en fonction de la matérialité des œuvres, se présente comme un modèle muséal à part. / Jean Dubuffet coined the term Art Brut in 1945 to designate artworks made by untrained and non-professional artists. Between 1945 and 1976, with the help of the Compagnie de l'Art Brut, he constituted and exhibited an important collection made of thousands of artworks – the Collection of Art Brut, which was donated to Switzerland in 1976. Art Brut artworks were collected in psychiatric hospitals, rural contexts, or jails. Some are made with second-hand materials, most of them differ from the academic canons, and their uncommon aspect – very large, very small, and formless – questions the artistic norms. This research demonstrates that the materiality of these artworks has been the support of an avant-gardist project and a myth in the context of the post Second World War. They serve Dubuffet's subversive discourse and his fantasy to transform the art and the society of his time through artworks made outside the "cultural" sphere. They also serve the myth of an art « poor », « humble », « natural » and « raw ». In addition to that, this thesis highlights how the sizes of these artworks have changed museum space and display. Unprecedentedly, the Collection de l'Art Brut was conceived according to the materiality of artworks, leaving space to welcome rolls of more than 5 m.

Le cinéma populaire indien est à la fois un lieu de création de mythes filmiques puissants et un univers qui interagit avec un autre corpus, celui des mythes et des épopées classiques, plus particulièrement le Ramayana et le Mahabharata. Si ces derniers ont souvent été l’objet d’adaptations, surtout dans les premières décennies du cinéma indien, le cinéma contemporain compose des rapports complexes et singuliers vis-à-vis des héros et de leurs hauts faits. Les mythes traditionnels surgissent au détour d’un plan, à la manière d’une résurgence morale, narrative et/ou formelle, tout comme – dans un mouvement inverse – le cinéma cherche ces mêmes mythes pour consolider son imaginaire. Ce travail sur les relations entre mythe et cinéma croise le champ de la politique et de l’Histoire. Les mouvements pour l’Indépendance, la Partition, les tensions intercommunautaires s’insinuent dans le cinéma populaire. La présence des mythes dans les films peut devenir une fixation esthétique des traumatismes historico-politiques. La difficulté de représenter certains actes de violence fait qu’ils viennent parfois se positionner de manière déguisée dans les images, modifiant irrémédiablement la présence et le sens des références mythologiques. Les mythes ne disent ainsi pas tout le temps la même chose. Ces résurgences mythologiques, qui produisent des mutations et des formes hybrides entre les champs politique, historique, mythique et filmique, invitent par ailleurs à un décloisonnement dans l’analyse de la nature et des supports des images. Ainsi, des remarques sur la peinture s’invitent dans le cours de la recherche aussi naturellement que des œuvres d’art contemporain, des photographies ou l’art populaire du bazar. Un champ visuel indien, large et métissé, remet en scène constamment des combinaisons entre l’arrière-plan et l’avant-plan, entre la planéité et la profondeur de champ, entre l’ornementation d’un décor et son abandon. Le cinéma populaire, traversé par la mémoire des mythes et des formes, devient le creuset d’un renouveau esthétique. / Indian popular cinema is both a place of filmic mythical creation and a universe interacting with previous bodies of work; the classical myths and epics, and especially the Ramayana and the Mahabharata. Although the latter have often been adapted, especially in the early decades of Indian cinema, contemporary cinema builds complex and attitudes towards heroes and their achievements. Traditional myths appear in a shot, in the manner of a moral, narrative and/or formal resurgence. In an opposite movement, this cinema seeks those same myths to strengthen its imagination. Working on the relations between myth and cinema, one has to cross the political and historical field, for Independence movements, Partition and inter-community tensions pervade popular cinema. Myths in movies can become an aesthetic fixation of historical-political traumas. The challenge of some representation of violent acts explain that they sometimes hide themselves in images, irreversibly altering the presence and meaning of mythological references. Therefore, myths don't always tell the same story. Those mythological resurgences, producing mutations and hybrid forms between the political, historical, mythical and film-making fields, also invite a de-compartmentalisation when we analyse the nature of the images and the mediums that welcome them. Our study naturally convenes notes on painting, as well as contemporary art, photography or bazaar popular art. A broad and mixed Indian visual field constantly recombines background and foreground, flatness and depth of field and ornemented and neglected sets. Popular cinema, moved by the memory of myths and forms, becomes the breeding ground of an aesthetic revival.

La principale question à laquelle cette thèse tente de répondre, c’est la façon dont est abordée et révélée la question de la maternité et, plus largement, de la parentalité dans la mythologie grecque et comment, par le biais de cette approche, nous pouvons déceler et expliquer la situation sociale des femmes et leur statut maternel dans le système de valeurs que véhicule la mythologie. En utilisant la catégorie du genre dans le traitement de cette thématique, cette thèse s’efforce de proposer de nouvelles possibilités pour interpréter et expliquer l'abolition de la maternité et plus largement de la parentalité, l'infanticide, mais aussi la survivance du système pré-patriarcal dans le système religieux androcentré du panthéon grec. On examine les mythes en prenant en compte leur contexte social, culturel et historique afin d’en tirer des conclusions sur la position de chaque sexe dans la sphère publique et privée, sur le rôle respectif des hommes et des femmes dans leur vie privée, sur les relations de pouvoir et de subordination entre les sexes, ainsi que sur le système des valeurs et des perceptions qui dominent, mais – surtout – sur la représentation qui est donnée de ce système dans les mythes grecs. En sens, cette thèse se veut une contribution à la tentative plus large qui est universellement en cours pour réintégrer les femmes dans le contexte non seulement de l'histoire, mais aussi de la mythologie. / The main question that this thesis tries to answer is how the subject of maternity and, in general, parenthood is discussed and revealed through the Greek mythology and how we can, through this approach, pinpoint and explain the social status of women and maternity in the mythological value system. By using the category of “sex” in this subject’s approach, analysis and conclusions, the purpose of this thesis is to offer new possibilities to interpret and explain, regarding the abolishment of maternity and, generally, parenthood, the act of infanticide, but also the survival of the prοpatriachal system in the male-dominated religious belief of the Greek pantheon. The myths are being examined by taking into consideration their social, cultural and historical context in order to come to conclusions about each sex’s position in the public and private sector, about the roles of men and women in their private lives, about the relationships of power and submission between them, as well as the dominant value and perception system and, above all, about the representation of this system in the Greek mythology. In this sense, this thesis aims to be a contribution to the ongoing wider global effort to reintegrate women not only in a historical context but also in mythology

L’œuvre poétique de Sophia de Mello Breyner Andresen, impliquée dans les transformations de la vie politique et sociale du Portugal est indissociable de la qualité de ses choix éthiques, alors même qu'elle atteint à des sommets de poésie pure apparemment inaccessibles à l’analyse. Notre effort porte sur la liaison des aspects qui font la « mythicité » de l’œuvre et nous avons choisi, pour sens de mythique : parole qui se répète, et se différencie dans l’acte de répétition. Notre domaine a donc été une poétique de l’énonciation, soulignant la singularité de chaque poème, inséré dans la continuité du discours. Ainsi, nous pouvions confronter des poèmes exemplifiant des concepts opposés en apparence. L’expérience d’un sacré immanent aux paysages, l’utilisation littéraire et pragmatique de la mythologie ne s’opposent pas à une réflexion critique sur les mythes de notre temps. La plénitude d’un langage qui dit « le nom des choses » coexiste avec la grande diversité des formes poétiques explorées par la poétesse. Le schème répétition/différence est aussi celui du dialogisme qui fait participer la poétesse à la mythicité de ses prédécesseurs. L’expérience du sentiment océanique, immersion initiatique de l’individu dans une totalité, est pour nous le mythe – au sens de narration sacrée d’une origine – de la vocation de notre auteur. Mais la poétesse présente aussi dans sa diversité son assomption à l’ « entièreté de l’être » à partir d’une dualité douloureuse, le fait de vivre un Temps divisé. La « substance du temps », vécue lors de la Révolution d’avril est l’acmé de son œuvre, un discours qui devient mythique dans la mesure où il « fait advenir le peuple ». / The poetic work of Sophia de Mello Breyner Andresen, implied in the transformations of the political life and social of Portugal is bounded to the value of her ethical choices, while at the same time it reaches at tops of pure poetry thus apparently inaccessible to the analysis. Our effort thus relates to the connection of these aspects which make the “mythicity” of work and we chose, for direction of mythical: word which is repeated, and is made different in the act of repetition. Therefore, our field was poetic uttering act underlining the singularity of each poem, inserted in the continuity of the discourse. Thus, we could replace in the whole of the work the poems exemplifying of the concepts opposed seemingly. The experiment of the divine immanent with the landscapes, the literary and pragmatic use of mythology is notopposed to a critical reflection on the myths of our time. The plenitude of a language which says“the name of the things” coexists with the great diversity of the poetic forms explored by the poetess. The pattern repetition/difference is also that of the dialogism which makes the poetesses part in the mythicity of its predecessors. The experiment of the oceanic feeling,initiatory immersion of the individual in a Whole, is for us the myth – within the meaning of sacred narration of an origin – vocation of our author. The poetess also presents, in its diversity her assumption to “entirety of being” starting from a painful duality, the fact of dwelling a divided Time. The “substance of time”, lived at the time of the Revolution of April is the acme of its work, a discourse which becomes mythical insofar as it “makes occur the people”.

Cette étude montre en quoi la prose mythologique de madame Flore est singulière en étudiant l'antérotisme de La Pugnition de l'Amour contempné (1540). Elle constitue la première recherche qui porte spécifiquement sur cet état de l'oeuvre plutôt que sur les Comptes amoureux (s. d.) et postule que, des deux états de l'oeuvre de madame Flore, les Comptes amoureux représentent le second état à l'encontre de ce qu'une certaine critique affirme. Ce mémoire apporte un argument de poids en faveur de la préseance de la publication de La Pugnition de l'Amour contempné (1540) sur les Comptes amoureux [1542] en raison de la cohérence de l'idéologie amoureuse antérotique qui traverse La Pugnition et qui fait justement défaut aux contes plus disparates des Comptes amoureux, ouvrage davantage préoccupé par la dénonciation de l'« impareil » mariage entre vieux barbons et jeunes tendrons. Ce mémoire, qui cherche aussi à mettre au jour les lignes directrices de la pensée mythologique de celle qui dit les désirs des femmes émanant d'une société chrétienne qui voudrait les voir chastes et pudiques, se subdivise en quatre chapitres. Le premier étudie le langage mythologique qui voit le jour à la Renaissance, sous le règne de François 1er. Le deuxième retrace les origines gréco-romaines du concept d'Anteros ainsi que des traditions qui en découlent. Le troisième analyse trois traditions antérotiques à la Renaissance avec leurs antécédents médiévaux. Ces trois traditions sont: l'antérotisme vengeur des amours méprisées, l'antérotisme contre l'amour humain et l'antérotisme de l'amour réciproque (ou Contramour). Le quatrième chapitre, quant à lui, étudie l'antérotisme des quatre contes et des parties lacunaires de La Pugnition pour montrer que, d'un côté, ce premier état de l'oeuvre présente la tradition antérotique en faisant du dieu Amour un dieu vengeur des amours méprisées, associant ainsi sa divinité à Anteros, et que de l'autre, il présente la tradition contre l'amour humain non pas sous la forme du dieu Amour, mais sous la forme d'un personnage, Cebille, qui se refuse obstinément à l'amour. L'étude que nous présentons ici redonnera, c'est notre souhait, envie à la critique contemporaine de réétudier pour elle-même et dans une autre perspective l'édition souvent méprisée (parce que considérée incomplète) de La Pugnition et, par extension, motivera quelques férus de littérature renaissante à s'intéresser à ce courant quelque peu trop méconnu par la critique contemporaine qu'est l'antérotisme alors qu'Anteros vivait sous diverses formes sous la plume des poètes et prosateurs de la Renaissance. À la lumière de cette étude, il sera, pour d'autres aimants du sujet floréen, à nouveau opportun de chercher à savoir qui, de tous les renaissants érudits et amateurs d'Anteros, pourrait se cacher derrière le pseudonyme probable de madame Flore. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Madame Jane ou Jeanne Flore, La Pugnition de l'Amour contempné, Comptes amoureux, Langage, Mythologie, Antérotisme, Anteros, Eros, Contramour, Amour, Marguerite de Navarre, Renaissance, XVIe siècle.

La première partie de ce mémoire consiste en une réécriture en prose, sous forme de roman, de la pièce Antigone de Sophocle. Antigone habite, sous le nom de Marie-Ange Gobeil, une résidence pour personnes âgées, en compagnie d'une aide-ménagère, Geneviève. Le récit commence avec le retour de Hémon, qui emménage dans un immeuble près de chez elle. Réapparaissent ensuite les personnages qui entouraient Antigone dans la tragédie. Ces retours n'ont cependant pas d'importance pour Antigone puisque la réapparition des siens ne change rien à la mort de son frère. Le retour d'Ismène, toutefois, a cela de particulier qu'il ramène non le passé mais le présent; ainsi la sœur d'Antigone lui apparaît toujours jeune, croyant que la prise de Thèbes et la mort de leur frère se sont produits le jour précédent. Le roi Créon réapparaît pour justifier sa rancœur et déployer contre Antigone sa hargne. Prise entre une souffrance renouvelée et la mort passée de son frère, Antigone ne choisit ni l'une ni l'autre. La seconde partie prend la forme d'un essai tenant compte de l'apport du travail créateur dans une réflexion sur l'écriture. Ainsi, en premier lieu, j'aimerais proposer une réflexion méthodologique sur ce que peut représenter un essai réflexif en lien avec une pratique de création, de façon à ce que l'essai puisse éclairer la nature même de sa démarche réflexive. En second lieu, j'aimerais envisager une interrogation plus grande qui remet en question l'indépendance, en création littéraire, de la poièsis et de la mimésis, c'est-à-dire des activités de fabrication et d'imitation. En rapport avec ces deux théories, je développerai ce que mon propre travail m'a appris sur l'imitation en fonction de la réécriture. Ce travail me permet d'avancer trois thèses : a) l'écriture est essentiellement une suite de choix, b) en écriture, l'imitation porte sur un modèle absent et intérieur et c) l'écrivain est toujours seul avec l'écriture. Ces trois thèses seront au centre d'un travail réflexif qui interrogera la théorie littéraire sur les notions d'imitation, de réécriture et de solitude. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Antigone, Hémon, Tragédie, Réécriture, Théorie de la création littéraire, Imitation, Mimésis, Solitude.

Texte remanié de: Dissertation--Wien, 1999. Titre de soutenance : Reminiszenzen an antike Orte und Landschaften in der mittel- und spätbyzantinischen Literatur. / Bibliogr. p. 6-18. Notes bibliogr. Index.