« Il n'y a pas d'image au théâtre. Il est l'invisible qui vient dans l'image et l'indicible qui vient dans la parole » Voilà comment Olivier Py, définit le théâtre, texte et représentation. L'étude de l'image dans le théâtre d'Olivier Py est une réflexion sur l'évolution du texte dramatique contemporain et sur le processus d'exercice du regard d'un spectateur qui se trouve au carrefour des différentes esthétiques traditionnelles et modernes. L'émigration de l'image du texte à la scène demeure la question qui bouleverse tout le processus de la création théâtrale, aussi bien sur le plan théorique que pratique.Le poème écrit n'est plus seulement une organisation cohérente d'actions accomplies mais, aussi, l'espace où l'écriture permet le transport du logos à l'opsis.La scène devient, ainsi, l'espace dialectique du partage du sensible entre acteur et spectateur, scène et salle, réel et virtuel, visible et invisible…Bref, le théâtre d'Olivier Py est l'univers des images qui se manifestent en présence réelle, « comme en état de grâce », mais qui, rapidement, deviennent fugaces, figures, simulacres, comme des spectres qui se dérobent. / "There is no image to the theater. it is the invisible which comes in the image and the unspeakable which comes in the world". Her is how Olivier Py, defines the theater, the text and the representation. The study of the image in the theater of Olivier Py is the reflection on the evolution of the contemporary dramatic text and on the process of exercise of the look of a spectator who is in the crossroads of the various traditional and modern esthetics. The migration of the image of the text in the podium raises the question which upsets all the process of the theatrical creation, as well on the theoretical plan that has a practice.The written poem is not any more only a coherent organization of accomplished actions but, also, the space where the writing allows the transport of the logos to the opsis. The scene becomes, hence, the dialectical space of the sharing of the sensitive between actor and spectator, stage and room, real and virtual, visible and invisible...Concisely, the theater of Olivier Py is the universe of the effigies which show themselves in real presence, "as in a state of grace", but which, speedly, become fleeting, figures, enactments, as spectres which get away.

O objetivo deste estudo foi investigar em que medida as impressões que os sujeitos têm do teatro influenciam no seu hábito de frequentar espetáculos teatrais. O trabalho foi desenvolvido a partir de uma pesquisa de campo realizada com dois grupos, um de moradores de Paraisópolis, comunidade da Zona Sul de São Paulo SP, onde há oferta gratuita de espetáculos teatrais; e outro de moradores da Região Metropolitana São Paulo, com um perfil socioeconômico mais alto, no intuito de evidenciar o que há de diferente nas opiniões de cada grupo. A pesquisa partiu da hipótese, que foi confirmada em grande medida, de que a imagem que as pessoas têm do teatro determina o interesse de frequentar. Para a maioria dos entrevistados, o teatro é visto como uma atividade elitizada, tanto do ponto de vista intelectual quanto econômico, ainda que nem todos concordem que essa imagem seja verdadeira. Essa impressão, acreditamos, exclui grande parte da população do grupo de frequentadores assíduos, pois está relacionada à identidade, que não geraria um sentimento de pertencimento ao universo do teatro, a priori. Essa distância é agravada pela questão do hábito, considerando o contexto social em que os entrevistados estão inseridos e o histórico familiar. Por outro lado, o teatro foi unanimemente considerado importante, e a principal razão é sua contribuição para o desenvolvimento tanto intelectual quanto emocional dos espectadores. Esses fatores nos levaram a concluir que há uma ideologia arraigada que tem grande participação na criação dessa imagem mental do teatro, pois para muitos entrevistados o teatro é algo interessante, divertido, a pessoa gostaria de ir mais, porém, por algum motivo pouco palpável, não vai. Como possíveis caminhos para estreitar as relações entre público e teatro, os entrevistados trouxeram a questão da importância da educação e especificamente da formação artística como fator fomentador da apropriação da fruição artística. Outro destaque foi a falta de uma divulgação efetiva, que em geral, nem informa, e muito menos incita o sujeito para que se torne espectador. A base para a estruturação do estudo e a análise dos dados teve teóricos ligados aos Estudos Culturais, campo no qual a pesquisa está inserida, ao Teatro, além de referências de outras áreas de estudo como a Sociologia, Sociologia do Lazer, Educação e Mediação Cultural. Assim, a pesquisa buscou colaborar tanto no ambiente acadêmico, quanto com artistas e gestores culturais para a construção de uma relação significativa dessa população com a arte teatral / The objective of this study was to investigate to what extent the subjects\' impressions of the theater influence their habit of attending theatrical performances. The work was developed from field research carried out among two groups, one of residents of Paraisópolis, an informal settlement in the South Zone of São Paulo - SP, where there is a free offer of theater performances; and another one of the residents of Metropolitan Region of São Paulo, with a higher socioeconomic profile, in order to highlight what is different in the opinions of each group. The research worked from the hypothesis, which confirmed to a large extent, that the image people have of the theater determines their interest in attending. For most interviewees, theater is seen as an elitist activity, both intellectually and economically, although not everyone agrees that this image is true. This impression, we believe, excludes much of the population from the group of regular attendees, because it is related to identity, which would not generate a sense of belonging to the theater universe, a priori. This distance is aggravated by the question of habit, considering the social context in which the interviewees are placed and family history. On the other hand, the theater was unanimously considered important, and the main reason is its contribution to the intellectual and emotional development of the spectators. These factors have led us to conclude that there is a deep-seated ideology that has a major role in the creation of this mental image of the theater, because for many interviewees the theater is something interesting and fun, to which the person would like to go more, but for some intangible reason, they will not. As possible ways to narrow the relationship between audience and theater, the interviewees brought up the question of the importance of education and specifically of artistic training as a factor that fosters the appropriation of artistic enjoyment. Another highlight was the lack of effective promotion, which in general, neither informs, nor even incites the subject to become a spectator. The basis for the structuring of the study and the analysis of the data was theorists related to Cultural Studies, a field in which research is based, to Theater, as well as references to other areas of study such as Sociology, Sociology of Leisure, Education and Cultural Mediation. Thus, the research sought to collaborate both in the academic environment and with artists and cultural managers to build a significant relationship of this population with theatrical art.

La thèse questionne la place d’interventions artistiques, telle que le spectacle vivant, auprès des professionnel/le/s de la petite enfance, travaillant dans les établissements d’accueil du jeune enfant (EAJE). Elle s’inscrit dans un contexte professionnel à deux niveaux. Le premier considère les dernières réformes juridiques et les contraintes financières, qui ont accru une rationalité instrumentale des institutions, et entraîné une recomposition des identités professionnelles. Le second étudie les caractéristiques du travail près des jeunes enfants, où les actes répétitifs sont nombreux, associés à une implication subjective et émotionnelle, imposant des références aux théories du care. Le cadre épistémologique de la thèse prend appui sur les fondements de l’histoire de l’Ecole de Chicago, les professionnel/le/s de la petite enfance sont alors considéré/e/s dans un rôle d’acteur/rice/s. Différents types de matériaux ont été collectés. Le premier a été la constitution d’un recueil et d’une analyse de la presse spécialisée de la petite enfance. Un deuxième a été la réalisation d’entretien semi-directifs avec des spécialistes de la petite enfance (2), de l’art (2), des institutions politiques (2). Le dernier a été un temps d’immersion, dans une crèche collective, le jour où est accueilli un spectacle de danse contemporaine, avec deux entretiens pour trois salarié/e/s : avant le spectacle et un mois après. La thèse met en lumière dans quelle mesure il/elle/s sont aussi les destinataires du spectacle. La thèse montre la construction de la posture de spectateur/rice, tout en étant professionnel/le, et des éléments de compréhension des relations entre les intervenant/e/s artistiques et les professionnel/le/s. Ces éléments sont pensés en tenant compte des différents paramètres pouvant constituer des freins, tout en considérant une valorisation de la vie quotidienne des jeunes enfants. / This PhD thesis deals with the use, by early childhood professionals working in establishment proving care for young children, of artistic intervention such as performing arts. Its inscription in a professional context is double. The first one takes into account the last legal reforms and financial constraints. Both participate to increase the use of an instrumental rationality inside these institutions leading to a reconfiguration of professionals’ identities. The second one highlights the different characteristics of such a work which requires many repetitive acts with a need of both emotional and subjective implication. References of the theory of care can therefore be useful.The epistemological framework of this research leans on the School of Chicago’s historical background, which mean that early childhood professionals are considered as actors.Different sets of data were collected. The first one was a compilation and analysis of early childhood specialized press. The second one was semi-structured interviews with experts of early childhood, arts and political institutions. The last one was an immersion inside a collaborative crèche, during the day of the performance of a contemporary dance show. Two interviews, one before the performance and another a month after, were conducted with three professionals of the crèche.This PhD thesis highlights that performing arts are also addressed to professionals of crèche. It shows how the posture of being a spectator is built by these professionals. It gives an understanding on the relationship between artists and professionals. It is thought by taking into account different parameters that can constitute brakes in this relationship as well as considering the valorization of the everyday life of young children.

A presente pesquisa visa observar o modo de operar da arte contemporânea fundada no caminhar e investigar o quanto ela se faz acessível ao espectador, o quanto ela é inclusiva, relacional e horizontal. Contrariamente a um entendimento de que a arte contemporânea é de difícil acesso, nosso objetivo é relacionar a dissolução de certos estatutos da cena contemporânea com a aproximação do espectador de sua estrutura de funcionamento, a ponto de ele se tornar mais indispensável para sua realização do que o próprio artista. No primeiro capítulo, apresento esse contexto de dissolução (como linhas invisíveis do mapa), inicialmente no campo do teatro e, posteriormente, na configuração das performances, campo no qual as noções de cena, encenação e espectador já não operam. No segundo capítulo apresento o ato de caminhar em relação ao pensar e ao criar; uma prática estética e política a ser desdobrada nos três capítulos seguintes. Desse modo, do segundo ao quinto capítulo observo modalidades do caminhar: passeios, derivas, fugas, perseguições e travessias realizadas por artistas de diversas procedências (do teatro à land art, da dança à arte conceitual, da performance ao real) e, em alguns casos, por espectadores ou passantes. Todas essas ações, sobretudo as performances, resultam em outras materialidades (fotografias, vídeos, desenhos e narrativas) que são igualmente compartilhadas com espectadores ausentes do ato de sua execução. No último capítulo, trato desses rastros ou vestígios - bem como do acesso aos programas dessas ações - como um importante material para os espectadores, que conhecendo os \"modos de fazer\" dessas modalidades artísticas, compreendem seus \"modos de usar\". Assim, caminhar como prática estética configura-se como um ato de transgressão do sistema vigente, uma vez que se trata não apenas de uma ação, mas de uma atitude ao alcance de toda e qualquer pessoa. Ao ocupar o contexto urbano por sua dimensão mais baixa, o chão, o sujeito que caminha experimenta outras formas de sociabilidade e outras configurações para o real, inventando micro-poéticas do devir. / This research aims to observe the way contemporary art founded on walking works and to investigate how much it is accessible to the public, how much it is inclusive, relational and horizontal. Contrary to an understanding that contemporary art is difficult to access, our goal is to relate the dissolution of certain contemporary scenes statutes with the spectator\'s approach of its functional structure, to the point that he becomes more indispensable for its accomplishment than the artist himself. In the first chapter, I present this context of dissolution (as invisible lines of the map) initially in the theater field and, posteriorly, in the configuration of the performances, a field in which the notions of scene, staging and spectator no longer operate. In the second chapter, I present the act of walking in relation to thinking and creating; an aesthetic and political practice to be deployed in the three following chapters. Thus, from the second to the fifth chapters, I observe walking modalities: strolls, drifts, escapes, persecutions and crossings by artists of different origins (from theater to land art, from dance to conceptual art, from performance to real) and, in some cases, by spectators or bystanders. All these actions, particularly the performances, result in other materialities (photographs, videos, drawings and narratives) which are equally shared with spectators absent from the act of its realization. In the last chapter, I deal with these traces or vestiges - as well as the access to the programs of these actions - as an important material for the spectators, who getting to know the \"ways of doing\" of these artistic modalities, understand their \"ways of using\". Therefore, walking as an aesthetic practice configures itself as an act of transgression of the current system, since it is not only an action, but an attitude within the reach of any person. By occupying the urban context in its lower dimension, the ground, the subject who walks experiences other forms of sociability and other settings for the real, inventing micro-poetics of devenir.

Esta pesquisa consiste num estudo da experiência (DEWEY, 2010) de espectadores contemporâneos do teatro a partir da análise de suas narrativas sobre essa experiência. Tal experiência que é compreendida a partir de um tríplice mecanismo que envolve memória, atenção e emoção (MÜNSTERBERG, 2004), compreensão essa que atua como eixo teórico da tese e cujos conceitos são atualizados pelos conhecimentos mais recentes sobre o tema (XAVIER, 2013; HELENE & XAVIER 2007, 2006 e 2003; IZQUIERDO 2013). Dessa forma, demonstra-se como o processo da memória e da própria experiência atua de maneira dinâmica, num trabalho contínuo (BOSI, 2012). Apresenta-se um breve histórico da figura do espectador nas teorias teatrais do século XX e XXI o que deixa transparecer que a maior parte dos estudos, salvo raras exceções (como MERVANTROUX, 2006), se baseia sobre um espectador idealizado. Para comparar tal figura, em um segundo momento, com espectadores reais que estão nos teatros, parte-se primeiramente dos espectadores do Projeto Formação de Público. Em seguida abordam-se as memórias dos espectadores que tiveram como mesma vivência de base quatro espetáculos dirigidos por Antônio Araújo (Teatro da Vertigem - TV) e Romeo Castellucci (Socìetas Raffaello Sanzio - SRS). Para falar da experiência dos espectadores, no contexto brasileiro, são utilizados como vivências de base os espetáculos Bom Retiro 958 metros (TV) e Sobre o conceito da face no filho de Deus (SRS), cuja a análise da experiência dos espectadores parte de materiais diversos como artigos, críticas e entrevistas. Posteriormente, analisa-se experiências de espectadores em território europeu a partir das peças Dire ce qu\'on ne pense pas dans des langues qu\'on ne parle pas (TV) e Go down, Moses (SRS), nas quais acompanha-se o percurso da experiência do espectador, da criação até as ressonâncias verificadas alguns meses depois da peça ser assistida pelo espectador. Para isso, utiliza-se a técnica da entrevista aberta (BAUER & GASKELL, 2007), analisada qualitativamente tendo como base o método de análise de conteúdo (BARDIN, 2000). Como um dos desdobramentos das entrevistas surge a possibilidade de uma vida do teatro, vida esta que opera em simbiose com a vida do espectador. / This dissertation examines the contemporary theatre spectator experience (DEWEY, 2010), based on the analysis of their narratives about that experience. This spectator experience is understood through a triple mechanism that involves memory, attention and emotion (MÜNSTERBERG, 2004). This understanding constructs the theoretical poles of the dissertation, which refer critically to the most recent studies on the topic (XAVIER, 2013; HELENE & XAVIER 2007, 2006 e 2003; IZQUIERDO 2013). In this way, I illustrate how the process of memory and experience acts in a dynamic way, working continuously (BOSI, 2012). First, I present a brief history of the figuration of the spectator in theatrical theories of the twentieth and twenty-first century, which reveals the centrality of the idea of the spectator in such theoretical thought (MERVANT-ROUX, 2006). Second, in order to compare this figuration with real spectators that one finds in actual theatre performances, I look at the case study of the Projeto Formação de Público. Next, I consider the memory of spectators with the same base experience across four performances directed by Antônio Araújo (Teatro da Vertigem - TV) and Romeo Castellucci (Socìetas Raffaello Sanzio - SRS). To talk about the spectators\' experience in a Brazilian context, I look at base experiences of Bom Retiro 958 metros (TV) and On the Concept of the Face, Regarding the Son of God (SRS), analyzing the spectator\'s experiences from a variety of sources (articles, theater criticism, and interviews). Subsequently, I investigate the spectator\'s experience in Europe from the plays Dire ce qu\'on ne pas dans des langues qu\'on ne parle pas (TV) and Go down, Moses (SRS), in which I evaluate every step of the play, from its creation to its performances and impact -- which are verified some months after the initial moment of performance. To do this, the technique of the open interview is used (BAUER & GASKELL, 2007), and such an approach is analyzed qualitatively through the content analysis method (BARDIN, 2000). The interview, thus, becomes a possible trajectory of a theater\'s life, a life that operates in symbiosis with the life of the spectator.

Esta pesquisa desenvolve uma análise crítica a partir de uma noção histórico-teórica do processo de construção da relação das pessoas com a mídia na contemporaneidade e está dividida em três momentos: o Observador no século 19; o Espectador no século 20; e o Usuário no século 21. Assume que estes constituem três sujeitos comunicacionais, possuem trajetórias interligadas e podem ser vistos como um sujeito múltiplo. O trabalho parte dos seguintes pressupostos: a transformação do comportamento dos sujeitos; o acúmulo de percepções e conhecimentos; e as mudanças nos modos de ver e nas maneiras de se relacionar que se dão a partir de uma construção sociocultural, política e econômica. Busca compreender a existência de um Observador/Espectador/Usuário e as mediações tecnológicas que lhe servem como contexto. Vê o Usuário: a partir do Flanêur de Benjamin - como uma referência comunicacional ao sujeito/objeto na formação do seu olhar; como reconfiguração do sujeito/receptor na história e de sua relação com a mídia e com a sociedade; como a dimensão tecnológica permeia a diferenciação dos sujeitos comunicacionais e o contexto social no qual estão inseridos, privilegiando a tecnologia e em seu lugar político e social, e de como o comportamento deste sujeito pode ser atribuído a esses lugares. Trabalha a Percepção na medida em que se aproxima do Usuário/Flanêur numa conjugação em que os dois se distinguem mesmo que em tempos e circunstâncias diversas na experiência comunicacional. / This research develops a critical analysis from a historical-theoretical perception of the construction process of people relation with the Media in the contemporary world and it is divided in three moments: the Observer in the 19th century; the Spectator in the 20th century and the User in the 21st century. It accepts that these three communication subjects share connected paths and can also be seen as a multiple subject. This work is based in the following assumptions: the transition in the subjects behaviour; the accumulation of perception and knowledge; and the changes in the ways of seeing and in the ways the relationships happened from a sociocultural, political and economic structure point of view. The research aims to understand the existence of an Observer/Spectator/User and the technological mediations that are used as a background. It sees the User from: Benjamin\'s Flanêur point of view - as a communicational reference for the development of the subject/object in the construction of the way he sees; as a reconfiguration of the subject/recipient in history and its relation with the Medias and with the society; how the technological dimension pervades the variation between the communication subjects and in the social context in which they are located, with a particular emphasis in technology, and in his political and social place and of how this subjects\' behaviour is ascribed to these places. This research also explores the Perception to the extent that it approaches the User/Flanêur in a combination in which the two of them distinguish from each other in the communication experience even in different times and circumstances.

Esta pesquisa investiga o elemento sonoro-musical como criador de experiências estéticas, sensoriais, mnemônicas e afetivas dentro do pensamento e prática do diretor, pesquisador e professor polonês Jerzy Grotowski, no âmbito da evolução de sua obra no domínio das artes performativas. Este estudo, que parte da observação historiográfica, comparativa e crítica do fenômeno sonoro-musical na obra do artista, visa realizar um mapeamento das diferentes fases artísticas do diretor, que compreendem uma curva de 42 anos, indo do período da Arte como Apresentação ao da Arte como Veículo, e das diferentes conotações que este elemento teve em sua trajetória de criação e pesquisa. O trabalho também observa as diferentes apropriações do elemento sonoro-musical pelos últimos colaboradores do diretor, concentrando maior atenção às atividades atuais desenvolvidas nesse território por Thomas Richards e Mario Biagini, diretores do Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. Esta fase é investigada em relação ao desenvolvimento da importância dada às questões sonológicas dentro deste centro internacional de pesquisa e criação, que tem no trabalho criativo sobre os cantos de tradição afro-diaspóricos do continente americano o seu ferramental básico, explorando-se suas propriedades geradoras de comportamento orgânico em performance. A pesquisa é realizada através de estudos de textos escritos à cerca do tema pelo próprio diretor, seus diversos parceiros e estudiosos da sua obra, além de realizar pontes com a produção musical experimental contemporânea. Também conta com a análise de espetáculos, tanto em suporte audiovisual, quanto a partir do meu contato direto com a produção atual. Nesse último aspecto a pesquisa também está relacionada à noção de autoetnografia, sendo orientada por reflexões sobre a minha experiência na condição de performer na equipe do Open Program, um dos grupos de trabalho que integram o Workcenter, entre os anos de 2013 e 2015. Além disso, esta noção autoetnográfica se dá com a recriação do meu ponto de escuta sobre a obra de Grotowski. Com esse referencial a pesquisa busca compreender como se dá a construção do encontro experiencial entre o atorsonante e o espectador-ouvinte, partindo da criação de uma presença organizada, transmitida e percebida através do fenômeno sonoro (cantos, instrumentos e outros recursos), suas estruturações (vibratórias, melódicas, harmônicas, rítmicas e timbrísticas) e suas manifestações e nuances na corrente das artes performativas, conforme a visão grotowskiana: entre o polo da arte como veículo e o da arte como apresentação. / This research investigates the sound-musical element as creator of aesthetic, sensory, mnemonic and affective experiences within the thinking and practice of the Polish director, researcher and teacher Jerzy Grotowski, in the context of the evolution of his work in the field of performing arts. This study, that part of the historiographical, comparative and critical observation of the sound-musical phenomenon in the artist\'s work, is to carry out a mapping of different artistic phases of the director, comprising a curve of 42 years, ranging from the period of the Art as Presentation to the Art as Vehicle, and the different connotations that this element was in its path of creation and research. The work also notes the different allocations of sound-musical element by the last collaborators of the director, focusing greater attention to current activities in this area by Thomas Richards and Mario Biagini, directors of the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. This phase is investigated in relation to the development of the importance given to sonological issues within this international center for research and creation, which is the creative work on african-diasporic tradition songs of the American continent their basic tools by exploiting its generating properties of organic behavior in performance. The survey is conducted through studies of texts written about the theme by the director himself, his various partners and scholars of his work, and making bridges with contemporary experimental music production. It also includes the analysis of performances, both in audio-visual support, as from my direct contact with the current production. In this last aspect the research is also related to the notion of autoethnography, being guided by reflections on my experience in the performer condition in the Open Program team, one of the work groups within the Workcenter, between the years 2013 and 2015. In addition, this autoethnographic notion is given with the recreation of my listener point on the work of Grotowski. With this framework the research seeks to understand how is the construction of experiential encounter between the doer-sounder and the spectator-listener, based on the creation of an organized presence, transmitted and perceived through the acoustic phenomenon (songs, instruments and other resources), their structuring (vibrating, melodic, harmonic, rhythmic and timbristic) and its manifestations and nuances in the chain of performing arts, as grotowskian view: between the pole of art as a vehicle and of art as presentation.

Esta pesquisa objetiva apresentar uma análise sobre a utilização da vitrine como espaço integrante da obra de arte. Problematiza a necessidade do uso do espaço isolado e intocável da vitrine como área imprescindível para determinadas propostas artísticas contemporâneas. Averigua também as relações entre a área envidraçada da vitrine e o observador. Verifica como a vitrine é tematizada não só no espaço arquitetônico, mas também na pintura e na fotografia. Examina dessa maneira a atitude dos artistas em colecionar, selecionar, organizar, classificar, deslocar e exibir uma série de objetos reunidos no interior de tal dispositivo. Interroga se a presença de artistas que trabalham com a vitrine ou com o espaço, apenas delimitado, não estaria ligada à crise do conceito tradicional de autor. / This research aims to present an analysis of the use of the museums display as an integrating space of the work of art. It gives emphasis on the use of an isolated and untouchable space in the museums display as an essential area to establish contemporary aesthetic proposals. So, it also checks how the display case is given thematically not only in the architectural space, but also in the painting and photograph. It analyses the artists approach of collecting, selecting, arranging, assorting, displacing and displaying a series of united objects in the interior of such device. It is questioned if the presence of the artists who work with the museum display or with demarked space would not be tied to the crisis of the authors traditional concept.

A presente pesquisa visa observar o modo de operar da arte contemporânea fundada no caminhar e investigar o quanto ela se faz acessível ao espectador, o quanto ela é inclusiva, relacional e horizontal. Contrariamente a um entendimento de que a arte contemporânea é de difícil acesso, nosso objetivo é relacionar a dissolução de certos estatutos da cena contemporânea com a aproximação do espectador de sua estrutura de funcionamento, a ponto de ele se tornar mais indispensável para sua realização do que o próprio artista. No primeiro capítulo, apresento esse contexto de dissolução (como linhas invisíveis do mapa), inicialmente no campo do teatro e, posteriormente, na configuração das performances, campo no qual as noções de cena, encenação e espectador já não operam. No segundo capítulo apresento o ato de caminhar em relação ao pensar e ao criar; uma prática estética e política a ser desdobrada nos três capítulos seguintes. Desse modo, do segundo ao quinto capítulo observo modalidades do caminhar: passeios, derivas, fugas, perseguições e travessias realizadas por artistas de diversas procedências (do teatro à land art, da dança à arte conceitual, da performance ao real) e, em alguns casos, por espectadores ou passantes. Todas essas ações, sobretudo as performances, resultam em outras materialidades (fotografias, vídeos, desenhos e narrativas) que são igualmente compartilhadas com espectadores ausentes do ato de sua execução. No último capítulo, trato desses rastros ou vestígios - bem como do acesso aos programas dessas ações - como um importante material para os espectadores, que conhecendo os \"modos de fazer\" dessas modalidades artísticas, compreendem seus \"modos de usar\". Assim, caminhar como prática estética configura-se como um ato de transgressão do sistema vigente, uma vez que se trata não apenas de uma ação, mas de uma atitude ao alcance de toda e qualquer pessoa. Ao ocupar o contexto urbano por sua dimensão mais baixa, o chão, o sujeito que caminha experimenta outras formas de sociabilidade e outras configurações para o real, inventando micro-poéticas do devir. / This research aims to observe the way contemporary art founded on walking works and to investigate how much it is accessible to the public, how much it is inclusive, relational and horizontal. Contrary to an understanding that contemporary art is difficult to access, our goal is to relate the dissolution of certain contemporary scenes statutes with the spectator\'s approach of its functional structure, to the point that he becomes more indispensable for its accomplishment than the artist himself. In the first chapter, I present this context of dissolution (as invisible lines of the map) initially in the theater field and, posteriorly, in the configuration of the performances, a field in which the notions of scene, staging and spectator no longer operate. In the second chapter, I present the act of walking in relation to thinking and creating; an aesthetic and political practice to be deployed in the three following chapters. Thus, from the second to the fifth chapters, I observe walking modalities: strolls, drifts, escapes, persecutions and crossings by artists of different origins (from theater to land art, from dance to conceptual art, from performance to real) and, in some cases, by spectators or bystanders. All these actions, particularly the performances, result in other materialities (photographs, videos, drawings and narratives) which are equally shared with spectators absent from the act of its realization. In the last chapter, I deal with these traces or vestiges - as well as the access to the programs of these actions - as an important material for the spectators, who getting to know the \"ways of doing\" of these artistic modalities, understand their \"ways of using\". Therefore, walking as an aesthetic practice configures itself as an act of transgression of the current system, since it is not only an action, but an attitude within the reach of any person. By occupying the urban context in its lower dimension, the ground, the subject who walks experiences other forms of sociability and other settings for the real, inventing micro-poetics of devenir.

Esta pesquisa investiga o elemento sonoro-musical como criador de experiências estéticas, sensoriais, mnemônicas e afetivas dentro do pensamento e prática do diretor, pesquisador e professor polonês Jerzy Grotowski, no âmbito da evolução de sua obra no domínio das artes performativas. Este estudo, que parte da observação historiográfica, comparativa e crítica do fenômeno sonoro-musical na obra do artista, visa realizar um mapeamento das diferentes fases artísticas do diretor, que compreendem uma curva de 42 anos, indo do período da Arte como Apresentação ao da Arte como Veículo, e das diferentes conotações que este elemento teve em sua trajetória de criação e pesquisa. O trabalho também observa as diferentes apropriações do elemento sonoro-musical pelos últimos colaboradores do diretor, concentrando maior atenção às atividades atuais desenvolvidas nesse território por Thomas Richards e Mario Biagini, diretores do Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. Esta fase é investigada em relação ao desenvolvimento da importância dada às questões sonológicas dentro deste centro internacional de pesquisa e criação, que tem no trabalho criativo sobre os cantos de tradição afro-diaspóricos do continente americano o seu ferramental básico, explorando-se suas propriedades geradoras de comportamento orgânico em performance. A pesquisa é realizada através de estudos de textos escritos à cerca do tema pelo próprio diretor, seus diversos parceiros e estudiosos da sua obra, além de realizar pontes com a produção musical experimental contemporânea. Também conta com a análise de espetáculos, tanto em suporte audiovisual, quanto a partir do meu contato direto com a produção atual. Nesse último aspecto a pesquisa também está relacionada à noção de autoetnografia, sendo orientada por reflexões sobre a minha experiência na condição de performer na equipe do Open Program, um dos grupos de trabalho que integram o Workcenter, entre os anos de 2013 e 2015. Além disso, esta noção autoetnográfica se dá com a recriação do meu ponto de escuta sobre a obra de Grotowski. Com esse referencial a pesquisa busca compreender como se dá a construção do encontro experiencial entre o atorsonante e o espectador-ouvinte, partindo da criação de uma presença organizada, transmitida e percebida através do fenômeno sonoro (cantos, instrumentos e outros recursos), suas estruturações (vibratórias, melódicas, harmônicas, rítmicas e timbrísticas) e suas manifestações e nuances na corrente das artes performativas, conforme a visão grotowskiana: entre o polo da arte como veículo e o da arte como apresentação. / This research investigates the sound-musical element as creator of aesthetic, sensory, mnemonic and affective experiences within the thinking and practice of the Polish director, researcher and teacher Jerzy Grotowski, in the context of the evolution of his work in the field of performing arts. This study, that part of the historiographical, comparative and critical observation of the sound-musical phenomenon in the artist\'s work, is to carry out a mapping of different artistic phases of the director, comprising a curve of 42 years, ranging from the period of the Art as Presentation to the Art as Vehicle, and the different connotations that this element was in its path of creation and research. The work also notes the different allocations of sound-musical element by the last collaborators of the director, focusing greater attention to current activities in this area by Thomas Richards and Mario Biagini, directors of the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. This phase is investigated in relation to the development of the importance given to sonological issues within this international center for research and creation, which is the creative work on african-diasporic tradition songs of the American continent their basic tools by exploiting its generating properties of organic behavior in performance. The survey is conducted through studies of texts written about the theme by the director himself, his various partners and scholars of his work, and making bridges with contemporary experimental music production. It also includes the analysis of performances, both in audio-visual support, as from my direct contact with the current production. In this last aspect the research is also related to the notion of autoethnography, being guided by reflections on my experience in the performer condition in the Open Program team, one of the work groups within the Workcenter, between the years 2013 and 2015. In addition, this autoethnographic notion is given with the recreation of my listener point on the work of Grotowski. With this framework the research seeks to understand how is the construction of experiential encounter between the doer-sounder and the spectator-listener, based on the creation of an organized presence, transmitted and perceived through the acoustic phenomenon (songs, instruments and other resources), their structuring (vibrating, melodic, harmonic, rhythmic and timbristic) and its manifestations and nuances in the chain of performing arts, as grotowskian view: between the pole of art as a vehicle and of art as presentation.