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Entre, a imagem da arte está aberta : processo em abismo, reflexos e reflexões

Nachtigall, Ethiene January 2005 (has links)
O que me predisponho a fazer: dialogar com imagens de arte no espaço expositivo e suas formas de reprodução. Promover encontros entre a minha forma de ver (singular) e a multiplicidade de transmissão dos modos de ver (plural). O que pratico: registro fotográfico de desvios do ponto-de-vista padrão (frontal e focado). O que pretendo: ao observador, oferecer o benefício da dúvida (o que é isto que vejo? Como foi feita esta imagem?), deixando a leitura em aberto. No âmbito teórico, acionar uma reflexão sobre a singularidade da experiência artística e a latência de diversas outras leituras possíveis em uma imagem de arte, que vão além da informação imediata fornecida pelo objeto de observação. O que apresento neste estudo: a discussão desta forma de olhar, a partir da análise comparativa entre a minha produção e a de outros artistas, levando em consideração procedimentos como: 1. o processo em abismo e a busca do registro subjetivo; 2. as escolhas, sejam de enquadramento ou valorização de reflexos; 3. a fundamentação teórica e a reflexão sobre a relação observador-obra, reprodução de imagens em contraposição à singularidade do embate com a obra de arte, processo de formação destas imagens, suas formas de utilização e análise de conceitos fundamentais; 4. o pensamento acerca do que é apresentado na presente pesquisa. / That is what I am determined to do: to dialogue with the images of art in the expositive space and their forms of reproductions. To promote meetings between my singular way of seeing it and the many transmitions of the ways of seeing . What I practice: Photography diversions register of the standart point of view (frontal and focal point). What I intend to do: to the observer I offer the doubt benefit (what I see? How was made that image?), leaving the reading open. On theory scope, I intend to set a reflection about the singularity of the artistic experience and the latency of many others possible readings on an art image, that go beyond the immediate information given by the observation object. What I show in this study: a discussion of this way of seeing from the comparative analysis between my production and the analysis of the other artists, considering the procedure as: 1) the process in abyss and the looking for the subjective register, 2) that the hoices must be by squarely or by reflexion's valorization, 3) a theoretical ground and a reflection about connection of observer and the work of art, reproduction of images in contradiction to the singularity comparison with the work of art, the formation process of these images, their ways of uses and analysis of fundamental conceptions and finally 4) the thought about what is in this search.
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Entre, a imagem da arte está aberta : processo em abismo, reflexos e reflexões

Nachtigall, Ethiene January 2005 (has links)
O que me predisponho a fazer: dialogar com imagens de arte no espaço expositivo e suas formas de reprodução. Promover encontros entre a minha forma de ver (singular) e a multiplicidade de transmissão dos modos de ver (plural). O que pratico: registro fotográfico de desvios do ponto-de-vista padrão (frontal e focado). O que pretendo: ao observador, oferecer o benefício da dúvida (o que é isto que vejo? Como foi feita esta imagem?), deixando a leitura em aberto. No âmbito teórico, acionar uma reflexão sobre a singularidade da experiência artística e a latência de diversas outras leituras possíveis em uma imagem de arte, que vão além da informação imediata fornecida pelo objeto de observação. O que apresento neste estudo: a discussão desta forma de olhar, a partir da análise comparativa entre a minha produção e a de outros artistas, levando em consideração procedimentos como: 1. o processo em abismo e a busca do registro subjetivo; 2. as escolhas, sejam de enquadramento ou valorização de reflexos; 3. a fundamentação teórica e a reflexão sobre a relação observador-obra, reprodução de imagens em contraposição à singularidade do embate com a obra de arte, processo de formação destas imagens, suas formas de utilização e análise de conceitos fundamentais; 4. o pensamento acerca do que é apresentado na presente pesquisa. / That is what I am determined to do: to dialogue with the images of art in the expositive space and their forms of reproductions. To promote meetings between my singular way of seeing it and the many transmitions of the ways of seeing . What I practice: Photography diversions register of the standart point of view (frontal and focal point). What I intend to do: to the observer I offer the doubt benefit (what I see? How was made that image?), leaving the reading open. On theory scope, I intend to set a reflection about the singularity of the artistic experience and the latency of many others possible readings on an art image, that go beyond the immediate information given by the observation object. What I show in this study: a discussion of this way of seeing from the comparative analysis between my production and the analysis of the other artists, considering the procedure as: 1) the process in abyss and the looking for the subjective register, 2) that the hoices must be by squarely or by reflexion's valorization, 3) a theoretical ground and a reflection about connection of observer and the work of art, reproduction of images in contradiction to the singularity comparison with the work of art, the formation process of these images, their ways of uses and analysis of fundamental conceptions and finally 4) the thought about what is in this search.
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Entre, a imagem da arte está aberta : processo em abismo, reflexos e reflexões

Nachtigall, Ethiene January 2005 (has links)
O que me predisponho a fazer: dialogar com imagens de arte no espaço expositivo e suas formas de reprodução. Promover encontros entre a minha forma de ver (singular) e a multiplicidade de transmissão dos modos de ver (plural). O que pratico: registro fotográfico de desvios do ponto-de-vista padrão (frontal e focado). O que pretendo: ao observador, oferecer o benefício da dúvida (o que é isto que vejo? Como foi feita esta imagem?), deixando a leitura em aberto. No âmbito teórico, acionar uma reflexão sobre a singularidade da experiência artística e a latência de diversas outras leituras possíveis em uma imagem de arte, que vão além da informação imediata fornecida pelo objeto de observação. O que apresento neste estudo: a discussão desta forma de olhar, a partir da análise comparativa entre a minha produção e a de outros artistas, levando em consideração procedimentos como: 1. o processo em abismo e a busca do registro subjetivo; 2. as escolhas, sejam de enquadramento ou valorização de reflexos; 3. a fundamentação teórica e a reflexão sobre a relação observador-obra, reprodução de imagens em contraposição à singularidade do embate com a obra de arte, processo de formação destas imagens, suas formas de utilização e análise de conceitos fundamentais; 4. o pensamento acerca do que é apresentado na presente pesquisa. / That is what I am determined to do: to dialogue with the images of art in the expositive space and their forms of reproductions. To promote meetings between my singular way of seeing it and the many transmitions of the ways of seeing . What I practice: Photography diversions register of the standart point of view (frontal and focal point). What I intend to do: to the observer I offer the doubt benefit (what I see? How was made that image?), leaving the reading open. On theory scope, I intend to set a reflection about the singularity of the artistic experience and the latency of many others possible readings on an art image, that go beyond the immediate information given by the observation object. What I show in this study: a discussion of this way of seeing from the comparative analysis between my production and the analysis of the other artists, considering the procedure as: 1) the process in abyss and the looking for the subjective register, 2) that the hoices must be by squarely or by reflexion's valorization, 3) a theoretical ground and a reflection about connection of observer and the work of art, reproduction of images in contradiction to the singularity comparison with the work of art, the formation process of these images, their ways of uses and analysis of fundamental conceptions and finally 4) the thought about what is in this search.
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L'Appropriation de l'œuvre : Instances et visées de l'attribution des œuvres à leur auteur dans la France de l'Ancien Régime (1645-1777) / One's Own Book : Actors and motives of literary works attribution in Ancien Régime France from 1645 to 1777

Dubois, François-Ronan 13 October 2017 (has links)
Le système de la propriété littéraire dans la France de l’Ancien Régime est souvent examiné de manière rétrospective à l’aune du droit d’auteur contemporain : tout se passe comme si la librairie d’Ancien Régime devait être nécessairement le laboratoire d’un dispositif juridique et idéologique en pleine formation, encore mal adapté aux réalités littéraires. Cette thèse propose d’examiner la question de cette propriété à nouveaux frais, en considérant le système de librairie comme un ensemble d’acteurs, de logiques et d’outils opératoire, sur le temps long, des années 1650 jusqu’aux années 1780. À travers l’étude des logiques institutionnelles de la propriété économique et de la responsabilité juridique, des dispositifs bibliographiques des dictionnaires, des journaux et des recueils d’ana et des opérations éditoriales imaginées par les auteurs eux-mêmes, elle met en évidence les rapports de force qui agitent la librairie et le monde littéraire de l’époque. En empruntant à l’histoire littéraire, à l’histoire du droit et à l’histoire du livre, ce travail entreprend de montrer de quelle manière la propriété littéraire se construit à l’encontre des intérêts des auteurs et en faveur de la constitution d’un monde de la librairie où l’État joue de moins en moins son rôle de régulateur des pratiques. À travers le prisme de l’attribution littéraire, la démonstration est menée avec un intérêt particulier pour l’analyse précise des paratextes littéraires. / Literary property rights in early modern France are often understood through the prism of the contemporary droit d’auteur. Many studies see the early modern period as a laboratory for an on-going experiment in law and ideology, still ill-fitted to the literary practices of the authors. This thesis offers a fresh start in the examination of the question of literary property, taking the whole library system from the 1650s to the 1780s to be an effective articulation of agents, tools, and discursives practices. Through the study of institutional policies in the domain of literary property as well as judicial responsibility, through a careful reading of the bibliographical discourse with dictionaries, anas, and periodicals, and through the description of editorial endeavors undertaken by authors themselves, it shows the dynamics of the early modern library and literary world. With roots in literary history, history of law, and book history, this dissertation seeks to understand how the concept of literary property is aggregated, against the very interests of the authors, to consolidate a commercial book-trade where the State slowly delegates its regulatory powers. Through the study of literary attribution, this work follows its demonstrations with an acute interest in a close-reading of literary paratexts.
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[en] THE ORIGIN OF EXTREMES: THE THEORY OF LANGUAGE IN THE EARLY WALTER BENJAMIN S CONCEPT O WORK OF ART / [pt] A ORIGEM DOS EXTREMOS: A TEORIA DA LINGUAGEM NO CONCEITO DE OBRA DE ARTE DO PRIMEIRO WALTER BENJAMIN

SERGIANO ALCANTARA DA SILVA 30 January 2019 (has links)
[pt] A presente tese se dispõe a analisar o conceito de obra de arte de Walter Benjamin tomando em consideração sua teoria da linguagem. Temos como objeto os primeiros escritos do autor, que vão de 1910 até o ano de 1930. A partir daquela teoria, percebemos certa manutenção de uma estrutura de pensamento que abarca muitos temas, incluso nosso objeto, o de um conceito de obra. Essa estrutura se caracteriza pela determinação de extremos conceituais que se comunicam e se correspondem para formar um sistema filosófico que, contraditoriamente, se impõe pela fragmentação. Neste sentido, tentamos fazer uma abordagem topológica, nomeando alguns topoi, lugares conceituais que se espalham naquele sistema e que reproduzem as mesmas características, seja na filosofia da história, seja na teoria da arte. Com esse fim, atentaremos para uma dimensão que se forma aos poucos nessa estrutura, tomando ares dialéticos. É com isso que apontaremos as relações e correspondências entre aqueles extremos que se perfazem em topoi. / [en] The present thesis aims to analyze Walter Benjamin s concept of work of art based on his theory of language, using as our object the first writings of the author, ranging from 1910 to 1930. The reason for focusing on such a theory is that we perceive the maintenance of a thought structure in it which encompasses many themes, including our own, that of a concept of work of art. This structure characterizes itself for the determination of conceptual extremes, which communicate and correspond one another in order to form a philosophical system that, contradictorily, is distinguished by its fragmentation. With this in mind, we intend to make a topological approach, that is, to name some topoi, motifs spread in Benjamin s system, which reproduce the same characteristics, either in his philosophy of history or in his theory of art. In sum, we point out the relations as well as the correspondences among those topoi as we also observe a dimension that gradually rises in this structure, a dialectical one.
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Del Simbolisme a l'abstracció: l'ideal de la unitat de les arts en l'obra de Kandinsky i Mondrian, 1886-1936

Faxedas, M. Lluïsa (Maria Lluïsa) 13 June 2007 (has links)
Aquesta tesi explora els orígens de la pintura abstracta des d'un punt de vista eminentment conceptual. Parteix de la hipòtesi que l'abstracció es pot considerar la culminació dels ideals estètics del Simbolisme finisecular; i considera que un dels elements de continuïtat entre Simbolisme i abstracció fou l'ideal de l'obra d'art total o Gesamtkunstwerk. La tesi estudia els pintors Vassily Kandinsky i Piet Mondrian per mostrar, a través de l'anàlisi de les seves obres i textos, que aquest ideal d'obra total fou per ambdós un leit-motiv fonamental en la seva evolució vers l'abstracció. En el cas de Kandinsky s'estudien especialment les seves composicions escèniques, i en el cas de Mondrian, l'arranjament del seu estudi, projectes en el marc dels quals es va desenvolupar la seva pintura. En ambdós casos, com també en el Simbolisme, el projecte de l'obra d'art total es considera tant des de la vessant artística, com en relació al seu valor utòpic. / This thesis explores the origins of abstract painting from a predominantly conceptual point of view. It begins with the hypothesis that abstraction may be considered as the culmination of the aesthetic ideals of turn of the century Symbolism, and considers that one of the elements of continuity between Symbolism and abstraction was the ideal of the total work of art, or Gesamtkunstwerk. The thesis studies the painters Wassily Kandinsky and Piet Mondrian to show, through analysis of their works and texts, that this idea of the complete artwork was a fundamental leitmotif for both artists in their evolution towards abstraction. In the case of Kandinsky, it studies in particular his scenic compositions and, in the case of Mondrian, the layout of his studio, the framework within which their painting was developed. In both cases, as in Symbolism, the project of the total work of art is considered as much from the artistic viewpoint as in relation to its utopian value.
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L'histoire de la documentation des oeuvres d' art du 17e au 21e siècle : les impacts des technologies optiques et numériques sur les pratiques documentaires des galeries nationales à Londres, Ottawa et Washington D.C. / The history of documentation of works of art from the 17th to the 21st century : the impact of optical and digital technologies on documentary practices in the National galleries of London, Ottawa and Washington DC

Hoffman, Sheila K. 21 April 2017 (has links)
Cette thèse examine les convergences et divergences le long de l'histoire de la documentation muséale dans trois galeries nationales en Angleterre, au Canada et aux États-Unis. Elle met en évidence un modèle commun, émanant plus particulièrement des deux types d'institutions apparues en Angleterre au 17e siècle : les musées publics, fondés sur des principes scientifiques et populistes, et la galerie privée, ancrée dans des traditions élitistes. Les galeries nationales analysées constituent un modèle hybride, en conflit avec ces deux formats antagonistes, mais leurs similitudes les plus frappantes résident dans l'évolution de leurs pratiques respectives de la documentation des œuvres d'art. La lutte continue afin d'intégrer véritablement la technologie dans la documentation d'art trahit l'héritage difficile entre ces deux modèles opposés. Tout au long des trajectoires uniques à chacune des institutions étudiées, peu de preuves montrent que les technologies optiques ou numériques ont eu des répercussions importantes sur les méthodologies ou les philosophies de la documentation des œuvres d'art. Au contraire, on observe que la documentation de forme numérique repose toujours sur une approche minimale de recueil de données, sur un groupe restreint de personnes habilitées à les collecter et sur un accès limité à ces données. Cette recherche renforce l'argumentation pour une redéfinition de la documentation des œuvres d'art pour repenser ses stratégies et ses philosophies directrices, pour poser un nouveau regard sur la recherche dans les collections et pour élargir l'intégration des technologies numériques dans ces processus. / This research examines the divergences and convergences across the histories of three national galleries, in England, Canada and the United States, providing evidence of a common model that emanates particularly from two types of institutions that appeared in England during the 17th century: public museums founded on scientific and populist principles, and private art galleries anchored in elitist traditions. The national galleries compared in this study constitute hybrids in conflict with the original antagonistic models. But their most striking similarities reside in the evolution of their respective documentation practices. The continued struggle to truly integrate technologies in the documentation of art betrays the difficult heritage between these two opposing models. Throughout the unique historical trajectories of these institutions, there was little proof that optical or digital technologies had had important repercussions on the methodologies or the philosophies of the documentation of works of art. On the contrary, it was observed that documentation, even in digital form, continued to rely on minimal standards of data gathering, restricted groups of persons trained to collect data, and limited access to any data captured. This research reinforces the need to redefine museum documentation in order to rethink its strategies and guiding philosophies, to enable new research into museum collections, and to enlarge the integration of digital technologies into the process.
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[en] THE ORIGIN OF THE WORK OF ART: HEIDEGGER AND THE CRITIQUE OF REPRESENTATION / [pt] A ORIGEM DA OBRA DE ARTE: HEIDEGGER E A CRÍTICA DA REPRESENTAÇÃO

GABRIELA FAGUNDES DUNHOFER 10 August 2010 (has links)
[pt] O intuito dessa dissertação é examinar a crítica de Heidegger ao pensamento representacional, principalmente dentro dos domínios da arte. Este trabalho analisa a perspectiva de Heidegger sobre o que seria uma obra de arte, retomando e desenvolvendo questões fundamentais em seu pensamento, como o conceito de ser e de verdade. Investiga-se, assim, a relação entre obra de arte e verdade e seus desdobramentos na filosofia heideggeriana. Numa época em que a experiência da verdade é tomada sobretudo como representação do sujeito cognoscente, qual seria o papel do pensamento? Num tempo como o nosso seria possível o homem procurar uma experiência do pensar que não esteja comprometida apenas com a busca de classificação, de segurança e de controle sobre todas as coisas? Essas e outras questões, como a da arte, da critica da estética e da possibilidade de superação do pensamento representacional da tradição filosófica, aparecem no caminho daqueles que buscam um aprofundamento na obra deste grande filosofo alemão. Com este propósito, a presente pesquisa teve como fio condutor o ensaio A Origem da Obra de Arte, que serviu de base para leitura e interpretação de outras obras de Heidegger também apresentadas nesta dissertação. / [en] The task of this dissertation is to examine Heidegger s critique of the representational thought, specially within the art s domains. This paper analyses Heidegger s perspective over what a work of art would be, revisiting and developing fundamental questions in his thought such as the concepts of being and truth. It investigates, thus, the relation between work of art and truth and its unfoldings in Heidegger s philosophy. In a time when the experience of truth is generally accepted as a representation of the cognizing subject, what would be the role played by the thought? At a time like ours, would it be possible to men pursue a experience of the thinking which is not committed only with the search for classification, security and control of all things? These and other questions, such as the art question, the critique of aesthetic and the possibility of overcoming the philosophical tradition representative thinking, appear in the path of those who seek a deeper understanding of the work of this great German philosopher. With this intention, the present study had as its guiding light the essay The Origin of the Work of Art, which was the base for the reading and interpretation of other works from Heidegger that were introduced in this dissertation.
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Œuvre(s) du pluriel : vers une esthétique du dispersé / Work(s) in the plural : towards an aesthetics of dispersion

Lascault, Michel 30 September 2017 (has links)
La pluridisciplinarité artistique contemporaine, qui remonte à l’humanisme et au romantisme, est-elle encore liée à un désir de connaissance et de totalité, ou s’inscrit-elle dans un spectre de fragmentation ? Les défaillances reconnues du savoir, du sujet et de l’œuvre forment une résistance à la puissance des technostructures. La sphère de l’art, détachée de la division du travail artistique, s’inscrit dans une négativité non dialectique. Par la sape méthodique des référents et des maîtrises, l’œuvre s’ouvre au désordre et au manque. Poursuivant simultanément plusieurs démarches distinctes dans les arts visuels, la musique et l’écriture, passant de l’art populaire à l’art intellectualisé, étant autant témoin qu’acteur de mon travail, je propose une approche de l’art qui se définit plus par l’errance et la pluralité que par un projet unitaire. La position mineure et dispersée se ressource dans une poïétique prolifique : simultanéité divergente, transposition négative, hétérogénéité, confusion des temps, présence du vide et du fantomatique… / Is artistic pluridisciplinarity, which goes back to Humanism and Romanticism, still connected to a desire for knowledge and for holistic apprehension, or does it reveal the prospect of fragmentation? The known shortcomings of knowledge, of the subject, and of the work of art resist the power of techno-structures. Once the artistic sphere gets disconnected from the division of artistic labor, it is amenable to a non-dialectical negativity. As the work of art methodically subverts referents, mastery and know-hows, it becomes accessible to loss and disorder. Being as much the witness as the agent of the work I produce, I propose an approach to art conceived as wandering and plural—an approach based on various forms of practice in visual arts, music, and writing, which shift from popular to intellectual art. This artistic stance, minor and scattered, draws its strength from a prolific poietics: divergent simultaneity, negative transposition, heterogeneity, confusion of temporalities, void, and haunting presences…
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O JUÍZO DE GOSTO COMO FUNDAMENTO DE INTERPRETAÇÃO DA BELEZA NATURAL E ARTÍSTICA NA CRÍTICA DA FACULDADE DE JULGAR DE IMMANUEL KANT / THE JUDGMENT OF TASTE AS THE GROUND OF INTERPRETATION FOR NATURAL AND ARTISTIC BEAUTY IN THE CRITIQUE OF THE POWER OF JUDGMENT OF IMMANUEL KANT

Noguera, Mónica Herrera 14 August 2006 (has links)
Probably the fundamental issue about the relation between art and beauty in the Critique of the Power of Judgment, of 1790, is the difficulty to recognize an object as a work of art (across a concept of art) and the judgment of taste, which when considered as pure cannot possess concepts that determine the object. Nevertheless, there does not seem to be another experience such as the experience of beauty for the recognition of beautiful artwork. Thus, it becomes necessary to explore the points of convergence between a production oriented to ends and the production of a beautiful object, considering, despite what has just been said, that the "concept" of work of art is different from any concept that could be considered to be an end of an intentional act. Along this dissertation we propose to explore the relations between the practice of genius and taste, as regulators of the artistic production, recognition and valuation of the works of art. We will consider for it, the possible rules of the genius, trying to isolate the formal and content aspects of the object. With this intention, we will depart from the classification of the works of art as forms of expressiveness, similar to the language, trying to show the weaknesses of any classic aesthetic norm in the establishment of rules of connection between forms and contents. Nevertheless, also we will evaluate the emphasis of Kant himself in supporting identifiable connections between the objects considered as works of art, specially the formal aspects of the same ones. From the previous analysis we will be forced to evaluate the relationship between beautiful art and nature. The failure of the arbitrariness, as a way for establish the artistic beauty in the assimilation to a form of language , leads us to recovering the theory of natural beauty, trying to find the points of contact between beauty and aesthetic the experience of art. Therefore, we will evaluate the consequences of the Kantian theory of art in relation to the aesthetic experience of the "Analytic of the Beauty ", distinguishing the difficulties that Kant might have had in mind when he developed his philosophy of art. The fundamental aim of this tour across Kant's text is the possibility of evaluating the current importance of the Kantian aesthetics, linking the exegesis of the text with two fundamental elements of the contemporary debate in philosophy of art: definition (or recognition) and valuation. We try to show that the aspects considered by Kant as necessary to support this balance (originality, relation between artists and public across the work, place of the work em the society, pleasure of the aesthetic experience, artistic tradition), still are relevant for the current debate in aesthetics and reflective human action. / Provavelmente o principal problema da relação entre arte e beleza na Crítica da Faculdade de Julgar, de 1790, esteja na necessidade de reconhecer um objeto como obra de arte (através de um conceito de arte) e o juízo de gosto, que, considerado puro, não pode ter conceitos que determinem o objeto. Porém, não parece haver outra experiência além da experiência de beleza para o reconhecimento da obra de arte bela. Assim, faz-se necessário explorar os pontos de convergência entre uma produção orientada a fins e a produção de um objeto belo, considerando, contudo, que o conceito de obra de arte é diferente de qualquer conceito que possa ser colocado como fim de um ato intencional. No percurso do trabalho nos propomos a explorar as relações entre a prática do gênio e o gosto como regulador da produção artística e do reconhecimento e valoração das obras de arte. Consideraremos para isso as possíveis regras do gênio, tentando isolar os aspectos formais e os aspectos de conteúdo do objeto. Neste intento, partiremos da classificação das obras de arte como formas de expressividade, semelhantes à linguagem, visando mostrar as fraquezas de qualquer norma estética clássica no estabelecimento de regras de conexão entre formas e conteúdos. Porém, também avaliaremos a ênfase do próprio Kant em manter conexões identificáveis entre os objetos considerados obras de arte, sobretudo os aspectos formais dos mesmos. A partir da análise anterior estaremos obrigados a avaliar a relação entre arte bela e natureza. O fracasso da arbitrariedade, como forma de estabelecimento do belo artístico enquanto assimilação a uma forma de linguagem nos leva a recuperar a teoria da beleza natural, visando encontrar os pontos de contato entre beleza e experiência estética da arte. Destarte, avaliaremos as conseqüências que temos da teoria kantiana da arte em relação à experiência estética da Analítica do Belo , destacando as dificuldades de que o próprio Kant poderia ter sido consciente ao desenvolver sua filosofia da arte. O alvo fundamental deste percurso através do texto de Kant se encontra na possibilidade de avaliar a atualidade da estética kantiana, vinculando à exegese do texto dois elementos fundamentais do debate contemporâneo em filosofia da arte: definição (ou reconhecimento) e valoração. Pretendemos mostrar que os aspectos considerados por Kant como necessários para manter este equilíbrio (originalidade, relação entre artistas e público a través da obra, lugar da obra na sociedade, prazer da experiência estética, tradição artística), ainda são relevantes para o debate atual no que diz respeito à estética e ao agir humano reflexivo.

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