La littérature et la peinture semblent être les domaines les plus propices au développement de l’intime au XIXe siècle. Pourtant, la notion possède aussi sa place dans le domaine de la sculpture qui, par des procédés qui lui sont propres, parvient à la révéler. Sujet le plus favorable à l’introspection, l’autoportrait, tel que le conçoivent Carriès ou Gauguin, demeure une expérience singulière qui ne se vérifie pas chez tous les sculpteurs. L’expression de l’intime est alors à chercher dans le portrait où l’artiste tend à faire surgir l’intériorité de son modèle à la manière de Carpeaux ou de Rodin. Les fondamentaux du dialogue entre intime et sculpture sont ainsi posés. La notion se définit aussi par sa polyvalence liée au contexte de commande et de réception, aux questions esthétiques de l’époque, au mystère de la création et, enfin, jusque dans ses limites. L’intime est une notion protéiforme qui peut aussi bien prendre sens sous un aspect iconographique que suivant les modalités de création d’une sculpture. Ce concept imprègne toute forme de sculpture s’exprimant aussi bien dans le portrait sculpté, que dans les petits groupes ou statuettes ou encore dans la statuaire monumentale. L’étude des œuvres de Claudel, Dalou ou Rosso nous a permis de comprendre que plus que d’un courant esthétique à part entière, il s’agit davantage d’une caractéristique qui permet de mieux les rassembler. L’intime apparaît donc comme un outil pour étudier la sculpture des années 1865 à 1909 sous un angle nouveau. / Literature and painting seem to be the most favourable fields for the development of intimacy during the nineteenth century. The notion has, nevertheless, its place too in the field of sculpture which by processes of its own, manages to reveal it. Even though self-portraits, such as conceived by Carriès or Gauguin, are particularly suitable for introspection they remain a unique experience that does not apply to every sculptor. The expression of intimacy is then to be found in portraits where artists tend to bring out the interiority of their model, in the manner of Carpeaux and Rodin. The fundamentals of dialogue between intimacy and sculpture are thus laid down. The term is also defined by its versatility, in relation to the context of order and reception, to aesthetic issues of the time, to the mystery of creation and, finally, to its own limits. Intimacy is a protean concept that can take on its full meaning through a single iconographic aspect or modalities of creation of sculpture. This very concept permeates all forms of sculpture and is expressed in sculpted portraits as well as in small groups, statuettes, even monumental sculpture. Our study of works by Claudel, Dalou or Rosso allowed us to understand that more than an aesthetic current in its own right, intimacy is rather a distinctive feature that brings works together. Intimacy therefore appears as a tool to study the sculptural fields ranging from 1865 to 1909 from a new angle.

Donner la parole aux captives pour écrire leur histoire, dans laquelle elles apparaissent trop souvent comme les témoins inaudibles, les placer au cœur de l’étude, tels sont les objectifs de ce travail sur les prisonnières des maisons centrales de Cadillac et de Montpellier dans le sud de la France, depuis la naissance de la prison pénale au tournant du XIXe siècle jusqu’au début du XXe siècle : qui sont ces femmes, quelles sont leurs conditions d’incarcération, comment vivent-elles l’enfermement, entre résistances et adaptations aux tentatives de disciplinarisation exercées par la pénitentiaire ? Les réponses à ces questions évoluent non seulement en fonction des politiques pénales et des mutations sociétales, mais surtout au gré des sociabilités carcérales, plurielles et mouvantes : spécifiques aux prisons de femmes, les changements du personnel surveillant – composé successivement de gardiens laïques, de religieuses puis de surveillantes laïques – bouleversent le quotidien des détenues ; de même que les rapports aux proches, fragilisés par l’identification des condamnées comme fautives et par leur absence du foyer, à une époque où les femmes incarnent les gardiennes de la morale dans la famille et la société. Les archives pénitentiaires des départements où se situent ces deux centrales de femmes, la Gironde et l’Hérault, contiennent notamment des dossiers individuels de prisonnières, des correspondances de personnels, de détenues et de leur entourage. Par une approche au ras du sol, partant de l’intérieur des centrales, nous tâcherons de dépeindre cette microsociété emmurée en confrontant les directives nationales avec les réalités locales et les vécus individuels. Dans un monde carcéral dominé par le masculin, où les prisonnières sont très minoritaires, il s’agira de comprendre comment l’enfermement au féminin est pensé ou au contraire ignoré. / The following study treats about women detainees of Cadillac's and Montpellier's central prisons in the south of France, from the penitentiary system implementation at the beginning of the 19th century to the early 20th century. It attempts to put women prisoners at the centre of the work and to give them a voice to write their own history, not as inaudible witnesses as they usually appear: who are they, what are their conditions of detention, how are they living seclusion between resistance and adaptation to disciplinarisation attempts exercised on them by prison administration ? The answers to these questions don't only shift because of penal policies and societal mutations but also due to plural and moving prison sociabilities: specific to women’s jails, prison officers switches – successively composed of secular men guards, sisters, then secular women agents – upset prisoners' daily life; as well as their relationship with their family, weakened by the detainees' identification as offenders and by their absence from their home, at a time when women embody the image of family and guardians of morality. Penitentiary archives of the departments where are located these two women central prisons, Hérault and Gironde, especially contain individual files of captives, some correspondences of jail staff, captives and relatives. Adopting a reduced scale observation, from within the jail, we will try to depict this prison microsociety comparing national directives with local context and personal experiences. In a male-dominated prison world, where women detainees represent a very small minority, we will try to understand how feminine seclusion is considered or, on the contrary, ignored. / Darle la palabra a las presas para escribir su historia, dentro de la que muy a menudo aparecen como testigos inaudibles, colocarles en el centro del estudio, estos son los objetivos de este trabajo acerca de las detenidas en las cárceles de Cadillac y de Montpellier en el sur de Francia, desde el nacimiento de la prisión penal a comienzos del siglo XIX hasta el principio del siglo XX : ¿ Quiénes son, cuáles son sus condiciones de detención, cómo viven el encierro, entre resistencias y adaptaciones a las tentativas de disciplinarización que ejerce la institución penitenciaria? Las repuestas a estas preguntas evolucionan no solo según las políticas penales y las mutaciones societales sino sobre todo en función de las sociabilidades carcelarias, plurales y móviles : específicos a las cárceles de mujeres, los cambios del personal de vigilancia – compuesto sucesivamente de guardianes laicos, de religiosas y después de funcionarias laicas – perturban considerablemente la vida cotidiana de las presas; así como las relaciones con sus familiares, debilitadas por la identificación de las condenadas como culpables y por su ausencia del hogar, en una época en que las mujeres encarnan la garantía de la moral en la familia y en la sociedad. Los archivos penitenciarios de las provincias donde se sitúan estas dos cárceles, Gironde y Hérault, contienen en particular expedientes individuales de detenidas, cartas del personal, de las prisioneras y de sus familiares. Siguiendo un método de examen con lupa, desde el interior de la cárcel, intentaremos representar a esta microsociedad carcelaria, confrontando las directrices nacionales con las realidades locales y las vivencias individuales. En un mundo penitenciario dominado por lo masculino, donde las mujeres son muy minoritarias, se tratara de comprender como el encierro femenino está pensado o al contrario ignorado.

Ce travail vise à rendre compte des relations créées entre les événements naturels de forte intensité et dont les conséquences destructrices les ont fait nommer catastrophes naturelles, en partant du fameux tremblement de terre de Lisbonne, en 1755 jusqu’au milieu du XIXe siècle, avec l’avènement des nouvelles techniques et sciences, ce qui a engendré un nouveau rapport entre l’homme et la Nature. Ce changement de la représentation de la catastrophe en littérature, mais aussi dans la peinture s’appuie sur des mutations culturelles dans le plan religieux, scientifique et esthétique, dont les traces évidentes nous avons essayé d’expliciter dans ce travail. L’enjeu de cette thèse est d’analyser les métamorphoses du discours écrit et visuel de la période mentionnée, et d’attirer l’attention sur le passage entre l’horreur suscitée par un événement catastrophique et la dimension sensorielle et la fascination provoquée par le spectacle des phénomènes naturels. Toutefois, nous avons recherché le symbolisme des motifs attachés aux grands mythes de l’humanité, tels le Déluge, le thème de transgression-punition-rédemption inscrit dans la catastrophe, qui se transforme dans un nouveau concept, un objet d’analyse, de réflexion et de contemplation, qui nous incite à voir différemment. / This research aims to report on the relationships created among natural events of high intensity which can be categorized as natural disasters due to their destructive consequences starting with the famous earthquake of Lisbon in 1755 until the mid-nineteenth century, the advent of new technology and science, which created a new relationship between man and nature. This change in catastrophe representation in literature but also in the painting is based on religious, scientific and aestethetic changes, the key elements that we explored in this work. The aim of this dissertation is to analyze the metamorphoses of writing and visual discourse of the above-mentioned period and draw attention to the transition from horror triggered by a catastrophic event to a sensory dimension and fascination caused by the spectacle of natural phenomena. We also examined the symbolism of the motifs attached to the great myths of humanity, such as the Flood, the theme of transgression-punishment-redemption part of the disaster, which generates into a new concept, an object of analysis, reflection and contemplation, which inspires us to see the catastrophic events differently.

Cette étude porte sur un corpus de tarentelles pour piano éditées en France de la fin des années 1820 jusqu’à la Première Guerre mondiale. Cherchant à comprendre comment cette danse, originaire du sud de l’Italie, en est venue à occuper une telle place dans le répertoire pianistique français du XIXe siècle, l’auteur commence par évoquer ses origines présumées, entre catharsis et rituel de guérison, puis son évolution en une danse de divertissement. Après une première partie consacrée à la façon dont les récits de voyageurs, les romans et les articles de presse contribuent à entretenir un imaginaire pittoresque autour de la tarentelle, la deuxième partie aborde la question de son acclimatation dans la France du siècle romantique. On y apprend notamment que la tarentelle de La Muette de Portici d’Auber a servi de modèle aux tarentelles qui figurent dans de nombreux opéras de l’époque. Avec La Danza de Rossini, la Tarentelle d’Auber a même lancé la mode des pièces s’inspirant du rythme et de la vivacité caractéristiques de cette danse. La troisième partie apporte enfin un éclairage particulier sur les 496 partitions pour piano du corpus, celles-ci étant examinées sous l’angle de leurs couvertures illustrées, de leurs titres évocateurs, mais aussi de la gestion qu’elles font de certains paramètres musicaux (rythme, tonalité, tempo, etc.). Englobant un répertoire qui va des pièces faciles pour le salon aux œuvres les plus virtuoses pour le concert, la tarentelle a séduit le public français par sa puissance d’évocation transalpine et l’énergie de son rythme tourbillonnant. / This study relies on a corpus of tarantellas for piano, which were released in France from the end of the 1820s until World War I. From the starting point of the supposed origins of this dance – between catharsis, healing rituals, and then its mutation into an entertaining dance – the author reaches an understanding of how a dance, which actually originated in Southern Italy has come to occupy a significant place in the French pianistic literature of the 19th century. After a first section devoted to the way travellers’ tales, novels and press releases contributed to foster picturesque imagination surrounding the tarantellas, the second section deals with the issue of its adaptation to the French Romantic century criteria. One learns, among others, that the tarantella from La Muette de Portici by Auber provided a model for subsequent tarantellas, which featured in numerous operatic works of that time. Along with Rossini’s La Danza, Auber’s Tarantella initiated an authentic trend for pieces, which were taking inspiration from lively components so characteristic of this dance. Eventually, the third section brings a particular emphasis on the 496 piano pieces of the author’s corpus. This section analyses them in the light of their illustrated cover pages, evocative titles, and also the way several musical parameters such as rhythm, tonality, tempo, etc. are treated. With a repertoire encompassing easy pieces intended to parlour attendees to more virtuosic concert works, the tarantella seduced the French audiences through its transalpine evocative power and the energy of its whirling rhythm.

La poésie d’Emily Dickinson dévoile un lyrisme théâtralisé : chaque poème devient une scène où évolue une voix qui se travestit, s’altère, se diffracte en divers échos. Très influencée par l’œuvre de Shakespeare, mais également par la théâtralité ambiante de l’Amérique victorienne, Dickinson met en scène le sujet lyrique dans ce qu’il a de plus théâtral. La théâtralité de référence étant celle du dramaturge et poète élisabéthain, cette "contamination" du théâtre nous incite à élargir notre conception du lyrisme. Si l’on observe des résurgences ironiques d’une conception traditionnelle du lyrisme comme un épanchement intime, ce dernier est surtout à envisager en termes de dynamique, d’énergie. Le théâtre est pour Emily Dickinson le lieu autre où le lyrisme s’altère plus avant, la structure nodale de l’écriture lyrique et son cœur battant, le lieu de sa revitalisation. / Emily Dickinson’s poetry showcases a dramatic kind of lyricism: each poem becomes a scene where the lyric voice changes shape, tone, and even gender. Strongly influenced by Shakespeare’s work and by the extremely theatrical culture of Victorian America, Dickinson stages the lyrical self at its most theatrical. The fact that the Elizabethan playwright and poet’s idiosyncratic theater was the main reference for Dickinson’s conception of drama and theatricality invites us to broaden our conception of lyricism. Although some recurrences of a more traditional approach to lyricism as an outpouring of intimate feelings appear at times – mostly tainted with a great deal of irony – lyricism will mainly be considered as the energy fueling life into the poem. The theater is for Emily Dickinson the spring of this lyrical energy, the transformative force and the crucial structure at the heart of her poetic writing.

La plupart des études portant sur le bijou au XIXe siècle privilégient l’aspect stylistique et formel. La question des usages est, quant à elle, le plus souvent éludée et les rares considérations d’ordre social ou sociétal, lorsqu’elles sont abordées, demeurent anecdotiques. Or, le bijou joue un rôle social déterminant, notamment dans l’expression de la fortune mais aussi dans le processus d’identification et d’appartenance à un groupe. À cet égard, les périodiques de mode constituent un support d’étude des plus précieux. Ils nous renseignent sur l’usage très codifié que les femmes appartenant à l’élite faisaient de leurs bijoux, et implicitement sur la place et le rôle qui étaient assignés à ces dernières dans la société du XIXe siècle. Le périodique de mode constitue par ailleurs une source très intéressante pour contextualiser la création du bijou, qui devient dès lors un miroir des événements. Le bijou apparaît comme le reflet d’influences diverses, à la fois du point de vue technique, du choix des matériaux employés, du style adopté, des formes ou encore par la symbolique des décors travaillés. Grâce aux descriptions de bijoux contenues dans les chroniques de mode ainsi qu’aux gravures qui les accompagnent, nous retracerons une histoire des formes en discriminant les grandes tendances récurrentes entre 1820 et 1870 avant d’aborder celles qui caractérisent une période en particulier. Nous exploiterons aussi les mentions publicitaires afin d’examiner les relations qu’entretiennent les différents acteurs participant à la fabrication et au commerce des bijoux avec les phénomènes de mode. / Most studies regarding 19th-century jewellery favour the study of its stylistic and formal aspects. As for its uses, they are most often eluded and the rare social and societal considerations, when they are tackled, remain anecdotal. Yet, jewellery plays a determining social role, especially in the expression of wealth but also in the process of identification and of belonging to a group. For this, fashion periodicals constitute a most precious support for study. They tell us about the very codified use women from the elite made of their jewellery, and implicitly of the place and role that was assigned to them in 19th century society. The fashion periodical is also a very interesting source to contextualise the jewel creation, which thus becomes a mirror of events. Jewellery appears as a reflection of various influences, all at once from the technical point of view, the choice of materials, the chosen style, the form or the symbolism of the worked designs. Through the descriptions of jewellery contained in fashion chronicles and engravings that accompany them, we shall retrace a history of forms by categorising the great trends recurring between 1820 and 1870 before dealing with those characterising one particular era. We shall also use advertisement notices in order to examine the relationships linking the different actors that participate in the making and marketing of jewellery with the fashion phenomena.

Supprimées en 1791 comme parties du système corporatif, les Chambres de Commerce sont rétablies en 1802 et une Chambre est créée à Paris en 1803. Son statut n'en fait ni une association spontanée, ni un véritable organe administratif. Ses membres s'opposent à tout rétablissement des corporations et des règlements. Souvent banquiers, également présents au Tribunal de Commerce, au Conseil Municipal, à la direction de la Banque de France, ils créent de nouvelles pratiques institutionnelles en réponse aux nombreuses demandes de conseil et d'information du gouvernement. De façon en général discrète, la Chambre de Commerce de Paris intervient sur les questions douanières ou de transports, mais aussi sur la gestion de la Bourse ou la création d'un nouveau droit commercial. Sur ces questions, il lui arrive de s'opposer aux politiques économiques de l'Empire ou de la Restauration, mais elle reste toujours consultée, comme seule source possible sur certains problèmes. Les banquiers libéraux qui l'avaient dirigée la quittent après 1830 et surtout 1840, laissant la place à des négociants puis des fabricants d'articles de luxe, plus intéressés par la fourniture de services aux commerçants, mais qui restent liés au monde de l'économie politique. Ces hommes se trouvent confrontés à de nouvelles questions sociales et ont à décider s'ils sont les représentants des « patrons » et non plus de l'économie en général. Ils ont longtemps prétendu défendre l'intérêt général du commerce parisien, voire national, mais après 1848, la plupart se disent représentants d'une branche particulière. A ce moment, l'électorat de la Chambre est élargi, et les « chambres syndicales » qui ont repris certaines fonctions des corporations commencent à y jouer un rôle important. Enfin, la Chambre acquiert quant à elle une nouvelle légitimité grâce à une enquête statistique sur l'industrie parisienne, que le gouvernement n'avait jamais pu réaliser lui-même.<br />L'histoire de la Chambre est avant tout celle d'un corps intermédiaire – dans un pays et une période où cette notion est loin d'aller de soi. L'étude de cette véritable reconstruction d'une architecture institutionnelle, après la Révolution française et au fil des changements de régimes politiques, est avant tout centrée sur les pratiques de l'institution (modes de recherche d'information, interactions entre membres dans la préparation des rapports, émergence de fonctions de service pour la Chambre...), sans négliger les débats idéologiques concernant l'organisation et la représentation du monde économique (rétablissement des corporations en particulier). L'étude à été menée partir des riches archives de la Chambre (procès verbaux et dossiers thématiques), de recherches concernant ses membres, principalement en termes de carrière institutionnelle et de cumuls de mandats, et de nombreuses sources imprimées touchant aux dossiers traités par la Chambre.<br />Dans un premier temps, une étude, en partie quantitative, du travail de l'institution et des carrières de ses membres permet de définir une chronologie propre à la Chambre et de poser des hypothèses concernant les motivations de ceux que l'institution intéresse (membres, mais aussi interlocuteurs dans l'administration et dans le monde économique). Une présentation chronologique s'attache ensuite notamment à l'analyse fine de périodes de changement (1828-1832, 1848-1852). Dans ces moments, les membres de l'institution apparaissent acteurs de leur histoire, avec une certaine autonomie pour redéfinir leurs règles de fonctionnement ; mais ils sont aussi soumis à la concurrence d'autres institutions et à des chocs extérieurs (émergence de chambres syndicales, révolutions politiques, actualité nouvelle de la question sociale...). Au fil des travaux de la Chambre émergent enfin certains dossiers d'histoire économique (régulation des transactions boursières, contrôle a posteriori des sociétés anonymes, modes d'encouragement des exportations...) et d'histoire des statistiques sur lesquels l'étude de l'institution ouvre des pistes nouvelles.

Ancrée dans l'histoire des relations culturelles entre l'Europe et l'Amérique Latine, cette thèse analyse le discours hispano-américaniste qui apparaît en Espagne en 1892 au moment du IVe Centenaire de la découverte de l'Amérique.<br /> Soixante-dix ans après l'effondrement de son empire colonial, et alors que la Conférence Panaméricaine de Washington (1889-90) et l'Exposition Universelle de Chicago (1893) scellent déjà la prépondérance des Etats-Unis sur le continent américain, l'Espagne organise une célébration pour raviver les liens d'une communauté hispano-américaine transatlantique fondée sur une langue, une histoire et des traditions culturelles partagées. Orchestrée par les milieux officiels et la bourgeoisie professionnelle, cette commémoration s'apparente à la quête d'une image perdue dans un miroir dont les reflets dispersés au cours des cérémonies, congrès et expositions organisés dans le pays, semblent traduire l'état d'âme d'une nation qui voudrait se redonner la conscience d'exister. <br /> De l'autre côté du miroir les républiques latino-américaines recherchent désormais de nouvelles alliances internationales. Mais tandis que leur émancipation politique semble définitivement acquise, la conquête de l'autonomie culturelle constitue encore pour ces pays une démarche embryonnaire qui implique une redéfinition de l'héritage hispanique. C'est dans le cadre d'une confluence générationnelle inédite que se produit la confrontation culturelle que ce travail met en évidence, en révélant la convergence qui alimente le débat hispano-américaniste de 1892 et dont les prolongements réels et spéculatifs imprègnent encore aujourd'hui les relations entre l'Espagne et l'Amérique latine.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Cette recherche propose une analyse de l'œuvre journalistique et littéraire de l'écrivain mexicain Ángel de Campo [1868-1908], étudiée dans son contexte culturel, social et historique. Elle répond à un questionnement qui relève d'une problématique littéraire : comment le contexte de la modernité émergente opère-t-il et influence-t-il les récits d'Ángel de Campo ? En particulier, comment l'écrivain rend-il compte des métamorphoses de la ville de Mexico dans ses chroniques de la " Semana Alegre " [parues dans le journal El Imparcial entre 1899 et 1908] ? Que découvre-t-il et que critique-t-il par le biais de ce genre littéraire ? Quelle est l'idéologie sous-jacente dans ces chroniques ? La recherche souligne l'usage particulier que De Campo fait de l'esthétique réaliste pour rendre compte des événements immédiats de la période