Esta tese apresenta uma reflexão acerca da minha produção artística – o conjunto de trabalhos que identifico como Alegorias do Estranho, desenvolvidos entre 2010 e 2014. Nesta investigação, analiso o processo de criação dos trabalhos, partindo da descrição e reflexão teórica e poética acerca de cada uma das suas etapas, dos elementos técnicos, materiais e simbólicos que constituem meu trabalho como um todo. O texto está estruturado em três capítulos que correspondem às três principais questões suscitadas por meu trabalho: 1. De onde vêm as imagens?, 2. Por quê a gravura?, e 3. Alegorias do estranho?. O primeiro capítulo – De onde vêm as imagens?, tem como objetivo investigar a constituição do meu universo imaginário em relação às minhas influências e referências, propondo o meu trabalho como a articulação de um universo simbólico, através da alegoria. O segundo capítulo da tese - Por quê a gravura?, Investiga os procedimentos técnicos de criação do meu trabalho – o desenho, a gravura, o bordado, a apropriação e a montagem, a partir dos seus aspectos formais e simbólicos. O terceiro capítulo – Alegorias do Estranho?, envolve a reflexão acerca do animal como tema e como símbolo no meu trabalho, a partir da sua identificação com o estranhamente familiar. / This thesis presents the reflection about my artistic production – the body of work I identify as Alegorias do Estranho, developed between 2010 and 2014. In this investigation, I analyse the procedures of creation of works, starting from the description and theoretical and poetic reflection on each of its stages, the technical, material and symbolic elements that represent my work as a whole. The text is structured in three chapters corresponding to three main questions suggested by my work: 1.Where do the pictures come from?, 2. Why engraving ?, and 3. Alegorias do Estranho?. The first chapter – Where do the pictures come from?, has as objective to investigate the constitution of my imaginary universe related to my influences and references, proposing my work as the articulation of a symbolic universe, through allegory. The second chapter of the thesis – Why engraving?, investigates the technical procedures for the creation of my work – the drawing, engraving, embroidery, the appropriation and montage, from its formal and symbolic qualities. The third chapter – Allegories of the uncanny?, involves the reflection on the animal as theme and symbol of my work, from its identification with the strangely familiar.

Esta tese de doutorado objetiva analisar a obra do escritor do escritor português Fernando Monteiro de Castro Soromenho (1910-1968). Em praticamente toda sua obra Castro Soromenho elegeu a Lunda, região do Nordeste de Angola, como seu objeto de investimento ficcional em seus romances, artigos jornalísticos e em trabalhos de caráter histórico. Neste trabalho investigamos como as representações acerca da Lunda e de seus povos nos aparecem como alegorias do pensamento colonial português, num período em que Estado Novo português apoiou e incentivou a produção de bens culturais para a constituição de uma mentalidade colonial. Em nossa perspectiva, ao contrário de perceber a literatura colonial da qual Soromenho faz parte como um reflexo da força do império português, a notamos como uma alegoria do fracasso do colonialismo português. O discurso literário de Soromenho teve por meta louvar e preencher as lacunas do sonho de um império colonial ido. / This thesis aims to analyze the work of the writer of the Portuguese writer Fernando Monteiro de Castro Soromenho (1910-1968). In virtually all his work Castro Soromenho elected Lunda region of north-east Angola, as their object of investment in fictional novels, newspaper articles and works of a historical character. In this work we investigate how representations about the Lunda and its people appear to us as allegories of the Portuguese colonial thought, at a time when the Portuguese New State supported and encouraged the production of cultural goods for the establishment of a colonial mentality. In our perspective, unlike perceive colonial literature which Soromenho part as a reflection of the strength of the Portuguese empire, the notice as an allegory of the failure of Portuguese colonialism. The literary discourse Soromenho goal was to praise and fill in the gaps of the dream of a colonial empire gone.

Submitted by Haroudo Xavier Filho (haroudo.xavierfo@ufpe.br) on 2016-02-26T18:05:13Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Tese de PAULO MARCONDES FERREIRA SOARES 2003.pdf: 2152621 bytes, checksum: 477bf4ca82ce935800f96c20c1b83097 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-02-26T18:05:13Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Tese de PAULO MARCONDES FERREIRA SOARES 2003.pdf: 2152621 bytes, checksum: 477bf4ca82ce935800f96c20c1b83097 (MD5) Previous issue date: 2003-02-28 / O presente trabalho procura discutir a pertinência do uso, para o estudo da arte contemporânea, de dois conceitos centrais de Walter Benjamin: o de aura artística e o de alegoria. O caminho percorrido aqui é o da aplicação desses conceitos na investigação da experiência estética de Hélio Oiticica, um dos principais inventores do experimento artístico no Brasil dos anos 1960. O tema em questão volta-se para a tentativa de investigação da tensão existente na formulação de um projeto de arte nacional a partir do interior mesmo dos conflitos e contradições presentes no âmbito das manifestações da arte contemporânea entre nós. Com efeito, nossa proposta de trabalho visa identificar em Hélio Oiticica o princípio de uma experiência estética que se apresenta como um projeto artístico dos anos 1960, orientado para a intervenção no ambiente cultural e sócio-político daquele cotidiano da sociedade brasileira. Isto no sentido de organização das “vivências” rumo a uma total destruição do que Benjamin (1980) chamou de “aura” artística. No sentido atribuído por Benjamin, da aura como relacionada à idéia de símbolo enquanto concepção universalizante e restauradora de obra de arte como valor de culto, no sentido consagrado pela história da arte e pelos românticos, em contraposição ao alegórico que, segundo pensa, expressa um nível distinto de “articulação entre a arte e a história, que não se adequa aos interesses das classes dominantes”. É no âmbito dessa configuração do alegórico que se vai procurar abordar, neste estudo, a obra de Hélio Oiticica. Trata-se de um trabalho que não pode ser apreendido exclusivamente em termos plásticos, mas, sobretudo, em termos de um processo que se manifesta a nível estético-político-ético. Ou seja, naquilo a que se considera como existindo sem divisões de teoria/prática. Em outras palavras, sua obra se expressa a partir do aguçamento das contradições fundamentais próprias ao universo cultural em cujo contexto se encontrava imerso. A esse projeto Oiticica denominava de antiarte, que é a compreensão e razão de ser do artista, que não se caracteriza aqui como criador para a contemplação, mas sim como um motivador para a criação – que só se completa no envolvimento ativo do “espectador” como “participador” no processo. A antiarte seria, assim, uma atividade criadora latente, motivada pelo artista, orientada para uma forma de necessidade coletiva. Por outro lado, não se tratava de atribuir ao espectador a função de criador, mas de possibilitar-lhe algum nível de “participação” em que “ache” o que realizar de modo criativo – onde mesmo o “nãoachar” se traduz como um tipo significativo de participação. É esse projeto o que leva Oiticica a uma definição de arte ambiental como reunião do indivisível de “todas as modalidades em posse do artista ao criar”: tanto aquelas familiares, quanto as resultantes da inventividade do artista ou a participação do espectador. / Having in mind the study of contemporary art, the present work tries to discuss the relevance of the use of Walter Benjamin´s two central concepts: the artistic zephyr and allegory. The method used here it is the application of these concepts in the investigation of Hélio Oiticica´s aesthetic experience, being himself one of the principal inventors of the artistic experiment in Brazil in the 1960`s. The subject studied here is an attempt to investigate the tension that exists in the formulation of a national art project from the heart of the conflicts and contradictions present in the context of the demonstrations of contemporary art in our country. Actually, our proposal of work aims to identify in Hélio Oiticica´s work the beginning of an aesthetic experience that presents itself as an artistic project of the 1960s, orientated for the intervention in the cultural and socio-political environment of Brazilian society daily life of that time. All this in the sense of organization of the "vivências" (experiences of life) that would lead to a total destruction of what Benjamin (1980) called artistic "zephyr". In the meaning attributed by Benjamin zephyr is related to the idea of symbol as a universalizing conception and restorer of the work of art as a worship, in the sense consecrated by the history of art and by the romantic ones, in opposition to allegory that, according to him, expresses a distinct level of “articulation between art and history, which is not adapted to the interests of the dominant classes”. It is in this context of allegory that it will be attempted to approach, in this study, Hélio Oiticica´s work. This work cannot be exclusively taken in plastic terms, but rather in terms of a process that shows an aesthetic ethical-political level. It means that of what one thinks as existing without theory / practice divisions. In other words, his work expresses itself from the emphasis of the basic contradictions proper to the cultural universe of the context it was immersed. Oiticica called this project anti-art, which is the meaning and the reason for living to the artist, who is not characterized here as a creator of something for contemplation, but as a motivator for the creation – that is only completed in the active involvement of the "spectator" as “ participant “ in the process. The anti-art would be this way a creative latent activity motivated by the artist, orientated for a form of collective necessity. On the other side, it does not the case of attributing to a spectator the creative function, but of making it possible a certain level of "participation" in which he/she "finds" what to carry out in creative way – where even the “ not finding ” is accepted as a significant type of participation. It is this project that leads Oiticica to a definition of environmental art as the meeting of the indivisible one of “all the kinds of possession of the artist while creating”: both those familiar as the ones resultant from the inventiveness of the artist as well as the participation of the spectator.

Orientador: Luiz Carlos da Silva Dantas / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-08T10:19:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Alves_AndreaLima_D.pdf: 7208057 bytes, checksum: 584c925af827442cf05c62eeae5b38f9 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: A presente tese buscou averiguar a maneira pela qual texto e ilustração se relacionam nos illuminated books de William Blake, o conjunto de livros escritos e ilustrados pelo próprio artista, principalmente através de uma dessas obras, America, a Prophecy. Apesar de me voltar mais detalhadamente para apenas um de seus livros busquei pelo modo que em geral tal diálogo entre texto e imagens pictóricas se dá em sua obra como um todo, como se atesta em um dos capítulos onde procurei evidenciar as características mais essenciais das linguagens verbal e visual nesse tipo de arte composta criada pelo artista. Estudos que se voltem para essa questão são necessários uma vez que a qualidade das ilustrações de Blake é altamente alegórica e nada óbvia: elas nunca interagem com o texto que ilustram de maneira direta ou indicial apresentando uma cena, situação ou personagem exatamente como aparecem no texto; pelo contrário, geralmente as cenas representadas em suas ilustrações trazem situações e personagens sequer mencionados no texto, demandando do espectador a procura pela analogia possível com o texto a que pertencem para que sua interpretação seja bem lograda. Por causa desse caráter indireto de sua linguagem visual (característica também essencial de sua linguagem verbal) há na presente tese uma discussão sobre os conceitos de símbolo e de alegoria no contexto da obra blakeana / Abstract: This dissertation looks at the nature of the relationship between text and illustration in the illuminated books of William Blake, the set of works written and illustrated by the artist himself, mainly through one of these books, America, a Prophecy. Although attention was focused mainly on only one book, the author searched for the general way in which such a dialogue between text and pictures relate to each other in his work as a whole, as can be attested by one of the chapters where the essential features of both languages in this kind of composite art created by the artist, verbal and visual, are examined. Studies that investigate this question are necessary as the quality of Blake's illustrations is highly allegorical and not obvious at all: they never interact with the text that they illustrate in a direct or indicative way, such as presenting a scene, situation or characters exactly as they appear in the text; the opposite is usually true: the scenes represented in his illustrations contain situations and characters that were not even mentioned in the text, and by so doing they require the reader to search for the possible analogy with the text to which they belong in order to make an attempt at interpretation. This is why the dissertation at hand also presents a discussion of the concepts of symbolism and allegory in the context of Blake's work / Doutorado / Literatura Geral e Comparada / Doutor em Teoria e História Literária

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-03-09T13:27:24Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Rafaela Brandão Alves - 2017.pdf: 1252345 bytes, checksum: a828dc5422d8fbcf43e9315bece9bb0a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-03-09T13:27:41Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Rafaela Brandão Alves - 2017.pdf: 1252345 bytes, checksum: a828dc5422d8fbcf43e9315bece9bb0a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-09T13:27:41Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Rafaela Brandão Alves - 2017.pdf: 1252345 bytes, checksum: a828dc5422d8fbcf43e9315bece9bb0a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-02-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This work aims to investigate the possible relations between the concept of letter, proposed by Lacan, and the concept of allegory, as thought of by Benjamin, and thus reflect upon the possibility of dialogue between these two theorists regarding the aesthetics in writing. The main objective, therefore, is to discuss the aesthetics experienced in writing, be it through the reading of a poem or a novel, or through the very act of writing. This discussion will visit two theoretical fields – philosophy and psychoanalysis –, in order to promote agreements and/or disagreements between such theories. The research is theoretical-reflexive, which means there was an analysis work carried out upon a bibliographical basis, where we traced the productions that hold the central concepts to reach the objectives of this discussion, which are letter, in Lacan, and allegory, in Benjamin. Thus, if the experience with writing induces the body in a way that often extrapolates the borders of language and makes us objects of our own experiences, we can deduce that the aesthetics with the letter is granted both in the beginning of the speaker’s life as well as in the productions held by the letter. It can be concluded that if jouissance is what pours out of the inscription of lalangue in the body – inscription that leaves the stroke of the letter as a trace –, it can be thought of in its proximity with the pleasure/pain in the writing of this letter. That reflection leads us to conjecture that this qualitative experience with the letter can be interpreted as an aesthetic experience of jouissance, one that is a consequence of this letter. The allegorical writing thought of by Benjamin meets the writing discussed by Lacan, for both cause the decentralization of the person who opens oneself to the experience, whether with dialectical images or the letter. / O presente trabalho se propõe a investigar as possíveis relações entre o conceito de letra, proposto por Lacan, e o conceito de alegoria, pensado por Benjamin, e, assim, refletir sobre a possibilidade de diálogo entre os dois pensadores com relação à estética na escrita. O objetivo central, portanto, é discutir a estética experienciada na escrita, seja através da leitura de uma poesia ou de um romance, ou no próprio ato de escrita. Esta discussão será realizada visitando campos teóricos diferentes – a filosofia e a psicanálise, – com o intuito de promover encontros e/ou desencontros entre tais teorias. A pesquisa é teórico-reflexiva, o que significa dizer que foi feito um trabalho de análise sobre a base bibliográfica, na qual foram rastreadas as produções que abarcam os conceitos centrais para se alcançar os objetivos desta discussão, quais sejam: letra, em Lacan, e alegoria, em Benjamin. Assim, se a experiência com a escrita provoca o corpo de modo a, muitas vezes, extrapolar as bordas da linguagem e fazer-nos objetos de nossas próprias experiências, pode-se inferir que a estética com a letra é franqueada tanto nos primórdios da vida do falante como também nas produções em que a letra é seu suporte. Conclui-se que se o gozo é o que escorre à inscrição de lalíngua no corpo – inscrição que deixa como marca o traço da letra –, ele pode ser pensando em sua proximidade com isso que é prazer/dor da escrita dessa letra. Isso nos leva a conjecturar que essa experiência qualitativa com a letra pode ser interpretada como uma experiência estética do gozo, um gozo consequente dessa letra. A escrita alegórica pensada por Benjamin se encontra com a escrita pensada por Lacan, pois ambas provocam o descentramento daquele que se abre à experiência, seja com as imagens dialéticas, seja com a letra.

Made available in DSpace on 2017-07-10T18:55:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jani _Mendonca 1.pdf: 9273987 bytes, checksum: 9886f01dfd77e8d82a8e81216092777c (MD5) Previous issue date: 2014-09-29 / This study was designed in order to perform the analysis of the allegorical expressions in audiovisual composition of the television series Hoje é Dia de Maria, permeating the areas of human knowledge as myths, archetypes and beliefs and dabbling for languages that permeate the series as literature, theater, movie and television, taking into account the polyphony, memory and citation into the television narrative as structural elements of the series. For this, it was used as a methodology comparative studies and film analysis to perform to realize the analysis. So were taken based on the theories of authors such as Walter Benjamin, Milton José de Almeida, Mikhail Bakhtin, Claude Lévi-Strauss, Frances Yates, Andrei Tarkovsky and Zillah Bernd. The theoretical scope transits myth, television, cinema, language and memory, in order to reflect the structural connections of television series Hoje é Dia de Maria. Thus, the study is structured in three main stages, with content developed in chapters Ideas and Meanings, Allegory, Citation and Languages , for finally, in the chapter The Kaleisdoscope to realize the selected sequences analyzes / Este estudo foi elaborado com o objetivo de realizar a análise da manifestação alegórica na composição audiovisual da série televisiva Hoje é Dia de Maria, permeando áreas de conhecimento humano como mitos, arquétipos e crenças e incursionando pelas linguagens que norteiam a série como literatura, teatro, cinema e televisão, levando em consideração a polifonia, a memória e a citação presentes na narrativa televisiva como elementos estruturantes da obra. Para tanto, utilizou-se como metodologia os estudos comparados e análise fílmica para a realização do estudo. Assim, foram tomadas como base as teorias de autores como Walter Benjamin, Milton José de Almeida, Mikhail Bakhtin, Claude Lévi-Strauss, Frances Yates, Andrei Tarkovski e Zilá Bernd. O escopo teórico transita por mito, televisão, cinema, linguagem e memória, no intuito de refletir as ligações estruturais da obra televisiva Hoje é Dia de Maria. Dessa forma, o trabalho é estruturado em três momentos principais, sendo o conteúdo desenvolvido nos capítulos Ideias e Sentidos, Alegoria, Citação e Linguagens, para enfim, no capítulo O Caleidoscópio ser realizada a análise das sequências selecionadas

Esta dissertação propõe uma leitura crítica do romance Libro de navíos y borrascas, do escritor argentino Daniel Moyano, publicado em 1983. Tal leitura se constrói a partir do desenvolvimento de perspectivas de análise que levam em conta, por um lado, o caráter alegórico da narrativa e, por outro, a singularidade da enunciação de seu narrador, sendo a experiência do exílio o eixo articulador de nossa abordagem crítica. A teoria de Walter Benjamin sobre alegoria e narração e as relações entre enunciação e subjetividade, pensadas a partir das reflexões de Benveniste, Ricardo Piglia e Giorgio Agamben, nos fornecem alguns dos embasamentos teóricos mais fundamentais no traçado de uma reflexão acerca de como a relação entre linguagem e experiência configura a narrativa de Libro de navíos y borrascas como uma ficção do exílio. Na tentativa de contribuir para a consolidação de uma fortuna crítica da obra de Daniel Moyano, um autor pouco estudado tanto na Argentina como no Brasil, nosso estudo parte de fatores estéticos e históricos que dizem respeito ao contexto de produção do romance, bem como a determinadas concepções de seu autor acerca da escrita literária e às perspectivas críticas que se dedicaram à ficção argentina dos anos 1980, produzida sob o último regime militar vivido por aquele país. / This dissertation proposes a critical reading of the Argentinean writer Daniel Moyanos novel Libro de navíos y borrascas, published in 1983. Such reading is built on the development of perspectives of analysis that consider, on the one hand, the narratives allegorical characteristics, and on the other hand, its narrator enunciation uniqueness, where the exile experience is the articulating axis of our critical approach. Walter Benjamins theory on allegory and narration, as well as the relations between enunciation and subjectivity, considered from Benvenistes, Ricardo Piglias and Giorgio Agambens reflections, provide us some of the most fundamental theoretical foundation on the outline of a reflection on how language and experience define Libro de navíos y borrascass narrative as an exile fiction. In an attempt to contribute towards consolidating the critical fortune of Daniel Moyanos work, a scarcely studied author both in Argentina and Brazil, our study considers aesthetical and historical factors regarding the novels context of production, as well as certain conceptions of its author about literary writing and critical perspectives that dedicated themselves to the 1980s Argentinean fiction, produced under the latest military regime lived by that country.

O propósito desta dissertação é apresentar uma leitura de duas narrativas de Sagarana, São Marcos e A hora e vez de Augusto Matraga, como alegorias do fazer literário em G. Rosa. Na primeira, os elementos de feitiçaria, de reza brava e de experiências com a palavra são tomados como alegorias das concepções de linguagem e dos modos como se produzem os fazeres literários. Estas concepções e estes procedimentos passam por vários ensaios de avaliação de sua força produtora de efeitos poéticos e ficcionais, o que faz de São Marcos um laboratório da língua e de seus personagens verdadeiros artífices da palavra. Na segunda, a experiência do homem frente ao seu destino e sua luta contra a dominação e em favor da permanência de sua fama são consideradas como experiências semelhantes às do trabalho com a linguagem contra a domesticação normativa da escrita, o desgaste pelo uso excessivo ou o esquecimento pelo desuso. Assim, neste conto, a ficção encena, como seu efeito alegórico, a recaptura da condição selvagem, primitiva da linguagem. Em ambas, esta leitura tenta colher os elementos de uma poética rosiana, profundamente meditada e pensada no interior de sua própria produção literária. / This dissertation aims at presenting a reading of the Sagaranas two narratives, São Marcos and A hora e vez de Augusto Matraga, as literary composing alegories in G. Rosa. In the first narrative, the elements of sorcery, praying and experience with the word are taking as alegories of the language conceptions and the manners by wich the literary composings are created. These conceptions and proceedings are essayed to evaluate their producing force of poetics and fictional effects, in such a way that São Marcos turns a language laboratory and theirs characters true word artisans. In the further, The mans experience in front of his destiny and his fight both against the domination and for the permanency of his fame are taking as experiences like that of the labor with a language against writing normative domestication, the waste of excessive usage and the oblivion of the disuse. Therefore, in this story, the fiction shows, like alegoric effect, the recapture of the wild, primitive language condition. In both, this reading attempts to collect the elements of a Rosas poetic, deeply meditated and wellconsidered inside of their owns literary production.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-07-01T13:07:29Z No. of bitstreams: 1 pedrodefreitasdamascenodarocha.pdf: 658443 bytes, checksum: bfa6c3662042f0427d937294c9352b8f (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-07-13T16:00:27Z (GMT) No. of bitstreams: 1 pedrodefreitasdamascenodarocha.pdf: 658443 bytes, checksum: bfa6c3662042f0427d937294c9352b8f (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-07-13T16:00:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1 pedrodefreitasdamascenodarocha.pdf: 658443 bytes, checksum: bfa6c3662042f0427d937294c9352b8f (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-13T16:00:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 pedrodefreitasdamascenodarocha.pdf: 658443 bytes, checksum: bfa6c3662042f0427d937294c9352b8f (MD5) Previous issue date: 2012-12-19 / Este trabalho se debruça sobre as obras de ficção da escritora Tatiana Salem Levy. Nas obras estudadas, é marcante a tendência que a vida tem para a calamidade, constantemente anunciada por tempestades, acentuando seu caráter imperativo e inevitável. Em contraposição, destaca-se igualmente sua capacidade de restauração que brota de ínfimas frestas do caos instalado no cenário em que se desenvolvem as ações. Nesta tensão, as personagens perdem suas referências e precisam reestabelecer-se de alguma forma para sentirem-se novamente integradas, preenchidas de vida. Outro ponto intrigante nas obras da autora é a constante parca possibilidade de identificação destas personagens, uma vez que na maioria dos casos elas não possuem nome e se fazem incógnitas para os leitores. É difícil estabelecer o motivo desta falta de identidade, se esta fora motivada pela perda, ou a perda apenas corrobora o sentimento de vazio e falta de traços identitários marcantes. Para o sujeito repleto de lacunas, a realidade é absorvida em pedaços, fragmentos colecionados e guardados como esboço de um ideal de vaga realidade a qual pertence e representa, acredita pertencer e representar, ou ainda, da qual deseja pertencer e representar. Estes fragmentos são monumentos da significação alegórica que determinam a passagem do tempo e da decomposição de seus elementos em detrimento da confirmação de perenidade da identidade fixa. Ou seja, da modificação do próprio sujeito que, ao ver-se apegado à determinada condição ou a fatos do passado de sua existência, embota o presente e deixa de vislumbrar o futuro. Constitui-se, assim, no fazer literário, no lugar da escrita, o espaço viabilizador da reafirmação da identidade perdida, uma vez que escrever como processo de busca ampara-se em um trabalho consciente do sujeito às disposições de si presente na sociedade que o circunda. O objetivo deste trabalho é estabelecer padrões de comportamento a partir das ações das personagens, partindo da ausência de um eu afirmativo que desempenha uma ação, e estratégias comuns de reconstrução de suas personalidades. Para tanto, destacarei algumas características notadas nos textos, que servirão de pilares estruturantes de minha argumentação, quais sejam: as perdas, os nomes, os espaços e os discursos. / This paper focuses on the works of fiction writer Tatiana Salem Levy. In the works studied, is remarkable the tendency life has to calamity, constantly heralded by natural disasters, pointing out to its inevitability. In contrast, there is also a restoring ability which comes from tiny cracks from the chaos described in the stories. In this tension, the characters lose their references and need to re-establish themselves in some way to feel again integrated, fulfilled with life. Another intriguing issue is the constant possibility of identifying these characters, since in most cases they do not have names and are unknown to the readers. It is difficult to establish the reason for this lack of identity, whether it was motivated by the loss, or loss only confirms the feeling of emptiness and lack of identity features striking. As the subject are full of gaps, the reality is absorbed into pieces, fragments collected and saved as an outline and vague ideal of reality to which they belong or believe to belong. These fragments are monuments of the allegorical significance that determine the passage of time and the decomposition of its elements to the detriment of the confirmation of durability of fixed identity. Writing thus becomes the ideal place to the replace the subjects into society, specially to the ones they believe to have lost. The objective of this work is to establish standards of behaviour from the actions of the characters through which they aim to rebuild their personalities. The structural pillars of my argument, are: losses, names, places and speeches.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-09-27T18:49:15Z No. of bitstreams: 1 gheysalemesgoncalvesgama.pdf: 4548618 bytes, checksum: 237e8caee2745f73a0be0a21f32bed87 (MD5) / Approved for entry into archive by Diamantino Mayra (mayra.diamantino@ufjf.edu.br) on 2016-09-27T20:48:27Z (GMT) No. of bitstreams: 1 gheysalemesgoncalvesgama.pdf: 4548618 bytes, checksum: 237e8caee2745f73a0be0a21f32bed87 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-27T20:48:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 gheysalemesgoncalvesgama.pdf: 4548618 bytes, checksum: 237e8caee2745f73a0be0a21f32bed87 (MD5) Previous issue date: 2016-05-31 / A presente tese pretende investigar a mudança na representação da identidade cultural analisando o papel alegórico desempenhado pela estrada nos road movie brasileiros lançados entre 1960 e 2015. A hipótese revela que este grupo de obras fílmicas apresenta, num determinado momento histórico, representações de identidade coletiva (a identidade nacional), modificando-se posteriormente, para representar uma identidade fragmentada. Como resultado desse esforço observa-se a existência daquilo que presentemente estamos chamando de duas fases do road movie brasileiro: a “Viagem Física” (congrega filmes lançados entre a década de 1960 até 1998) e a “Jornada Interior” (com filmes de 1998 até 2015). O que mais diferencia essas duas fases são as alegorias assumidas pela estrada nestes road movies, que se modificam, ao mesmo tempo em que se verifica mudança na própria identidade cultural, esta última confirmada em autores como Anderson (2008); Bauman (2008, 2001, 1998) e Hall (2005). Se na primeira fase a estrada é apresentada como uma alegoria da nação e do povo brasileiro, na segunda fase, começa a representar a transformação individual, odisseia subjetiva, um espaço existencial, de transformação, que se configura como um ritual de passagem. A tese é amparada, para além dos fundamentos teóricos, na análise fílmica de seis películas: Iracema, uma transa amazônica (BODANZKY; SENNA, 1974); Bye bye Brasil (DIEGUES, 1979); Jorge, um brasileiro (THIAGO, 1988); Central do Brasil (SALLES, 1998); Cinemas, aspirinas e urubus (GOMES, 2005) e Dromedário no asfalto (VARGAS, 2014). Assim, se busca demonstrar, observando a representação de algumas características sociais e culturais presentes no cinema nacional, a real confluência entre as mudanças alegóricas nos road movies brasileiros com as transformações na construção da nossa própria identidade cultural. / This thesis aims to investigate the change in the representations of the cultural identity by analyzing the allegorical role played by the road in the Brazilian road movies released between 1960 and 2015. The hypothesis is that this group of films brings about, in a given historical moment, representations of collective identity (national identity), but changing later to represent a fragmented identity. As a result of this effort one might find the existence of what is now being called the two phases of the Brazilian road movie: the "Physical Journey" (congregating films released between 1960 to 1998) and the "Journey Within" (films from 1998 to 2015). What most distinguishes these two phases are the allegories personified by the road in these road movies, which change at the same time that changes in the cultural identity occur, the latter being confirmed by authors such as Anderson (2008); Bauman (2008, 2001, 1998) and Hall (2005). If the first phase, the road is presented as an allegory of the nation and of the Brazilian people, whereas in the second phase it begins to represent the individual transformation, the subjective odyssey, an existential space of transformation, which is configured as a rite of passage. The thesis is supported, in addition to the theoretical foundations, by the cinematic analysis of six films: Iracema, uma transa amazônica (BODANZKY; SENNA, 1974); Bye bye Brasil (DIEGUES, 1979); Jorge, um brasileiro (THIAGO, 1988); Central do Brasil (SALLES, 1998); Cinemas, aspirinas e urubus (GOMES, 2005) e Dromedário no asfalto (VARGAS, 2014). Thus, this work seeks to show, by watching the representation of some social and cultural characteristics present in the national cinema, the real confluence between the allegorical changes in Brazilian road movies with those in the construction of our own cultural identity.