Cette thèse s’inscrit dans le champ de la littérature de jeunesse comme lieu d’expression artistique à la croisée de la littérature et des arts visuels. L’objet de notre travail est de décrire les formes que revêt le péritexte et les fonctions qui lui sont assignées dans l’album pour la jeunesse. Parce que l’album est un laboratoire d’écriture, parce qu’il est un objet plurisémiotique, le péritexte, dans les recherches plastiques et narratologiques les plus innovantes, se voit investi par les auteurs et traité comme un espace de créativité sémantisé. La fiction déborde sur les seuils, les seuils s’immiscent dans la fiction. Nous proposons dans un premier temps une typologie, appliquée à l’album, des usages péritextuels afin d’interroger les débordements de seuils de la périphérie du texte vers le récit, et inversement, du récit vers la périphérie du texte. Dans un second temps, nous observons ces débordements : deux types de transgressions sont à l’œuvre, l’un s’observant dans le récit iconotextuel de l’album et l’autre, dans ses seuils péritextuels, redéfinissant alors les contours mêmes du récit. Enfin, dans une perspective didactique, nous interrogeons la réception des jeunes lecteurs qui reçoivent effectivement ces péritextes plus ou moins canoniques ou nettement déviants. Nous réfléchissons alors aux moyens d’utiliser en classe les éléments péritextuels, hors des rituels connus, pour en faire des entrées heuristiques dans la lecture / This thesis deals with the issue of children's literature as a means of artistic expression, at a crossroad between literature and visual art.The aim of this research is to describe the various forms that the peritext assumes and the functions assigned to it, within the literary genre of children's books.Because the peritext is a laboratory in writing, and as the children's book is a plurisemiotic object, the peritext, in its most innovative plastic and narratological research, is invested by authors and thus treated as a field of semantic creativity by them. Fiction crosses over thresholds while thresholds meddle with fiction. In a first part, a typology of peritextual usage applied to children's books is suggested, so as to examine the overlapping of thresholds from the textual fringe to the narrative, and vice versa, from the narrative to the textual fringe. In a second part, these overlaps, defined here as metalepsis, are examined. Two types of transgressions are at work, one that can be noticed in the iconotextual narrative of the book and another in its peritextual thresholds, thus redefining the very contours of the narrative itself. Finally, from a teaching perspective, the reception process among young readers, who receive these more or less canonical, if not deviating peritexts directly, is considered. How to use the peritextual elements in class out of common rituals is then pondered upon in order to be turned into heuristic entries in the reading process.

Notre thèse se propose d’étudier l'activité artistique contemporaine au tournant du XXIe siècle par le prisme de l’antagonisme entre travail et paresse. Le travail, autant que la professionnalité, la production et la monstration, par exemple, mais aussi la paresse, l’amateurisme, le dilettantisme ou encore le désœuvrement sont des notions qui questionnent l'activité artistique et que les artistes questionnent. Elles renvoient à la place de l'artiste dans la société, à la liberté et l'oisiveté créatrice que les représentations sociales et culturelles lui confèrent, à son activité comme travail non aliéné, modèle potentiel d'activité humaine. Il s’agit de comprendre l'art dans son étymologie (ars, artis : manière d'être, manière d'agir), de s’attacher aux œuvres d'art comme aux pratiques, aux gestes comme aux processus afin de pointer les enjeux de l’œuvre et de sa représentation, des images et statuts des artistes, du temps et de l'espace de la pratique, des conditions et régimes de celle-ci. / Our thesis proposes to study contemporary artistic activity at the turn of the twenty-first century by the prism of the antagonism between labour and laziness. Labour, as well as professionalism, production and demonstration, for example, but also laziness, amateurism, dilettantism or even idleness, are notions that question artistic activity and that artists question. They refer to the place of the artist in society, the freedom and creative idleness that social and cultural representations confer on him, his activity as a non-alienated work, a potential model of human activity. It is about understanding art in its etymology (ars, artis: way of being, way of acting), to attach ourselves to the works of art as to the practices, the gestures as the processes in order to point the issues of the work and its representation, the images and status of the artists, the time and space of the practice, the conditions and the regimes of this.

Ces dernières années, de nouvelles formes de couplage entre art et entreprise ont émergé et les travaux économiques et gestionnaires se sont multipliés sur ces questions. En particulier, un nombre croissant d'auteurs observe que la créativité des « industries culturelles » repose en réalité sur une nébuleuse de petites entreprises, dont les logiques de croissance mettent à l'épreuve les doctrines gestionnaires classiques. Pourtant, malgré des avancées, typologies et leviers d'action managériaux classiques semblent limités pour prendre en compte de nouvelles logiques entrepreneuriales en art. À ce titre, cette thèse vise à montrer qu'une forme singulière d'entrepreneuriat artistique, que nous appelons les entreprises à prestations artistiques (EPA), est restée jusqu'ici difficile à identifier et à gérer, notamment faute d'une compréhension précise des spécificités de l'activité artistique elle-même. Aussi, à partir d'une analyse de travaux académiques portant sur les rapports entre art et entreprise, ainsi que d'une recherche empirique approfondie au sein d'une entreprise opérant dans la création de « jardins artistiques », notre travail commence par exposer les spécificités des EPA, suggère de nouveaux types de crises à prévoir, ainsi que de nouveaux actes de gestion pour les surmonter. En révélant qu'une logique du « détail signifiant » en art implique de repenser les modèles classiques de management, cette étude nous conduit ensuite à mener un examen détaillé des processus de signification artistique. À cet effet, nous mobilisons les travaux du philosophe analytique, Nelson Goodman et nous introduisons la notion de densification pour caractériser finement la dynamique signifiante de l'activité artistique. Nous montrons alors que la gestion des processus de densification est au coeur d'un nouvel agenda incombant aux managers des EPA. Une proposition d'agenda « étendu » est alors testée sur quatre cas d'études complémentaires dans les secteurs du cinéma, de la scénographie, du théâtre et du graphisme. Tout en élargissant la portée de nos résultats, cet effort de généralisation nous permet finalement d'établir les fondements d'une théorie contingente du management des EPA.

L'art ouvre des portes, permet de saisir l'air du temps, de mettre des mots, couleurs, images, gestes sur ce qui est parfois difficile à saisir. Il est des cas où l'art peut véritablement agir comme un révélateur d'une certaine réalité sociopolitique. Au Québec, le milieu socioculturel a un énorme impact sur les différents récits identitaires articulés autant dans le politique, mais aussi dans les médias et évidemment au sein des arts et de la culture. Saisir le politique par l'art peut donc sembler être une voie marginale mais nous croyons que cette voie est essentielle pour analyser ce que nous qualifions être une transformation du récit identitaire au Québec. Par récit identitaire, terme que nous empruntons à Jocelyn Maclure dans son livre du même titre, nous englobons une réalité plus large que ce que peut contenir le concept d'identité, car si le questionnement identitaire est bien à l'oeuvre au niveau sociopolitique, les réalités identitaires contemporaines sont aujourd'hui beaucoup plus floues et peuvent même varier selon les besoins du sujet, particulièrement en cette ère postmoderne. Nous nous pencherons ici davantage sur deux champs de la pratique artistique québécoise, soit les arts visuels et plus partiellement sur la littérature. Nous émettons l'hypothèse que certaines manifestations dont témoignent ces deux champs artistiques ont laissé présager d'une transformation du récit identitaire au Québec et ce, bien avant que celle-ci ne devienne perceptible au plan politique. L'actuelle « crise » identitaire perceptible au niveau politique peut ainsi être comprise comme le deuxième acte d'une histoire en deux temps de cette transformation du récit identitaire dont le premier acte s'est joué dans les arts et la culture. Le récit identitaire est passé d'un pôle ethniciste, nationaliste et indépendantiste -particulièrement incarné dans les différents courants artistiques, avant-gardistes et même au niveau de la culture populaire -pour se déplacer, ou se réarticuler, vers un pôle civique et valorisant le métissage culturel. Notre démarche sera donc de démontrer que l'art et la culture ont été parties prenantes de la transformation du récit identitaire québécois, passant du récit de l'émancipation nationale à celui de la citoyenneté, du métissage culturel et de l'hybridation identitaire. Nous avons choisi de situer notre démarche dans le cadre théorique de la pensée postmodeme avec les thèses de certains auteurs ayant contribué à la recherche sur la postmodemité ; Michel Maffesoli, Gianni Vattimo, Jean-François Lyotard et Umberto Eco. Nous croyons que certaines idées que nous leur empruntons peuvent nous permettre de mieux comprendre le devenir du récit identitaire et l'analyser aussi bien sur le plan des arts et de la culture que sur celui du politique, notamment les notions de métissage, de la tribalisation du monde, de la fin des métarécits, de la transfiguration du politique et de l'oeuvre ouverte. Dans la question de l'identité québécoise, cette approche se veut un apport de fragmentation, d'identités plurielles. Et dans le cas qui nous occupe plus particulièrement, l'analyse de la transformation du récit identitaire par la voie des arts et de la culture, l'approche postmodeme a le mérite de créer un pont avec la notion d'esthétique, mais aussi dans les sphères sociales et politiques et de rendre ainsi compte d'une impasse qu'il y a à clairement définir l'identité collective. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Identité, Art et politique, Québec contemporain, Postmodernité.

L'intégration de l'éducation artistique à la formation de l'artiste de cirque soulève des interrogations quant aux moyens utilisés par les formateurs issus de milieux artistiques divers pour développer les compétences à créer et à interpréter inhérentes au projet d'éducation artistique en cirque. Or, le peu de documentation portant sur le sujet nous amène à considérer les pratiques d'éducation artistique comme un terrain d'investigation privilégié pour étudier les réalités pédagogiques liées à cette discipline. Le but de cette étude est d'explorer les pratiques d'éducation artistique de trois formateurs intervenant auprès d'artistes de cirque afin d'en décrire la démarche et de faire l'inventaire des stratégies pédagogiques que ces derniers mobilisent. Cette étude de pratique s'inscrit dans le paradigme de recherche qualitative de type ethnographique. L'observation participante et l'entrevue semi-dirigée pré et post observation sont les outils de cueillette de données utilisés pour répondre à nos questions de recherche. La question générale de recherche est la suivante: Quelles sont les stratégies pédagogiques utilisées par les formateurs dans leur démarche d'éducation artistique auprès d'artistes de cirque? Cette recherche s'articule autour de cinq grands thèmes: l'éducation artistique, les stratégies pédagogiques, la démarche pédagogique, les styles d'enseignement et l'approche pédagogique. Nous nous réfèrerons au champ de la pédagogie pour expliquer les démarches d'éducation artistique des formateurs à l'étude. Ainsi, le cadre d'analyse s'articule autour des quatre composantes de la stratégie pédagogique: les visées, les objectifs pédagogiques, les activités d'apprentissage et les stratégies d'enseignement. Dans un premier temps, le déploiement des stratégies pédagogiques est présenté puis synthétisé sous forme de tableaux. Dans un deuxième temps, une lecture transversale permet de faire ressortir l'intention d'éducation artistique des formateurs. Par la suite, la discussion des résultats met en lumière les styles d'enseignement caractérisant les formateurs à l'étude ainsi que l'approche pédagogique englobant l'ensemble des choix pédagogiques. La présente étude permet de faire ressortir différentes démarches et approches utilisées en éducation artistique en cirque. Elle contribue à faire un lien entre les concepts pédagogiques et les connaissances issues des pratiques d'éducation artistique telles qu'elles se manifestent dans le milieu du cirque. Elle propose une description de ces pratiques et des pistes de réflexion permettant de questionner et d'élaborer une démarche pédagogique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Cirque, Éducation artistique, Formateur, Formation, Artiste, Stratégie pédagogique, Style d'enseignement, Démarche et approche pédagogique.

Cette étude origine du désir de mieux comprendre le phénomène de l'engagement chez les créateurs en arts visuels. Nous souhaitions ainsi saisir les stratégies pédagogiques dont dispose un enseignant afin de mettre en place des conditions d'engagement favorables pour les élèves. Des recherches dans les domaines de l'éducation et de la psychologie, notamment celles de Gosselin (1998, 2000) et Routhier (2002), nous ont permis de déterminer les concepts fondamentaux de l'engagement en tant que phénomène et d'en comprendre le déploiement chez l'individu impliqué dans un projet de création. D'autres chercheurs s'interrogeant sur les processus de création nous ont aussi servis à établir les assises théoriques de notre recherche (Gingras-Audet, 1978; Deschamps, 2002; Courval, 1994). Afin de comprendre le phénomène d'engagement dans le contexte d'une classe d'art, nous avons procédé à une expérimentation en milieu collégial sous la forme d'entrevues. Nous avons d'abord décrit la perception de l'engagement chez les élèves pour ensuite en constater l'évolution lors du processus de création. En considérant aussi le point de vue de leur enseignant, nous avons relevé les moments clés où l'apport de celui-ci était déterminant pour l'engagement des élèves. Finalement, nous avons dégagé certaines conditions d'enseignement et d'apprentissage favorisant l'engagement des élèves du collégial envers leur projet de création. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Engagement, Création, Art, Conditions d'apprentissage, Élèves, Collégial.

Dans l'introduction du mémoire, nous soumettons une brève description de la recherche, une mise en contexte de celle-ci, la méthodologie employée ainsi qu'une terminologie du néologisme « strat ». Dans le premier chapitre, « Strat, un personnage? Une hypothèse généalogique », nous examinons notre production antérieure à la lumière du projet de recherche. Nous interrogeons, entre autres, la notion même de personnage proposée dans la recherche à travers une hypothèse généalogique. Au chapitre 2, « Lieux et non-lieux de la création médiatique », nous questionnons la notion de lieu à travers un corpus d'oeuvres médiatiques problématisant les notions de présence, de proximité, d'espace virtuel, de topologie imaginaire. En arrière-plan de ce questionnement, il y a une réflexion sur la notion de métabolisme. Au chapitre 3, « L'oeuvre et sa réalisation », nous examinons le processus de conception et de réalisation de Strat. Le chapitre se divise en quatre sections : aspect descriptif, aspect compositionnel, oeuvres apparentées, aspect matériel. Deux appendices complètent le document. L'appendice A est un schéma conceptuel. L'appendice B est un DVD contenant des images d'archive et des captations vidéo des différentes présentations de l'oeuvre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Arts numériques, Autopoiétique, Communication, Écosophie, Installation, Interactivité, Vidéo, Vie artificielle.

Cet essai cherche à justifier l'importance sociale que peut avoir l'art à travers le modèle de communication qu'il permet de concevoir pour bâtir un modèle de démocratie créative comme celui dont rêvait John Dewey. À partir de l'analyse des principes du langage, cet essai explore la nature culturelle de notre pensée et l'influence que celle-ci a sur notre construction d'une identité et d'une vision du monde. Il cherche, d'autre part, à expliquer comment la nature sociale du langage peut facilement devenir tyrannique quand elle s'assimile à la Vérité et elle nie notre part d'individualité dans toute pensée. Ce travail vise ensuite à présenter l'expérience esthétique comme champ de la pensée individuelle, comme point de vue aux abords de la culture, comme libération de la perception. Finalement ce mémoire se veut une exposition d'une démocratie basée sur l'expérience esthétique dont le principe serait étendu à toute expérience humaine pour trouver une alternative au dilemme de l'identité dans la communauté, du rapport à l'autre sans domination; une voie pour le dialogue et un meilleur vivre-ensemble. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Langage, Expérience esthétique, Démocratie.

Le trac ou ce que l'on pourrait appeler l'anxiété reliée à la performance touche tant les artistes de la scène que la plupart des personnes devant s'exprimer en public. Même si certains de nos contemporains ne le prennent pas vraiment au sérieux, le trac n'en demeure pas moins un avatar social important qui affecte, et parfois compromet, bon nombre de carrières artistiques. C'est ainsi qu'on dénombre, seulement aux États-Unis, une vingtaine de centres spécialisés dans le traitement du trac en lien avec les arts de la performance. Au-delà des symptômes de ce mal-être, il importe de bien comprendre la nature même de la relation entre un exécutant et le public ainsi que de tenir compte de différents propos sur l'art. Dans le cadre de la présente étude, le trac constitue un point focal pour l'analyse de l'intersubjectivité à l'intérieur des processus communicationnels et créatifs au niveau des arts de la scène, et cela, en privilégiant l'expression. L'anxiété de la performance s'y trouve examinée non pas comme un trouble émotionnel, mais comme un phénomène relationnel. Comment le trac influence-t-il l'expression artistique et la rétroaction du public dans les arts de la scène? Quelle en est la genèse? Qu'elles en sont les répercussions? Semblable crainte découlerait d'une perception erronée de la part d'un interprète quant à son identité à la fois d'individu et d'artiste. Elle découlerait aussi du rôle qu'il s'attribue sur le plan social et de l'importance qu'il accorde au public. Il s'agirait en somme d'un sentiment de cohérence ou d'incohérence entre la transparence des intentions créatrices de l'artiste et leur expression. L'artiste se trouve alors en plein coeur d'une quête d'authenticité. Un parallèle peut naturellement s'établir entre l'anxiété reliée à la performance sur scène et le phénomène du chaos créateur qui survient surtout au stade d'une création artistique solitaire comme dans le cas de l'écriture ou de la peinture. Grâce au précieux apport de l'herméneutique, notre recherche de type phénoménologique nous permettra de mieux appréhender les périodes de doute et d'insécurité que vit l'artiste. Elle nous permettra également de mieux percevoir comment il peut en tirer profit en matière d'enrichissement épistémique. Les phénomènes du trac et du chaos intérieur, pourvu qu'ils soient bien compris, habilitent l'interprète de scène à redéfinir plus adéquatement le rôle créatif dont il s'investit. Ils lui donnent aussi l'occasion de se doter d'objectifs professionnels qui s'harmonisent davantage avec sa personnalité profonde, son art et son environnement tout en l'incitant à recourir à des techniques plus adéquates pour ce faire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Communication, Relation, Arts de la scène, Artiste, Oeuvre, Interprétation, Anxiété, Trac, Timidité, Phénoménologie, Herméneutique.

Suite à notre constatation qu'il n'existe pas, à ce jour, d'études approfondies portant sur l'activité artistique du sculpteur et performeur canadien André Fournelle, nous avons voulu y contribuer en étudiant neuf interventions de cet artiste contemporain, qui mettent en évidence la valeur d'une activité symbolique singulière. Son travail constitue un exemple incontestable de persistance et d'innovation sur la scène canadienne des arts visuels. Créateur prolifique, ses sculptures monumentales et ses installations éphémères échappent au cadre du marché de l'art « traditionnel ». Malgré l'envergure et l'ampleur de son oeuvre, aucune exposition rétrospective n'a eu lieu à ce jour. Consciente de la complexité de son oeuvre et la dispersion de la documentation le concernant, nous avons décidé de restreindre notre objet d'étude à l'analyse de quelques éléments (formes, matériaux et sites) que l'artiste utilise avec régularité dans ses interventions. Nous nous sommes vue contrainte de procéder à une sélection. Neuf oeuvres -Fires in your cities (1982), Passage, série Grèce (1983), Spirale (1989), Resecare (1990), L'interdit Damoclèse (1992), L'ombre Rouge (1998), Lumière et silence (1999), L'esprit de lieux (2001), Pyrophore (2003) -se sont finalement imposées comme faisant partie d'un projet continuel qui traverse, depuis longtemps, son travail créatif. Le système de la création de ces oeuvres et le mode de leur apparition contribuent largement à dessiner l'univers particulier du sculpteur. Les citations d'autres travaux de l'artiste sont ici nombreuses, car nous croyons utile de soumettre au lecteur les oeuvres mêmes que nous étudions, étant donné qu'elles n'ont jamais été réunies auparavant au sein d'une seule étude. Cette recherche étant basée sur une approche analytique, certains éléments présents dans la démarche artistique de Fournelle y sont analysés sous différents aspects. C'est cette démarche de lecture, au-delà d'une description qui révélera le type de thème que le langage symbolique a pour vocation d'exprimer. En effet, ce mémoire s'appuie sur une importante recherche d'archives personnelles, textes critiques, interviews avec A. Fournelle, et constitue en grande partie, un travail d'interprétation. Notre étude ne prétend être, ni définitive, ni complète. Mais celle-ci a été élaborée d'une manière aussi transparente que possible. Il s'agit par conséquent d'une réflexion préliminaire pour la réalisation de futurs travaux concernant l'activité artistique de ce sculpteur multidisciplinaire. Néanmoins, nous croyons avoir démontré que l'activité symbolique d'André Fournelle s'appuie sur les bases d'un vocabulaire riche et condensé sous des formes symboliques universelles qui émanent d'une subjectivité singulière. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : André Fournelle, Art contemporain, Activité symbolique, Formes, Matériaux et l'esprit des lieux.