Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Considering that during the Baroque there was arguably nothing more enigmatic than the emblematic tradition, this thesis discusses how emblems played a role in the configuration of subjectivities in New Spain and, more precisely, in their production of symbolic imagery. Through the analysis of the poetic, political, and philosophical functions of the 1680 Neptuno alegórico (Allegorical Neptune), this this study discusses the concepts of "emblem,"ekphrasis"," "syncretism," and "neoplatonic tradition" in one of the most rethorical and multifaceted texts of the humanist writer and Hieronymite nun sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695). / Graduate / mplundin@gmail.com

Analisa a arquitetura e a ornamentação de cento e vinte igrejas urbanas remanescentes no Estado de São Paulo, construídas nos períodos colonial e imperial, observando as transformações espaciais e arquitetônicas ocorridas nas mesmas desde a edificação dos primeiros templos católicos no Estado, no século XVI, até o advento da República, no século XIX. Para tanto, aborda os padrões estéticos dos seguintes períodos artísticos: maneirismo, barroco, rococó e a transição para o neoclassicismo. Discorre sobre técnicas e materiais construtivos, a organização espacial das igrejas e sua inserção no tecido urbano. Analisa também os trabalhos de pintura e de entalhe que adornam os interiores das igrejas, evidenciando influências externas e padrões desenvolvidos no Estado de São Paulo. Realiza uma catalogação de arquitetos, artistas, entalhadores, escultores e pintores que atuaram nos templos pesquisados. Avalia a grande importância artística das igrejas e apresenta suas qualidades arquitetônicas, de pintura e de entalhe, evidenciando, em uma visão de conjunto, os elementos caracterizam a arte propriamente paulista desse período. Constata que a arquitetura e as artes religiosas de São Paulo formaram um conjunto expressivo e com influências várias e características únicas, de grande interesse e inestimável valor histórico e cultural. / This thesis analyzes the architecture and ornamentation of 120 remaining urban churches in São Paulo, that was built in the colonial and imperial periods, observing the spatial and architectural changes that occurred in that since the building of the first Catholic churches in the state, in the sixteenth century, until the end of the imperial period, in the nineteenth century. Talks about the aesthetic standards of the following artistic periods: Mannerism, Baroque, Rococo and the transition to Neoclassicism. It discusses constructive techniques and building materials, the spatial organization of the churches and their role in the urban space. It also analyzes the works of painting and wood carver that decorate the interiors of churches, showing external influences and standards developed in São Paulo. It catalogs architects, artists, carvers, sculptors and painters who worked in this temples. Evaluates the artistic importance of the churches and presents its architectural, paint and carver qualities, showing, in an overview, the elements that characterizing the own art of São Paulo of this period. Notes that the architecture and religious arts of São Paulo formed a significant group and with various influences and unique features of great interest and inestimable historical and cultural value.

[pt] Esta dissertação roçará pelo ficcional. Teremos um Vieira personagem que, como ator, aparece em cena já idoso, invadido pelo passado, a recordar, a escrever, trazido pela narradora onisciente que lhe decifra gestos, palavras e até pensamentos. Através dele, conheceremos um pouco de sua vida e da vida de Inácio de Loyola, o seu grande mestre. Analisaremos, desde a sua gênese, a Reforma e a Contra-Reforma, a sua influência sobre Vieira e o seu posicionamento diante dos dois movimentos que mudaram a história da Igreja.. Neste contexto, examinaremos o movimento artístico que tanto influenciou Vieira, o Barroco - movimento de transgressão, com suas tendências e características, e o interesse da Igreja em dele apropriar-se para fazê-lo a sua arma de divulgação. Analisar-se-ão, finalmente, alguns sermões, começando pelos que se intitulam As cinco pedras da funda de Davi, e nestes sobretudo a questão do conhecimento de si mesmo, abordada por Vieira através das parábolas e histórias bíblicas por ele privilegiadas.Nos sermões do Rosário, referentes aos negros, atentarse- á para o forte cunho social e político que lhes é imprimido e a dura crítica aos senhores de engenho.Nos sermões do Mandato, tratar-se-á da contraposição do amor divino ao humano, destacando-se a questão do fino amor, proposta por Vieira, demonstrada através do contraponto entre a fineza dos dois amores, o divino e o humano, este sempre duvidoso e inconstante. / [en] This thesis borders on the fictional. Its protagonist is Vieira, already an old man, haunted by the past, reminiscing and writing, a character created by the omniscient narrator who deciphers his gestures, words and even thoughts. Through Vieira we learn something not only about his own life but also about that of Ignatius of Loyola, his great master. An analysis is made of the Reformation and the Counterreformation, from their very beginnings, and of their influence on Vieira, showing the stands he took in relation to the two movements that changed the history of the Church. In this context we will examine the artistic movement that had such influence on Vieira, the baroque - a transgressive movement, with its trends and characteristics, which the Church tried to appropriate for its own propaganda purposes.Finally, we will also analyze a few sermons, beginning with those known under the title The Five Stones in David`s Sling, with the emphasis on the issue of self-knowledge, which Vieira approaches by means of parables and favorite Biblical stories.In the Rosary sermons, which refer to the condition of black people, we underscore their very strong social and political flavor, with their harsh criticism of the powerful owners of sugar plantations.In the Mandate sermons, the theme is the contrast between divine love and human love; in them Vieira discusses the topic of fine love, demonstrating his views through a counterpoint between the fineness of the two loves, the divine and the human, the latter always doubtful and inconstant.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gicelma da Fonseca Chacarosqui Torchi.pdf: 2845002 bytes, checksum: 6212b8bb3bbf1187427230cc682d683b (MD5) Previous issue date: 2008-03-27 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / The aim of this research is the study of the intersemiotics translations made by the filmic work of Joel Pizzini Caramujo-flor(Clam-flower) re(reading) the verbal and visual signs that are interlaced in the construction of the poetic text of Manoel de Barros´s work Gramática Expositiva do Chão-Poesia quase toda. We started from the problem that the semiotics relationships between the poetic of Manoel de Barros and the film Caramujo-flor (Clam-flower) constitute what we can call Movies of Poetry. Therefore, our aim is to analyze the film and the poems that make it, in a correlating way, to prove the raised problem. This analysis was developed around three significant axes: the metaphor of the mosaic that translates the intersemiotics relationships; the fictional imaginary and its presence in culture, going through the Baroque and the eroticism of the poetic word and its recreation in the filmic object; finally, how the proliferous relationship of the intertextual, metalinguistic and hybridization elements influence the semiotic-cultural mediations accomplished by the medias, especially the movies. We articulated, therefore, as first hypothesis, that Clam-flower, when proposing a new look on the appealing narrative structures of the independent movies, enrolls in what Buñuel and Pasolini call Movies of Poetry . As a methodological approach, we will use the necessary bibliographical research instead of the analysis of the procedures on the construction of the studied works. Based on the authors that study movies and in the translating theories between semiotics and movies, joined to Joel Pizzini's and Manoel de Barros bibliographies. The based theory is the semiotics of lotmaniana root, in which the dialogue among the cultural compounds permeates the frontier zones of the arts, promoting generating spaces of sense that move dynamically. Concerning movies, we will use the theories of Eisenstein, Pasolini and Buñuel. In order to elucidate the questions concerning the Baroque, we will read Sarduy and Haroldo de Campos. We also point out authors as Paul Zumthor, who works with the performance specification of the oral language. We also go through the translation theorists (from Benjamin to the concretes) along with those of the miscegenation (Laplantine, Gruzinski, Amálio Pinheiro, etc) / O objeto desta pesquisa é o estudo das traduções intersemióticas feitas pela obra fílmica de Joel Pizzini Caramujo-flor ao re(ler)os signos verbais e visuais que se entrelaçam na construção do texto poético de Manoel de Barros na obra Gramática Expositiva do Chão-Poesia quase toda. Partimos do problema de que as relações semióticas entre a poética de Manoel de Barros e o filme Caramujo-flor constitui o que podemos chamar de Cinema de Poesia. Nosso objetivo portanto é analisar o filme e os poemas que o constituem, de maneira correlacional, para comprovarmos o problema levantado. Análise esta desenvolvida em torno de três eixos de significação: a metáfora do mosaico que traduz as relações intersemióticas; o imaginário ficcional e sua presentificação na cultura, perpassando pelo barroco e pelo erotismo da palavra poética e sua recriação no objeto fílmico; por fim, como a relação prolífera dos elementos intertextuais, metalingüísticos e de hibridação influenciam as mediações semiótico-culturais realizadas pelas mídias, especialmente o cinema. Articulamos, portanto, como hipótese primeira que Caramujo-flor, ao propor um novo olhar sobre as estruturas narrativas recorrentes do cinema independente se inscreve no que Buñuel e Pasolini chamam de Cinema de Poesia . Como procedimento metodológico usaremos a pesquisa bibliográfica necessária à análise dos procedimentos de construção das obras estudadas. Fundamentando-nos nos autores que estudam cinema e nas teorias tradutórias entre semiótica e cinema, agregados as bibliografias de Joel Pizzini e Manoel de Barros. A teoria base é a semiótica de raiz lotmaniana, segundo a qual o diálogo entre os complexos culturais permeia as zonas fronteiriças das artes, promovendo espaços geradores de sentido que se movem dinamicamente. Sobre cinema lançaremos mão das teorias de Eisenstein, Pasolini e Buñuel. Para elucidar as questões referentes ao barroco leremos Sarduy e Haroldo de Campos. Ressaltamos ainda autores como Paul Zumthor, que trabalham a especificidade performática da linguagem oral. Perpassamos também pelos teóricos da tradução (desde Benjamin aos concretos) em conjunção com os da mestiçagem (Laplantine, Gruzinski, Amálio Pinheiro etc)

This thesis project explores the connection between Cuban identity and the twentieth-century Neobaroque. The paper approaches the Neobaroque as a concept that reoriginates or "refracts" culture, implying a relationship between Baroque forms and post-colonial Latin America that creates a transformation of cultural expression. Furthermore, the Neobaroque is seen relating to questions of cultural identity, post-colonialism, transculturation, mestizaje, and Latin American modernity. The Neobaroque's relevancy with Cuba is stipulated in twentieth-century writings of three Cuban authors known as the Cuban triumvirate: José Lezama Lima, Alejo Carpentier, and Severo Sarduy. Similar themes of these writers concerning the Neobaroque's connection with the urban environment of Havana as well as connections to José Martí's writing Nuestra América are highlighted as key components connecting the Neobaroque with Cuban culture. / Graduate / 0336 / 0626 / scruiksh@uvic.ca

[ES] Por considerarse un periodo crucial dentro de la pintura de la escuela valenciana, es digno de una rigurosa investigación el estudio de la transición entre soportes pictóricos en el paso de la tabla al lienzo. La contribución de un abanico de pintores a esta evolución técnica en el panorama artístico valenciano marcará la producción de los siglos posteriores, perpetuando una nueva forma de pintar sobre lienzo que no terminará de reemplazar por completo a la tradicional pintura sobre tabla. Una serie de particularidades técnicas y matéricas acompañarán este cambio, ya que en su afán por abrazar los nuevos recursos pictóricos, los maestros de la pintura valenciana del siglo XVI y dos primeros tercios del XVII introducirán nuevos procedimientos y materiales en sus obras. A su vez, la sensibilidad artística del momento virará desde la enraizada tradición juanesca plenamente renacentista, hacia el naturalismo y la búsqueda de la realidad inmediata que surgiría en València con la llegada de Juan Sariñena y Francisco Ribalta. Profundizar en el conocimiento de la magnitud de este cambio técnico y estilístico desde varios enfoques pero principalmente desde el científico, gracias al acceso a un conjunto de pinturas que abarcan la producción de Juan de Juanes hasta la de Jerónimo Jacinto de Espinosa, ha permitido reconstruir la manera de trabajar de los principales talleres de pintura de este periodo. En efecto, el alcance de este estudio no habría sido posible sin una extensa labor de revisión de la literatura artística, siendo los tradicionales tratados, manuales y recetarios de pintura referencias clave en la interpretación de los datos que el método científico ofrece. Las aportaciones que brinda esta investigación no solo confirman el esplendor de esta etapa de la pintura valenciana, sino que a su vez se constituyen como un apoyo sólido sobre el que fundamentar nuevas autorías y atribuciones y la puesta en valor por la conservación de nuestro patrimonio pictórico. / [EN] For being considered a crucial period inside the painting of the Valencian school, the study of the transition between pictorial supports in the step of the wooden panel to the canvas is worthy of a rigorous research. The contribution of a range of painters to this technical evolution in the Valencian artistic panorama will mark the production of later centuries, perpetuating a new way of painting on canvas that will not finish completely replacing the traditional painting on panel. A series of technical and material particularities will accompany this change, since in their eagerness to embrace the new pictorial resources, the masters of Valencian painting of the 16th century and two first thirds of the 17th will introduce new procedures and materials in their masterpieces. At the same time, the artistic sensibility of the moment will veer from the fully Renaissance Juanes'deep-rooted tradition, towards naturalism and the search for the immediate reality that arose in València with the arrival of Juan Sariñena and Francisco Ribalta. Deepen the knowledge of the magnitude of this technical and stylistic change from several approaches but mainly from the scientific one, thanks to access to a set of paintings that include the production from Juan de Juanes to that of Jerónimo Jacinto de Espinosa, has allowed to reconstruct the way of working of the main painting workshops of this period. Indeed, the scope of this study would not have been possible without extensive work review of the artistic literature, being the traditional treatises, manuals and recipe books of painting key references in the interpretation of the data that scientific method offers. The contributions that provide this research not only confirm the grandeur of this stage of Valencian painting, but at once they constitute themselves as a solid support on which to base new authorships and attributions and make the enhancement for the conservation of our pictorial heritage. / [CA] Per considerar-se un període crucial dins la pintura de l'escola valenciana, és digne d'una rigorosa investigació l'estudi de la transició entre suports pictòrics en el pas de la taula al llenç. La contribució d'un ventall de pintors a aquesta evolució tècnica en el panorama artístic valencià marcarà la producció dels segles posteriors, i perpetuarà una nova forma de pintar sobre llenç que no terminarà de reemplaçar per complet la tradicional pintura sobre taula. Una sèrie de particularitats tècniques i matèriques acompanyaran aquest canvi, ja que en el seu afany per abraçar els nous recursos pictòrics, els mestres de la pintura valenciana del segle XVI i dos primers terços del XVII introduiran nous procediments i materials en les seues obres. Alhora, la sensibilitat artística del moment virarà des de l'arrelada tradició joanesca plenament renaixentista, cap al naturalisme i la cerca de la realitat immediata que sorgirà a València amb l'arribada de Joan Sarinyena i Francesc Ribalta. Profunditzar en el coneixement de la magnitud d'aquest canvi tècnic i estilístic des de diversos enfocaments però principalment des del científic, gràcies a l'accés a un conjunt de pintures que comprenen la producció des de Joan de Joanes fins a la de Jeroni Jacint d'Espinosa, ha permés reconstruir la manera de treballar dels principals tallers de pintura d'aquest període. En efecte, l'abast d'aquest estudi no hauria sigut possible sense una extensa labor de revisió de la literatura artística, sent els tradicionals tractats, manuals i receptaris de pintura referències clau en la interpretació de les dades que el mètode científic ofereix. Les aportacions que brinda aquesta investigació no sols confirmen l'esplendor d'aquesta etapa de la pintura valenciana, sinó que alhora es constitueixen com un suport sòlid sobre el que fonamentar noves autories i atribucions i la posada en valor per la conservació del nostre patrimoni pictòric. / La tesis doctoral que aquí se presenta fue llevada a término gracias a una serie de ayudas que han sido indispensables para esta investigación. En primer lugar, la concesión de una beca de carácter predoctoral con una duración máxima de tres años (01/07/2014 - 30/06/2017) integrada dentro de las Ayudas para la contratación de personal investigador de carácter predoctoral, programa VALi+d (DOCV núm. 7081/02.08.2013) financiadas por la Consellería de Educación, Cultura y Deporte de la Generalitat Valenciana. Por otra parte, los estudios analíticos derivados de este trabajo se incluyen en el marco del proyecto de investigación del Ministerio de Economía, Industria y Competitividad (MINECO) CTQ2014-53736-C3-01-P sobre la Aplicación de las técnicas nanoelectroquímicas y biotecnologías en el estudio y conservación del patrimonio en metal, cofinanciado con fondos FEDER y adscrito al Programa Estatal de Fomento de la Investigación Científica y Técnica de Excelencia, Subprograma Estatal de Generación del Conocimiento. / Castelló Palacios, A. (2021). De la tabla al lienzo. Evolución técnica del soporte pictórico en la Escuela Valenciana del Renacimiento pleno al naturalismo barroco [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/162071 / TESIS

Analisa a arquitetura e a ornamentação de cento e vinte igrejas urbanas remanescentes no Estado de São Paulo, construídas nos períodos colonial e imperial, observando as transformações espaciais e arquitetônicas ocorridas nas mesmas desde a edificação dos primeiros templos católicos no Estado, no século XVI, até o advento da República, no século XIX. Para tanto, aborda os padrões estéticos dos seguintes períodos artísticos: maneirismo, barroco, rococó e a transição para o neoclassicismo. Discorre sobre técnicas e materiais construtivos, a organização espacial das igrejas e sua inserção no tecido urbano. Analisa também os trabalhos de pintura e de entalhe que adornam os interiores das igrejas, evidenciando influências externas e padrões desenvolvidos no Estado de São Paulo. Realiza uma catalogação de arquitetos, artistas, entalhadores, escultores e pintores que atuaram nos templos pesquisados. Avalia a grande importância artística das igrejas e apresenta suas qualidades arquitetônicas, de pintura e de entalhe, evidenciando, em uma visão de conjunto, os elementos caracterizam a arte propriamente paulista desse período. Constata que a arquitetura e as artes religiosas de São Paulo formaram um conjunto expressivo e com influências várias e características únicas, de grande interesse e inestimável valor histórico e cultural. / This thesis analyzes the architecture and ornamentation of 120 remaining urban churches in São Paulo, that was built in the colonial and imperial periods, observing the spatial and architectural changes that occurred in that since the building of the first Catholic churches in the state, in the sixteenth century, until the end of the imperial period, in the nineteenth century. Talks about the aesthetic standards of the following artistic periods: Mannerism, Baroque, Rococo and the transition to Neoclassicism. It discusses constructive techniques and building materials, the spatial organization of the churches and their role in the urban space. It also analyzes the works of painting and wood carver that decorate the interiors of churches, showing external influences and standards developed in São Paulo. It catalogs architects, artists, carvers, sculptors and painters who worked in this temples. Evaluates the artistic importance of the churches and presents its architectural, paint and carver qualities, showing, in an overview, the elements that characterizing the own art of São Paulo of this period. Notes that the architecture and religious arts of São Paulo formed a significant group and with various influences and unique features of great interest and inestimable historical and cultural value.

Sometimes the concrete form and skill of a work of art stand in a non-arbitrary or non-contingent relationship with the social circumstances of its facture. I hypothesise that this form and such skill was used by Diego Velázquez for artistically, socially and politically subversive purposes. In particular, I show how Velázquez used painting techniques to undermine the constitutional theory—or fiction—of the reigning monarch as mystically having two bodies: one ʻpublic’, sacred and immortal—even deified—, representing and incarnating the commonwealth, one ʻprivate’ and one mortal, capable of naturalist portraiture. In Hall XII at the Madrid Prado there hangs on your right as you exit a rather small bust portrait of the Iberian Habsburg monarch, Philip IV. It was painted in about 1653, during a pivotal period that saw a general climatic, economic, social, cultural, religious and political crisis and powerful intellectual developments that still characterise Western societies. The picture contains two essentially naturalistic motifs which can be seen from two different vantage points: a bust of a middle-aged man (ʻMotif I’) and, obliquely ʻat a glance’, a skull (ʻMotif II’). Both serve to subvert the constitutional fiction of the King’s Two Bodies: Motif I invites the beholder to approach closer to admire and work out the artist’s already at the time famously ʻloose’ technique, the use of manchas or borrones. The motif will then dissolve and show itself to be artifice which requires the beholder’s cooperation to make it look like the King. It suggests that the Monarchy similarly is an arti-fact that is manu-factured by artists in cooperation with the subjects. Motif II is in effect a vanitas, underlining the mortal and therefore human and transient nature of the monarch, and by implication of the monarchy itself. With the ambition of satisfying the Popperian test of hypothesis falsification, I have proceeded on the basis of the time-hallowed method of the connoisseur of looking closely at works of art in situ and, broadly understood, Wölfflin’s and Panofsky’s theoretical models, together with fundamentals of human psychology and physiology of perception and cognition, assuming an interaction of innate Gestalten and historically and culturally contingent habitus. I interpret my findings in the context of 17C Iberia, including intellectual contributions like that of Pacheco, Carducci, Castiglioni and Gracián. I rely on the rich historical literature on the period and on Philip IV and Velázquez (and their relationship). I make some comparisons between Velázquez, his fellow court-painters Hans Holbein, jr, and Anthony van Dyck, and an artist far from the courts but so close to Velázquez in technique and maybe personal convictions, Frans Hals. My hypothesis relies on three fundamental auxiliary claims—wagered against falsification—to support the claim that Velázquez was a subversive and to give the context for the subversiveness of the portrait of Philip IV: (1) Velázquez did have the practical freedom to produce this subversive royal portrait; (2) it is likely that he used that freedom for this purpose; and (3) he actively manipulated vision and visuality. I at least make likely all three claims. On the basis of Velázquez’s œuvre more generally—especially in his portraits of the marginalised—I show that he had a significant degree of freedom and that he consistently worked towards artistic, social and even political subversion (though not necessarily revolution) using his deep knowledge of vision, visuality and optics—science at the cutting edge in the 17C. As he appears to have suffered from the stain (mancha) of deficient limpieza de sangre, Velázquez’s own person and career—culminating in a knighthood—amounted in itself to social and political subversion. It is appropriate to characterise the technically resourceful Velázquez-the-painter as ingenioso. In fact, as the clever and skilled painter’s hidalguía was almost certainly proved with dissembling and falsified evidence, the mancha of his artisan antecedents—and possibly also of Jewish ancestry—makes him a true ingenioso hidalgo de la mancha. / A veces, la forma y la habilidad concretas de una obra de arte guardan una relación no arbitraria ni contingente con las circunstancias sociales de su realización. Mi hipótesis es que esa forma y esa habilidad fueron utilizadas por Diego Velázquez con fines artísticas, sociales y políticamente subversivos. En particular, muestro cómo Velázquez utilizó las técnicas pictóricas para socavar la teoría —o ficción— constitucional del monarca reinante como poseedor místico de dos cuerpos: uno «público», sagrado e inmortal —incluso divinizado—, que representa y encarna la mancomunidad, otro «privado» y mortal, susceptible de retrato naturalista.   En la sala XII del Museo del Prado de Madrid, a la salida, cuelga a la derecha un retrato de busto bastante pequeño del monarca ibérico de los Austrias, Felipe IV. Fue pintado hacia 1653, durante un periodo crucial en el que se produjo una crisis general climática, económica, social, cultural, religiosa y política, así como una poderosa evolución intelectual que aún caracteriza a las sociedades occidentales. El cuadro contiene dos motivos esencialmente naturalistas que pueden contemplarse desde dos puntos de vista diferentes: el busto de un hombre de mediana edad («Motivo I») y, de forma oblicua «en un vistazo», una calavera («Motivo II»). Ambos sirven para subvertir la ficción constitucional de los Dos Cuerpos del Rey: El Motivo I invita al espectador a acercarse para admirar y elaborar la ya entonces famosa técnica «suelta» del artista, el uso de manchas o borrones. El motivo se disolverá entonces y se mostrará como un artificio que requiere la cooperación del espectador para que se parezca al Rey. Sugiere que la Monarquía también es un arti-ficio fabri-cado por artistas en cooperación con los súbditos. El Motivo II es, en efecto, una vanitas, que subraya la naturaleza mortal y, por tanto, humana y transitoria del monarca y, por implicación, de la propia monarquía.  Con la ambición de satisfacer la prueba popperiana de falsación de hipótesis, he procedido basándome en el método consagrado por el tiempo del conocedor de observar de cerca las obras de arte in situ y, en sentido amplio, en los modelos teóricos de Wölfflin y Panofsky, junto con los fundamentos de la psicología humana y la fisiología de la percepción y la cognición, asumiendo una interacción de Gestalten innatas y habitus históricas y culturalmente contingentes. Interpreto mis hallazgos en el contexto de la Iberia del siglo XVII, incluyendo aportaciones intelectuales como las de Pacheco, Carducho, Castiglioni y Gracián. Me baso en la rica literatura histórica sobre el periodo y sobre Felipe IV y Velázquez (y su relación). Hago algunas comparaciones entre Velázquez, sus pares artistas de la corte Hans Holbein, jr, y Anthony van Dyck, y un artista alejado de la corte pero tan cercano a Velázquez en técnica y quizá en convicciones personales, Frans Hals.   Mi hipótesis se basa en tres afirmaciones auxiliares fundamentales —puestas en contra de la falsificación— para apoyar la afirmación de que Velázquez era un subversivo y para dar el contexto de la subversividad del retrato de Felipe IV: (1) Velázquez tenía la libertad práctica para producir este retrato real subversivo; (2) es probable que utilizara esa libertad para este fin; y (3) manipuló activamente la visión y la visualidad. Yo, al menos, hago probables las tres afirmaciones. Sobre la base de la obra de Velázquez en general —especialmente en sus retratos de marginados— demuestro que tenía un grado significativo de libertad y que trabajó constantemente en pro de la subversión artística, social e incluso política (aunque no necesariamente de la revolución) utilizando sus profundos conocimientos de la visión, la visualidad y la óptica, ciencia de vanguardia en el siglo XVII. Como parece haber sufrido la mancha de sangre carente de limpieza, la persona y la carrera de Velázquez —que culminó con el título de caballero— constituyeron en sí mismas una subversión social y política. Resulta apropiado calificar de ingenioso al pintor Velázquez, técnicamente ingenioso. De hecho, como la hidalguía del hábil e ingenioso pintor se probó casi con toda seguridad con pruebas disimuladas y falsificadas, la mancha de sus antecedentes artesanos —y posiblemente también de ascendencia judía— le convierte en un verdadero ingenioso hidalgo de la mancha.