Le recueil de brèves théâtrales "Les Journées nationales" rassemble trois courtes pièces ("La Journée nationale du pardon", "La Journée nationale de la lutte contre l’embonpoint" et "La Journée nationale de la frivolité") qui reposent sur une prémisse commune, en apparence farfelue : l'obligation de célébrer un quelconque impératif social dicté par la majorité. À travers un humour parfois noir, "Les Journées nationales" se présentent comme de courtes satires sociales qui, en judiciarisant une conduite morale implicitement imposée, entreprennent de disséquer et de décomposer les normes sociales et les valeurs généralement admises afin d’en souligner les incohérences. "Quand les huissiers se saisissent de la scène : l’absurde bureaucratique dans le théâtre contemporain" est un essai qui vise à analyser les procédés et à identifier les enjeux à l’œuvre dans les pièces de théâtre de l’absurde bureaucratique. Cette expression désigne des œuvres dramatiques qui, à travers un comique de décalage, une utilisation ludique et créative du jargon bureaucratique et une importance accordée au référent social du lieu et des personnages, expriment la terreur ressentie par leurs auteurs à l’endroit de l’institutionnalisation des relations humaines. À l’aide de quatre pièces principales ("Le Professeur Taranne" d’Arthur Adamov, "Les Travaux et les Jours" de Michel Vinaver, "Quelques conseils utiles aux élèves huissiers" de Lydie Salvayre et "États financiers" de Normand Chaurette), d’études sur le théâtre de l’absurde (Esslin, Hubert) de même que d’ouvrages de sociocritique (Duchet) et de sociologie (Crozier et Friedberg, Le Breton), il sera démontré qu’en exprimant une tension constante entre l’intime et le professionnel, l’absurde bureaucratique laisse aussi entrevoir la persistance du pouvoir et de la responsabilité individuels au sein des organisations sociales. / "La Journée nationale du pardon", "La Journée nationale de la lutte contre l’embonpoint" and "La Journée nationale de la frivolité", the three short plays collected in "Les Journées nationales", all spring from the same, seemingly eccentric idea : the obligation to celebrate any social aspect as long as it is dictated by a majority. By "legalizing" an implicitly imposed moral conduct, "Les Journées nationales", short social satires laden with black humour, dissect and analyze social norms and generally acknowledged values in order to highlight their incoherencies. "Quand les huissiers se saisissent de la scène : l’absurde bureaucratique dans le théâtre contemporain" is an essay that analyzes the processes and also points out the stakes at work in the theatre of the "bureaucratic absurd". The "bureaucratic absurd" is a phrase used to designate plays that, through nonsense, a playful and creative use of bureaucratic jargon and through the importance given to the characters’ and locations’ social connotations, express the terror felt by the playwrights towards the institutionalization of human relationships. Using four plays (Arthur Adamov’s "Le Professeur Taranne", Michel Vinaver’s "Les Travaux et les Jours", Lydie Salvayre’s "Quelques conseils utiles aux élèves huissiers" and Normand Chaurette’s "États financiers"), theoretical works on the theatre of the absurd (Esslin, Hubert), sociocriticism (Duchet) and sociology (Crozier and Friedberg, Le Breton), we will show that, through the expression of a constant tension between the intimate and the professional, the bureaucratic absurd offers a glimpse of the individual’s power and of the persistence of personal responsibility within social organizations.

This essay examines through a postcolonial analysis of the intermedial aspects of comicbooks how stereotypes and depictions of the Other and the alien are formed in Tintin au Congo and Tintin en Amérique. The aim has been to call attention to the importance of the relationship between text and image to create meaning, as well as to gain a deeper insight into how different stereotypes are created and their function. Hergé illustrated the Tintin-books according to something that would come to be known as ”The Clear Line”, a way of drawing that focused on the readbility of the images. In this essay I argue that the simplicity of these readable images were used in his work as comic relief but also to create an awareness of deeper social issues in the world. There is a notable difference between Tintin au Congo and Tintin en Amérique where in the first album Hergé seems to be governed by these stereotypes, fully embracing them without questioning. In the second one however he is consciously and playfully using these images to make the reader aware of the problems with Othering, simultaneously using recognizable symbols that everyone can understand but with a critical gaze that not only reveals these problems but also condemns them. The use of these symbols and stereotypes highlights the importance of the relationship between text and image, as signification and meaning can differ depending on translation and the words used.

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À la fin du XVIIIe siècle, dans la vie musicale en Russie on constate un phénomène intéressant : l’essor du genre de l’opéra-comique français. En effet, pendant le dernier quart du XVIIIe siècle, ce genre est très présent sur certaines scènes–du théâtre populaire jusqu’au théâtre impérial. Ainsi, d’après différentes sources, entre 1764 et 1800 de nombreuses œuvres de compositeurs français, notamment celles de Duni, Dalayrac, Monsigny, Dezède, Philidor et Grétry y connaissent le succès. Pour quelle raison ce nouveau genre devient-il tellement populaire en Russie à cette époque ? Quellesprémisses socio-culturelles suscitent l’intérêt du public d’un pays profondément féodal pour les idées des Lumières ; idées qui aboutissent à la représentation réaliste de sentiments forts, voire des souffrances du peuple dans le nouveau genre ?La présence constante des œuvres françaises sur les scènes de Russie prédétermine l’émergence des premiers opéras-comiques russes. Bien qu’ils n’échappent pas à l’influence de l’opera buffa italien, joué abondamment sur les scènes russes, ces premiers opéras-comiques nationaux mettent en évidence des traits spécifiquement français, empruntés par certains compositeurs russes. Sans oublier pour autant l’influence italienne, il paraît important d’étudier le rôle déterminant de l’opéra-comique français, pris comme modèle par des compositeurs tels Pachkevitch, Fomine et Sokolovsky. Il s’agitdonc de se demander : comment ces compositeurs utilisent le modèle français et l’adaptent aux conditions et à la mentalité de leur pays ? Dans cette perspective, outre l’observation des conditions historiques et socio-culturelles présidant à l’apparition du nouveau genre en Russie au XVIIIe siècle, on procèdera à une comparaison des plus remarquables des opéras-comiques russes avec leurs prédécesseurs français, aux niveaux formel, musical et poétique. / In the late 18th century there was an interesting phenomenon in the musical life in Russia : the rise of the genre of the French comic opera. Indeed, during the last quarter of the 18th century this kind of opera invaded theatrical scenes–from the popular theatre to the imperial court. Thus, according to different sources, between 1764 and 1800, approximately 100 opéras-comiques written by French composers, notably those by Duni, Grétry, Dalayrac, Monsigny, Dezède, Philidor were successfully represented there. Why did this new genre become so popular in Russia at this time? What sociocultural premises aroused the public interest of a deeply feudal country for Enlightenment ideas; ideas that led to the realistic representation of strong feelings, even sufferings of the third estate?The constant presence of French works on Russian stages predetermined the emergence of the first Russian comic operas. Although they did not escape the Italian opera buffa influence, played extensively on Russian stages, these first national comic operas highlighted specific French features, borrowed by some Russian composers. Without forgetting the Italian influence, it seems important to us to study the determining role of the French comic opera, taken as a model by composers such as Pashkevich, Fomin and Sokolovsky. So, it will be asked : how did these composers use the Frenchmodel and adapt it to the conditions and mentality of their country? In addition to the historical and socio-cultural conditions observing, who governed the new opera genre emergence in the eighteenth century Russia, we will compare the most remarkable Russian comic operas with their French predecessors at the formal, musical and poetic levels.

La presente tesis tiene como tema la identificación de las características del discurso satírico en la construcción de la imagen del expresidente Alejandro Toledo Manrique en los sketches presentados en el programa humorístico “El especial del humor”. El objetivo general es analizar los elementos que componen este discurso satírico a partir de la identificación de recursos verbales y no verbales que integraron la narrativa de la puesta en escena. Para tal fin, el método seguido fue el análisis de contenido de los sketches, los cuales fueron publicados vía páginas de YouTube que realizaron una recopilación de los mismos. La selección de las grabaciones respondió a los diferentes escenarios donde Toledo Manrique participó como político y ciudadano común –por ejemplo, en espacios privados como su habitación o un paseo familiar–. Ya en la puesta escena, y para la identificación de los distintos elementos que se incluyeron en la misma, se consideró clave la mención de la caracterización de los personajes, así como las palabras que formaron parte de un lenguaje vulgar e inapropiado, el cual fue expresado por el actor que dio vida a la figura del expresidente. Tras procesar estos componentes de análisis, el principal hallazgo de esta investigación es que elementos como la ridiculización y exageración, que son parte de un discurso satírico, se mezclan con expresiones discriminatorias que podrían desvirtuar el fin reflexivo de la sátira. / The subject of this document is to identify characteristics of the satirical discourse in the construction of the image of former president Alejandro Toledo Manrique in the sketches presented in the humorous program “El especial del humor”. The general objective is to analyze the elements that formed part of this satirical discourse from the identification of verbal and non-verbal resources that were included in the narrative of the staging. For this purpose, the method followed was the content analysis of the sketches, which were published through a YouTube pages that made a compilation of them. The selection of the recordings responded to the different scenarios where Toledo Manrique participated as a politician and a common citizen –for example, in private spaces such as his room or a family meeting–. Already in the staging, and for the identification of the different elements that were included in it, two points were considered important: the mention of the characterization of the characters as well as the words that were part of a vulgar and inappropriate language expressed by the actor who played the character of the former president. After processing these analysis components, the main finding of this research is that elements such as ridicule and exaggeration, which are part of a satirical discourse, are mixed with discriminatory expressions that could undermine the reflective purpose of satire. / Tesis

[ES] La presente tesis refleja una línea de investigación basada en la propia práctica artística. En términos generales, la investigación parte y tiene lugar, a través de un conjunto de proyectos del doctorando producidos entre los años 2014 y 2020. Entre ellos se encuentra Cobra (2020), realizado específicamente para este programa de doctorado con el fin de profundizar aún más en la hipótesis y objetivos que esta investigación artística pretende, respectivamente, plantear y lograr. En concreto, estos trabajos han intentado explorar, desde un cruce entre dibujos y textos, las imágenes y relatos que se desprenden de los escenarios de violencia política en Chile. Históricamente, y en particular se refieren aquellos instalados por la dominación en dicho país, desde la dictadura de Augusto Pinochet (1973-1990) a la condición posdictatorial que han mantenido los sucesivos gobiernos democráticos desde 1990 hasta ahora. Dicho esto, la primera pregunta que plantea este trabajo de investigación teórico-práctico es la siguiente: ¿Podemos colaborar desde el arte a realizar una interpretación más matizada y acabada de la historia que nos ayude a enfrentar mejor las condiciones de violencia instaladas por la dominación en la actualidad? El desarrollo de esta tesis apuntaría a contestar esta pregunta desde un análisis detallado de los antecedentes y metodologías que acontecen en la investigación, vinculados al dibujo, la imagen fotográfica, las ciencias sociales y el cómic. / [CA] La present tesi reflecteix una línia d'investigació basada en la pròpia pràctica artística. En termes generals, la investigació parteix i té lloc, a través d'un conjunt de projectes del doctorand produïts entre els anys 2014 i 2020. Entre ells es troba Cobra (2020), realitzat específicament per a aquest programa de doctorat amb la finalitat d'aprofundir encara més en la hipòtesi i objectius que aquesta investigació artística pretén, respectivament, plantejar i aconseguir. En concret, aquests treballs han intentat explorar, des d'un encreuament entre dibuixos i textos, les imatges i relats que es desprenen dels escenaris de violència política a Xile. Històricament, i en particular es refereixen aquells instal·lats per la dominació en aquest país, des de la dictadura d'Augusto Pinochet (1973-1990) a la condició posdictatorial que han mantingut els successius governs democràtics des de 1990 fins ara. Dit això, la primera pregunta que planteja aquest treball de recerca teoricopràctic és la següent: podem col·laborar des de l'art a realitzar una interpretació més matisada i acabada de la història que ens ajude a enfrontar millor les condicions de violència instal·lades per la dominació en l'actualitat? El desenvolupament d'aquesta tesi apuntaria a contestar aquesta pregunta des d'una anàlisi detallada dels antecedents i metodologies que esdevenen en la investigació, vinculats al dibuix, la imatge fotogràfica, les ciències socials i el còmic / [EN] This thesis reflects a line of research based on my own artistic practice. In general terms it refers to a group of projects produced of my sefl between 2014 and 2020. Among them is Cobra (2020), carried out especially for this doctoral program in order to further delve into the hypotheses and objectives that my artistic research aims to propose and achieve respectively. Specifically these works have attempted to explore, from a cross between drawings and texts, the images and stories that emerge from the scenes of political violence in Chile. Historically, and specifically, I am referring to those installed by domination in that country, since the dictatorship of Augusto Pinochet (1973-1990) to the post-dictatorial condition that successive democratic governments have maintained from 1990 to now. That said, the first question our research raises is: Can we collaborate from art to make a more complete interpretation of History that helps us to better face the conditions of violence installed by domination today? The development of this thesis aims to answer this question from a detailed analysis of the antecedents and methodologies that occur in the research, linked to drawing, photographic image, social sciences and comics / Rodríguez Pino, JI. (2020). Dibujo y relato histórico: una aproximación gráfica a la (pos)dictadura en Chile y sus escenarios de violencia política [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/159936 / TESIS

This design project takes the form of an illustrated story told from the perspective of a young adult middle-class Swede who feels uncertainty in the face of larger issues in the world. Where do all our stuff come from? Is he buying unethical products? Is he actively making a situation worse elsewhere through his choices? How would you even know, when the consequences of such actions might only become evident far, far away from Sweden? How do you relate to this? What should you do? As the protagonist wants for answers, he decides to try and find out what the situation is really like, and what could be done about it. But, as he would soon find out, the answer is not a simple one… In this work-in-progress story, a middle-class Swede must contend with the fact that he’s part of a subset of humanity that in large part benefits off of the thankless work that may be found in the so-called Global South. In his investigation, he seeks to find answers to important questions. What’s the nature of this economic relationship between the Global South and the Global North? Is it really enough to buy ‘more sustainable’ products to relieve the impact on environments and societies? What are the hidden perspectives and stories that those in the Global South experience every day? How can one try to be a good person and create positive change in the world when faced with overwhelming systemic issues on a global scale? Through the story, the nature of global wealth disparity is illuminated as the Swede tries to make sense of global power relationships in relation to labor and production, and so too offers a reader who may be having similar worries an opportunity to learn. As uncomfortable truths are revealed, a greater systemic issue becomes evident. As economic growth takes precedence over social and environmental wellbeing, who wins and who loses – and where? This is the written thesis section of the project, which seeks to elaborate on the different concepts included in the story, as well as surrounding it. Aspects such as the purpose of the project and target audience are gone over, emphasizing the need to communicate complex subjects to wider audiences while avoiding the act of oversimplification of the issues presented. The methodology of the work is presented, and aspects of the design process are documented. The project cumulates into a digital exhibition with other design students, where a work-in-progress version of the comic book is presented digitally for reading. The end of the thesis features a reflection of the result and the design process in order to identify where improvements could be made, as well as the answers the author of this thesis found in relation to the project questions. In summary, there seem to be an indication that working collectively as opposed to individually may be more effective towards creating positive change, in opposition to individual-focused solutions. Finding appropriate solutions to issues may not have to be found immediately, but may be found through a process affected by several different people in a collective that are able to contribute with their differing skills and knowledge to locate the most appropriate path forward. / <p>Here is an updated version, using the template of the front page that was suggested.</p>

The project “Six weeks in Belgrade” is a comic book and an exhibition of our research on citizen participation in the planning process in Belgrade, Serbia.   The project discusses how participation can be used to improve the way we plan and build our cities: If, and how, participation can result in a more democratic planning, aiming at a more long-term sustainable and less market-driven urban development. It presents current planning conditions in Belgrade, and current actors and projects in Belgrade. It also introduces a speculative method for a participatory practice through fiction and the visual language of comics. The project maps both formal and informal initiatives in the field of urban planning.The research was done on the basis of interviews, books and articles. By mapping these initiatives we wanted to show their importance, hoping that people will get inspired and involved in the planning and making of the city, and also to strengthen already existing initiatives. The research is presented in the form of a comic narrative, presenting an alternative mode of communicating ideas in architecture and planning. Something which is of specific importance for the development of a participatory practice. / Projektet “Sex veckor i Belgrad” är en seriebok och en utställning baserad på vår undersökning av medborgardeltagande i stadsplaneringen i Belgrad, Serbien. Utställningen var på KTH, Arkitekturskolan 2-5 juni 2014. “Sex veckor i Belgrad” diskuterar hur deltagande i stadsplanering kan användas för att förbättra hur vi planerar våra städer: Om och hur deltagande kan leda till en mer demokratisk stadsplanering i en strävan mot en mer långsiktigt hållbar och mindre marknadsstyrd stadsutveckling. Det diskuterar dagens förutsättningar för stadsplanering i Belgrad genom att titta på stadsplaneringshistorien där. Och genom intervjuer med planerare, politiker, akademiker och framförallt aktivister kartläggs både formella och informella initiativ inom stadsbyggandet i Belgrad. Genom att kartlägga dessa initiativ vill vi stärka dem och visa på deras betydelse, och hoppas att fler blir inspirerade och involverade i planeringen och skapandet av staden.     Projektet föreslår ett nytt sätt att jobba på, med deltagande i praktiken och en spekulativ metod som tar avstamp i fiktion och serieteckningens visuella språk. Resultaten av undersökningen är presenterad i form av en narrativ seriebok, och visar en alternativ metod att kommunicera idéer inom arkitektur och stadsplanering. Något som är angeläget vid en utveckling av en deltagande praktik.

Teenage Mutant Ninja Turtles (TMNT) is a massive ongoing franchise that began as a 1984 self-published comic book created by Kevin Eastman and Peter Laird. Its history is intertwined with the creators' rights movement and the Creator's Bill of Rights (CBR), which rejected work-for-hire contracts, wherein creative laborers—creative authors—cede authorial control of their labor. Because the production of comic books and their franchises is highly collaborative, intellectual property (IP) rights are often consolidated in a single rights holder—a corporate author—via work-for-hire contracts. Eastman and Laird, as both creative and corporate authors, initially maintained strict control of TMNT licensees, but allowed their employees to retain IP rights over creative contributions to TMNT. However, in 1992, Eastman and Laird sent retroactive work-for-hire contracts to all current and former employees. This TMNT case study illustrates how the CBR represented the conflicting interests of publishers and creative laborers and ultimately reinforced the individualistic view of authorship that undergirds work-for-hire doctrine. Additionally, because IP legal infrastructure uses individualistic discourse to consolidate control of media franchises in one entity that allows authorized individuals access to a shared database of creative expressions that workers can borrow from or add to, media franchises resemble folklore and are made via a database mode of production. The romantic vision of authorship (and authorial control) upon which the CBR was founded ultimately went on to serve publishers rather than creators working for media properties, repeating a pattern that has existed since the inception of copyright and authorship.

Dass Comics nicht nur Unterhaltungswert besitzen, sondern durchaus auch von wissenschaftlich-theoretischem Interesse sind, beweisen zahlreiche Arbeiten mit den unterschiedlichsten Schwerpunkten. Neben den Beiträgen, die auf einer allgemeineren Ebene einen Überblick über die Geschichte, die verschiedenen Publikations- und Herstellungsformen, die einzelnen Bestandteile, die Funktionsweise und die stilistischen und thematischen Varianten des Comics vermitteln (z.B. Fuchs/Reitberger, 1971 und 1978, Havas/Habarta, 1992 und 1993 und McCloud, 1995), gibt es auch Untersuchungen, die sich speziell mit einzelnen Aspekten der Textsorte beschäftigen. Dazu gehören bspw. semiotische Ansätze wie die von Krafft (1978) und Fresnault-Deruelle (1972), die erziehungswissenschaftlich orientierte Auseinandersetzung mit dem Gegenstand (z.B. Grünewald, 1991 und 2000) und die Arbeiten aus Literaturwissenschaft (z.B. Stoll, 1974) und Sprachwissenschaft (z.B. Rothe, 1974 und Krieger, 2003). Auch die Translatologie hat sich mit dem Thema Comic auseinandergesetzt. Eine Übersicht über generelle Probleme bei der Übersetzung dieser Textsorte bietet Schmitt (1997a). Einen ähnlich allgemeinen Anspruch haben die Arbeiten von Spillner (1980) und Schwarz (1989). Mit Sprachspielen als Teilaspekt der Comic-Übersetzung am Beispiel der französischen „Astérix“-Serie haben sich Grassegger (1985) und Schmitt (1997) beschäftigt. Praktische Relevanz bekommen derartige Untersuchungen durch die Situation auf dem deutschen Comic-Markt, der bis heute von ausländischen Lizenzausgaben beherrscht wird (vgl. Grünewald, 2000:2 und Schmitt, 1999:266). Der größte Anteil liegt dabei auf Übersetzungen aus dem Französischen (vgl. Schmitt, 1999:267) und inzwischen, bedingt durch den „Manga-Boom“ (vgl. DER SPIEGEL 10/2001), auch aus dem Japanischen. Von grundlegendem theoretischen Interesse ist die translatologische Auseinandersetzung mit dem Phänomen Comic deshalb, weil sie im Zusammenhang mit der charakteristischen Wort-Bild-Einheit dieser Textsorte die generelle Frage danach berührt, welche konstitutiven Merkmale einen Text als solchen kennzeichnen und inwieweit auch nonverbale Elemente im Übersetzungsprozess Berücksichtigung finden müssen (vgl. dazu auch Schmitt, 1997a:619). Mit der vorliegenden Arbeit soll eine weitere Annäherung an die semiotisch komplexe Textsorte Comic aus translatorischer Perspektive erfolgen. Da zum Comic aus allgemein künstlerisch-ästhetischer Sicht bereits zahlreiche Arbeiten vorliegen und das Thema, wie oben festgestellt, auch schon Gegenstand übersetzungswissenschaftlicher Beiträge war, wird hier der Analyse konkreter Fallbeispiele aus der Serie „Astérix“ von René Goscinny und Albert Uderzo und der jeweiligen deutschen Übersetzungslösungen besonderes Gewicht verliehen. Einzelne „Astérix“-Bände wurden in der Sekundärliteratur bislang hauptsächlich im Hinblick auf die Problematik der Sprachspiele untersucht (s. oben), während die für das Comic-Übersetzen ebenfalls relevanten typografischen und grafischen Besonderheiten und expliziten Bezüge auf die Ausgangskultur kaum Erwähnung fanden. Nach einer allgemeinen Einführung in das Thema, in der das grafisch-literarische Phänomen Comic definitorisch eingegrenzt und seine Entwicklungsgeschichte, die verschiedenen inhaltlichen und formalen Varianten sowie die herstellungstechnischen Abläufe grob umrissen werden sollen (Abschnitt 2), geht es im Abschnitt 3 der Arbeit um eine übersetzungswissenschaftlich ausgerichtete Betrachtung der charakteristischen Merkmale und typischen Bestandteile der Textsorte Comic. Dabei wird zunächst der Versuch unternommen, zu einer dem Gegenstand angemessenen Textdefinition zu gelangen und die damit eng verbundene Frage nach dem Texttyp zu beantworten (3.1). Unter 3.2 sollen die wesentlichen Konstituenten von Comic-Texten sowie die besonderen Bedingungen ihres Zusammenspiels herausgearbeitet und die sich daraus ergebenden translatorischen Herausforderungen besprochen werden. Die so gewonnenen theoretischen Einsichten werden dann im 4. Abschnitt anhand konkreter Beispiele aus einer umfangreichen Auswahl von „Astérix“-Bänden und ihren Übertragungen ins Deutsche auf ihre praktische Relevanz hin überprüft. Die Serie eignet sich für derartige Untersuchungen in besonderem Maße, weil sie erstens einen großen Umfang aufweist (bisher sind 31 Bände erschienen), zweitens einen hohen Bekanntheitsgrad genießt und deshalb leicht zugänglich ist und drittens im Hinblick auf die mit der Textsorte Comic verbundenen Übersetzungsprobleme insbesondere aufgrund ihrer engen kulturellen Einbettung sowie der bemerkenswerten Quantität und Qualität der enthaltenen Sprachspiele ausgesprochen ergiebig ist. Dass „Astérix“ unter den Comics eine herausragende Stellung einnimmt und deshalb immer wieder Gegenstand theoretischer Betrachtungen ist, bemerken auch Havas/Habarta (1993): „Asterix künstlerisch gesehen, Asterix historisch gesehen, Asterix als Parodie der Geschichte, Asterix als Kinderlektüre auf der einen Seite, Asterix als Erwachsenenlektüre durch versteckte Hinweise und Anspielungen auf der anderen, Asterix in Latein, Asterix in Esperanto, (...) lebende Persönlichkeiten als Nebenfiguren in Asterix und so weiter, und so fort – kaum ein anderer Comic hat so viele interessante Aspekte aufzuweisen, über die zu berichten es sich lohnen würde.“ (ebd., S. 156/158). Nach einer Vorstellung der Serie sowie ihrer deutschen Übersetzungen (4.1) und einer formalen und inhaltlichen Einordnung in die Textsorte Comic mit Blick auf die anzuwendende Übersetzungsmethode (4.2) werden unter 4.3 spezielle translatorische Probleme, nach thematischen Feldern geordnet, in drei verschiedenen Abschnitten behandelt: Umgang mit typografischen und grafischen Besonderheiten (4.3.1), Kulturspezifik (4.3.2) und Sprachspiele (4.3.3). Neben der Analyse von Belegstellen für Anspielungen und intertextuelle Bezüge im Ausgangstext und den entsprechenden Zieltextlösungen geht es unter der Überschrift „Kulturspezifik“ auch um den Vergleich der Arbeiten von drei verschiedenen „Astérix“-Übersetzern, die in ihrer grundsätzlichen Herangehensweise starke Unterschiede aufweisen (4.3.2.2. und 4.3.2.3). Eine Zusammenfassung der Ergebnisse erfolgt im Abschnitt 5.