Esta pesquisa trata sobre os museus e refletimos acerca de alguns processos museológicos, mas tendo como base a Ciência da Informação e a Documentação. Desse modo, analisamos a partir do nosso ponto de vista as implicações existentes entre os conceitos de documento e informação, que muitas vezes são distintos ou mesmo contraditórios, e a arte contemporânea que é efêmera ou se desmaterializa. Há uma perda do vínculo da obra de arte contemporânea com o suporte tradicional que causa efeitos diretos em sua classificação, o que, por sua vez, afeta os sistemas de guarda das instituições. Passa a ser comum que algumas das obras sejam perecíveis e até mesmo tenham um ciclo de vida demarcado. Outras se mantêm \"vivas\" nas instituições que as guardaram, seja por possuírem um formato tradicional de pintura ou escultura, seja porque seus formatos são similares a estes, seja por serem objetos possíveis de serem armazenados e reapresentados posteriormente, seja porque perduram por meio de sua documentação. Assim, tentamos entender como os museus fazem para guardar, organizar e preservar a memória de obras de arte efêmeras. Constatamos que eles acabam não se encaixando muito bem na definição tradicional e que caminham para outras situações, outras tipologias, pois há uma produção artística voltada ao arquivo e não ao museu. Assim como as obras de arte efêmeras e sua condição documental afeta os debates artísticos, também incitam museus e arquivos a repensarem seus modus operandis. Concluímos, então, que, para resolver as problemáticas discutidas nesta pesquisa, é preciso concentrar o foco em uma solução que venha da junção dos saberes sobrepostos da Museologia e da Arquivologia, e essa é a proposta da CI. / This research treat about museums and we reflect on some museological processes, but based on Information Science and Documentation. Therefore, we analyze from our point of view the existing implications between the concepts of document and information, which are often distinct or even contradictory, and the contemporary art, that is ephemeral or dematerializes. There is a bond loss of the contemporary work of art with the traditional support that causes direct effects in its classification, which affects the custody systems of the institutions. It has become usual for some of the works to be perishable and even have a demarcated life cycle. Others remain \"alive\" in institutions that have preserved them, either because they have a traditional format of painting or sculpture, because their formats are similar to them, because they are objects which are possible to be stored and later re-presented, or because they persist through documentation. Thus, we try to understand how museums do to guard, organize, and preserve the memory of ephemeral works of art. We realized that they end up not fitting very well in the traditional definition and that they move towards other situations and other typologies, because there is an artistic production focused on the archives and not on the museum. Just as ephemeral works of art and their documentary condition affect artistic debates, they also incite museums and archives to rethink their modus operandis. We conclude that, in order to solve the problems addressed in this research, it is necessary to focus on a solution that comes from the junction of the superimposed knowledge of Museology and Archivology, and this is the proposal of CI.

Esta tese apresenta uma reflexão sobre a cidade contemporânea e o seu projeto, através da análise da contribuição teórico-projetual do urbanista italiano Bernardo Secchi. O recorte espaço-temporal é a Europa, com ênfase na Itália, a partir da década de 1980 até os dias atuais. No período, esse urbanista passou a contribuir ativamente com a publicação de textos em revistas, com pesquisas no Instituto Universitário de Arquitetura de Veneza (IUAV), e com a elaboração de planos e projetos, fazendo da cidade um grande laboratório. A produção de Secchi evidencia uma troca permanente entre pesquisa e experimentação, marcada pelo uso intencional de imagens como maneira de interpretar o mundo e de projetar a cidade. A pesquisa parte do conceito da renovatio urbis para a construção da cidade na cidade, indo até os dias atuais, marcados pela preocupação de transformar a cidade dispersa num território mais poroso. Analisam-se também os planos para várias cidades italianas, para a cidade de Antuérpia, além da participação no projeto para a Grand Pari(s). Convém destacar que a produção de Bernardo Secchi é acompanhada e analisada por décadas, a partir das produções teóricas e práticas, sendo os principais conceitos agrupados para compor as ideias-guias de cada período estudado, com o propósito de contribuir para uma reflexão dos caminhos e tendências do pensamento urbanístico contemporâneo. / This thesis presents a reflection on the contemporary city and its project through the analysis of the project-theoretical contribution of the Italian urban planner Bernardo Secchi. The temporal and spatial frame is Europe, emphasis on Italy, from the 80s to the present days. During this period Bernardo Secchi has actively contributed with publications in magazines, researches at the Venice University Institute of Architecture (IUAV), and elaboration of plans and projects turning the city into an important laboratory. Secchi production shows a permanent exchange between research and experimentation, represented by the intentional use of images as a way to interpret the world and plan the city. This thesis is based on the renovatio urbis concept for city construction in the city, until the present days, characterized by the concern of transforming the city dispersion into a more porous territory. The plans for several Italian cities and also for Antwerp are analyzed, besides the participation in the Grand Paris project. Bernardo Secchi production has been followed and analyzed for decades. The theoretical and practical production and the main concepts are put together in order to compose key ideas of each period under study, contributing to a reflection of ways and trends of the contemporary urban thought.

A presente investigação aborda temas relacionados ao grupo Fluxus no acervo do MAC-USP. Fluxus foi um coletivo artístico que atuou nos limites da arte durante as décadas de 1960 e 1970, questionando valores instituídos pelos sistemas oficiais de produção, circulação e exibição de objetos artísticos. Tendo como referência as poéticas Fluxus, as importantes realizações que constituem a sua história, dados e fatos que situam as atividades de seus integrantes na história do surgimento das novas linguagens artísticas da segunda metade do séc. XX, realizamos um amplo levantamento sucedido de documentação e análise crítica de algumas dentre as 116 obras selecionadas no acervo do MAC-USP de autoria de artistas Fluxus. / The present study deals with themes related to the Fluxus group in the MAC-USP collection. Fluxus was an artistic group that worked in the boundaries of art during the Sixties and Seventies, having questioned the values established by the official systems of art production, circulation and exhibition. Regarding Fluxus poetics, the important accomplishments that form its history, data and facts which place the activities of its artists in the history of new languages outbreak during the second part of XX century, we carry out a wide survey followed by registry and critical analyze in some of the 116 works of Fluxus artists which were selected from the MAC-USP collection.

Esta tese propõe um estudo sobre o interesse renovado da arte contemporânea em resgatar e reelaborar a discussão moderna sobre a relação existente entre arte e design. Tal aproximação se diferencia da proposta modernista anterior, já que responde ao singular contexto cultural, social e econômico no qual se desenvolve. Assim, nosso intuito é caracterizar e compreender tanto esse novo contexto quanto as principais questões em torno dessa reaproximação entre arte e design a partir da análise da produção de quatro artistas importantes no cenário contemporâneo: Vito Acconci (1940), Barbara Bloom (1951), Andrea Zittel (1965) e Ana Maria Tavares (1958). Interessa-nos abordar as táticas de intervenção artística dentro do discurso específico do design, que na sociedade regida pelo capitalismo avançado constitui-se como um importante sistema de produção e consumo de imagens, signos, objetos, ambientes e identidades coletivas e individuais. Ao passar por um processo de expansão e difusão, propagando-se e infiltrando-se em várias esferas da vida cotidiana, o campo do design se torna um ponto de partida para a produção de artistas que, através de táticas de ação disruptivas, buscam por possibilidades, mesmo que momentâneas, de intervir em um mundo cada vez mais desenhado e planejado em seus mínimos detalhes / This thesis proposes a study on the renewed interest of contemporary art in rescuing and re-shaping the modern discussion regarding the relationship between art and design. This approach differs from the previous modernist proposal, as it responds to the singular cultural, social and economic context in which it is developed. Therefore, our aim is to characterize and understand both this new context and the main issues concerning this rapprochement between art and design by analysing the production of four important artists in the contemporary scene: Vito Acconci (1940), Barbara Bloom (1951) Andrea Zittel (1965) and Ana Maria Tavares (1958). This research addresses the tactics of artistic intervention within the design discourse field which, in the society governed by advanced capitalism, constitutes one of the main systems of production and consumption of images, signs, objects, environments and individual and collective identities. By going through a process of expansion and diffusion, spreading and infiltrating into various spheres of everyday life, the field of design becomes a starting point for the production of artists who, through disruptive action tactics, seek opportunities, even if temporary, to intervene in a world increasingly designed and planned to the very last detail

Esta pesquisa trata sobre os museus e refletimos acerca de alguns processos museológicos, mas tendo como base a Ciência da Informação e a Documentação. Desse modo, analisamos a partir do nosso ponto de vista as implicações existentes entre os conceitos de documento e informação, que muitas vezes são distintos ou mesmo contraditórios, e a arte contemporânea que é efêmera ou se desmaterializa. Há uma perda do vínculo da obra de arte contemporânea com o suporte tradicional que causa efeitos diretos em sua classificação, o que, por sua vez, afeta os sistemas de guarda das instituições. Passa a ser comum que algumas das obras sejam perecíveis e até mesmo tenham um ciclo de vida demarcado. Outras se mantêm \"vivas\" nas instituições que as guardaram, seja por possuírem um formato tradicional de pintura ou escultura, seja porque seus formatos são similares a estes, seja por serem objetos possíveis de serem armazenados e reapresentados posteriormente, seja porque perduram por meio de sua documentação. Assim, tentamos entender como os museus fazem para guardar, organizar e preservar a memória de obras de arte efêmeras. Constatamos que eles acabam não se encaixando muito bem na definição tradicional e que caminham para outras situações, outras tipologias, pois há uma produção artística voltada ao arquivo e não ao museu. Assim como as obras de arte efêmeras e sua condição documental afeta os debates artísticos, também incitam museus e arquivos a repensarem seus modus operandis. Concluímos, então, que, para resolver as problemáticas discutidas nesta pesquisa, é preciso concentrar o foco em uma solução que venha da junção dos saberes sobrepostos da Museologia e da Arquivologia, e essa é a proposta da CI. / This research treat about museums and we reflect on some museological processes, but based on Information Science and Documentation. Therefore, we analyze from our point of view the existing implications between the concepts of document and information, which are often distinct or even contradictory, and the contemporary art, that is ephemeral or dematerializes. There is a bond loss of the contemporary work of art with the traditional support that causes direct effects in its classification, which affects the custody systems of the institutions. It has become usual for some of the works to be perishable and even have a demarcated life cycle. Others remain \"alive\" in institutions that have preserved them, either because they have a traditional format of painting or sculpture, because their formats are similar to them, because they are objects which are possible to be stored and later re-presented, or because they persist through documentation. Thus, we try to understand how museums do to guard, organize, and preserve the memory of ephemeral works of art. We realized that they end up not fitting very well in the traditional definition and that they move towards other situations and other typologies, because there is an artistic production focused on the archives and not on the museum. Just as ephemeral works of art and their documentary condition affect artistic debates, they also incite museums and archives to rethink their modus operandis. We conclude that, in order to solve the problems addressed in this research, it is necessary to focus on a solution that comes from the junction of the superimposed knowledge of Museology and Archivology, and this is the proposal of CI.

Made available in DSpace on 2016-04-29T14:23:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carlos Eduardo Tsuda.pdf: 20138115 bytes, checksum: 226dd399b6e3802c0d3749b3b6ccc005 (MD5) Previous issue date: 2014-03-13 / Sound Art and Space: Aesthetics and New Poetic Possibilities (Goals) discusses the processes of hybridization between sound and space from a historical overview through areas such as music, architecture, visual arts, sound engineering and performance. Given the diversity of approaches to the topic, this dissertation intends to present alternative perspectives, focusing on the emergence of Sound Art. (Theoretical and Methodological Aspects) By dealing with changes in the ways of understanding sound, both in the world of contemporary music and in visual arts, the research describes different formats of the relationship between sound and space, which acquired new meanings in art installation after more recent experiments with sound. Moreover, it examines the forms of perception of sound and how they differ from other languages, since they imply specificities in their ways of spatialization. The concepts discussed here are applied in the analysis of relevant examples for the historical understanding of sound art and the relation between space and sound. (Results) These analysis serve as a theoretical basis for more in-­‐ depth case studies, in which the author reflects about his creativive process in different works, such as the sound creation and composition for the contemporary dance spetacle Branco and the sound installation Promenade / Arte Sonora e Espaço: Estética e Novas Possibilidades Poéticas (Objetivos) discute os processos de hibridização entre som e espaço, a partir de um percurso histórico por áreas como a música, a arquitetura, as artes visuais, a engenharia acústica e a performance. Diante da diversidade de abordagens sobre o tema, a dissertação busca relacionar as diferentes perspectivas a partir de um recorte baseado no surgimento da Arte Sonora. (Aspectos Teórico-­‐Metodológicos) Tratando das mudanças referentes às diferentes maneiras como o som passa a ser entendido, tanto no universo da música contemporânea como no das artes, a pesquisa intenta demonstrar como a relação entre som e espaço ganha novos sentidos diante das formas instalativas típicas nas experiências mais recentes com som. Além disso, examina diferentes modalidades de percepção do som, e de que modo estes diferem das demais linguagens, implicando em especificidades no que tocante às formas de espacialização. Os conceitos discutidos são aplicados na análise de exemplos pertinentes para o entendimento histórico da arte sonora e das relações entre som e espaço. (Resultados) Estas análises servem como ponto de partida para estudos de caso mais aprofundados em que o autor reflete sobre seu processo no desenvolvimento de obras, tais como a composição sonora para o espetáculo de dança contemporânea Branco e a instalação sonora Promenade

Este trabalho dedica-se à leitura comparada de três obras contemporâneas que versam sobre o tema do exílio: as argentinas La casa y el viento (1984), de Héctor Tizón, e En estado de memoria (1990), de Tununa Mercado; e a brasileira Rabo de foguete. Os anos de exílio (1998), de Ferreira Gullar. Nosso objetivo é delimitar a configuração de uma voz narrativa que conta uma experiência de exílio que, para tanto, move-se entre estratégias de autorepresentação vinculadas à autobiografia e, ainda, à ficção. Para levar a cabo nosso estudo, partimos de um breve panorama histórico das últimas ditaduras da Argentina e do Brasil que nos ajuda na aproximação ao tema do exílio explorado nas três obras, isto é, o exílio como uma experiência ligada aos processos políticos desses países que, na sua dimensão subjetiva, significa perdas, fissuras, identidades em crise. Logo, procuramos demonstrar que, nas três obras, a negatividade dessa experiência compromete a possibilidade de narrar os eventos de modo linear e estável, afetando, por um lado, a construção dos textos como relatos autobiográficos nos moldes canônicos, e, por outro, a construção fictícia dos acontecimentos, uma vez que a experiência está diretamente relacionada com a vida de Héctor Tizón, Tununa Mercado e Ferreira Gullar. Interessa-nos o percurso que realizam os narradores para contar sua história, marcado por uma zona de instabilidade da enunciação que se propaga por todas as categorias dos relatos (tempo, espaço e personagens) e questiona a definição de gênero. / This work dedicates the comparative reading of three contemporary works which turn on the subject of the exile: the Argentine La casa y el viento (1984), of Héctor Tizón, and En estado de memoria (1990), of Tununa Mercado; and the Brazilian Rabo de foguete. Os anos de exílio (1998), of Ferreira Gullar. Our objective is to delimit the configuration of a narrative voice that counts an exile experience which, for in such a way, moves itself between entailed strategies of auto-representation related to the autobiography and, still, to the fiction. To take handle our study, we make initially of a brief historical panorama of the last dictatorships of Argentina and Brazil that help us approaching to the subject of the exile explored in the three workmanships, that is, the exile as an experience to the politicians processes of these countries that, in its subjective dimension, mean losses, fictions, identities in crisis. Soon, we try to demonstrate that, in the three workmanships, the negativities of this experience compromises the possibility to tell the events in linear and stable way, affecting, on the other hand, the construction of the texts as autobiographical stories in the canonic molds, and, for another one, the fictitious construction of the events, a time that the experience is directly related to the life of Héctor Tizón, Tununa Mercado and Ferreira Gullar. It interests us the passage that carries through the narrators to tell its history, marked for a zone of instability of the articulation that propagates for all the categories of the stories (time, space and personages) and questions the sort definition.

O objetivo deste trabalho é investigar o tema dos duplos em O homem duplicado, de José Saramago. Publicada no Brasil em 2002, a obra discute a questão a identidade no mundo globalizado, a partir da história do encontro entre Tertuliano Máximo Afonso, professor de história, e seu sósia, António Claro, um ator coadjuvante. Por meio da análise de trechos do romance, busca-se verificar como o autor retoma o tema do duplo para abordar a cisão da identidade do homem contemporâneo. Para realizar este estudo, a presente dissertação se apóia nos teóricos que trataram o tema do duplo, como Carl F. Keppler e Nicole Bravo, e da identidade, caso de Stuart Hall. Outro referencial é o trabalho de Marshall Berman sobre a dialética da modernização. Sigmund Freud também traz importantes contribuições do ponto de vista da psique humana. Com tais abordagens, o propósito é compreender melhor os mecanismos ficcionais que sustentam a crítica realizada por Saramago, buscando entender o jogo entre realidade exterior e interior no ambiente ficcional e social. Por este motivo, o trabalho está dividido em cinco partes. Na introdução, é apresentada a proposta da dissertação e a fundamentação teórica. O primeiro capítulo volta-se à análise do duplo homogêneo no romance. Em seguida, vem a investigação sobre o duplo heterogêneo. Os outros dois tratam da cisão da identidade contemporânea. Um enfoca a construção do conflito principal da obra, enquanto o segundo prioriza o estudo das ambiguidades ao longo do enredo, para evidenciar a estrutura da obra como característica da pós-modernidade. / This dissertation researches the duplicity in The Double, by José Saramago. This book was published in Brazil in 2002 and focuses on the globalized world identity, based on the story of the meeting between Tertuliano Máximo Afonso, a History teacher, and his look-alike, António Claro, a supporting actor. Analyzing parts of the novel, the way this duplicity theme is observed to approach the division of the contemporary man\'s identity. This dissertation is based on theoreticians who focus on duplicity, such as Carl F. Keppler and Nicole Bravo, and identity, Stuart Hall. The work of Marshall Berman on \"modernization dialectics is another reference. Sigmund Freud also provides important contributions from the point of view of the human psyche. Using such approach, it was possible to better understand fiction mechanisms supporting criticism by Saramago, trying to understand the game between the inner and outer reality in fiction and society. That is why this paper is divided in five parts. The first part presents the purpose of this dissertation and theoretical foundation. The second part focuses on the analysis of the homogeneous duplicity in this novel. Then, an investigation about the heterogeneous duplicity. The other two parts focuses on contemporary identity division. One focuses on the construction of the main conflict in this novel, and the other focuses on the study of ambiguities along the story, in order to make evident the structure of the novel as post modernity feature.

This doctoral thesis deals with the intellectual biography of the writer and journalist Manuel Brunet (Vic, 1889, Figueres, 1956). It reconstructs the life and professional studies of the author, and the most important facets of his literature and journalism. In addition, it examines his literary texts. A special emphasis has been placed on the study of journalistic production of Brunet and on the analysis of the professional profile of the author. Examination and assessment of its production has been accurate, including a classification of the items and a comparison of his journalistic style with that of other contemporary authors, both Catalan (Josep Pla and Joseph M. de Sagarra), French (Charles Maurras and Léon Daudet) and English (GK Chesterton and Hilaire Belloc). The latter part of the work analysises the condition of "victor won" of Manuel Brunet after the Spanish Civil War, and how this author is an example of a whole generation of conservative Catalan nationalist witers who lived a difficult situation after the conflict. / Aquesta tesi doctoral aborda la biografia intel•lectual de l’escriptor i periodista Manuel Brunet (Vic, 1889-Figueres 1956). Reconstrueix la trajectòria vital i professional de l’autor i estudia les facetes més rellevants de la seva producció literària i periodística. A més s’hi analitzen els seus textos literaris. S’ha posat especial èmfasi en l’estudi de la producció periodística de Brunet, així com en l’anàlisi del perfil professional de l’autor. L’examen i valoració de la seva producció ha estat detinguda, amb l’agrupació dels articles per àmbits temàtics i la comparació del seu estil amb el d’altres autors contemporanis, tant catalans (Josep Pla i Josep M. de Sagarra) com francesos (Charles Maurras i Léon Daudet) i anglesos (G. K. Chesterton i Hilaire Belloc). A l’última part del treball, s’aborda l’anàlisi de la condició de “vencedor vençut” de Manuel Brunet després de la guerra, i la forma com aquest autor és exemple de tota una generació d’escriptors catalanistes conservadors que van viure una situació complicada després del conflicte.

One of the most compelling contemporary Native artists whose work challenges assumptions about Native art is Bob Haozous, who has been creating socially conscious art since 1971. He is known for his monumental steel structures; simplified visual language, controversial subject matter, and ironic humor that engages and sometimes enrages the viewer. Haozous faults contemporary American Indian art as a commodity for the dominant consumer culture, stating, "Indian artists are just glorified interior decorators." This statement reflects the market norm that Native art must embody meaningless stereotypes of Indian culture and must function in the art and culture system in order to be commercially viable.Haozous's work challenges these assumptions about Native art and, for the most part, operates outside of this system. Most of Haozous's work offers the viewer a cultural critique, one that some might consider ideologically dangerous: dangerous because it questions the status quo, dangerous because it exposes the dominant culture from the point of view of the margin, and dangerous because it is in a permanent state of ambiguity, perpetually liminal. Often his work demonstrates borders, borderlands, or liminal places, both ideological borders and physical borders. The emotional affects of Haozous's art on the viewer range from discomfort to anger, from indifference to infuriated. Given the fact that much of his work is public art, it is broadly seen and many viewers can not ignore the dialogue that takes place in his art.I examine how Bob Haozous's art depicts and critiques issues such as cultural assimilation, Indian identity, genocide, loss of language, and destruction of the earth, using humor and irony or trickster discourse, as a part of his visual language. What I propose in this dissertation is that Haozous's concept of "indigenous cultural dialogue," as expressed in his art, using visual and written language with trickster traces, provides a critical language with which to discuss Native art, cross culturally. Furthermore, that the recognizable element that can be use in the critical discussion or examination, is tricksternot trickster in corporeal form, but in subtle or obvious uses of humor or irony or in trickster's reversal of ideas.