Comoumsótrabalho - sobre os projetos de escala geográfica de Nelson Felix investiga um conjunto específico de obras do artista, precisamente aquelas cuja construção envolve deslocamentos geográficos extremos, uma experiência dilatada de temporalidade e a premissa do entrelaçamento contínuo entre os trabalhos. Marcada pelo rigor construtivo e por uma série de determinações simbólicas, a produção de Felix recorre a formas orgânicas, a ciclos planetários, à música, à poesia escrita, em um jogo de equivalências e rebatimentos que se manifesta em uma forma constelar, simultaneamente atenta e insubordinada aos paradigmas estéticos contemporâneos. Assim, partindo de reflexões que problematizam a relação ambivalente da obra de Nelson Felix com a tradição da escultura a pesquisa encontra, nos processos de construção dos projetos do artista, os conceitos que irão nortear a discussão em pauta. Essas reflexões se atêm, basicamente, à contiguidade entre os trabalhos, à temporalidade supra-humana a que são submetidos e à monumental invisibilidade da obra. / Comoumsótrabalho (Asasinglejob) - about the geographic scale works of Nelson Felix - investigates a specific set of works by the artist, precisely those whose construction involves extreme geographic dislocation, a dilated temporal experience and the premise of continuous interconnection between all of the artist\'s works. Marked by the constructive rigor and by a series of symbolic determinations, Felix\'s production turns to organic forms, planetary cycles, music and written poetry, in a game of equivalences and reverberation that presents itself in a stellar way, simultaneously aware of and unsubordinated to the contemporary aesthetic paradigms. Thus, starting from reflections that problematize the ambivalent relations between the work of Nelson Felix and the tradition of sculpture, the research finds, in the processes of construction of projects by the artist, the concepts that will guide this discussion. These reflexes basically rely on continuation of works, on the super-human temporality to which they are submitted and on the monumental invisibility of the work.

A presente dissertação propõe uma análise ética e estética do espaço urbano em busca de um território de Pertencimento na cidade de São Paulo. Trata-se de uma pesquisa interdisciplinar que, fazendo uso do método da cartografia e da arte como busca epistemológica, observou, no cotidiano da autora migrante, diferentes perspectivas de estar no mundo e de construir formas potentes de pertencer a um lugar na contemporaneidade. Além de abordagens teóricas, foram utilizados experimentos poéticos que resultaram na criação de uma obra Instalação chamada Cidade/Labirinto, que mescla vídeo performances, esculturas, um ato performativo e uma publicação montada com colagens feitas a partir de impressos coletados nas derivas. / This paper proposes an ethical and aesthetic analysis of urban space in search of a territory of Belonging in the city of São Paulo. It is an interdisciplinary research, that uses the method of cartography and art as an epistemological search to observe in everyday migrant author, different perspectives of being in the world and to build powerful forms of belonging to a place in the contemporary time. They were used in addition to theoretical approaches, poetical experiments that resulted in the creation of a work installation called Cidade/Labirinto that mixes video performances, sculptures, a performative act and a publication mounted with collages made above printed collected in drifts.

A inserção de dados autobiográficos nas narrativas é uma característica muito forte da literatura produzida nas últimas décadas. Esta dissertação tem por objetivo discutir o romance Divórcio de Ricardo Lísias, que se enquadra na premissa aqui apontada, na medida em que os narradores/personagens do livro comungam do nome do autor e apresentam características biográficas que podem ser associadas à vida deste. O objetivo principal é questionar como se dá a transfiguração da matéria vivida em matéria ficcional no texto aqui escolhido. Buscar-seá analisar a sua construção narrativa, as suas relações com um tipo muito característico de romance que se difunde no pós-guerra, no momento em que acontece o que Beatriz Sarlo chama de guinada subjetiva, e a problematização das implicações teóricas da sua produção / Inserting autobiographical data in the narratives is a very strong feature of the literature produced in recent decades. This paper aims to discuss the novel Ricardo Lísias, Divórcio, which falls under the premise here pointed out, in that the narrators / characters in the book have in common the author\'s name and biographical exhibit characteristics that may be associated with this life. The main goal is to question how is the transfiguration of matter lived in fictional material in the text chosen here. We will analyze its narrative construction, its relationship with a very distinctive kind of novel that diffuses into the postwar period, when it happens what Beatriz Sarlo calls \"subjective turn\", and the questioning of the theoretical implications of production

Dans l'Espagne de la fin du franquisme à nos jours, l'histoire socio-politique mouvementée dessine une ligne qui, de la dictature franquiste à la démocratie retrouvée, permet l'émergence d'une identité labile de la photographie espagnole oscillant entre l'alignement sur des modèles esthétiques et critiques dérivés de la postmodernité nord ­européenne et américaine et la valorisation de spécificités créatives forgées par la culture péninsulaire. Dans ce processus de quête identitaire, nous avons déterminé trois phases : d'abord, dans les dernières heures du franquisme et le début de la transition démocratique, sous l'égide de la revue Nueva Lente, s'affirme une génération militante de photographes qui s'ouvrent à la création internationale et à l'esthétique postmoderniste et dont le paroxysme en Espagne sera la Movida ; puis, de la fin des années 80 et jusqu'au milieu des années 90, l'apport critique de la revue Photo Vision et en parallèle l'atomisation des pratiques photographiques du fait de l'essor des communautés autonomes suscite une réévaluation du modèle postmoderne; enfin, au début du XXIème siècle, la redécouverte d'une filiation territoriale avec les pays du Sud et l'avènement de l'ère digitale, génèrent chez les photographes ibériques de nouveaux déterminants idiosyncrasiques à même de privilégier une forme de transterritorialité. / In Spain from the end of Francoism to nowadays, the animated sociopolitical history draws a line which, from the Franco dictatorship to the refound democracy, allows the emergence of an unstable identity of the Spanish photography oscillating between the alignment on esthetic and critical models derived of the north-European and American postmodernity and the promotion of creative specificities forged by the Peninsular culture. In this process of search for identity, we determined three phases: at first, in the last hours of the Francoism and the beginning of the democratic transition, under the aegis of the magazine Nueva Lente, a militant generation of photographers assert themselves and open to the international creation and to the postmodernist esthetics, paroxysm of which will be in Spain the Movida ; then, from the end of the 80s till the middle of the 90s, the critical impact of the review PhotoVisi6n and, in parallel, the atomization of the photographic practices because of the development of autonomous communities arouses a revaluation of the postmodernist mode); finally, at the beginning of the XXIth century, the rediscovery of a territorial filiation with the countries of the South and the advent of the digital era, generate for the Iberian photographers new idiosyncratic determiners taking the shape of a transterritoriality.

The focus of this study is to analyze in what way the historical novel can be convincing and if the interaction between fictional and factual narration within this genre influences the degree to which it can be convincing. The three novels chosen are Les Naufragés De L’Île Tromelin by Irène Frain, Les Enfants d’Alexandrie by Françoise Chandernagor and Bison by Patrick Grainville, for which all three authors received Le Grand Prix Palatine. In the introduction are presented the general characteristics of the genre as well as its capability of being convincing, outlining that there is a possibility for a fictional work to seem more convincing than a purely factual one. Also defined are differences between the contemporary and the classical historical novel. This is done in order to take into account in the analysis what might be learnt from the contemporary historical novel. The theoretical framework consists of the semantic definitions of fictional versus factual narration as presented by Jean-Marie Schaeffer, as well as theory of how the reader’s immersive experience enables ontological crossings. What the analysis is able to show is that all three novels include four types of truth claims, that the reader can be convinced of all four and that this conviction is connected to the context to which the reader associates the historical/literary character. The analysis also brings forth what can be thought of as the historiographical pact, a term analogous with Philippe Lejeune’s term ‘the autobiographical pact’, which establishes a referential link with history. What is in the end considered the most convincing literary device is the inclusion of factual markers referencing real-world sources. In all three novels, it is also possibly to identify truth claims concerning human nature.

[pt] O trabalho expõe os novos desafios das práticas do monumento, reativadas pela tarefa - aporética, por definição, - da memória de Auschwitz. A partir do contexto mais amplo da arte moderna e contemporânea, os monumentos ao Holocausto são vistos como imprescindíveis na construção da República de Berlim. No infindável debate sobre o colossal Monumento aos judeus assassinados da Europa, a construir-se no centro da capital da Alemanha reunificada, espelham-se, exaustivamente, ampla gama de questões historiográficas, memoriais e identitárias. Por outro lado, uma rede de obras dispersas propiciam diferentes inscrições da insanável ausência dos judeus na cidade. Nestes (anti) monumentos, percebemos Berlim como oficina da história e a arte contemporânea face ao imperativo ético do testemunho. / [en] The work presents the new challenges of monument practices, revived by the so-called paradoxical task of Auschwitz memory. From the broader context of modern and contemporary art, the monuments to Holocaust are seen as essential to the construction of the Berlin Republic. The endless debate on the colossal Monument to Jews slaughtered in Europe, to be built in the centre of the capital of the reunited Germany, reflects questions such as history, memory and identity to the fullest. On the other hand, a network of scattered works provide different accounts of the irremediable lack of Jews in the City. In such (anti) monuments, we see Berlin as a history workshop and the contemporary art in view of the ethical imperative of witnessing.

Campos de invisibilidade é uma pesquisa teórico-prática que discorre sobre noções do invisível na arte contemporânea a partir, principalmente, de produções artísticas realizadas entre a segunda metade do século XX e os dias atuais. São tomadas como ponto de partida, as práticas conceituais desenvolvidas nos anos 1960 e 1970, no âmbito nacional e internacional, bem como suas influências anteriores. Tais práticas conduzem às reflexões sobre a desmaterialização do objeto artístico, a problematização da arte como apreensão estritamente visual e a inclusão do participador nas obras. Outros artistas e também arquitetos são analisados com o intuito de verificar o invisível nas relações entre corpo, arquitetura e tecnologia. Esses assuntos são discutidos em conjunto com uma série de projetos artísticos realizados pelo autor da tese, funcionando como chaves de abertura para os estudos. Já pela perspectiva teórica, são realizados diálogos com o filósofo M. Merleau-Ponty em O visível e o invisível (2012) e com a artista e filósofa Anne Cauquelin em Frequentar os incorporais (2008). Para tanto, esta tese é dividida em quatro capítulos: O invisível como campo, Sempre algo entre nós, Arquiteturas invisíveis e \"Uma luz ilumina tudo/Mas deve haver mais\". Por esse viés, o invisível é explorado como campo relacional, poético, crítico, sensível, político e social. Diante das referências estudadas, esses campos emergem como algo que modula as relações entre as pessoas e os espaços. / Invisibility Fields is a theoretical and practical study addressing notions of the invisible in contemporary art mainly based on artistic productions made between the second half of the 20th century and the present day. The conceptual practices developed in the 1960s and 1970s, at the national and international levels, as well as their earlier influences, are taken as a starting point. These practices lead to reflections on the dematerialization of the art object, the discussion of art as strictly visual apprehension, and the inclusion of the participant in the works. Other artists and architects are also analyzed with the aim of verifying the invisible in the relationships between body, architecture and technology. These issues are discussed in conjunction with a series of artistic projects carried out by the author of the thesis, serving as opening keys for the studies. As for the theoretical perspective, dialogues are held with philosopher Merleau-Ponty in The Visible and the Invisible (2012) and artist and philosopher Anne Cauquelin in Attending the Incorporeal (2008). This thesis is thus divided into four chapters: The Invisible as a Field, Always Something between Us, Invisible Architectures and \"A Light Illuminates Everything/ But There Must Be More\". From this angle, the invisible is explored as a relational, poetic, critical, sensitive, political and social field. Given the references studied, these fields emerge as something that modulates the relationship between people and spaces.

O objetivo desta tese é investigar de que modo o Contemporâneo fala através da arte cinematográfica, ou seja, pergunta-se, na dobra do tempo do agora, sobre o que há para ser visto e afirmado na vida contemporânea através do cinema. Essa pesquisa utilizou-se dos pressuspostos teóricos-epistêmicos do aporte existencial e trágico, com obras de Nietzsche, Clément Rosset, Rogério de Almeida, Beccari e Oliveira. Para mapear os modos como o contemporâneo tem sido evocado pelo cinema, usou-se a metodologia qualitativa de inspiração deleuziana, da cartografia e mapeamentos em platôs estéticos-discursivos. Foram delineados três a partir de uma vasta revisão fílmica operada principalmente nos últimos dez anos (2008-2017): (1) platô distópico, analisado por meio do filme Holy Motors (2012); (2) platô ilusório, trazido pelo filme O Duplo (2013) e (3) platô trágico, iluminado pela obra A Grande Beleza (2013). A partir de uma descrição fílmica cuidadosa e pela ótica da hermenêutica trágica, inspirada na obra de Beccari, constatou-se que o cinema tem mostrado o Contemporâneo por diversas matizes e forças, o que reverbera no modo de se pensar o homem e seus modos plurivocais de vida no mundo atual, seja no horizonte educacional ou quaisquer outros. / This thesis aims to investigate how the Contemporary speaks through cinematographic art, that is, it is questioned in the present about what is to be seen and affirmed in contemporary life through the cinema. This research made use of the theoretical and epistemic presuppositions of tragic thinking, with works by Nietzsche, Clément Rosset, Rogério de Almeida, Beccari and Oliveira. In order to evaluate the ways in which the contemporary has been evoked by the cinema, the methodology used was qualitative of Deleuze inspiration, cartography and mappings in aesthetic and discursive plateaus. Three films were drawn from a broad film review mainly carried out over the last ten years (2008-2017): (1) dystopic plateau, analyzed through the Holy Motors film (2012); (2) illusory plateau, studied by the film The Double (2013) and (3) tragic plateau, through the analysis of the work The Great Beauty (2013). From a careful film description and from the perspective of tragic hermeneutics, inspired by Beccari\'s work, it has been observed that cinema has shown the Contemporary by various shades and forces, which has repercussions on the way one thinks about man and his manners plurivocals of life in the world today.

Esta dissertação faz uma análise formal do romance brasileiro contemporâneo O grifo de Abdera (2015) para pensar a desestabilização desta forma através da incorporação de uma história em quadrinhos e da utilização da cultura de massa. Por meio do close reading, a obra é estudada através de três níveis de leitura, correspondentes aos três personagens principais do livro sendo eles o protagonista Oliver Mulato, o narrador Mauro Tule Cornelli e o próprio autor encenado, Lourenço Mutarelli uma vez que estes se entrelaçam e se confundem através do enfraquecimento da hierarquia entre real e ficção. Os artifícios literários que o livro propõe, porém, não impedem o trabalho sobre a forma, especialmente no que concerne o narrador, o ponto de vista, o tradicional tema do duplo e a reflexão acerca da incomunicabilidade do romance. A noção de precedência da imagem sobre o real observável nas imagens poéticas, imagens extraídas da cultura e imagens do consumo no livro faz com que a possibilidade de representações do mundo material seja posta em dúvida e passe a dar lugar a uma construção coletiva, que perde lastro no real e é permeada da repetição de lugares-comuns e de clichês (BAUDRILLARD, 1991; JAMESON, 1995b). Uma vez manejadas, essas categorias colocam em questão a própria noção de criação autoral para um autor que, vindo do cenário dos quadrinhos, tem uma filiação literária alternativa e parece buscar a própria inserção no meio através de um tom provocativo e, por vezes, agressivo com relação ao ambiente acadêmico e a tradição literária. A oscilação entre o querer e o não querer participar deste meio afirma, enfim, Lourenço Mutarelli como um escritor de uma veia lateral da literatura contemporânea. / In this dissertation a formal analysis of the contemporary Brazilian novel O grifo de Abdera (2015) is done, so as to think the destabilization of the aforementioned form, through the incorporation of comics and the usage of mass culture. By means of close reading, the work is studied in three levels of reading, which correlate to the three main characters the protagonist Oliver Mulato, the narrator Mauro Tule Cornelli and the author himself, but staged, Lourenço Mutarelli insofar as they intertwine and become muddled through the weakening of the hierarchy between reality and fiction. The literary devices the novel proposes, however, do not hinder the work on form, specially in regards to the narrator, the point of view, the tradicional theme of the double and the reflection on incommunicability of the novel. The notion of the image\'s precedence over the observable reality in poetic images, images from culture and images from consumption in the novel puts the possibility of material world representation in check and gives way to a collective construction, which loses its link with reality and is filled with repetition of commonplaces and clichés (BAUDILLARD, 1991; JAMESON, 1995b). Once dealt with, these categories question the notion of authorship itself for an author whose comic book background gives him an alternative literary affliliation, and he seems to search for his own insertion through a mocking and, sometimes, aggresive tone towards academia and literary tradition. This oscillation between wanting and not wanting to belong to this field claims, therefore, Lourenço Mutarelli as a writer in a side vein of contemporary literature.

Submitted by Maicon Juliano Schmidt (maicons) on 2015-04-16T19:19:32Z No. of bitstreams: 1 Daiana Felix Pereira.pdf: 18723332 bytes, checksum: 89418a1724c3f8df1ec40b4f29a83b26 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-04-16T19:19:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Daiana Felix Pereira.pdf: 18723332 bytes, checksum: 89418a1724c3f8df1ec40b4f29a83b26 (MD5) Previous issue date: 2012-01-31 / Nenhuma / Esse trabalho investiga o processo de educar a voz de bailarinos contemporâneos por meio da educação corporal e vocal. Problematiza a questão vocal e busca entender o ensino da dança e da música que, historicamente desmembrou o corpo de quem aprende. Relaciona a essa problematização à formação na dança contemporânea com todos os desafios relacionados à manutenção da dominação masculina. Reconstrói a trajetória histórica da dança, entrelaçando-a com questões de gênero que trazem alguns conceitos como: a educação do corpo como processo do movimento e as questões da sexualidade interpretadas na dança como sentimentos eróticos. Além desse estudo teórico, a dissertação compõe dois ensaios: o primeiro inaugura um entre-ato por meio de uma análise sobre o V capítulo da obra de Rousseau (1712- 1778), "Emílio ou Da Educação, propondo uma possível dança entre Emílio e Sofia. E o segundo ensaio diz respeito a gravação com bailarinas e cantores exercitando o uso do corpo e da voz simultaneamente a fim de perceber os processos implicados nessa articulação. A dissertação aponta para uma nova linguagem e uma pedagogia da união entre a dança e a voz: artes essencialmente do corpo. É possível uma união entre as duas artes, destacando a questão da voz, bem como as questões do corpo como um todo. / This work investigates the process of educating the voice of contemporary dancers through vocal and body movement education. It seeks to understand how teaching dance and music historically disassociate itself from the body of the learner. Related to this question of contemporary dance training methods is also the question of gender roles and in particular that of male dominance. This thesis examines the historical trajectory of dance, weaving in issues of gender in relation to concepts such as education of the body, and the process of movement, as well as the topic of sexuality and how dance is often interpreted in terns of erotic feelings. This theoretical study looks at two essays in depth: the first is an analysis of Rousseau’s Chapter V (1712 - 1778), "From Emile, or Education, proposing a possible dance between Emilio and Sofia. The second essay is concerned with recording dancers and singers who train to use their body and voice simultaneously and aim to understand the processes involved that connect these two forms. This paper points to a new language and pedagogy that highlights the relationship and union between dance and voice, and the body as an art.