La presente tesis aborda el tema de la identidad femenina y las relaciones de poder que la determinan en los relatos de Luisa Valenzuela. Se analizan dos grupos de relatos de la autora que subvierten los modelos dominantes y opresivos de la feminidad. El primer grupo abarca las reescrituras de los cuentos de hadas, mientras el segundo trata la construcción de la feminidad en el ambiente de la última dictadura militar argentina. Los dos grupos de relatos presentan una suerte de crítica respecto a la formación discursiva de la mujer como sujeto. La tesis presenta en los capítulos introductorios varios problemas teóricos que se reflejan en la obra ensayística y narrativa de Valenzuela. Se analizan las relaciones entre el posmodernismo, el posestructuralismo y el feminismo, especialmente en lo que concierne al problema del sujeto femenino. También se presentan las teorías de Luce Irigaray y Hélène Cixous sobre la escritura femenina que guardan muchas similitudes con las de Valenzuela. Estas autoras realizan ante todo el análisis deconstructivo del discurso psicoanalítico sobre la sexualidad femenina y la señalan como el lugar de la represión discursiva falocéntrica, pero también como el instrumento de la conquista de la libertad. Las dos teorizan sobre un lenguaje femenino, a veces fundándose en ciertas ideas esencialistas sobre la identidad femenina. El concepto clave en la poética de Valenzuela es el de “escribir con el cuerpo”. Valenzuela se reafirma en la existencia de una escritura específicamente femenina, que tiene su origen en una sexualidad y experiencia históricas únicas de la mujer. Escribir con el cuerpo significa oponerse a la unión del logos con la cultura falocéntrica, hablar desde una posición de marginalización de las mujeres en la cultura y la sociedad patriarcales. Los cuentos de hadas de Perrault y de los hermanos Grimm representan un tipo de discurso marcadamente falocéntrico y las reescrituras de la autora sirven para deconstruir la arbitrariedad sociocultural que está en base de los textos que pretenden presentarse como transcendentales y cercanos a la mitología, el folklore y los contenidos universales de la psique humana. Se trata de la crítica de los modos más sutiles de la normativización del sujeto femenino a través de las ideas de la belleza, la virtud, la humildad y la pasividad de las heroínas, en contraste con las brujas y las madrastras. Las rescrituras de Valenzuela devuelven la voz narrativa a las heroínas y subvierten las dicotomías entre las construcciones normativas y estigmatizadas de la feminidad. Los relatos que tratan la vida de las mujeres bajo la dictadura militar argentina comparten algunas características importantes con las reescrituras de los cuentos de hadas, pero también presentan diferencias importantes que exigen otro tipo de análisis y una contextualización sociohistórica adicional. El libro de Diane Taylor, Disappearing Acts: Spectacles of Gender and Nationalism in Argentina’s “Dirty War”, analiza las estrategias discursivas y performativas de la propaganda oficial del régimen dictatorial a partir de las ideas posestructuralistas y proporciona instrumentos críticos muy importantes para acercarse a este grupo de relatos. Taylor demuestra de qué manera los discursos y las prácticas autoritarias militares participaron en la construcción simbólica de la feminidad. El “relato maestro” de la dictadura argentina exhibe características más siniestras que los cuentos de hadas, puesto que presenta a las mujeres no sumisas como un Otro deshumanizado, lo que justifica los castigos más brutales. Los dos grupos de relatos analizados en la tesis expanden la idea de la identidad femenina más allá de su construcción dominante. La liberación femenina se persigue principalmente a través de la reapropiación del lenguaje; las heroínas toman la voz narrativa para oponerse a las narraciones canónicas que crean y oprimen a los sujetos femeninos. Valenzuela no propone ningún modelo hegemónico de la feminidad, más bien quiere ampliar el horizonte de las posibilidades para la mujer a través de la subversión de los discursos y las estructuras sociales dominantes. / This thesis attempts to analyze from a feminist perspective the concept of female identity and the depiction of power relations in selected stories of the Argentinian writer Luisa Valenzuela. The study aims to show in which ways the author subverts oppressive models of femininity created in canonical fairy tales which she is rewriting, as well as the manner in which some of her stories denounce the construction of femininity during the last Argentinian dictatorship. In her essays, Luisa Valenzuela has developed a theory about the specificity of women’s writing and the role of a woman in subversion of existing social, cultural and political orders. I tried to establish a theoretical framework about female identity with regard to poststructuralist theories of the subject and their relations to feminism. I also presented the ideas of French feminists, Luce Irigaray and Helene Cixous, about women’s writing and female desire which bear a strong resemblance to the ideas developed by Valenzuela. Moving between poststructuralism and essentialism, Valenzuela’s poetics and politics propose the idea of a woman as a privileged subject of social change, deriving the strength from her historical oppression. She is thus able to reinvent her identity in a freer manner than a man, and even able to access the obscure knowledge, suppressed by the dominant, falogocentric culture. In her rewritings of fairy tales, Valenzuela tries to subvert the traditional discourse about femininity. The tales of Perrault and Grimm created the normative model of femininity, in accordance with the social conception of appropriate women’s behavior of their time. As such, this literary tradition is reflecting and further establishing the patriarchal oppression of women. The traditional heroines of fairy tales have no voice of their own, are submissive, passive and obedient, their primary ambition being to get married. The narrative voice is omniscient, and the very specific, falocentric view is presented as a universal, objective truth. Valenzuela’s rewritings give voice back to women, subvert the dichotomies between normative and stigmatized constructions of femininity, and give agency and autonomy to the heroines who take charge of their destinies. Valenzuela also subverts dominant discourses of femininity in her stories about the ultimate Argentinian dictatorship. The grand narrative of the dictatorial regime constructs femininity as fragile and submissive. These stories describe physical abuse in conjunction with symbolic acts of gendered oppression and as such exhibit more obvious modes of control of women and their bodies and identities, but also denounce the more subtle, discursive and performative ways by which the regime enforces femininity to their political enemies as a means of degrading them. The question of female sexuality and of writing with the body obtains special meaning in this sociohistorical context. The bodies that write are to be interpreted as tortured, abused and stigmatized bodies and are conceptualized as parts of discursive and performative reality rather than natural bodies who try to subvert the system by their connection with mythical or ahistorical essence. The two groups of stories analyzed in the thesis subvert the dominant, falogocentric discourses of femininity and expand the idea of a female identity beyond its canonical production. The main proposition of Valenzuela’s stories is reappropriation of female language, primarily by giving the narrative voice to the heroines who challenge the traditional and dominant narratives by which the female subjects are constructed and subjugated. She does not aim to create any hegemonic model of femininity but rather to question the existing social structures and discourses which stand on a woman’s way to liberation.

Thesis (doctoral) - Universität, Heidelberg, 2000. / Includes bibliographical references (p. 389-417) and index.

Les formes personnelles du récit (roman à la première personne et roman épistolaire) se sont imposées comme des formes privilégiées de la narration romanesque depuis la fin du dix-septième siècle jusqu'aux années 1760. L’étude a porté sur ce qui a pu inciter les auteurs, féminins ou masculins, à adopter très fréquemment une voix féminine dans ces narrations à la première personne. Qu'autorise cette voix féminine ? Cette adoption implique-t-elle une identification possible au féminin ? S'agit-il au contraire de mieux « construire » une représentation du féminin auquel d'ailleurs, en retour, les femmes peuvent finir par s'identifier ? L’étude a d'abord porté sur l'héritage des voix féminines en revenant à la situation de ce qu'on peut qualifier de « genres féminins » au dix-septième siècle : l’écriture épistolaire et mondaine pratiquée par Madame de Sévigné, les contes de fée, et le genre du roman-mémoires qui se développe sous la plume de romancières comme Mme de Villedieu ou Mme de Murat. Tous ces genres mettent en place certaines images de la féminité et de la narration féminine marquées par l’audace, l’humour, le badin et parfois la mise à mal des modèles héroïques. Ceci nous a menée à la voix de la Marianne de Marivaux qui est le pivot de cette réflexion, en ce qu’elle a incarné le féminin dans le roman-mémoires pendant plusieurs décennies. En amont, il s’agissait de voir en quoi la voix imaginée par Marivaux n’avait pas surgi ex nihilo, mais comment elle avait été préparée par les romancières et écrivaines de la seconde moitié du XVIIe siècle, et de quelle manière les conditions étaient réunies pour qu’émerge cette voix véritablement fondatrice. En aval, l’étude nous a permis de voir en quoi cette voix a influencé et inspiré les auteurs contemporains de Marivaux ou ceux qui l’ont suivi. L’étude se poursuit par une confrontation entre La Religieuse de Diderot et la Nouvelle Héloïse Rousseau afin d’observer la manière très différente mais en écho dont les deux romanciers faisaient parler des personnages de femmes et ramenaient dans le champ du romanesque une forme de tragique ou de pathétique qui semblait éteindre la voix de Marianne et donc avec elle les voix des romancières et conteuses de la fin du XVIIe siècle. / The personal narrative forms (novels written in the first person and epistolary novels) are among the most commonly used narrative forms in novels written between the end of the seventieth century and the period circa 1760. This research aims to identify the motivations of many male as well as female authors to use very frequently a woman’s voice in their first person narration. What does this woman’s voice allow? Does it mean the author identifies himself with a woman ? Or is it a way to shape a woman’s representation, to which the women, in return, might identify themselves ? This research studies the legacy of women’s voices, through what we may call the feminine narrative forms in the 17th century : the epistolary and mundane writtings of Madame de Sévigné, the fairy tales and the memoir-novels from Mme de Villedieu or Mme de Murat. All these narrative forms convey an image of feminity and feminine narrative forms full of audacity, humour, « badin » and also a certain undermining of the heroic role model. “The voice of Marivaux’s Marianne” is at the center of this reflexion, as she embodied the feminine in the memoir-novels for several decades. A feminine voice who did not appear ex-nihilo but whose emergence was fully prepared by the female novelists and writters of the second half of the 17th century. And a feminine voice who did not disappear with her author, as many Marivaux’s contemporaries and authors in the following years gave new inspirations to this voice. This study also confronted La Religieuse de Diderot and La Nouvelle Héloïse de Rousseau in order to identify the very different, although mirroring ways in which the two authors have the women characters express themselves and bring forward a form of tragedy and pathetic that seems to silence Marianne’s voice and close the era of the female authors and storytellers of the end of the 17th century.

À la même époque, les Contes et Nouvelles en vers de La Fontaine suscitent des réactions antagonistes, allant du rejet à l’émulation – ce qui constitue une singularité dans l’œuvre du poète. La Fontaine ne cache pas qu’il prend des libertés par rapport à la morale et aux exigences de l’écriture poétique ; mais ses licences relèvent moins d’une transgression que d’une dérogation consentie par les lecteurs mondains.Tout d’abord, il s’agit de déterminer la place de la licence dans le jeu normatif de l’esthétique classique. Comprise comme un écart toléré, la licence ne se limite pas à la poésie : elle s’applique potentiellement à toute norme de l’esthétique classique, selon les critères retenus pour juger l’œuvre. Notre étude analyse la part qu’occupe la licence dans la disposition d’esprit des lecteurs mondains des Contes.En examinant également d’autres conteurs contemporains de La Fontaine qui le considèrent comme un modèle, cette étude montre comment le texte construit sa légitimité en détournant des formes d’écriture ou de pensée qui sont habituelles dans le champ de la mondanité afin de mieux s’y insérer. La Fontaine cherche en effet à instaurer une connivence avec le lecteur. Celle-ci passe par l’appropriation de genres appréciés par la mondanité, par des jeux subtils sur la langue et la versification, et surtout par une scénographie faisant du lecteur un complice de l’entreprise immorale. Le conteur détourne également l’une des composantes essentielles du mode de vie de son lectorat : le loisir. Il livre une version érotique de l’otium dont l’analyse nous permettra de découvrir quel est l’apport des Contes dans l’anthropologie de La Fontaine. / At the same time, La Fontaine’s Contes provoke antagonistic reactions, from rejection to emulation - which is a singularity in the poet’s work. La Fontaine doesn’t hide that he takes liberties with moral standards and versification’s rules, but his licences don’t fall within the transgression : they are derogations granted by aristocratic readers.Firstly, we determine the place of the licence in the normative set of classical esthetic. As a tolerated deviation, the licence isn’t limited to poetry : it potentially applies to any norm of classical esthetic, according to the criteria used to judge the text. Our study analyzes the part occupied by the licence in the state of mind of aristocratic readers of Contes.Also examining other tale’s writers contemporaries of La Fontaine who consider him a model, this study shows how the text built its legitimacy by diverting forms of writing or thinking that are usual to the aristocratic public. La Fontaine seeks to establish connivance with the reader. He appropriates genres appreciated by the aristocratic public and invents a scenography making the reader an accomplice of immoral text. La Fontaine diverts also the lifestyle of its readers : leisure. He gives an erotic version of otium. Within this analysis, we will discover what is the contribution of Contes in La Fontaine’s anthropology.

La présente thèse étudie le développement historico-esthétique du conte littéraire polonais au XXe siècle sur la base d’un corpus qui s’étend de la Jeune Pologne à 1989, en se limitant à la littérature pour adultes. Cette étude se combine avec une réflexion théorique sur la nature du conte en tant que forme littéraire et propose l’outil de la convention pour cerner sa dynamique et sa polymorphie. Dans le conte, nous distinguons quatre niveaux de convention :le monde représenté, les motifs, la narration et le style. Les modèles conventionnels de ces quatre catégories, exposés dans le premier chapitre, servent de repères pour évaluer l’apport des écrivains à la convention du conte dans les deuxième et troisième chapitres. Le deuxième chapitre met en évidence le dynamisme historique qui anime le conte au XXe siècle dans la littérature polonaise, tandis que la troisième partie dégage de façon transversale les principales tendances esthétiques dans l’écriture féerique. Ainsi, le fil de la convention permet de tracer un panorama historique ainsi que de dégager les tendances esthétiques majeures du conte dans la littérature polonaise du XXe siècle, se révélant par là un outil pertinent dans l’étude du conte littéraire. Notons enfin que cette étude du conte littéraire offre un nouveau regard sur quelques uns des écrivains majeurs de la littérature polonaise du XXe siècle :B. Lesmian, W. Gombrowicz, St. I. Witkiewicz, Br. Schulz, T. Konwicki, St. Lem, Sl. Mrozek, Cz. Milosz et bien d’autres. /<p><p>Based on a wide corpus of adult literature, the present doctoral thesis is devoted to the historical and esthetical development of Polish literary fairy tale in the twentieth century from the Young Poland to the year 1989. It proposes at the same time a theoretical reflection on the literary form of fairy tale. Accordingly the convention is used as the main tool to apprehend its dynamics and its polymorphism. In the fairy tale, four conventional levels can be distinguished: represented world, motives, narration and style. Presented in the first chapter, the conventional models of theses four categories are used as reference points to gauge writers’ contribution to the fairy-tale convention in the second and the third chapters. The second chapter highlights historical dynamism of the fairy tale in Polish literature of the twentieth century, while the third part draws transversally the main esthetical tendencies in fairy-tale writing. Therefore the convention allows to outline an historical panorama and to define the main esthetical tendencies in Polish literature of the twentieth century, which proves its relevance in the study of literary fairy tale. Moreover this study of literary fairy tale takes a fresh look at some of the most important Polish writers of the twentieth century: B. Lesmian, W. Gombrowicz, St. I. Witkiewicz, Br. Schulz, T. Konwicki, St. Lem, Sl. Mrożek, Cz. Milosz. <p> / Doctorat en Langues et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Guillaume Apollinaire est incontestablement l’un des poètes français les plus célèbres du XXe siècle. Celui qui a participé aux mouvements d’avant-garde et écrit des poèmes comme «Le Pont Mirabeau» et «La Chanson du Mal-Aimé», s’est pourtant livré à une autre activité littéraire moins connue du grand public. En effet, la «prose d’imagination»—contes et romans—de l’écrivain est conçue dans les règles de «l’esprit nouveau», et selon une poétique de « la surprise » qui caractérise aussi ses vers. Friand de curiosa et de bizarreries de toutes sortes, le prosateur Apollinaire manifeste une prédilection pour les hérétiques, les aventuriers, les maniaques, les poètes disgracieux et les artistes originaux. Il n’a pas peur d’aborder des sujets étonnants, voire hétérodoxes, à la recherche du renouvellement esthétique. Cette écriture très particulière peut s’inscrire dans une certaine lignée de la littérature, parmi les genres et les ouvrages des auteurs voués à ce qui est fantastique, mystérieux, anticlérical ou subversif. Comme la vie et l’œuvre sont inséparables dans le monde apollinarien, il est naturel que la curiosité et le goût du bizarre de l’écrivain laissent des empreintes dans sa bibliothèque personnelle, ses agendas et dans ses chroniques anecdotiques. Et c’est effectivement dans le domaine du journalisme que se trouvent maintes «authentiques faussetés» d’un Apollinaire conteur, qui excelle à mêler le réel et l’imaginaire. Une telle tendance fusionnelle se traduit aussi par le mélange des genres artistiques et littéraires dans sa fiction, laquelle témoigne d’une volonté d’inventer au-delà de certains «modèles», de créer une nouvelle esthétique libre de contraintes formelles, tout en restant fidèle aux principes défendus par le poète Guillaume Apollinaire. / Guillaume Apollinaire is undoubtedly one of the most famous French poets of the twentieth century. However, apart from being a key figure in the early avant-garde movements and the author of The Mirabeau Bridge (“Le Pont Mirabeau“) and The Song of the Ill-Beloved (“La Chanson du Mal-Aimé“), the poet played another literary role less known to the public today. In fact, the “imaginative prose” (“la prose d’imagination“)—short stories and novels—of Apollinaire was written in the spirit of “l’esprit nouveau“ and in accordance with a poetics of “surprise“ which also shaped his poetry. Being an avid reader of curiosa and other unusual texts, the prosateur Apollinaire had a predilection for heretics, rogues, maniacs, ungraceful poets and eccentric artists. He was not afraid to write about shocking or unconventional subjects while aiming for aesthetic renewal. This very distinctive fiction writing belongs probably to a certain tradition in literature, where Apollinaire and some of his works remain among the genres and the authors who devoted themselves to fantastic tales, mysteries, anticlerical stories or other subversive texts. Since worldly experience and literary enterprise are inseparable in Apollinaire’s world, it is natural to notice many signs of the writer’s curiosity and his taste for the bizarre in his private library, his journals and his magazine columns. In fact, a large number of the so-called “true falsities“ (“authentiques faussetés“)—a term invented by Apollinaire himself who, as a brilliant raconteur, excelled in mixing reality with fantasy—can actually be found in the writer’s journalistic writing. As for his work of fiction, a similar tendency for mixing also reveals itself in the fusion of different artistic and literary genres. The “imaginative prose“ shows the author’s will to invent out of some existing “frameworks“, to create a new aesthetic free of genre constraints, while remaining faithful to the principles defended by the poet Guillaume Apollinaire.

Cette étude littéraire examine la transgression sexuelle par l’adultère, dans l’ouvrage Des contes et nouvelles en vers écrit par La Fontaine entre 1665 et 1671, publié par Claude Barbin jusqu’en 1671. Ces contes érotiques décrivent à travers le caractère satirique de l’auteur, les relations extra-conjugales des deux sexes dans un ton grivois et moralisateur. La Fontaine s’est minutieusement inspiré des parties de la littérature du Décameron de Boccace et de l’Arioste en réécrivant ces contes. Après la dernière publication Des contes et nouvelles en vers l’oeuvre est saisie puis interdite en 1675 par La Reynie considérée comme trop provocatrice. L’oeuvre de La Fontaine s’oppose par son contenu aux convenances de l’époque. En cela le texte de l’auteur pourrait être considéré comme libertin. Les personnages représentent différents corps sociaux et font l’objet de railleries et de caricatures. Ici l’étude décrit par exemple comment les textes présentent des sujets scandaleux de manière cachée. L’opposition entre le rôle, le statut, la condition sociale et le souhait du désir de chaque personnage des contes se présentent dans les personnages aussi bien masculins que féminins. Notre analyse explore la représentation des personnages féminins et leurs relations à l’adultère à travers les regards des personnages masculins et celui de l’auteur. L’étude prend appuie sur des recherches historiques et prend en compte le système hiérarchique des personnages et la condition sociale de la femme dans le rôle d’épouse. Le style satirique de La Fontaine se caractérise par la volonté de critiquer les moeurs sociales d’une période spécifique de l’histoire, celle du XVIIe siècle. L’analyse étudie deux aspects celle de la transgression sexuelle de la femme et celui du regard d’objectification porté sur elle. L’étude examine si cette transgression peut être mise en corrélation avec un débat sociétal sur la définition du mariage de l’époque. / This literary study examines sexual transgression through adultery, in the work Des contes et nouvelles en vers written by La Fontaine between 1665 and 1671, published by Claude Barbin until 1671. These erotic tales describe through the satirical character of the author, the extra-marital relations of both sexes in a grizzly and moralizing tone. La Fontaine was meticulously inspired by the parts of the literature of Boccaccio's Decameron and Ariosta in rewriting these tales. After the last publication Of Tales and News in Verse the work is seized and then banned in 1675 by La Reynie considered too provocative. The work of La Fontaine is opposed by its content to the conveniences of the time. In this the author's text could be considered libertine. The characters represent different social bodies and are the subject of taunts and caricatures. Here the study describes, for example, how the texts present scandalous subjects in a hidden way. The opposition between the role, the status, the social condition and the desire of the desire of each character of the tales are presented in the characters both male and female. Our analysis explores the representation of female characters and their relationship to adultery through the eyes of male characters and that of the author. The study is based on historical research and takes into account the hierarchical system of the characters and the social status of the woman in the role of wife. The satirical style of La Fontaine is characterized by the desire to criticize the social mores of a specific period of history, that of the seventeenth century. The analysis studies two aspects: that of the sexual transgression of the woman and that of the objectification look on her. The study examines whether this transgression can be correlated with a societal debate over the definition of marriage at the time.

La thèse présente une typologie raisonnée des personnages féminins qui apparaissent dans un corpus de quatre œuvres littéraires rédigées en sanskrit au Cachemire entre le VIIIe et le XIIe siècles : le Kuṭṭanī-mata de Dāmodaragupta, la Samaya-mātṛkā de Kṣemendra, le Kathā-sarit-sāgara de Somadeva et la Rāja-taraṅgiṇī de Kalhaṇa. Les représentations littéraires donnent à voir un large spectre de comportements et de statuts féminins. Si la conduite de certaines femmes correspond aux attentes des textes normatifs, d’autres sont tout à fait inattendues et atypiques, des aventurières parfois pittoresques déviant parfois franchement de la norme. Entre ces deux extrêmes, les personnages féminins font plus ou moins preuve d’initiative et usent à des degrés divers de leurs marges de manœuvre et de leur pouvoir de décision. Si les auteurs sont des hommes, qui souscrivent à l’essentiel des normes sociales brahmaniques, leur point de vue sur les femmes n’est pourtant pas univoque. Non seulement le traitement des personnages féminins peut varier en fonction des auteurs mais il varie aussi au sein d’une même œuvre en fonction du contexte. La lecture des œuvres du corpus permet de délimiter ce qui, dans les textes normatifs, apparaît comme essentiel concernant le mariage et le rapport entre époux. Elle conduit également à pondérer certaines des assertions des textes normatifs au sujet des femmes, tandis que la lecture croisée des sources permet d’apprécier l’intégration dans les textes normatifs de certaines pratiques que leurs auteurs ont été amenés à prendre en compte. Enfin, la question se pose de savoir dans quelle mesure les belles lettres du Cachemire de l’époque dépeignent la société contemporaine de leur rédaction. La critique des pratiques tantriques notamment dans les œuvres satiriques de Kṣemendra – mais aussi dans la Rāja-taraṅgiṇī – est bien la preuve que la réalité contemporaine trouve sa place dans les œuvres littéraires du corpus. L’étude d’un ensemble d’œuvres dont on sait qu’elles ont été rédigées dans une région et une époque donnée – chose suffisamment rare dans le cas des lettres indiennes pour être appréciée – présente un grand avantage. Elle souligne la différence de traitement des personnages féminins en fonction des auteurs, du type de texte littéraire (satires, recueil de contes, chroniques) et de l’auditoire auquel le texte était destiné, ces différences au sein du corpus ne pouvant s’expliquer par des différences régionales. / This thesis presents an explanatory typology of the female characters who feature in the corpus of four Sanskrit literary works written in Kashmir between the 8th and 12th centuries : Dāmodaragupta’s Kuṭṭanī-mata, Kṣemendra’s Samaya-mātṛkā, Somadeva’s Kathā-sarit-sāgara, and Kalhaṇa’s Rāja-taraṅgiṇī. A large spectrum of female behaviors and status appears here in literary representation. While the behavior of some female characters corresponds to the expectations of the legal texts, that of others can seem surprising and atypical: risk-taking women, sometimes pittoresque, clearly deviate from the norm. Between these two extremes, the female characters are more or less prone to take the initiative and to various degrees to take advantage of whatever space they have to manoeuver in, and to take benefit of whatever decision-making power they might have. While the authors are men who subscribe to the essential core of Brahmanic social norms, their point of view on women is, however, ambiguous. Not only does the treatment of the female characters vary according to the authors, but it varies also within the same work, depending on context. Reading the works of this corpus helps to define what appears as essential concerning marriage and spouse relations in the legal texts. This study also allows for the evaluation of some of the legal texts’ assertions about women. In fact, the comparison of these sources shows how the legal texts integrated certain practices that the authors of these texts had to take into consideration. In the end, one has to ask the question of to what degree the Kashmirian literature of this time described contemporaneous society. The critical view of Tantric practices especially in the satirical works of Kṣemendra, but also in the Rāja-taraṅgiṇī, is indeed proof that contemporary reality has a place in this literature. It is of an immense advantage to study works from a well-defined region and time – something so rare in Indian Studies that it can be easily appreciated. This advantage allows us to emphasize the difference in treatment of female characters among different authors, and among different genres (satires, story collections, chronicles), as well as according to the different audiences, since we know that these differences cannot be explained as being simply regional.

Dans cette thèse, on examine les différents aspects de la réception et de la fortune des contes de la baronne d’Aulnoy à la fin du XIXe siècle, permettant d’enrichir les analyses critiques à propos des contes de fées classiques et de leur perception en époque moderne. L’étude porte, en un premier temps, sur le domaine de nouvelles éditions des contes qui voient le jour à partir de premières années du XIXe siècle, jusqu’aux premières années du XXe. La composition des volumes et la forme des textes permettent de comprendre comment c’est uniquement à la fin du XIXe siècle que Mme d’Aulnoy commence à être considérée comme une auteure classique : une écrivaine qui propose aux lecteurs des contes merveilleux originaux et non pas une simple transcriptrice de contes folkloriques. L’analyse des réécritures et des transpositions permet, en revanche, de comprendre le rôle de la baronne et de son œuvre dans le renouvellement du merveilleux de la fin du siècle, car les réécritures complètes de certains de ses contes présentent des traits stylistiques propres au genre du merveilleux perverti. Cela permet de saisir l’intérêt que les auteurs de cette époque portent sur la figure de l’écrivaine : elle est perçue comme un modèle, au même niveau que Charles Perrault, ce qui justifie la présence de réécritures complètes de son œuvre. D’un autre côté, certaines reprises de thèmes, motifs et personnages, permettent de mieux comprendre l’importance du souvenir littéraire dans le renouvellement du genre merveilleux. Les transpositions pour le théâtre sont, enfin, présentes uniquement dans la culture anglaise. Les contes de la baronne d’Aulnoy qui participent à ce phénomène permettent un profond renouvellement de certains genres du théâtre classique et la création de nouveaux, qui présentent, pour la première fois, le thème du grotesque. Ce travail permet, donc, de souligner la portée et l’importance de la production d’une écrivaine qui a été, pendant longtemps oubliée et de mettre en relief en quel sens ses contes merveilleux ont contribué à enrichir plusieurs genres et plusieurs modèles relevant de la culture de la fin du siècle. / In this thesis, the variousaspects of the reception and the fortune of the fairy tales of the baroness of d’Aulnoy at the end of the 19th century are examined, allowing enriching the critical analyses about classical fairy tales and their perception in modern time. In first place, new editions of the tales, printed from from first years of the 19thcentury, until the first years of 20th are examined. The composition of volumes and the shape of the texts make it possible to understand how it is only at the end of the 19th century that Mrs. d'Aulnoy starts to be regarded as a classical author. She begins to be considered as a writer that proposes to the readers original marvelous tales and not a simple rewriter of folk tales. The analysis of the rewritings and the transpositions allows, on the other hand, to understand the role of the baroness and her work in the renewal of marvelous literature at the end of the century. In fact, the complete rewritings of some of its tales present some stylistics features that can be connected with the perverted marvelous, typical of the end of the century. That makes it possible to seize the interest which the authors of this time carry on the figure of the writer. She begins to be perceived as a model, on the same level as Charles Perrault, which justifies the presence of complete rewritings of its work. On the other hand, the presence of some themes and characters that can originally be found in Mrs. d’Aulnoy’s works inside new works allows to better understand the importance of the literary memory in the renewal of marvelous literary genre. In the end, the transpositions for the theater can only be found in the English culture. The tales of the baroness d’Aulnoy which take part in this phenomenon allow a deep renewal of certain genres of the classical theater and the creation of new ones, presenting, for the first time, characters and topics linked to grotesque. This work allows therefore, to stress the range and the importance of the production of a writer which, has been forgotten for a long time and to highlight in which direction its tales contributed to enrich the marvelous at the end of the century.

Le XIXe siècle français se caractérise par plusieurs révolutions et évolutions qui changent tantôt brutalement, tantôt graduellement plusieurs sphères de la société. Notamment, dans le grand mouvement de libéralisation qui parcourt l'ensemble du siècle, l'essor des journaux et leur popularité grandissante ont, sans conteste, des répercussions importantes sur la société et sur l'imaginaire social. Au sein de cet imaginaire, la violence est depuis longtemps présente, et tout particulièrement dans la littérature française. Avec la Révolution de 1789, qui marque durablement le siècle suivant, et l'importance grandissante des journaux qui exploitent les histoires violentes - dont le fait divers est la quintessence médiatique - celles-ci fascinent de plus en plus le lectorat, tandis que la littérature se laisse influencer par l'imaginaire social et l'emprise des journaux. Cet attrait pour la violence se remarque en particulier dans les contes et nouvelles de Maupassant, qui feront l'objet d'une analyse soutenue dans ce mémoire. Ce dernier vise à démontrer de quelles façons l'auteur normand représente la violence et quels liens elle entretient avec les journaux et l'imaginaire social de son temps. Découpé en trois chapitres, le travail étudie d'abord la représentation de la guerre, puis celle des femmes et de la violence, et s'attarde enfin aux contraintes médiatiques qui pèsent sur le texte maupassantien.