Made available in DSpace on 2016-04-27T17:27:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ARI GORDON.pdf: 425801 bytes, checksum: a3bac3119cdec88d0e52daa5187559e2 (MD5) Previous issue date: 2009-11-09 / This paper attempts to show two oppositional aesthetic concepts thru a structural analysis of the book Introduction to a Marxist Aesthetic by Lukács, G., and Aesthetic Dimension by Marcuse, H. In the Introduction we present the origin of their thoughts and their world views, in spite of being relatively contemporaneous. Chapter 1 examines Lukács, mainly organicity, that is, the need of tension in the art piece, and this will be strongly stressed in the final observation. Chapter 2 presents Marcuse s ideas, especially art s autonomy, which also will be emphasized in the final observation, for its power to provoke dealienation in the consumption s society. If apparently one may have gotten the impression that both writers were irreconcilable in the introduction, the final observation will endeveour to show that our today s mass-media world will approach them, for there is, more than ever, a need for the art to wake us from this repressive world up, and yet, at the same time, for that to happen, the art must carry some tension, for only then, it can play this role / Este trabalho tenta mostrar duas concepções estéticas opostas através da análise estrutural do livro Introdução a uma Estética Marxista de Lukács, G., e da Dimensão Estética de Marcuse, H. Na Introdução apresentaremos a origem do pensamento de cada um deles e suas diferentes visões de mundo, apesar de serem relativamente contemporâneos. O Capítulo 1 analisa as idéias de Lukács, principalmente a Organicidade, isto é, a necessidade da tensão na obra e que receberá atenção especial nas observações finais. Já o Capítulo 2 mostra as idéias de Marcuse, especialmente a autonomia da arte, que também receberá atenção especial nas observações finais por sua capacidade de provocar a desalienação na sociedade de consumo. Se aparentemente na Introdução tem-se a impressão que as idéias de ambos eram irreconciliáveis, as observações finais se esforçarão para mostrar que o mundo mass-midiático os aproximará, pois há, mais do que nunca, uma necessidade que a arte nos desperte do mundo da repressão, e ao mesmo tempo, para que isso ocorra, não pode deixar de existir uma tensão no interior da obra para que ela exerça esse papel

Made available in DSpace on 2016-04-27T17:27:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luciano da Silva Facanha.pdf: 4624121 bytes, checksum: cf7b0376b2736b15df3a16ede39848ec (MD5) Previous issue date: 2010-06-11 / Rousseau was a philosopher who practices a variety of possible genres; as himself, all of them hitting the same principles, only changing the sound and the way to write, going to the political, romance, musical shows and theatrical scenes, chronicles, love stories, and his monologues, and a huge epistolary practice that together with the apologetically texts, make the memory genre. Also, the characteristic made by Rousseau has specific clarity, because in the XVII century, the philosophers, most part of them, used to practice multiples lecture types and genres that make the Literature rich, and whole art in general, the philosophy recognize the autonomy in every artistic speech. Doesn t exist specific borders between Literature and Philosophy, from there come the different types of genres created in the Illuminist period. Even, Rousseau says that, when the preference didn t become corrupted, neither the passions degenerated, and before the art polish our styles and transmit the language of this different genres, our ways was rustic, but naturals, and this difference, used to report, first of all, the elements . So, from the tolerant conjectures of the beginning of this sublime art of communicate thinking, the philosopher goes to the question of origin of languages, that, even being so far of the perfect aesthetic, but, natural, the passions which were expressed build the most direct demonstration of men and, in this form, were more important the emotional inflexions than the real meaning of the words, because, were the feelings that create the first voices, than the poetical nature of the language, were the original language was similar that the ones used by the Poets, were had the privilege of the eloquence instead the precise meaning; the language of the first men were Metaphorical and Poetic , because, didn t start to rationalize, but Feel; and, even if the philosopher had the conscience of a language, never could present in a complete way the feelings that create the passions, but, couldn t had being said with the same intensity that are felled, neither recuperate for complete the puree and the nobility of the eloquent expressions, but, the philosopher look to point a way out: put them in another way in the good way , because, Rousseau end realizing the duty, the poetic language in whole aesthetic, be transmitted by the way of romance, a teaching, a political deal, a theatrical show, be acting more mysteriously by the way of an example of yourself, in certain way apologetically, can be in the life when reveal small meanings; are the best ways to make speak of passions , and the more successfully ways to mimesis of the passions, like the writing, that look like be the best to represent the Rousseau s Aesthetic, when produce the most perfect original image , been this way the one that make possible the future return to a immediate conclusion, like in the beginning of times, when the language were more poetic and free, because, was more close to the passions, and so, more original and more true / Rousseau foi um filósofo que praticou uma variedade de gêneros possíveis; segundo o próprio, todos objetivando atingir os mesmos princípios, apenas mudando o tom e variando na escrita, passando por obras de política, romance de formação, peças musical e teatral, contos, romance de amor, além de seus intensos monólogos e uma vasta prática epistolar que, juntamente com os textos de apologética, compõe o gênero da memória. Aliás, característica exercitada por Rousseau com exímia proeza, pois, no século XVIII, os filósofos, com quase nenhuma exceção, exercem uma multiplicidade de gêneros literários, ocasionando a valorização da Literatura, do paradigma da arte em geral, em que a filosofia reconheceu a autonomia em todo discurso artístico. Ressaltando-se que há uma inexistência de fronteiras precisas entre a Literatura e a Filosofia, daí a diversidade de gêneros praticados pelos homens de letras do período da ilustração. Contudo, Rousseau informa que, quando o gosto ainda não havia se corrompido, nem as paixões degeneraram, e, antes que a arte polisse nossas maneiras e ensinasse nossas paixões a falarem a linguagem apurada desses diversos gêneros, nossos costumes eram rústicos, mas naturais, e a diferença dos procedimentos denunciava, à primeira vista, a dos caracteres. Assim, a partir de conjecturas toleráveis a respeito do nascimento dessa arte sublime de comunicar os pensamentos, o filósofo remete a questão à origem das línguas, que, mesmo estando a uma distância tão longe de sua perfeição estética, pois, natural, as paixões com que eram expressadas constituíam a mais direta manifestação do homem e, de forma correlata, as inflexões emocionais importavam mais do que a significação racional das palavras, afinal, foram os sentimentos que arrancaram as primeiras vozes, daí a natureza poética da linguagem em que a língua original se assemelhava a que os Poetas utilizavam, onde havia o privilégio da eloquência ao invés da exatidão; a linguagem dos primeiros homens era de uma forma Figurada e Poética , pois, não começou por raciocinar, mas, por Sentir; e, embora o filósofo tivesse consciência que uma língua, jamais poderia representar por completo os sentimentos que suscitam as paixões, pois, não podem ser ditas com a mesma intensidade com que são sentidas, nem recuperar inteiramente a pureza e a leveza das expressões eloquentes, no entanto, o filósofo parece apontar uma saída: reconduzi-las ao bom caminho , pois, Rousseau acaba realizando a tarefa, da linguagem poética em sua plena estética, seja transmitida sob a forma do romance, de um ensinamento, um tratado político, uma peça, seja agindo mais misteriosamente por meio de um exemplo de si mesmo, de certa forma contagiante, seja intervindo na vida ao revelar seus recônditos mais ermos; são os melhores meios encontrados para fazer falar as paixões , e as maneiras mais eficazes para a mimesis das paixões, como a escrita, que parece bem representar a Estética rousseauniana, ao reproduzir a mais perfeita imagem original , sendo esse meio que torna possível o futuro retorno à imediação, como nos primórdios, em que a linguagem era mais poética e livre, pois, mais próxima das paixões, logo, mais original e mais verdadeira

Made available in DSpace on 2016-04-25T19:21:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Roberto Pereira Miguel.pdf: 596885 bytes, checksum: 45b4ab84b0d2d4c07dbcb501fdc5d0e4 (MD5) Previous issue date: 2009-12-02 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / In this dissertation we intend to analyse the way proposed, and developed, by Saint Augustine toward the visualization of the invisible God. That is Via Puchritudinis, the path of beauty, which is a mystic as much as an aesthetic way. The focus of this task is the aesthetic side of this journey, which becomes evident by the assertion made by Hans Urs von Balthasar on his aesthetic theology treatise called Glória. For him, Augustine s trajectory, especially his conversion, cannot be considered a walk from aesthetics to religious , but a conversion from a common aesthetic to another superior one (Balthasar, 1986, p. 97). Because, for Augustine, contemplating the beauty of the world and creation represents the first step of a trajectory toward an even more keenly discerning contemplation of God s beauty, from which creation s beauty is just a vestige. But when he identifies the absolute transcendent God with beauty, by the affirmation: Late have I loved You, Beauty so ancient and so new, late have I loved Thee! , Augustine makes this journey in a mystical way, in which history (God s action fulfilled by Jesus Christ) and prophecy (Scripture and His messengers) represents the two main pillars. Thus, we will also tackle Augustine s Via Pulchritudinis mystical side, in proportion to its relationship with the principal concept of this dissertation, which is, beauty. We understand that this concept of beauty, just as it was thought by Augustine, may be relevant to the present time, whereas the notion of beauty, nowadays, seems to have left behind all its transcendent aspects to shut itself up just in what is imanent, that is, body and matter / Nesta dissertação pretendemos analisar o caminho proposto, e percorrido, por Santo Agostinho em direção à visualização do Deus invisível. Trata-se da Via Pulchritudinis, o Caminho da Beleza, que se configura numa trajetória tanto mística quanto estética. O foco deste trabalho é o viés estético desta jornada, o qual se evidencia na afirmação feita por Hans Urs Von Balthasar em seu tratado de estética teológica intitulado Glória. Segundo ele, a trajetória de Agostinho, sobretudo a sua conversão, não pode ser considerada uma caminhada do estético em direção ao religioso , mas, isto sim, a conversão de uma estética comum a outra superior (Balthasar, 1986, p. 97). Pois, para Agostinho, a contemplação da beleza do mundo e da criação representa o passo inicial de uma trajetória em direção à contemplação cada vez mais aguçada da beleza de Deus, da qual a beleza das coisas criadas é apenas um vestígio. Mas ao identificar o Deus absolutamente transcendente com a própria beleza, por meio da afirmação Tarde te amei, ó beleza tão antiga e tão nova! (AGOSTINHO, Confissões, p.299), Agostinho faz dessa jornada um caminho místico, no qual a história (a ação de Deus realizada por Jesus Cristo) e a profecia (a Escritura e os seus mensageiros) representam os dois pilares principais. Assim, abordaremos também o lado místico da Via Pulchritudinis agostiniana, na medida em que ele se relaciona com o conceito principal deste trabalho, isto é, a beleza. Entendemos que este conceito de beleza, tal e qual pensado por Santo Agostinho, pode ser relevante à atualidade, visto que a noção de beleza, neste tempo, parece haver deixado de lado todo o seu aspecto transcendente para encerrar-se tão somente naquilo que é imanente, isto é, no corpo e na matéria

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 RODRIGO FONSECA.pdf: 597625 bytes, checksum: 676f225f8f2cdf1a70b0edd1e60260ad (MD5) Previous issue date: 2007-03-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The main issue of this thesis is concerned to the listening and it's compositions in view of the experimental ways of frequentation of the architecture person-to-person in the internet. They will be approached, as empirical corpus, practices of sonorous compositions spread through site-programs like soulseek.org and known as bootleg mash ups. The research tries to demonstrate the difficulties coming from the specutations of the thought when dealing with the investigation how the sensations in the listening,make some contagious, encouraged by collective affects linked to the temporalities of the technology and the musical creation. The conceptual basis of this thesis leans on the approximation among the echoing ideas of F. Nietzsche, Gabriel Tarde, Henri Bergson, F. Pessoa, Gilles Deleuze and F. Guattari. The purpposal is to discuss, from the conceptions that these authors brought to the problem of the imagem in the thought, what changes about the sensation of listening when the image of the thought changes.In such a way this work adopts the contribution of the "thought of the haecceitas", trying to re-imagine the creative virtualities of the Time in the composition of the musical listening. Accorded to this conception, instead of abiding by the practice of cutting and pastting sonorous elements, the desktop's composer will need to invest previously in an experimental economy of rhythms and images of the Time to potencialize the sensations in the listening. From this premise, it is asserted that the creative performances of musical listening, stimulated by the ways of conviviality into the sites peer-to-peer, need to interfere in the regimes of perception, sense and the image that the subjectivity aquires in the stereotyped cadences of the internet. Such practices present themselves as an heteronymic poetical activity, with an invenctive resistence to the recent technological processes of subjectivation. To achieve this level, the compositional listening needs to go beyond the reccuring stable regimes of the sound, the sign, the space, the phenomenon, the sense, the techinque and the musical logos in the transcndentalimage of thought. From this creative battle in a saturated enviroment of axioms, the musical composition faces up the problem of retitute singular in the sensation, to transduce the wills and to make a contagious of the sensivity virtualities into the thought of the listening / A questão principal desta tese diz respeito à escuta e suas composições face aos modos experimentais de freqüentação das arquiteturas person-to-person na internet. Serão abordadas, como corpus empírico, práticas de composição sonora disseminadas por meio de sites-programas como o Soulseek.org e conhecidas pelo nome de "bootleg mash ups". A pesquisa tenta demonstrar as dificuldades das especulações do pensamento quando se trata de indagar como as sensações na escuta se contagiam, animadas por afetos coletivos ligados às temporalidades da tecnologia e da criação musical. A fundamentação conceitual da tese se ampara na aproximação entre idéias ecoantes de Duns Scott, F. Nietzsche, G. Tarde, H. Bergson, F. Pessoa, G. Deleuze e F. Guattari. O objetivo aqui é demonstrar, a partir das concepções que estes autores deram para o problema da imagem no pensar, o que muda na sensação da escuta ao se mudar a imagem mesma do pensamento. Para tanto, este trabalho adota as contribuições do "pensamento das hecceidades" para tentar re-imaginar as virtualidades criativas do Tempo na composição da escuta musical. De acordo com esta concepção, em vez de se ater à prática de cortar e de colar elementos sonoros, o compositor de desktop precisará antes investir numa economia experimental de ritmos e de imagens do Tempo para singularizar sensações na escuta. A partir desta premissa, afirma-se que as performances criativas da música, estimuladas pelos hábitos de convívio nos sites peer-to-peer, precisam interferir em regimes de percepção, de sentido e da imagem que a subjetividade adquire nas cadências estereotipadas da internet. Tais práticas apresentam-se como uma atividade poética heteronímica, de resistência inventiva aos recentes processos tecnológicos de subjetivação. Por tal razão, a escuta compositora necessita ultrapassar os regimes estáveis do som, do signo, do espaço, do fenômeno, do sentido, da técnica, do logos musical recorrentes na imagem transcendental do pensamento. A partir do embate criativo num ambiente saturado de axiomas, a composição musical enfrenta o problema de restituir o singular na sensação, de transduzir vontades e de contagiar virtualidades sensíveis na escuta e no seu pensamento

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:31:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Simone Aparecida de Oliveira.pdf: 18320348 bytes, checksum: f1e003752ff356dc2f31d8ee806a540e (MD5) Previous issue date: 2008-10-24 / This dissertation intends to contribute to the historic analysis of the proposal for the visual arts revival in São Paulo during the period comprehending the Brazilian modernism, through the discussion and analysis of Flávio de Carvalho modern artistic proposal. Through the examination of the pictorial, architectonical and specially the realization of the Experiment n. 2 by Flávio de Carvalho, main focus of this research, it was possible to establish the essential intersection and the diversion points between the proposal for artistic renewal imagined by the paulista modernists of that period of time, specially characterized by the representation of the Brazilian mannerism and the proposal of artistic revival idealized by Flávio de Carvalho, who searched for the rupture of this pursuit in his artistic production attentive to the comprehension of the city as the irradiation center of the vanguard movements and the modernity contradictions. The analysis of the Experiment n. 2 by Flávio de Carvalho in this dissertation intends to investigate its depiction as the vertex of an artistic revival in São Paulo which marked the insertion of the urban space in the artistic creation process and brought some concepts of the Dadaist and surrealist vanguard to the paulistano atmosphere during the decade of 1930 / Esta dissertação pretende ser uma contribuição para a análise historiográfica da proposta de renovação das artes visuais em São Paulo no período que compreende o modernismo brasileiro, a partir da discussão e análise da proposta artística moderna de Flávio de Carvalho. A partir da análise da produção pictórica, arquitetônica e principalmente da realização da Experiência nº 2 , por Flávio de Carvalho, foco de interesse deste estudo, foi possível estabelecer os principais pontos de intersecção e distanciamento entre a proposta de renovação artística pensada pelos modernistas paulistas da época, pautada, sobretudo, pela busca de uma representação da brasilidade e a proposta de renovação artística pensada por Flávio de Carvalho que buscou o rompimento desta busca em sua produção artística a partir de um olhar voltado para a compreensão da cidade como foco de irradiação dos movimentos de vanguarda e das contradições da modernidade. A leitura da Experiência nº 2 de Flávio de Carvalho neste estudo tem como objetivo investigar sua representação como o vértice de uma renovação artística em São Paulo que assinala a inserção do espaço urbano no processo de criação artística e que trouxe algumas conceituações das vanguardas dadaístas e surrealistas para o ambiente paulistano na década de 1930

Made available in DSpace on 2016-04-29T14:23:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Randolph Aparecido de Souza.pdf: 2953752 bytes, checksum: 949dcc91b6de02061dbf28192a5d8e57 (MD5) Previous issue date: 2009-03-24 / This research discusses the mashup practice, particularly the one of web applications, while own aesthetics, that translates a contemporary sensibility, reflex of the remix culture of which emerges. Copy, cut or paste are now intrinsic actions to the daily of the cyberspace, where the recombination of information is evidenced as usual practice. In this context, how to identify and relate the mashup aesthetics? Such scenery incites the further study concerning mashups, in search to trace a descending and contemporary overview by means of investigation and identification of its origin, structure and practical in the digital medium. To debate these issues was accomplished a historical redemption, in order to present the concepts and artistic movements precursors relative to its essence. The mashup comprehension advances in scope of the remix sphere. The issues referring to collaboration, interaction and authorship, as well as the conceptualization of the practical, based on the malleability of the binary code and the transposition between a medium to another one; will be sustained from the studies of Lev Manovich and Eduardo Navas. Thus, the analysis of the structure and functioning of mashups applications in the digital medium, demarcated by means of the considerations from Duane Merrill, consists in better assimilation to these reflections, since specifies the technological characteristics that define them. In intention to reorganize the several mashups models found in the net, it makes mapping inspired on Merrill s classification, however, propose own categories; supported in case studies made through the analysis of web sites that use the technique. With effect, it verifies that the mashup process former, based on combination of one or more sources for formation of something new, is the same adopted in different periods, in other words, is not entirely innovative; varies only the form of employment applied, in the relationship of the predecessors concepts to the technology and emerging medias. Finally, it emphasizes the importance of the proposed classification for mashups mapping in the revelation of organic categories, that allow thus to illustrate the fluid movements of associations and inter-relationships characteristic of its organization, in an accurate portrait of the universe of unlimited possibilities of imbrication in which they inhabit / Esta pesquisa discute a prática mashup, particularmente a de aplicativos web, enquanto estética própria, que traduz uma sensibilidade contemporânea, reflexo da cultura remix da qual emerge. Copiar, cortar ou colar agora são ações intrínsecas ao cotidiano do ciberespaço, em que a recombinação da informação evidencia-se como prática usual. Nesse contexto, como identificar e relacionar a estética do mashup? Tal cenário incita a um estudo mais aprofundado acerca dos mashups, em busca de traçar um panorama descendente e contemporâneo mediante investigação e identificação de sua origem, estrutura e prática no meio digital. Para debater estas questões foi realizado um resgate histórico, a fim de apresentar os conceitos e movimentos artísticos precursores relativos à sua essência. A compreensão de mashup avança no âmbito da esfera remix. As questões referentes à colaboração, interação e autoria, assim como a conceitualização da prática, fundamentada na maleabilidade do código binário e da transposição entre um meio a outro; sustentam-se a partir dos estudos de Lev Manovich e Eduardo Navas. Desse modo, a análise da estrutura e funcionamento dos mashups de aplicativos no meio digital, demarcada por meio das considerações de Duane Merril, consiste em melhor assimilação a estas reflexões, visto que especifica as características tecnológicas que os definem. No intuito de reorganizar os vários modelos de mashups encontrados na rede, efetua-se mapeamento inspirado na classificação de Merril, entretanto, propõem-se categorias próprias; amparadas em estudos de casos efetuados através da análise de web sites que se utilizam da técnica. Com efeito, constata-se que o processo formador do mashup, baseado na combinação de uma ou mais fontes para formação de algo novo, é o mesmo adotado nos diferentes períodos, ou seja, não é totalmente inovador; varia-se apenas a forma de emprego aplicada, no relacionamento dos conceitos antecessores à tecnologia e mídias emergentes. Por fim, ressalta-se a importância da classificação proposta para o mapeamento dos mashups na revelação de categorias orgânicas , que permitem assim ilustrar os movimentos fluidos de associações e inter-relações característicos de sua organização, num retrato acurado do universo de possibilidades ilimitadas de imbricamentos em que habitam

Il presente lavoro di tesi si propone come uno studio sullo statuto dell’immagine e in particolare dell’immagine del volto. L’ipotesi da cui si muove è che per comprendere pienamente la natura di un’immagine sia necessario approfondire l’elemento antropologico in essa contenuto, rintracciando al di là delle manifestazioni contingenti di ogni immagine specifica l’interazione strutturale che essa intrattiene con lo sguardo. L’immagine non è il risultato di un procedimento passivo dell’occhio del soggetto, che posto di fronte al reale si limita a reagire alla luce e a produrre il riflesso dell’oggetto: l’immagine è risposta all’avanzare del reale di uno sguardo. Ogni immagine è antropologica perché si dà secondo la misura del soggetto che la istituisce, cioè in relazione all’esperienza dell’individuo che la guarda o che la produce. Il presente studio tenta, quindi, di collocarsi in una posizione più originaria rispetto alle numerose questioni che hanno dominato il panorama speculativo del secondo Novecento a proposito della natura dell’immagine: il rapporto con il referente, la presunta sostituzione dell’immagine alla realtà, il dominio del regime visivo rispetto ad altri sistemi di significazione e così via. Si tratta di questioni della massima rilevanza, ma la convinzione che anima il presente lavoro è che al di là dei mutamenti – pur radicali – del darsi dell’immagine e della sua presenza nel corso dell’evoluzione della cultura si possa rintracciare una struttura fenomenologica del suo darsi in relazione allo sguardo. L’oggetto preferenziale che si è scelto per individuare tale struttura è il volto e in particolare l’immagine del volto, il ritratto. Il ritratto individua e traccia un luogo storico-teorico fondamentale per ripensare alla natura della rappresentazione, dell’opera d’arte e dello sguardo artistico come possibilità di accesso a una forma di reale e di verità dell’immagine di cui sarà necessario specificare i caratteri. L’analisi si apre con l’indicazione e la discussione del quadro fenomenologico di riferimento dell’intero lavoro, riproblematizzando le conclusioni del Concilio Niceno II e giungendo ad individuare la necessità di ripensare il concetto di rappresentazione. Tale ripensamento viene condotto sulla base dei testi di quattro autori, Jean-Luc Nancy, Regis Debray, Michel Dufrenne, Georges Didi-Huberman per giungere a una definizione della rappresentazione come re-presentazione dell’oggetto mediante l’immagine. Tale teoria conduce ad individuare la struttura propria di ogni immagine in una dinamica mai conclusa tra apertura e chiusura, tra caos e forma, tra infinita possibilità e definizione (capitolo primo). Il lavoro prosegue mettendo a fuoco il proprio oggetto specifico – l’immagine del volto – a partire da uno schema interpretativo «classico», il paradigma fisiognomico, mostrando come esso rappresenti la costante tentazione di misurare l’innumerabile, di costringere, classificare e fissare il mutevole per eccellenza, l’individualità che nel volto si esprime. La fisiognomica è una pratica dello sguardo declinata secondo la misura dell’appropriazione, un’utopia del controllo esatto sul modo d’essere dell’alterità (capitolo secondo). Il passo successivo sarà, quindi, quello di individuare una pratica del volto che non cerchi di costringerlo nelle maglie dell’idolo (cioè della staticità, della chiusura senza scampo della pietra muta): tale pratica può essere rintracciata nel ritratto, ovvero nello sguardo artistico che si indirizza sul volto. L’arte è esperienza dell’apertura, ovvero un agire che procede in direzione dell’assoluto altro delle possibilità del reale (Jean-Luc Nancy, Jacques Lacan); perciò contiene in essa la capacità di generare e ospitare un’immagine – del volto, ma non soltanto – in cui la soglia tra aperto (attraversamento da parte dell’alterità) e chiuso (darsi secondo una forma determinata) possa mantenersi senza cedere all’una o all’altra dimensione. L’arte è in grado di liberarsi dall’idolo, cioè da un’immagine su cui lo sguardo può posarsi godendo di una privilegiata condizione di quiete, riposando nell’illusoria convinzione di avere espunto dal campo visivo ogni elemento non controllabile e, soprattutto, capace di perturbare l’occhio osservante (capitolo terzo). Tali affermazioni vengono approfondite e messe alla prova grazie allo studio e alla frequentazione di una collezione di opere e artisti per lo più riconducibili temporalmente alla seconda metà del Novecento, a partire da Francis Bacon a cui viene dedicata la parte conclusiva del capitolo terzo. Il quarto e ultimo capitolo in cui vengono raccolti i materiali artistici analizzati è organizzato in cinque aree: estetica post-umanistica, rielaborazioni digitali del volto, morte e ritratto, volto e figurazione, volto e limiti della visibilità. Il lavoro si chiude con una riconsiderazione critica delle tesi esposte mediante il richiamo a Lévinas e alla sua posizione nei confronti dell’arte, giungendo ad affermare che l’immagine dell’altro nella forma del ritratto manifesti una pratica dell’alterità assimilabile al concetto greco di ποίησις. / If human body represents the border of the self as regards the external world and the other people, human face is the area of our body in which we can find the mark of our individuality. No other area of our body is as much suitable to mark out our individuality and give us social distinctiveness. With its permanent expressiveness and its ability to show infinitesimal changes, human face is essential to save the individual from the undifferentiated and to preserve human uniqueness. Face has meaning and sense, but its signification process can’t be closed. It goes beyond face itself, given that face is an area of configuration of a sense which bases itself on a mode which can be called “mid-say”: it leaves something unsaid, keeps on saying the same things but always halfway, reveals that something is hidden and makes this evident. Our face is a limited area with an unlimited spread (apertura, distensione) which can’t be eliminated - dynamism of opening and closing.

Una ricerca che si prefigga di studiare la danza teatrale nel Settecento s’imbatte inevitabilmente in un nodo problematico: l’oggetto della ricerca non è (più). Di esso sono rimaste soltanto alcune tracce, ovvero una serie di materiali eterogenei che si presentano come effetti capaci di mostrare la causalità della causa – l’oggetto vacante – ma non la sua forma. A partire dalle opere riformatrici di G. Angiolini e J.G. Noverre nonché dai testi di diversi filosofi coevi interessati allo statuto del gesto, la tesi interroga la congerie di effetti sopravvissuta al ballet d’action per approfondire la danza come forma artistica e forma del sapere all’interno del più ampio sistema della rappresentazione. Nello specifico la tesi si propone di mostrare come il segno negativo che contraddistingue variamente la disciplina tersicorea e il dibattito critico su di essa nel XVIII secolo sia da ricondurre più propriamente all’essenziale matrice espressiva del gesto stesso e abbia contribuito a un progressivo slittamento del paradigma classico della mimesi della natura da un’accezione “imitativo-riproduttiva” a una “espressivo-creativa”. / A research that aims at examining the theatrical dance in the XVIII century is bound to face a problematic crux: the research object is not anymore. Some traces have remained, namely, a series of various materials able to show the causality of the cause – the vacant object – but not its form. The survey starts from the revolutionary works by G. Angiolini and J.G. Noverre and goes through different philosophicals texts of authors who were interested in the status of the gesture; it questions the bunch of effects which overcame the ballet d’action in order to look into the dance as a form of art and knowledge within the wider system of representation. Particularly, the research wants to show as the negative sign which marks this discipline and the XVIII critical debate on it has to be referred to the essential expressive nature of the gesture which led to a progressive shifting of the classic paradigm of the mimesis of nature from being “imitative-reproductive” to become “expressive-creative”

Made available in DSpace on 2016-05-17T16:51:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-08-24. Added 1 bitstream(s) on 2016-05-17T16:55:02Z : No. of bitstreams: 1 000864541_20180910.pdf: 179947 bytes, checksum: 95effaa0d940a112633041873f772fc2 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esta tese propõe que todas as peças escritas por Oscar Wilde (1854-1900), a saber: Vera or, The Nihilists (1880), The Duchess of Padua (1883), Lady Windermere's Fan (1892), Salomé (1892), A Woman of No Importance (1894), An Ideal Husband (1895) e The Importance of Being Earnest (1895), podem ser analisadas de acordo com a perspectiva teórica de base estética da qual Wilde foi um dos expoentes maiores. O embasamento teórico-crítico de tal análise consiste dos ensaios críticos de Wilde ‗The Truth of Masks' (1885), ‗The Decay of Lying' (1889), ‗Pen, Pencil and Poison' (1889) e ‗The Critic as Artist' (1890), que foram posteriormente compilados em seu livro Intentions (1891). O presente estudo tem seus alicerces em minha dissertação de mestrado intitulada Oscar Wilde: teoria e prática, defendida em abril de 2011. Nessa dissertação, a peça The Importance of Being Earnest foi analisada sob essa mesma ótica e permitiu a compreensão da coerência entre a teoria e a prática de Oscar Wilde, uma vez que, nos resultados que foram obtidos, pode-se perceber que os elementos estruturais da peça, bem como seus elementos linguísticos, contêm veios estéticos profundos. Dessa maneira, o trabalho aqui desenvolvido averigua se a transposição da teoria em prática se dá em toda a composição dramática de Wilde ou se The Importance of Being Earnest é apenas um caso específico e isolado. Uma vez provada que a coerência wildeana se mantém, foi instaurado, então, um questionamento sobre a medida em que sua composição dramática está associada às suas próprias ponderações estéticas / This doctoral thesis proposes that all the plays written by Oscar Wilde (1854 - 1900), namely Vera or, The Nihilists (1880), The Duchess of Padua (1883), Lady Windermere's Fan (1892), Salomé (1892), A Woman of No Importance (1894), An Ideal Husband (1895) and The Importance of Being Earnest (1895), can be analysed according to the aesthetic theoretical perspective of which Wilde was one of the major exponents. The theoretical basis for the analysis is to be found in Wilde's critical essays, ‗The Truth of Masks' (1885), ‗The Decay of Lying' (1889), ‗Pen, Pencil and Poison' (1889) and ‗The Critic as Artist' (1890), which were later published in Intentions (1891). The present study has its foundations in my MA dissertation, Oscar Wilde: teoria e prática, concluded in April 2011. In that work, Wilde's play The Importance of Being Earnest was analysed from the same perspective, which made it possible to perceive the consistency between Oscar Wilde's theory and practice, as the results proved that both the structural and the linguistic elements of the play contain deep aesthetic features. The work developed here is thus intended to verify whether the transposition from theory to practice occurs in Wilde's dramatic work as a whole, or whether The Importance of Being Earnest is a specific and isolated case. Since it was possible to demonstrate that Wilde's plays are indeed consistent with his aesthetic principles, the study goes on to investigate the extent to which his dramatic composition may be associated with his own aesthetic precepts

Made available in DSpace on 2016-05-17T16:51:31Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-09-04. Added 1 bitstream(s) on 2016-05-17T16:55:13Z : No. of bitstreams: 1 000864173.pdf: 690845 bytes, checksum: 5f7a4989cd2d2c4970b78138f8bd8418 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Lima Barreto viveu em um período da nação cuja literatura nacional estava buscando caminhos diferentes. Neste contexto a escrita de Lima Barreto vem com uma nova proposta literária, onde a identidade assume papel central na estética do escritor carioca. O leitor deve perceber que nossa identificação está ligada ao grotesco e ao absurdo do comportamento clientelista, surgindo desta constatação uma visão satírica que o leitor percebe à medida que Dr. Bogóloff, personagem do romance inacabado Aventuras do Doutor Bogóloff (1956) e do romance Numa e a Ninfa (1915), com seu olhar de estrangeiro, marca nossos costumes e características comportamentais. Para situar teoricamente as questões identitárias levantadas pelo Dr. Bogóloff utilizaremos os conceitos de identidade, atribuição de identidade e identidade nacional de Hall (2000), Woodward (2000), Silva (2000) e Bourdieu (2011). Tão importante quanto sua crítica social, são os recursos estéticos utilizados para construir a identidade de seus personagens, entre eles o Dr. Bogóloff / Lima Barreto lived in a period when Brazilian Literature was searching for different artistic manifestations. In that scenario, Lima Barreto's writings present a new literary proposal in which identity plays a central role in his aesthetics. The reader should notice that this identity is connected to the grotesque and the absurdity of the culture of favor, and this notion brings about the author's satirical vision. Dr. Bogóloff, a character who appears in the unfinished novel Aventuras do Doutor Bogóloff (1956) and also in the novel Numa e a Ninfa (1915), points out our customs and behavior through his foreigner's eyes.. In order to analyze the identity issues addressed by Dr. Bogóloff, the concepts of identity, attribution of identity and national identity by Hall (2000), Woodward (2000), Silva (2000) and Bourdieu (2011) will be used. Lima Barreto's aesthetics are as important as his social criticism in constructing the identity of his characters, among them Dr. Bogóloff