Le philosophe artiste est une figure fantasmée ou désavouée. Par sa seule possibilité, il représente l’impossible frontière entre le discours philosophique et la création artistique. Bien qu’il invoque cette figure polémique, Nietzsche n’a pas été en mesure de fonder le philosophe artiste, mieux, il l’abandonne au profit d’un Dionysos ressuscité, plus à même de surmonter la confrontation avec Apollon. Or, voilà une figure orpheline qui ne semble plus que renvoyer à une nostalgie romantique et idéale où la philosophie, enfin, partagerait ses objets privilégiés ainsi que ses propres méthodes d’analyses avec la pratique artistique. Pourtant la question mérite d’être posée : par quelles modalités le philosophe artiste serait en droit de porter ensemble la philosophie et l’art ? La présente thèse tente de réintroduire ce problème pour le moins « éternel » en enquêtant pas-à-pas sur les lignes de tension typiques que cette figure met en jeu : la forme et le contenu ; la métaphysique et le phénomène ; le langage et la métaphore. De même, si Nietzsche est l’objet central de la recherche, nous évoquerons toutefois d’autres philosophes non moins typiques, comme Merleau-Ponty ou Deleuze, ainsi que Spinoza ou Aristote. Toutefois, il ne s’agit pas de ressaisir encore une fois ces problématiques proprement philosophiques, leur réintroduction doit s’éprouver dans la pratique artistique. La thèse envisage donc, à chaque fois, une issue par la création artistique, au lieu de tenter vainement d’élire une figure sans maître et sans limite, la thèse exposera des créations chorégraphiques originales. Ces créations ont été produites en parallèle avec la recherche, elles ont donné lieu à des œuvres singulières qui ont été préoccupées par les mêmes problématiques que la thèse. Elles confèrent à l’étude le degré de plasticité dont l’exposé proprement philosophique pouvait manquer. De plus, elles abolissent la frontière, car elles subissent les mêmes contraintes que celle de l’exposé, puisque Panopticon interroge le panoptisme étudié dans Surveiller et punir de Foucault, Amor fati, le concept de l’éternel retour selon Nietzsche ; être au monde, reprenant le problème de la sensibilité de Merleau-Ponty ; et enfin, L’éthique s’astreignant à réinvestir d’un point de vue sensible l’architecture de l’œuvre axiomatique de Spinoza. N’était-ce pas cela le sens du philosophe artiste ? Expérimenter, éprouver pour en étudier les effets ? / The philosopher artist is a either fantasized or disowned figure. Its very possibility represents the impossible border between philosophical discourse and artistic creation. Although Nietzsche invokes this polemical figure, he has not been able to establish the philosopher artist. Indeed he abandons it in favor of a reincarnated Dionysos, better armed to overcome the confrontation with Apollo. Here is, then, an orphan figure which seems to only refer to a romantic and idealistic nostalgia where philosophy, at last, would share its privileged objects as well as its analytical methods with artistic practice. The question should nonetheless be asked: through what means ought the philosopher artist carry together art and philosophy?This thesis attempts to reintroduce this “eternal” problem by investigating every step of the way the typical tensions that this figure convokes: form and content; metaphysics and phenomena; language and metaphor. Similarly, although Nietzsche is the central figure of this investigation, we will also call upon other and equally typical philosophers such as Merleau-Ponty, Deleuze, as well as Spinoza and Aristotle. However, the aim of the thesis is not to grasp once again these properly philosophical problems as their utterance should be tested through artistic practice. Rather than uselessly attempt to elect a figure without master nor limit, the thesis thus contemplates, each time, a solution through artistic creation, manifested in original choreographic creations. These creations were produced in parallel with the research and elaborate singular works of art based on the same questions as the thesis. They confer to the dissertation a certain plasticity that the purely philosophical argument may have lacked. Further, they abolish the border inasmuch as they confront the same constraints as the argument: Panopticon interrogates panoptism as studied by Foucault in Discipline and Punish; Amor Fati elaborates on the concept of “eternal return” developed by Nietzsche; Etre au Monde recasts the question of sensibility as explored by Merleau-Ponty; finally, L’Ethique strives to reinvest from a sensible point of view the architecture of the axiomatic work of Spinoza. Is it not the meaning of the philosopher artist? Experiment and feel to study the effects?

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Vide, et Plein, sont à l'image du monde ce qui se joue en permanence à travers la forme. Mais, dans une définition simpliste, le sens du Vide reste incompris, renvoyant à l'appréhension de quelque chose qui induit une absence isolée, infondée, inféconde. Et pourtant, nous le verrons, ce concept est mis en lumière à travers la pensée chinoise, antique, philosophique et esthétique, comme élément à l'origine d'une grande activité. « En face du Plein, le Vide constitue une entité vivante. Ressort de toutes choses, il intervient à l'intérieur même du Plein, en y insufflant les souffles vitaux. Son action a pour conséquence de rompre le développement unidimensionnel, de susciter la transformation interne et d'entraîner le mouvement circulaire. »1 Il semble que, d'après la pensée que François Cheng développe sur le langage pictural chinois, le Vide soit un élément dynamique qui articule l'ensemble des manifestations de ce monde. Chacun peut alors évoluer, car si tout n'était que Plein, tout ne serait qu'une masse indifférenciée. La pensée chinoise nous mènera à chercher, à travers des écrits et des œuvres, l'être des formes de la nature comme la montagne, le ciel, l'eau, le vent, la tempête, pour comprendre la place qu'occupe le Vide, que ce soit dans la représentation, l'écriture, ou l'expérience.La racine latine du mot « Vide » vient de vac-, voc-, et donne vacuus. Elle est la même que pour les mots « vacuité » (vacuitas) et « vague » (vagus) au sens de « errant », « flottant ». On parlera de terrain vague, désert, ouvert. Ou encore vastus, « vaste ». Même s'ils diffèrent dans leurs définitions aujourd'hui, il n'en demeure pas moins qu'ils proviennent d'une origine commune.Le Vide intervient à travers les formes de l'art, telle que la peinture, la sculpture, le cinéma, la photographie, mais aussi l'architecture ou la danse... Il y est Souffle, insufflé, intervient dans la création de telle sorte que l'on peut parler d'une incarnation dans les figures qui peuplent notre environnement. / Empty, and Full, are in the image of the world what is played constantly through form. But in a simplistic definition, the sense of the Void remains misunderstood, referring to the apprehension of something which induces an isolated, unfounded, unfruitful absence. And yet, as we shall see, this concept is brought to light through Chinese thought, ancient, philosophical and aesthetic, as an element at the origin of a great activity. "In front of the Plein, Void is a living entity. The spring of all things, it intervenes inside the Plein itself, blowing in the vital breaths. Its action has the consequence of breaking the one-dimensional development, of provoking the internal transformation and of driving the circular movement. It seems that, according to the thought that Francois Cheng develops on the Chinese pictorial language, the Void is a dynamic element that articulates all the manifestations of this world. Each one can then evolve, for if all was only Full, everything would be an undifferentiated mass. Chinese thought will lead us to seek, through writings and works, the being of forms of nature such as mountain, sky, water, wind, storm, to understand the place occupied by the Void , whether in representation, writing, or experience.The Latin root of the word "emptiness" comes from a vacuum, and gives vacuus. It is the same as for the words "vacuity" (vacuitas) and "vague" (vagus) in the sense of "wandering", "floating". We shall speak of vague, desert, open land. Or vastus, "vast". Even if they differ in their definitions today, they nevertheless come from a common origin.The Void intervenes through the forms of art, such as painting, sculpture, cinema, photography, but also architecture or dance ... There is Breath, insufflated, intervenes in the creation of such so that we can speak of an incarnation in the figures that populate our environment.

NUNES, Renata Aguiar. Procedimentos, matéria, efeitos: ética e estética nos contos de Lima Barreto. 2013. 124f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2013. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-05-20T14:14:19Z No. of bitstreams: 1 2013_dis_ranunes.pdf: 1497183 bytes, checksum: 30f1942b7611747076fcb6e0e9e002cd (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-05-20T14:35:16Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_dis_ranunes.pdf: 1497183 bytes, checksum: 30f1942b7611747076fcb6e0e9e002cd (MD5) / Made available in DSpace on 2014-05-20T14:35:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_dis_ranunes.pdf: 1497183 bytes, checksum: 30f1942b7611747076fcb6e0e9e002cd (MD5) Previous issue date: 2013 / A crítica em torno da obra de Lima Barreto apresentou um importante avanço nas últimas décadas, ao adotar uma postura mais coerente com os princípios éticos e estéticos assumidos pelo escritor. Com um projeto criador dissonante dos preceitos literários que o cercavam, Lima foi rechaçado pela crítica literária de sua época, cujas concepções literárias se chocavam com as suas. Apenas a partir dos anos 70, estudos desenvolvidos por Antonio Arnoni Prado (1989) e Osman Lins (1976) passaram a apresentar um novo olhar sobre os elementos que constituem a obra desse autor, sobretudo no que tange aos seus romances. Entretanto, os contos, importante parcela da obra barretiana, não receberam a devida atenção por parte da crítica, demandando estudos que lhes esclareçam a constituição e a relação com o propósito ético e estético do escritor. Tais textos apresentam a mesma postura crítica e concepção de forma que se destaca nos seus romances, sendo esta caracterizada por uma estrutura extensiva e solta. Se, para o gênero romanesco, a falta de unidade que subjaz a esse tipo de ordenação poderia representar um entrave na constituição de uma forma literária válida, tratando-se de uma narrativa curta, como o conto, a questão tornar-se-ia ainda mais complexa. A fim de denunciar e propor reflexões acerca das problemáticas que compunham o cenário da Primeira República, Lima submete a forma de seus contos à matéria e aos efeitos visados, desprendendo-se de modelos fixos. Dessa maneira, verifica-se que a estética e a matéria dos contos do autor seguem um caminho contrário não só aos padrões cultivados pelos escritores e intelectuais aclamados no início do século XX, mas também aos pressupostos defendidos por renomados teóricos do gênero, como Poe e Cortázar. Acredita-se que a composição dos contos de Lima Barreto está ligada ao seu projeto ético e estético, o qual tem por escopo a ruptura com os padrões literários vigentes em sua época somada ao conhecimento crítico e à denúncia de mazelas referentes ao início do período republicano. Diante disso, esta pesquisa investiga, nos contos barretianos, os elementos internos que os constituem e as suas relações com o propósito ético e estético que norteia o trabalho do escritor, a fim de evidenciar a intrínseca ligação entre os procedimentos literários empregados na composição dos contos, os efeitos visados a partir de sua organização e a matéria representada.

Cette thèse vise à apporter un éclairage philosophique sur l'œuvre cinématographique d'Alfred Hitchcock. Plus spécifiquement, il est question d'envisager les phénomènes esthétiques et narratifs afin d'évaluer la pertinence de ses films en matière de morale. Pour ce faire, nous proposons un travail en quatre étapes : tout d'abord, il faut prendre le temps nécessaire pour consolider les fondements théoriques de l'exégèse. La première partie s'efforce donc de mettre en place les éléments principaux pour la connaissance de son œuvre, du contexte de production et de ses caractéristiques les plus pertinentes. Par la suite sont envisagés les apports théoriques et conceptuels des critiques dans la filiation de laquelle se situe ce travail : la politique de réhabilitation d'Hitchcock opérée par les Cahiers du cinéma porte ses fruits aujourd'hui encore, malgré la nécessité de dépasser leur approche spiritualiste. Ainsi, cette thèse se veut leur héritière, tout en revendiquant l'utilité de perspectives alternatives comme celles de Robin Wood ou de William Drummin. Le second moment se propose d'entrer dans la diégèse hitchcockienne et d'analyser le plus justement possible les particularités du monde fictionnel créé à travers la cinquantaine de films constituant le corpus. Cette étude met en valeur l'idée d'un pessimisme latent qui se manifeste à travers une contingence ambivalente, une menace de la fatalité, une ambiguïté des fin heureuses, et une critique presque généralisée des institutions. La représentation des personnages n'est pas plus heureuse dans la mesure où l'antagonisme traditionnel méchants / bons est faussé par un manque d'héroïsme des protagonistes et une sympathie récurrente des vilains, dont la mise en scène particulièrement ambiguë favorise un rapport non conventionnel de la part des spectateurs. La troisième partie tente de dépasser cette inquiétude généralisée en montrant que les ressources personnelles des protagonistes, associées à leur rencontre parfois traumatisante avec le monde les amène à rendre possible une certaine éthique des rapports humains. Le couple engagement / dévouement est au centre de ce développement, permettant de mettre en avant la possibilité d'une évolution des personnages : d'une amoralité initiale, résultat d'une hostilité généralisée et d'un égoïsme primaire, ils peuvent prétendre au statut de véritables héros, porteurs ou représentants de valeurs et de vertus liées à l'altruisme et à l'acceptation du monde. Enfin, le dernier mouvement propose une étude de la réception, dont le but est de comprendre la position spectatorielle. Pour ce faire, nous analysons les procédés permettant le partage des expériences, afin de parvenir au concept de « vicarialité » qui semble le plus à même de décrire la forte implication et la conscience de soi qui résulte de l'esthétique hitchcockienne. Le moment final est centré sur la constitution du jugement moral du spectateur et sur la pertinence de cette œuvre dans la vie éthique du public. / This thesis aims at bringing a philosophical perspective on Alfred Hitchcock's cinematographic work. More specifically, we intend to consider the aesthetic and narrative phenomenons in order to value the moral relevance of his films. To do this, we suggest a four stage work : firstly, one needs to take the time to strengthen the theoretical basis of the exegesis. The first part strives to introduce the main elements to for a proper study of his work, its context of production and its most relevant features. After this non exhaustive glance, we'll address the conceptual and theoretical contribution of the critics in the filiation whose approach we share. The politics of Hitchcock's rehabilitation by the Cahiers du cinéma still bears fruits today, despite the necessity to exceed their spiritualist approach. Therefore, this thesis claims the inheritance while calling upon different critics, likes William Drummin or Robin Wood. The second moment investigates Hitchcock's diegesis in order to analyse as correctly as possible the features of this fictional universe created through the fifty or so films of the corpus. What emerges from this study is the idea of a latent pessimism which shows itself through an ambivalent contingency, a fatality threat, ambiguity of the happy endings and an almost generalized criticism of the institutions. The character's presentation is not happier inasmuch as the traditional antagonism villains / good people is corrupted by a lack of heroism from the protagonists and a recurrent sympathy from the villains, the mise en scène of which leads to an unconventional connection with the spectator. The third part tries to exceed this widespread anxiety by showing that the protagonists' personal resources, associated with their (sometimes traumatizing) encounters with the world leads them to make a certain ethics of human relationships possible. The pair engagement / devotion is at the centre of this development and allows us to point up the possibility of an evolution of the characters: from an initial amorality resulting from a general hostility and a primary egoism, they can pretend to become real heroes, bringing or exemplifying values and virtues linked to altruism and acceptance of the world. The last step offers a study of the reception of the films; the aim is to understand the spectatorship's position. To do this, we analyse the processes leading to the sharing of the experiences, in order to reach the concept of “vicariality”, which seems the most suitable to describe the strong implication and the self-consciousness resulting from the hitchcockian aesthetics. The final moment is centred on the constitution of the moral judgement of the spectator and on the contribution of Hitchcock's work on the moral life of the spectators.

Dans "Les passions de l’âme", Descartes fait de l’admiration « la première de toutes les passions ». L’admiration n’est plus, comme dans la tradition antique du Thaumazein, la passion distinctive du philosophe, elle devient le premier moment de la vie affective de l’homme dans son rapport aux choses extérieures. Passion de la première rencontre, l’admiration ne serait finalement que la passion de l’enfance – condamnée à se dissoudre dans la connaissance à laquelle elle donne lieu. Une telle disparition est-elle pour autant inéluctable ? Qu’est-ce qui doit être supposé de la nature de l’admiration pour qu’il soit acceptable de la faire durer dans le temps ? L’admiration est-elle une passion dynamique qui incite à penser ou au contraire un affect statique qui empêche l’exercice de la raison ? L’analyse cherche à mettre au jour la manière dont l’admiration est devenue un problème central de l’anthropologie classique. La promotion cartésienne de l’admiration, loin d’être un geste singulier, se trouve ainsi réinscrite dans son contexte théorique. À partir de textes philosophiques, médicaux, moraux et esthétiques du XVIIe siècle, il s’agit de se demander si,loin d’être seulement subie, comme le corrélat affectif d’une ignorance inaugurale,l’admiration peut également faire l’objet d’une maîtrise technique susceptible de la produire et de la reproduire indéfiniment à des fins stratégiques ou récréatives. Dès lors qu’elle est soustraite à la stricte exigence épistémique, l’admiration peut en effet se présenter comme la finalité spécifique de l’existence mondaine aussi bien que des productions artistiques du grand siècle, que l’on peut alors considérer comme le siècle de l’admiration. / In The Passions of the Soul, Descartes presents wonder as «the first of all passions». Wonderis no longer, as it used to be in the antic tradition of thaumazein, the philosopher’s distinctive passion, but the first moment in a man’s emotional life, regarding his relationship to external items. As the passion of the first encounter, wonder appears reducible to the childhood’s passion - condemned to dissolve itself in the knowledge it enables. Is such a disappearence unavoidable ? How must one think the nature of wonder to make admissible its duration intime ? Is wonder a dynamic passion spuring one to start thinking or on the contrary, a static effect preventing the exercice of reason ?The analysis tries to uncover the way wonder became a central problem in classic anthropology. Cartesian’s promotion of wonder, far from being a singular act, is fully put inits theoretical context. Based on philosophical, medical, moral and aesthetics texts from the17th century, we ought to ask if, far from being only suffered - as the emotional correlate ofan inaugural ignorance -, wonder can be technically masterd and likely to be produced andreproduced endlessly, for strategic or recreational purposes. When substracted from the strict epistemic requirement, wonder can actually present itself as the specific end of the social existence or of the artistic productions of the Great Century - which can be now regarded asthe century of wonder.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:11:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 560914 bytes, checksum: bee57da5ce047cdb637ad72b224fc740 (MD5) Previous issue date: 2011-09-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Cet article introduit la notion de sujet éthique selon le philosophe français Michel Foucault (1926-1984). On prend comme base ses dernières écrits théoriques, selon lesquels on caractérise ses concepts éthiques de soin de soi et d esthétique de l'existence. Ce sont des concepts portés par lui dès la morale classique et presentés comme possibilité de vivre l éthique aujourd hui. À théoriser le problème éthique chez Foucault, il était nécessaire d abord ajouter la notion de sujet dans l ensemble de ce travail-ci, qu il dit est fondé sur la puissance et les connaissances qui sont étranges à la conscience du sujet. À partir de la réglementation et de la sujétion modernes, tous les formations subjetives n ont pu plus être autonomes, de sort que l action éthique reste empeché. De cette même façon, il réfléchit sur la formation éthique des anciens Grecs, en établissant la différence entre l'éthique et la morale. La première est calquée sur la choix de la forme de vie, tandis que la seconde est fondée sur l'obéissance à des règles imposées. Dans l'éthique antique, il y avait le désir de rendre la vie une oeuvre d'art, vers laquelle le sujet pourrait constituer sa vie par ses choix individuels. L'éthique de Foucault est donc basée sur les principes de cette liberté, de choisir et de résister aux contraintes réglementaires. Par ailleurs, est présenté dans le dernier Foucault le sujet qui résiste a des normativités morales, à la recherche d'une autoréinvention subjective. Le sujet n'accepte la soumission qu a lui été donné comme un principe d'identité et devient l'inventeur de sa propre vie, postulant de faire de sa vie une oeuvre d'art. Pour afficher le sujet éthique et esthète de lui-même, on utilise les premières travaux de l'auteur, à la recherche de la notion du sujet présent dans la tradition philosophique et critiqué par lui. Plus tard, on discute la notion de soin de soi: de l'antiquité à la modernité, qui est le principe éthique de ce qu'il caractérise comme esthétique de l'existence. Chez Foucault, on comprend que la réinvention du sujet et le but de rendre la vie une oeuvre d'art consistent proprement dans l'oeuvre du philosophe, attachée à des manières éthiques possibles, lesquelles se trouvent dans une façon de vie indépendante vers la société contemporaine, même si ce sujet se réinvent selon un style propre, pourqu il puisse être considéré comme fou, perverti, délinquant et subversif. Pour ce sujet éthique, Foucault a rejeté les modèles sociaux dominants selon la sujétion. Pour cela, il cherche la littérature, parce qu'en elle l'auteur doit avoir la liberté de se réinventer. Ainsi, ce travail postule placer ce sujet éthique vers l'esthétique de l'existence, qui est présenté par Foucault, non pas comme une solution pour une société sans éthique et la morale, mais comme une possibilité. / O presente trabalho apresenta a noção de sujeito ético segundo o filósofo francês Michel Foucault (1926 - 1984). Tomando como fundamento teórico os últimos escritos do autor, caracterizamos os conceitos de ética do cuidado de si e estética da existência, apresentados por ele como a ética antiga e como a possibilidade de vivência ética na contemporaneidade. Para tratar do problema ético em Foucault, foi necessário abordar a noção de sujeito no conjunto da sua obra que, segundo ele, é fundado a partir de poderes e saberes que são alheios, a partir de normatividades e de assujeitamento, que não viabiliza uma formação subjetiva autônoma de si mesmo, impossibilitando a ação ética. Da mesma forma, ele reflete sobre a formação ética dos gregos antigos, estabelecendo a diferença entre ética e moral. A primeira fundamenta-se na escolha da forma de vida, enquanto a segunda baseia-se na obediência a preceitos impostos. Na ética antiga há o desejo de fazer da vida uma obra de arte, na qual o sujeito se constitui a partir de suas escolhas individuais. A ética foucaultiana é baseada nos princípios de liberdade, escolha e resistência às imposições normativas. Ademais, é apresentado no último Foucault o sujeito que resiste às normatividades de ordem moral, em busca de uma reinvenção subjetiva de si. Esse sujeito não aceita o assujeitamento que lhe foi imposto como princípio de identidade e torna-se inventor da sua própria vida, postulando fazer dela uma obra de arte. Para apresentar esse sujeito ético e esteta de si, recorremos às primeiras fases que compõem a obra do autor, em busca de abordar a noção de sujeito presente na tradição filosófica e criticada por ele. Posteriormente, problematizamos, a partir do mesmo, a noção de cuidado de si desde a antiguidade até a modernidade, pois para o autor, é o princípio ético daquilo que ele caracteriza como estética da existência. A partir de Foucault, entendemos que a reinvenção do sujeito, como propósito de fazer da vida uma obra de arte, é na obra do filósofo, a ética possível, que pode ser encontrada em estilos de vida autônomos na contemporaneidade, mesmo que esse sujeito que se reinventa, a partir de estilos próprios, possa ser considerado como louco, pervertido, deliquente e subversivo. O sujeito ético foucaultiano é rechaçado pelo modelo social dominante por resistir à sujeição. Por ser assim, ele é representado na literatura, pois nela os autores gozam da liberdade de se reinventarem. Dessa forma, esse trabalho postula pontuar esse sujeito ético, que busca a estética da existência, e que é apresentada por Foucault, não como solução para uma sociedade moralista e sem ética, mas como uma possibilidade.

Ma réflexion est basée sur les nouveaux problèmes des vêtements dans une société post-moderne notamment en utilisant les notions du collage, d'assemblage, du patchwork, du montage, de la récupération, du recyclage et du métissage des genres, des époques, des cultures, des styles, des matières, des couleurs, des formes dans la mode vestimentaire. L'objet de ma recherche est axé sur l'assemblage de la nouvelle esthétique des modes d'assemblage cousus et non cousus et l'étude des bouleversements esthétiques générés par l'intégration de l'art du patchwork et du collage sur la voie vestimentaire à partir de mixage des matériaux empruntés de la vie courante. Il s'agirait d'investir les fonctionnements d'une esthétique de reconstruction et de déconstruction dans les œuvres collagistes et voir la nouvelle identité de la Haute Couture métissée qui a bouleversé les rapports traditionnels entre le créateur, l'œuvre, les techniques et le coupé cousu. / My thinking is based on emerging clothes in a post-modem society using the concepts of collage, assemblage, patchwork, installation, recovery, recycling and mixing of genres, eras, cultures, styles, materials, colors, shapes in fashion clothing. The purpose of my research is focused on the assembly of the new aesthetic modes of assembly and not stitched sewn and study of aesthetic upheavals generated by the integration of the art of patchwork and collage on track dress from mixing of materials borrowed from everyday life. It would invest the workings of an aesthetic reconstruction and deconstruction in collage works and see the new identity of the Haute Couture mixed that changed the traditional relationship between the creator, the work, techniques and cut and sewn.

Made available in DSpace on 2014-12-17T15:12:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 NoemiFA_TESE_Parcial.pdf: 148110 bytes, checksum: 507600e955b15943746b5cd20e1d16ce (MD5) Previous issue date: 2013-12-16 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / La philosophie de Gaston Bachelard se fonde sur une tension ontologique, qui comprend tant la Science que la poétique, et au cours de cette recherche, se développe par la compréhension de la possibilité d envisager une ontologie de la couleur, expression de Bachelard ci tée en «Le Droit de Rêver». Nous suivons, donc, face au dialogue ent re la science et la poésie tout en établissant des paramèt res afin d élucider, d un côté, la couleur conceptuelle de la science qui ne matise pas seulement les objets par le biais de l expérience chimico-physique, mais établit aussi dans la relat ion ent re l observateur et l objet une compréhension de l existence de la couleur invisible, celle qui habite l imagination créatrice et apparaît comme un type d ontologie de la couleur. Dans ce sens, la couleur est une image qui naît dans la conscience de l homme, comme un produit direct de l âme dans son actualité même. Ainsi, la couleur serait dans l imagination créative une image autogène desti tuée de substantialité / A filosofia de Gaston Bachelard se fundamenta numa tensão ontológica, abrangendo tanto a ciência como a poética, e nesta pesquisa, se desenvolve pelo entendimento da possibilidade de se pensar uma ontologia da cor, termo bachelardiano citado em O Direi to de Sonhar. Seguimos, então, mediante o diálogo ent re a ciência e poesia estabelecendo parâmetros para elucidar, de um lado, a cor conceitual da ciência que não só matiza os objetos através da experiência químicofísica, bem como, estabelece na relação entre o observador e o objeto uma compreensão sobre a existência da cor invisível, esta, que habita a imaginação criadora e surge como um t ipo de ontologia da cor. Neste sent ido, a cor é uma imagem que surge na consciência do homem, como um produto direto da alma em sua própria atualidade. Assim, a cor seria na imaginação criadora uma imagem autógena dest ituída de substancialidade