Du 19e siècle à nos jours, la musique chinoise a pris une nouvelle direction. La création musicale en Chine s'est développée à travers les diverses cultures et les changements de politique, conférant ainsi un charme particulier à la musique contemporaine chinoise. A partir du début de l'imitation occidentale et juste avant la fondation de la nouvelle Chine, les musiciens chinois sont parvenus à associer les éléments musicaux chinois avec les nouveaux langages musicaux. Au cours de certaines périodes, l'art avait été asservi au pouvoir politique et la création musicale de style traditionnel était l'identité principale. Après de vagues stratégies d’Etat successives, l’évitement des thèmes sensibles, les besoins urgents de la culture racine, la mise en œuvre des techniques expérimentales s’est déployée et diversifiée et les échanges internationaux ont conduit à l'émergence du départ à l'étranger des compositeurs chinois pour chercher leur propre chemin créatif. La musique contemporaine de la Chine s’est élaborée à partir de la technique occidentale et a progressé dans le contexte culturel chinois et ses racines multiples, les pensées fermées et les expériences d'enfance dans l'environnement culturel pur et la collision du nouvel environnement créent des œuvres d'art fascinantes, la rendant remarquablement différente de la musique contemporaine occidentale. Durant ces 30 dernières années de développement économique et d'ouverture politique, la société chinoise s’est de plus en plus internationalisée; les nouvelles technologies et les profils variés des compositeurs ont incité la nouvelle génération à mettre en place d’excellentes innovations musicales spécifiques. / As of the 19th century up to now, Chinese music has been taking a new direction and has developed in the wake of social evolutions. In China, the musical creation was affected by both the various cultures and political changes, thus bestowing a special charm on contemporary Chinese music. From the beginning of Western imitation and just before the founding of the new China, Chinese musicians succeeded in matching the Chinese musical elements with the new musical languages. Throughout specific periods, art had been bound to political power, and traditional style constituted the main identity of musical creation. Following the Cultural Revolution, the return to the root culture, the implementation of diversified experimental techniques have resulted in the departure of Chinese composers abroad in search of their own creative way. Contemporary Chinese music developed from Western technique and progressed in the Chinese cultural context and its multiple roots, closed thoughts and childhood experiences in the pure cultural environment and the collision of the new environment is now creating fascinating works of art, remarkably different from Western contemporary music. During the last 30 years of economic development and political openness, Chinese society has become increasingly internationalized; the new technologies and the varied profiles of composers have prompted the new generation to set up outstanding specific musical innovations.

L’identification et la définition des acteurs du verre italien actuel est complexe dans la mesure où leur situation est paradoxale : ils sont à la fois emblématiques et relativement absents dans l’art du verre « libre » actuel. Ce « mouvement » qui prit son essor dans le courant des années soixante aux États-Unis expérimenta à la fois de nouvelles pratiques et formes sculpturales, ainsi que des structures plus petites et plus souples que le traditionnel atelier-manufacture. En outre, cette révolution du Studio Glass Movement se produit aux prémices d’une postmodernité durant laquelle les arts sont eux aussi en pleine mutation, ce qui rend d’autant plus épineuse l’étude des relations qu’entretiennent l’industrie ou l’artisanat du verre avec les arts.Une première partie intitulée « Environnement et histoire, la question du modèle » constitue une approche historique suivant un fil chronologique. Elle décrit les évolutions techniques du verre ainsi que les développements particuliers à Venise et Murano. Elle permet en outre de caractériser les différents acteurs : manufactures et maestri, artisans, designers et plasticiens.La deuxième partie est consacrée aux œuvres et artefacts, leurs environnements économiques et matériels. Le propos se porte d’abord sur l’évolution des différentes productions (objets usuels, sculptures, etc.) d’un point de vue typologique et stylistique. Leur réception critique est étudiée, ainsi que leurs modes de diffusion depuis les boutiques de souvenirs à Venise jusqu’aux grandes expositions, qu’elles soient spécialisées ou non.La troisième et dernière partie (« Ontologie du verre : principes esthétiques et exigences métaphysiques ») interroge la place de l’artisanat et de la tradition du verre dans la postmodernité. Elle pose la question du matériau et de ses pratiques d’un point de vue esthétique et phénoménologique, ce qui renvoie aux conditions et moyens de sa fabrication. / The identification and definition of the actors of the contemporary Italian glass is complex insofar as their situation is paradoxical: they are both iconic and relatively setback from “free” glass art. This "movement" that took off in the course of the sixties in the United States experimented with both new practices and sculptural forms, as well as smaller and more flexible workshops than the traditional factory. In addition, the Studio Glass Movement’s revolution occurs at the beginnings of postmodernism in which the arts are also changing, making more difficult the study of the relationship between glass crafts and industries with the arts.The first part entitled "Environment and history, the issue of model" is a historical approach in chronological thread. It describes the technical developments of the glass as well as its specific developments in Venice and Murano. It also allows to characterize the different actors: factories and maestri, craftsmen, designers and artists.The second part is devoted to works and artifacts, economic and physical environments. At first, it approach the evolution of various productions (everyday objects, sculptures, etc..) with a typological and stylistic point of view. Their critical reception is studied, as well as their terms of sales from Venice’s souvenir shops to large exhibitions, specialized or not.The third and last part ("Glass ontology: aesthetic principles and metaphysical requirements") deals with the role of craft and tradition of glass in postmodernity. It also concerns the question of the material and its practices with an aesthetical and phenomenological point of view, which refers to the conditions and resources of production.

La présente thèse se donne non pas un mais deux objets d’étude : le théâtre tchèque des années 1960 d’une part, d’autre part la représentation imaginaire qui en est faite a posteriori. En suivant la « méthode » d’Edgar Morin et la « mythanalyse » de Gilbert Durand en tant que deux principales inspirations théoriques, ce cheminement commence par « un prologue » (1re partie) qui revient sur les héritages du passé, du XIXe siècle aux années 1950. Un « épilogue » (3e partie) prolonge la réflexion sur l’immédiat après-1968 mais aussi sur notre époque, qui est celle d’une célébration de cette décennie. La décennie des années soixante est étudiée de manière métadisciplinaire pour rendre compte d’un phénomène aussi riche que complexe (2e partie). Le re-nouveau théâtral des années 1960 arriva de deux fronts analysés dans deux parties consécutives de la thèse : d’une part par les grandes scènes institutionnelles grâce aux oeuvres d’Otomar Krejča au Théâtre National de Prague, du « triumvirat » Miloš Hynšt, Evžen Sokolovský et Bořivoj Srba au Théâtre d’État de Brno, et l’œuvre singulière d’Alfréd Radok (Laterna Magika, mélangeant théâtre et cinéma) ; d’autre part grâce aux petites scènes indépendantes. Ces dernières, très nombreuses, se divisaient en deux groupes : « les théâtres de petites formes » et les « petits théâtres », les premiers (comme Semafor, Cimrman, le « Non-théâtre » d’Ivan Vyskočil, ou le Théâtre Noir de Jiří Srnec) s’attachaient aux genres mineurs et pratiquaient différentes formes d’humour ; les seconds (comme le Théâtre Sur la Balustrade et Théâtre Za Branou) restaient attachés au texte dramatique.fronts analysés dans deux parties consécutives de la thèse : d'une part par les grandes scènes institutionnelles grâce aux œuvres d'otomar krejča au théâtre national de prague, du « triumvirat » miloš hynšt, evžen sokolovský et bořivoj srba au théâtre d'état de brno, et l'œuvre singulière d'alfréd radok (laterna magika, mélangeant théâtre et cinéma) ; d'autre part grâce aux petites scènes indépendantes. ces dernières, très nombreuses, se divisaient en deux groupes : « les théâtres de petites formes » et les « petits théâtres », les premiers (comme semafor, cimrman, le « non-théâtre » d'ivan vyskočil, ou le théâtre noir de jiří srnec) s'attachaient aux genres mineurs et pratiquaient différentes formes d'humour ; les seconds (comme le théâtre sur la balustrade et théâtre za branou) restaient attachés au texte dramatique. / The purpose of this dissertation thesis is double: in one hand to analyse the Czechs theatre of Sixties, in the second to examinate the imaginative representation of this artistic period in our days. Edgar Morin’s “Method” and Gilbert Durand analysis of myths are the principal elements of the theorical approach used. The first part called Prologue is dedicated to the historical legacy of Czech theatre (from XIX c. to the socialist realism of 1950’s.) The third part called Epilogue opens a reflexion on the heritage of the theatre of the 1960’s after 1968. The main part is study of renewal in Czech theatre in two parts. First of all, on main national theatre scenes (such as National Theatre in Prague, State Theatre in Brno) in work of such creators as Otomar Krejča, Miloš Hynšt, Evžen Sokolovský et Bořivoj Srba; secondary also in the universe of little theatre groups (Laterna Magika, Semafor, Cimrman, No-Theatre of Ivan Vyskočil, Black Theatre of Jiří Srnec).

Le monde théâtral de Miguel Romero Esteo, sans doute l’un des dramaturges espagnols les plus importants de la deuxième moitié du XXe siècle, ouvre sur des espaces qui apparaissent comme des univers inconnus encore jamais explorés. Son œuvre, composée de pièces qu’il nomme lui-même « grotescomachies », il invente une dramaturgie nouvelle, festive, rituelle et baroque, qui puise à diverses traditions littéraires, théâtrales, picturales et musicales. L’usage pléthorique de l’intertexte dans ce théâtre polymorphe, hybride et postmoderne avant la lettre – où le chercheur peut glaner les traces d’une anthropologie culturelle – souligne ce que le Moi doit à l’Autre dans toute appréhension esthétique et idéologique du monde. C’est le traitement de la langue qui retiendra notre attention car l’engendrement de la parole dramatique emprunte des chemins de traverse et esquisse des tracés inhabituels. Romero Esteo se livre à une déconstruction du langage et crée ainsi un espace imaginaire inédit, où la poésie et la musique occupent une place centrale. L’auteur crée une fête des sens et du sens, à la fois sonore et poétique, mais aussi critique et grotesque, où chacun des éléments de la structure dramatique s’inscrit dans une forme de jeu particulière qui, loin de dessiner une aire ludique singulière, repousse les limites de l’espace-temps théâtral. Théâtre en liberté, théâtre de la liberté, cette langue autre où se confondent l’animal et l’humain, le spirituel et le corporel, la folie et la raison, la terre et le ciel, construit un univers atemporel qui permet de mieux apprécier et de railler en permanence les traits caractéristiques de la condition humaine. / The theatrical universe of Miguel Romero Esteo, undoubtedly one of the most influential spanish playwrights of the second half of the 20th century, opens up spaces that emerge as unknown worlds no one has ever explored. In his work, consisting of plays he himself calls « grotescomachies », he invents a new dramaturgy, festive, ritual and baroque, which draws on various literary, theatrical, pictorial and musical traditions. The abundant usage of intertextuality in this polymorphous and hybrid theater, post-modern ahead of his time – where the researcher can gather traces of a cultural anthropology – underlines what the Self owes to the Other in every aesthetic and ideological perception of the world. Our primary focus will deal with the treatment of language, as the creation of the dramatic speech ventures off the beaten path and outlines routes that are unusual. Romero Esteo engages in a true deconstruction of speech and thus creates an unprecedented imaginary space, where poetry and music hold a central place. The author creates a celebration of sense and senses, at once loud and lyrical, but also critical and grotesque, where every single element of the dramatic structure falls within a specific form of play which, far from just materializing a unique playground, redefines the boundaries of the theatrical space-time.« Free-range » theater, theater of freedom… this unrivalled language, which mingles animal and human, spiritual and physical, insanity and reason, earth and sky, builds a timeless universe that allows for better appreciation and constant mockery of the distinctive features of the human condition.

L’étiquette « Art Déco » apparaît au milieu des années 1960 pour désigner des créations mobilières et architecturales de l’entre-deux-guerres. Les contours donnés au style évoluent cependant considérablement au fil des années, si bien qu’il est possible de distinguer trois grandes vagues de discours.La première, centrée autour de la France et de l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de 1925, traite surtout du mobilier. Elle oppose souvent Art Déco et Modernisme et voit dans le premier le signe d’une société décadente, incapable de penser le monde de l’époque et de répondre à ses défis. L’Art Déco est condamné comme un prolongement anachronique du principe décoratif. Toutefois certains auteurs voient au contraire en lui « un dernier instant de bonheur ».La deuxième vague, essentiellement anglophone et américaine (alors que la première était plutôt italienne et française), repose sur une logique tout à fait différente. Apparaissant elle aussi dans les années 1960, elle accorde davantage de place à l’architecture. Elle fait de l’Art Déco une modernité alternative, un autre moderne, et rejoint les théories postmodernes qui se développent à partir des années 1970.La troisième, enfin, plus tardive, puisqu’elle commence dans les années 1980, se situe dans le prolongement de la deuxième. Elle se fonde sur les notions de malléabilité et d’hybridité et considère l’Art Déco comme une grammaire commune susceptible d’être adaptée dans des contextes très différents les uns des autres. Reposant sur un mouvement patrimonial puissant, elle s’observe aussi bien au sujet de Miami Beach que de Bombay/Mumbai ou Napier (Nouvelle-Zélande). Dans le monde francophone, cependant, cette approche de l’Art Déco reste relativement marginale et entre parfois en concurrence avec la notion d’architecture coloniale, même si des publications récentes portant sur Casablanca se situent indéniablement dans cette perspective. / The "Art Deco" label appeared in the middle of the nineteen sixties to designate furniture and architectures from the interwar period. The style's outlines evolved considerably over time, and it is thus possible to distinguish three different waves of description.The first one is centered around France and the 1925 Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes, and focuses mainly on furniture. It often presents Art Deco and Modernism as two opposites, and views the former as the sign of a decadent society, unable to understand the realities of the period and face its challenges. Art Deco is condemned by most authors as an anachronistic prolongation of the decorative principle, while some, on the contrary, see it as a last "moment of happiness".The second wave is essentially anglophone and American (whereas the first one was mostly French and Italian) It also appeared in the nineteen sixties, and gives preeminence to architecture rather than artefacts. Its foundation is completely different from the first wave since Art Deco is viewed as the "other modern" or an alternative modernity, a new definition very much influenced by the developing postmodern theories.Lastly, the third wave, which is more recent, appears to be a prolongation of the second one. It is a based on notions such as hybridity or malleability and views Art Deco as a grammar which can be easily adapted in very different contexts. Powered by a strong heritage movement, it concerns places such as Miami Beach, Bombay/Mumbai or Napier (New Zealand). In the French speaking world, however, this approach remains relatively rare, and concurrent notions such as that of colonial architecture are often preferred, even though recent publications about Casablanca constitute an exception.

Au sein d’un même espace muséal, qui est exclusivement dédié à l’art contemporain nous constatons la présence simultanée de formes traditionnelles d’art à côté d’installations. Il nous semble que ces œuvres d’art sont trop différentes pour être réunies sous la même appellation Art Contemporain. Dans cette étude nous analysons les présupposés philosophiques de la Modernité et de la Postmodernité, puis après avoir disqualifié la postmodernité, nous prenons l’Exposition à la Kunsthalle de Bern, en 1969, Quand les attitudes deviennent forme, comme date de naissance de l’art contemporain, et les œuvres qui y sont présentées comme la forme paradigmatique de l’art contemporain. La caractéristique essentielle des œuvres d’art contemporain,c’est qu’elles sont créées in situ et qu’elles peuvent être démontées et réinstallées. Ceci pose des problèmes de persistance d’identité dans le temps, à travers ces différents intervalles temporels. Nous analysons la théorie endurantiste des objets tridimensionnels et la théorie perdurantiste des objets quadridimensionnels. Nous adoptons comme principe méréologique de composition des parties temporelles, le principe installation réinstallation, qui permet de justifier la persistance d’une mêmeté de ces Œuvres d’art Contemporain au cours du temps. / Within the same museum space, which is exclusively dedicated to contemporary art, we find traditional forms of art beside installations. It seems to us that these works of art are too different to be labelled: Contemporary Art.In this study we analyze the philosophical assumptions of Modernity and Postmodernity and after having disqualified postmodernity, we claim that the Exhibition at the Kunsthalle in Bern, in 1969, When attitudes become form, is the birth date of art contemporary, and those works represent the paradigmatic form of contemporary art.The essential characteristic of contemporary art works (OAC) is that they are created in situ and can be dismantled and reinstalled. There is a problem of persistence of identity over time, during these different intervals of time. We analyze the endurantist theory of three-dimensional objects and the perdurantist theory of four-dimensional objects. We adopt the mereorological principle of composition of the temporal parts, the principle installation resettletment , which justify the persistence of a sameness of these contemporary art works through time .

Le point de départ de notre recherche a été la compréhension du phénomène Wang Xiaobo, de sa genèse, de son amplification et de ses échos dans l’histoire de la littérature chinoise. La thèse rappelle le contexte de la société chinoise et du monde littéraire des années 1990, indispensable pour saisir ce phénomène. Sa naissance est en effet étroitement liée à l’essor de la mouvance libérale chinoise et au développement rapide du pouvoir des médias et notamment d’Internet. Plusieurs personnages ont contribué à sa genèse, parmi lesquels on trouve notamment des chercheurs en sciences sociales tels que Li Yinhe, Qin Hui et Xu Jilin. Ce phénomène a été par la suite amplifié par les médias, qui ont étiqueté l’auteur comme « martyr sur l’autel de la littérature », « intellectuel libéral », « intellectuel public », etc. Ironie du sort, c’est l’appellation octroyée par Le Quotidien du peuple, « génie en dehors du système », qui résume le mieux l’identité controversée de l’auteur. L’étude des discours souvent impressifs sur le phénomène Wang Xiaobo nous a conduite d’abord à mener des analyses textuelles afin de sonder de manière approfondie l’art romanesque de l’auteur, insuffisamment exploré malgré sa notoriété posthume durable. Son art est caractérisé par des jeux à la fois subversifs et ludiques ; il démontre aussi comment le sujet pensant qui transforme les mots se voit lui-même métamorphosé par la société et la vie. Le corpus des textes étudiés couvre les trois périodes de l’auteur : avant 1984 (« l’âge fabuleux »), entre 1984 et 1992 (« l’âge de la maturité et l’âge d’or ») et enfin après 1992 (« réécriture et renouvellement »). Ensuite, à travers l’analyse comparée des textes de l’auteur et de ceux de ses successeurs, nous avons abouti à la thèse suivante : les jeux d’écriture de Wang Xiaobo affichent les caractéristiques de l’art de la postmodernité, et ce avant même que celui-ci s’installe progressivement en Chine ; ils illustrent comment l’esprit chevaleresque des lettrés chinois s’est progressivement transformé en un esprit de « voyous », terme évolutif, polysémique mais symptomatique de notre temps. / The starting point of our research was to understand the "Wang Xiaobo phenomenon". The paper describes the context of Chinese society and the literary world of the 1990s; some scholars’ liberal speeches and the growing power of media namely the Internet are parts of the reasons accounting for this phenomenon. The media put on the disappeared author new labels such as "martyr on the altar of literature", "liberal intellectual", "public intellectual". Ironically the name of "Genius outside the system", granted by the People's Daily to Wang Xiaobo, has stuck as the best way to encompass the author’s questionable identity. The impressive talks about the "Wang Xiaobo phenomenon" pushes us first to conduct deeper textual analysis to probe thoroughly the novellas’ art of the author, insufficiently explored despite his lasting posthumous fame. His art is characterized by subversive and playful language games; it also demonstrates how thinking subject who transforms words sees himself transformed by society and life. The corpus of the studied texts covers three periods of the author: before 1984, between 1984 and 1992, and finally after 1992. Then, through the comparative analysis of the author’s texts and those of his successors, we came up with the following thesis: The writing games of Wang Xiaobo display the characteristics of postmodern art, and even before it develops gradually in China; they illustrate how the chivalrous spirit of the Chinese intellectuals has evolved into a spirit of roguery, which in itself should be interpreted as an evolutionary term, both polysemic and symptomatic of our time.

La réflexion sur l’intégration au travail des nouvelles enseignantes touche de plus en plus la communauté des chercheurs en éducation. Avec la valorisation de la pratique réflexive, l’enseignante se voit plus que par le passé autorisé à exercer une grande liberté d’action dans son travail, ainsi qu’une grande autonomie en ce qui à trait à l’exécution de sa tâche. Cette liberté peut être lourde à porter, surtout lorsqu’on entre dans le métier. Aussi, pour soutenir cette liberté et la diriger, la référence aux valeurs demeure fondamentale. Dans le présent mémoire, nous tentons d’en savoir plus sur les valeurs qui animent ces nouvelles venues, et comment celles-ci les aident à vivre leur intégration et à concevoir leur place dans le métier. La cueillette des données effectuée à partir de leurs réflexions, souvent profondes, sur les valeurs personnelles, les valeurs au travail et le rapport au métier, permet une analyse du discours basée sur le ressenti et l’expérience. C’est en puisant dans les thèses de la modernité et de la postmodernité, toutes deux parlantes quant à l’époque actuelle, que nous tentons de mieux cerner et induire les valeurs propres aux enseignantes ayant participé à notre étude phénoménologique de type exploratoire. Grâce à l’analyse de contenu, nous sommes à même de constater que malgré une ligne de partage présente entre certaines valeurs dites modernes et postmodernes, il n’en demeure pas moins qu’une tendance se dessine : nos nouvelles enseignantes désirent être fidèles d’abord et avant tout à elles-mêmes, même si cela implique l’abandon du métier qu’elles envisagent toutes comme une possibilité, sans exception. Cela en dit long sur leurs priorités et leurs valeurs au travail. Il est clair qu’elles travaillent de manière à se sentir authentiques, toujours avec le souci de savoir s’adapter aux nouvelles situations. Cependant, même si certaines d’entre elles trouvent plus ardu de s’adapter à une demande en matière de flexibilité professionnelle à la hausse, il n’en demeure pas moins que la flexibilité au travail est un élément désormais bien intégré à l’habitus professionnel des enseignantes pratiquant depuis dix ans et moins. Si postmodernes que ça nos nouvelles enseignantes? Oui. / The integration of new teachers in their working environment is more and more the focus of interest in the education research community. With the upcoming of reflexive practice methods, there is a large space for autonomy in nowadays teaching environments, which can be heavy to handle especially at the beginning of professional practice. Facing this freedom implies a reference to certain values in order to handle well educational tasks. This master focuses on those values which are inspiring young teachers and help them deal with the beginning of their profession. Furthermore this work provides an analysis, based on deep reflections of new teachers, which gives an intuitive sense of their values and relations concerning their workplace. The interpretation of our data is done through the perspectives of modernity and postmodernity, which presently seem to have an important impact on young educators professional values. The analysis of the survey underlying this work shows, in spite of the presence of common modern and postmodern values, a significant interesting tendency. The interrogated teachers seem to be foremost true to themselves, even if it leads to the abandonment of their profession, a fact which seems to be a reflection of the balance between their professional priorities and their personal values. It is obvious that these young teaching professionals aspire to work in the most possible authentic way. Even if some of them deal with difficulties in facing work flexibility and adaptation, the analysis confirms that these values are well integrated in their professional habitus.

Le point de départ de notre recherche a été la compréhension du phénomène Wang Xiaobo, de sa genèse, de son amplification et de ses échos dans l’histoire de la littérature chinoise. La thèse rappelle le contexte de la société chinoise et du monde littéraire des années 1990, indispensable pour saisir ce phénomène. Sa naissance est en effet étroitement liée à l’essor de la mouvance libérale chinoise et au développement rapide du pouvoir des médias et notamment d’Internet. Plusieurs personnages ont contribué à sa genèse, parmi lesquels on trouve notamment des chercheurs en sciences sociales tels que Li Yinhe, Qin Hui et Xu Jilin. Ce phénomène a été par la suite amplifié par les médias, qui ont étiqueté l’auteur comme « martyr sur l’autel de la littérature », « intellectuel libéral », « intellectuel public », etc. Ironie du sort, c’est l’appellation octroyée par Le Quotidien du peuple, « génie en dehors du système », qui résume le mieux l’identité controversée de l’auteur. L’étude des discours souvent impressifs sur le phénomène Wang Xiaobo nous a conduite d’abord à mener des analyses textuelles afin de sonder de manière approfondie l’art romanesque de l’auteur, insuffisamment exploré malgré sa notoriété posthume durable. Son art est caractérisé par des jeux à la fois subversifs et ludiques ; il démontre aussi comment le sujet pensant qui transforme les mots se voit lui-même métamorphosé par la société et la vie. Le corpus des textes étudiés couvre les trois périodes de l’auteur : avant 1984 (« l’âge fabuleux »), entre 1984 et 1992 (« l’âge de la maturité et l’âge d’or ») et enfin après 1992 (« réécriture et renouvellement »). Ensuite, à travers l’analyse comparée des textes de l’auteur et de ceux de ses successeurs, nous avons abouti à la thèse suivante : les jeux d’écriture de Wang Xiaobo affichent les caractéristiques de l’art de la postmodernité, et ce avant même que celui-ci s’installe progressivement en Chine ; ils illustrent comment l’esprit chevaleresque des lettrés chinois s’est progressivement transformé en un esprit de « voyous », terme évolutif, polysémique mais symptomatique de notre temps. / The starting point of our research was to understand the "Wang Xiaobo phenomenon". The paper describes the context of Chinese society and the literary world of the 1990s; some scholars’ liberal speeches and the growing power of media namely the Internet are parts of the reasons accounting for this phenomenon. The media put on the disappeared author new labels such as "martyr on the altar of literature", "liberal intellectual", "public intellectual". Ironically the name of "Genius outside the system", granted by the People's Daily to Wang Xiaobo, has stuck as the best way to encompass the author’s questionable identity. The impressive talks about the "Wang Xiaobo phenomenon" pushes us first to conduct deeper textual analysis to probe thoroughly the novellas’ art of the author, insufficiently explored despite his lasting posthumous fame. His art is characterized by subversive and playful language games; it also demonstrates how thinking subject who transforms words sees himself transformed by society and life. The corpus of the studied texts covers three periods of the author: before 1984, between 1984 and 1992, and finally after 1992. Then, through the comparative analysis of the author’s texts and those of his successors, we came up with the following thesis: The writing games of Wang Xiaobo display the characteristics of postmodern art, and even before it develops gradually in China; they illustrate how the chivalrous spirit of the Chinese intellectuals has evolved into a spirit of roguery, which in itself should be interpreted as an evolutionary term, both polysemic and symptomatic of our time.

L’étude se construit sur deux axes. Dans le premier, elle cherche à expliciter la fonction du lieu dans la séance photographique de mode, la manière dont la rêverie du photographe crée dans sa pensée un mannequin qui correspond à un espace ; ou bien, un endroit qui ressemble au modèle. Par une observation esthético compréhensive et une démarche phénoménologique, la recherche se concentre sur l’imaginaire de l’espace clôt dans l’image de mode, le logis, la maison, la chambre, etc. Tout en nous positionnant sous un angle holistique ; le concret avec le transcendant, le microcosme avec le macrocosme sont mis en relation. C’est alors que nous percevons la valeur du terroir et du territoire dans l’image de mode. Agissant comme un miroir reflétant le réel et notre société actuelle, la photo devient un monde en miniature. Après la rêverie de l’habitat, son image et son interrelation avec la personne, le réel et le groupe social, dans un deuxième axe, nous nous intéressons à la présence du modèle. La présentation du mannequin lors du casting s’appuie sur la sociologie interactionniste en observant les habitus du modèle, les comportements appris et répétés, ainsi que les imitations dans un contexte donné, dans une scène. C’est aussi la flexibilité du mannequin qui attire notre attention, son interaction avec le photographe, ainsi que le jeu devant la caméra. De plus, la représentation du modèle devant l’appareil puise sa source dans l’inconscient collectif et mythologique. En faisant une comparaison entre le jeu devant l’appareil technique et les théâtres archaïques et traditionnels, nous constatons que, dans le jeu du mannequin, il se manifeste des incarnations archétypales. Celles-ci se distinguent des habitus et des comportements appris, ainsi que des émotions. De même, l’influence du « bassin-sémantique » et la vitalité du mythologique, prennent lieu dans un espace-temps présent. C’est alors par la description qu’on aboutit à une explication ; il s’agit de procéder par la démarche comparative qui déplace le centre culturel et historique en l’alignant en parallèle avec d’autres systèmes. Cette démarche est donc concrètement plurilatérale. C’est ainsi que nous décryptons le retour, à notre époque, de l’archaïque, à la fois en observant le contenu de l’image photographique et la représentation du mannequin devant la caméra. Nous tissons donc, selon la méthode comparative weberienne et durandienne, des liens entre différents phénomènes n’ayant pas la même finalité, mais possédant la même forme. / With considering our observations in the field, there is a return of the archaic in the superficial aspects of existence as fashion photography. We noticed that on the one hand, models intended to look at fashion magazines and to reproduce the poses and attitudes of the current season, and doing so, they continued to represent socially the models attitude and confirm the position in a community. On the other hand, we noticed a similarity between fashion theatricality in front of the camera with traditional theatre which embodies archetypes. We noticed as well that printed fashion pictures aim to represent a cultural message belonging to our particular period and culture. But at the same time, they always transmit strong symbols and archetypes that are mythological. To interpret the symbols, we mainly used the work of Gilbert Durand. According to him, it is not society and culture that produce mythology, but mythology that creates ideology and artistic expressions. The work of Michel Maffesoli gives us as well an understanding of everyday life phenomena in post modernity.