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Plateaux nus, espaces vides : esthétiques scéniques du vide et du dépouillement au XXe siècle en France : pratiques, imaginaires, idéologies / Naked stages, empty spaces : scenic Aesthetics of the void and the bareness on the 20th century in France : practices, Representations, IdeologiesCarré, Alice 10 December 2015 (has links)
La recherche d’espaces dépouillés est l’un des grands marqueurs de l’évolution de la scénographie au XXe siècle. De même que pour les arts plastiques, cette tension vers le vide est associée à la redéfinition des formes dans leur mutation moderne et postmoderne. Plateaux nus et espaces vides constituent deux modalités particulières de cette recherche de l’épure. Le plateau nu débarrasse la scène du décor et de son appareil illusionniste et resserre la représentation sur la présence d’un acteur et l’écoute du texte. D’abord solution pratique, rupture avec un théâtre commercial et bourgeois, le plateau nu est ancré dans une conception éthique du théâtre. Cette première partie de l’étude se fonde sur les espaces de Jacques Copeau, Jean Vilar, Antoine Vitez et Christian Schiaretti. L’espace vide, étudié à travers le travail de Peter Brook, Claude Régy, Joël Pommerat et Nacera Belaza cherche à construire un ailleurs. Cette étude propose d’étudier le succès contemporain des esthétiques scéniques du vide et du dépouillement. Aujourd’hui, le plateau nu est devenu un patrimoine, portant en lui les valeurs du théâtre public et s’associant implicitement à une célébration de ses pionniers, Jacques Copeau et Jean Vilar. L’espace vide, vu à travers les traditions orientales se charge d’une spiritualité, et est aussi perçu comme l’au-delà mental de la représentation. Espaces vides et plateaux nus, s’ils ont pu naître de contraintes économiques sont aujourd’hui devenus des espaces luxueux. / The research of concise spaces is one of the marks of the scenography evolution on the 20th century. As in the visual arts, this mouvement towards to the void is associated with a redefinition of the forms in their modern and postmodern mutations. Naked stages and empty spaces constitute two particular modalities of research of an uncluttered style. The naked stage removes the scenery and the scenic illusion from the stage to focus its representation on the actor and the text. Starting as a practical solution and rupture with commercial and bourgeois theater, the naked stage is anchored in an ethical conception of theater. This first part of this study is based on the spaces according to Jacques Copeau, Jean Vilar, Antoine Vitez and Christian Schiaretti. The empty space seeks to find new horizons, examined through the concepts of space by Peter Brook, Claude Régy, Joël Pommerat and Nacera Belaza. This study proposes to examine the contemporary success of aesthetic scenics based on void and bareness. The naked stage has become nowadays a heritage, carrying values of public theater, and being implicitly associated with a celebration of its pioneers Jacques Copeau and Jean Vilar. Seen throughout eastern traditions, the empty stage is filled with spirituality and thus becomes a mental hereafter of the representation. Initially consequence of an economical imposition, naked stages and empty spaces have become luxurious spaces nowadays.
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Le parti pris de l'objet : de l’empreinte à une archéologie du présent / On the object's side : from the imprint to an archeology of the presentEl Hammoumi-Piquemal, Imane 26 June 2017 (has links)
Cette thèse se présente comme une fouille archéologique consistant à décortiquer l’objet dans notre société actuelle à partir d’une réalisation plastique. En effet cette thèse s’articule autour d’une pratique artistique. C’est cette pratique qui a ainsi déterminé les champs de recherche à suivre. Le protocole de cette installation consiste, dans un premier temps, à demander à des femmes-artistes de me prêter un objet issu de leur quotidien et pour lequel elles ont nourri un besoin ou un attachement particulier, de sorte que cet objet devienne un miroir capable de refléter leur personnalité. Dans un deuxième temps, je filme un témoignage que me livrent ces mêmes personnes au sujet de l’objet choisi, et dans lequel elles justifient leur choix en précisant la nature du lien qui les unit à celui-ci. Ensuite, ces objets sont moulés par mes soins. En ce sens, cette démarche de ne présenter que leurs moulages et non ces objets tels qu’ils sont, contribue à rendre l’intimité que représentent ces objets, et à faire de ces symboles de la vie quotidienne de chacune des protagonistes, et donc, d’acteurs ou plutôt actrices de notre société moderne, de simples matériaux voués à un oubli certain, sauf à les envisager à l’aune d’une certaine archéologie du présent. C’est ainsi que je prends le parti des objets. Un parti pris théorique et pratique. Dans le sens où je me place du côté des objets pour observer le monde, un parti pris qui traduit une opinion argumentée de l’objet dans tous ses états : l’objet dans l’art, l’objet anthropologique, l’objet comme trace de nous-mêmes et pour finir l’objet archéologique. / This thesis presents itself as an archaeological excavation consisting of the dissection of the object in our present society from a plastic realization. Indeed this thesis is articulated around an artistic practice. It is this practice that has determined the fields of research to be followed. The protocol of this installation consists, initially, in asking women artists to lend me an object from their daily lives and for which they have nourished a particular need or attachment, so that this object becomes a mirror capable To reflect their personality. In a second step, I film a testimony given to me by these same people about the chosen object, and in which they justify their choice by specifying the nature of the bond that unites them to it. Then, these objects are molded by me. In this sense, this process of presenting only their moldings and not those objects as they are, helps to make the intimacy represented by these objects, and to make these symbols of the daily life of each of the protagonists, and thus , Actors or rather actors of our modern society, materials devoted to a certain forgetfulness, except to consider them by the yardstick of an archeology of the present.This is how I take the side of objects. A theoretical and practical bias. In the sense that I place myself on the side of objects to observe the world, a bias that translates an argued opinion of the object in all its states: the object in art, the anthropological object, the object as Trace of ourselves and to finish the archaeological object.
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Voix et voies de l'auteur : aspects de l'énonciation dans les discours de Rabelais et de Montaigne / Voices and tracks of author : sides of enunciation in Rabelais's and Montaigne's worksFouah, Emmanuel 10 April 2012 (has links)
Cette étude dégage les enjeux littéraires et linguistiques de l'actualisation des paramètres énonciatifs dans les discours de Rabelais et de Montaigne. Les textes considérés construisent des scénographies particulières à travers lesquelles les auteurs se mettent en scène. Les données linguistiques de cette configuration discursive sont examinées suivant la problématique des modalités du rapport à soi au discours et aux lecteurs. A cet effet, la réflexion met un accent sur l'étude des unités déictiques qui actualisent les données de la situation d'énonciation. Elle articule, de plus, le contenu textuel et le contexte socio-historique de production des œuvres. Une telle approche de Rabelais et de Montaigne, tout en éclairant des aspects de la subjectivité à la Renaissance. / This study shows literary and linguistic stakes of the realization of enumerative parameters in Rabelais' and Montaigne's works. These texts build particular scenographies by which the authors portray themselves. The linguistic factors of this discursive configuration are examined according to issues of connection modalities with oneself, with the discourse and with the readers. To that purpose, the analysis stresses the study of deictic units which actualize situation of utterance. Moreover, it connects textual content to the historical context. Such an approch reveals the whole complexity of author's figure in Rabelais' and Montaigne's discourses and considers some aspects of subjectivity in the Renaissance.
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A correspondência de Marguerite Yourcenar: presenças e ausênciasHeleno, Alex Rezende 05 December 2017 (has links)
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Previous issue date: 2017-12-05 / Marguerite Yourcenar sempre se mostrou atenta a sua obra. Nas entrevistas, nos
prefácios e nos cadernos de notas dos textos publicados são marcantes seus
posicionamentos em defesa de seus textos. A autora, leitora e crítica de si mesma,
oferece, com frequência, ao leitor, uma Ŗespécie de roteiroŗ para que a leitura e a
interpretação se aproximem daquelas desejadas por ela. A correspondência de
Yourcenar nos dá informações valiosas acerca desse posicionamento autoral com
relação a sua escrita e a sua vida. As cartas nos mostram, sobretudo, a autora -
Marguerite Yourcenar - pseudônimo criado a partir de um anagrama de Crayencour e
adotado oficialmente a partir da aquisição da nacionalidade estadunidense. De acordo
com Bruno Blanckeman, trata-se de Ŗuma ficção que ganhou corpoŗ. Esse estudo busca,
portanto, analisar as cartas a partir desse Ŗapagamentoŗ de Marguerite de Crayencour e
da visibilidade de Yourcenar enquanto autoridade sobre o texto. Pretende-se analisar,
desse modo, a expressividade da construção de uma cenografia autoral (José-Luis Diaz),
ou seja, a criação de meios e de cenários utilizados pela escritora para fixar sua
identidade autoral e agir a partir desse eu-autor/autoridade. / Marguerite Yourcenar sřest toujours montrée atentive à son oeuvre. Dans les interviews,
dans les préfaces et dans les cahiers de notes des textes publiés ses points de vue sont
explicites dans la défense de ses textes. Lřauteur, lectrice et critique de soi même, offre,
souvent, au lecteur, une « espèce de chemin » pour que la lecture et lřinterpretation
sřapprochent des celles quřelle souhaite. La correspondance de Yourcenar nos donne
des informations importantes sur son image dřauteur face à son écriture et à sa vie. Les
lettres nos montrent surtout lřauteur - Marguerite Yourcenar Ŕ pseudonyme créé de
lřanagramme de Crayencour et adopté officiellement après sa naturalisation aux États-
Unis. Dřaprès Bruno Blanckeman, il sřagît dř « une fiction qui a pris corps ». Cette
étude analyse donc lřeffacement de Marguerite de Crayencour et la visibilité donnée à
Yourcenar en tant quřautorité sur son texte. On analyse, ainsi, lřexpressivité de la
construction dřune scénographie auctoriale (José-Luis Diaz), cřest-à-dire, la création des
moyens et des scénarios utilisés par lřécrivain pour fixer son identité et agir en fonction
de ce je-auteur/autorité.
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La cuisine et la scène : représentations et convivialités au théâtre, du début du 20e siècle à aujourd'hui / Kitchen, cooking and the stage : performances and convivialities in theatre, from the beginning of the 20th century until todayStourna, Athéna-Hélène 28 June 2010 (has links)
La liaison de la nourriture, de la boisson et du spectaculaire caractérise le théâtre depuis l’antiquité. La présente étude questionne cette relation à partir de la naissance officielle de la mise en scène en France, à la fin du 19e siècle et jusqu’à aujourd’hui. Le point de départ et de repère est la France, pays qui a vu naître et a accueilli toutes les grandes évolutions du théâtre moderne et de la gastronomie. Au fur et à mesure, le champ géographique s’élargit pour inclure d’autres pays européens (Russie, Grande-Bretagne, Suède, Allemagne, Suisse, Italie, Espagne, Grèce) ainsi que les pays de l’Amérique du Sud (Venezuela, Colombie) et les États-Unis. Des pièces, des mises en scène et des performances, qui mettent en avant l’alimentation et la cuisine en tant que pratique d’art ou en tant que lieu, sont réunies et analysées. Quatre axes de la pratique théâtrale sont suivis : la dramaturgie, la mise en scène, la scénographie et le jeu de l’acteur. / Since ancient times, theatre has been characterised by a bond between food, drink and the spectacle. This study provides an account of this relationship from the beginnings of theatre direction in late 19th century France up until the present. Our departure and reference point is France, a country that witnessed and fostered the most important innovations in theatre and gastronomy. Progressively, our area of geographical focus is enlarged to include other European countries (Russia, United Kingdom, Sweden, Germany, Switzerland, Italy, Spain, and Greece) as well as countries from South America (Venezuela, Colombia) and the United States. We have collected and analysed a series of plays, stagings, and performances in which food and drink consumption, cuisine and the kitchen are featured prominently. Four axes in theatre practice have been followed: dramaturgy, theatre direction, scenography and acting.
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Ouvrir et fermer la maison du dieu : les portes de temples en Grèce égéenne de l'époque archaïque aux Antonins / Open and close the god’s house : the temple doors in Aegean Greece from the archaic period to the AntonineDubernet, Audrey 17 November 2017 (has links)
La porte a été l’un des premiers éléments de l’architecture grecque a être monumentalisé. Le terme de «porte» fait ici référence à l’ensemble du dispositif, aussi bien les battants que l’encadrement. Ces deux éléments sont eux-mêmes composés de plusieurs parties mais seules celles en pierre, à savoir le seuil, les montants, le linteau et le couronnement nous sont parvenus. On retrouve également des scellements métalliques et des traces de scellement ou de placage en bois. Ces vestiges, associés à une étude des textes (traités, comptes de construction, récits de voyageurs), de l’iconographie (céramiques et reliefs) et à une comparaison avec d'autres monuments (trésors, tombes macédoniennes, etc.), permettent une reconstitution de l’ensemble. Outre son aspect fonctionnel, la porte du temple détient un rôle symbolique fort puisqu'elle fait le lien entre la sphère humaine et la sphère divine. La porte pose la question de l'accessibilité à la cella. S'ajoutent les clôtures d'entrecolonnement et les diverses barrières pouvant être autant de nouvelles limites à la circulation. L’étude porte sur les portes de temple de l’époque archaïque jusqu’aux Antonins en Grèce égéenne. Le choix des limites chronologiques et géographiques du sujet est motivé par une volonté d’uniformité et de continuité. Il s’agit d’une analyse systématique de la morphologie des portes ainsi que de la portée symbolique du dispositif dans son contexte architectural et de son rôle dans la scénographie du temple et du sanctuaire et dans les rites. / The door was one of the first element of Greek architecture to be monumentalized. The term "door" refers here to the whole system, as well as the door panels and the door frame. These two elements are themselves composed of several parts but only those in stone, namely the threshold, the jambs, the lintel and the coronation remain. There are also metal seals and traces of wood seals or veneer. These remains, together with a study of texts (treaties, construction accounts, travelers' tales ), iconography (ceramics and reliefs), and a comparaison with other monuments (treasuries, Macedonian tombs) allow a reconstruction of all in many cases . In addition to its functional aspect, door monumentalised has a strong symbolic impact as it separates the human world from the one of the gods. The study of the door is connected with the question of the access to the cella. We also consider the intercolumnation screens and various barriers that can be encountered in temples as they all are limits to the circulation within the building. The study will focus on the temple doors of the Archaic period to the Antonines constructions in aegean Greece. The choice of chronological and geographical limits of the subject was motivated by a desire for consistency and continuity. It will be a systematic analysis of the doors morphology and of the symbolic significance of the device in its architectural context and its role in the temple and sanctuary scenography and in the rituals.
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Exposer le théâtre. De la scène à la vitrine / Exhibiting theater. From the stage to the museumRezzouk, Aurélie 11 December 2013 (has links)
Pour qui, à quelles fins, et comment exposer le théâtre? L’approche muséologique se veut ici à la fois méthode d’investigation du champ théâtral et éthique du muséal, dont elle envisage les enjeux, les moyens et la portée. L’exposition d’objets de théâtre, vestiges, témoins ou empreintes de la scène, ordonnés dans un parcours et intégrés à un propos, interroge la nature de l’événement scénique et de l’événement théâtral. Elle donne à voir l’objet en instance de signification, sans toutefois l’y réduire. Elle joue, pour ce faire, des affinités autant que des tensions entre présence scénique et présence muséale; elle offre, en réponse, une vision du théâtre en son histoire, mais aussi comme processus de création et de réception. L’exposition participe des temps du théâtre pour le visiteur et le spectateur d’aujourd’hui: elle peut être pensée à la fois comme espace de manipulation, par l'expositeur et par le visiteur, de la matière théâtrale (espace, temps, objets et textes) et comme lieu d’une philosophie de la scène, orientée vers un théâtre à venir. Son mode discursif spécifique est de l’ordre du montage, du discontinu et de la polyphonie. Le visiteur s’y exerce à différents régimes scopiques et intellectifs sur des formes théâtrales passées et présentes, met à l’épreuve une pensée du théâtre au contact de l’objet et à celui d’autres pensées, celles des praticiens de la scène, celle de l’expositeur. / For whom, to what end and how may theatre be exhibited? The museologic approach is meant to be both an investigating method of the theatrical field and a museum ethics, whose stakes, means and import it considers. Exhibiting theatre objects -- remnants, pieces of evidence or imprints of the stage -, arranged for display, and used as statements, questions the very nature of on-stage and theatrical events. It shows the object as becoming meaningful without confining it to its meaning. To such an end, it plays both on the similarities and tensions between being on stage and on display and it conveys, as a response, a vision of theatre as part of its own history but also as a process of creation and reception. The exhibition is a theatrical time in itself for today’s visitor and spectator: it can be thought of both as a place for the manipulation of theatrical material (space, time, objects and texts) and as one dedicated to a stage philosophy that looks into theatre as it could be in the future. Its specific discursive mode relies on montage, discontinuity and polyphony. It offers the visitor a chance to try different scopic and intellective regimes on present and past theatrical forms and to put theatre thinking to the test of the object itself and of other modes of thinking – those of stage practitioners and of the exhibitor.
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Suzanne Lilar : configurations d'une image auctorialeCristea, Carmen 09 1900 (has links)
Cette thèse pose la question du positionnement identitaire difficile qui marque la trajectoire littéraire de l’écrivaine belge Suzanne Lilar (1901-1992). Le tiraillement vécu par l’écrivaine entre sa vocation artistique et la nécessité de préserver une image de soi conforme aux normes du milieu social dans lequel elle s’inscrit se reflète dans les scénographies construites par ses œuvres littéraires, mais également dans son discours réflexif et paratextuel ainsi que dans la manière dont son œuvre est accueilli par la presse de l’époque. Le premier volet de cette analyse s’attache à circonscrire la position occupée par Suzanne Lilar sur la scène littéraire belge, dont la proximité avec le centre parisien a toujours entretenu la menace de l’assimilation, et sur la scène de l’écriture féminine. Le deuxième volet de cette thèse porte sur l’analyse des scénographies construites par les textes de fiction et les textes à tendance autobiographique de Suzanne Lilar. Les doubles scénographies que donnent à lire ces œuvres montrent que la démarche esthétique de Suzanne Lilar, sous-tendue par le besoin de légitimation de son entreprise, est basée principalement sur la multiplication des perspectives et des moyens d’expression. Le dédoublement de la scène énonciative des récits, la mise en abyme de la figure auctoriale ainsi que le travail d’autoréécriture témoignent de la nécessité de se positionner dans le champ littéraire, mais également de la méfiance de l’écrivaine envers l’écriture littéraire. Le troisième volet de cette recherche analyse l’éthos et la posture que Lilar construit à l’aide du discours réflexif et paratextuel par lequel elle assoit sa légitimité sur la scène littéraire et sociale. Enfin, la dernière partie de cette thèse capte les échos de l’œuvre de Lilar dans la presse de son temps. L’image de l’auteure construite par les médias permet de placer Lilar au sein de l’institution et du champ littéraire, mais également au sein du groupe social dans lequel elle s’inscrit. L’accueil réservé à l’écrivaine par la presse de son époque semble suivre les fluctuations de la posture construite par l’écrivaine elle-même. Cela confirme l’hypothèse selon laquelle Lilar est une auteure qui a éprouvé de la difficulté à assumer pleinement son rôle. Le positionnement en porte-à-faux – dont témoigne la figure du trompe-l’œil qui définit sa poétique – semble avoir représenté, pour Lilar, la seule manière d’assumer l’incontournable paratopie créatrice. / This thesis investigates the difficult positioning of identity in Belgian writer Suzanne Lilar's literary trajectory. The conflict between the writer's art and her need to project an image consistent with her environment is reflected not only in the set-pieces of her literary works, but also in her essays and paratext, and in the way her works were received by the press of the day. The first part of the analysis describes Lilar's position in Belgian literary circles, whose proximity to the mainstream was always threatened by assimilation, and within feminist writings. The second part analyzes the storylines in her fictional and more biographical works. The parallel viewpoints in these works demonstrate that Lilar's aesthetic approach, which is based on the need to legitimize her enterprise, is based mainly on multiple perspectives and forms of expression. The duplication of the plot line in her stories, the mise en abyme of the author's voice, and the constant rewriting illustrate her need to make a place for herself in the literary landscape, but also her mistrust of literary writing. The third part of this research analyzes the ethos and position Lilar constructs through her essays and paratext, upon which she bases her literary and social legitimacy. The final part of the thesis reports on how Lilar's work was received in its day. The image of Lilar propounded by the media positioned her within the literary establishment and also within her own chosen social stratum. The press of the time viewed her as she variously presented herself. This corroborates the hypothesis that Lilar had trouble in fully assuming her role as a writer. Her presentation of herself as being out of step with society − in the trompe-l'oeil manner of her poetics − appears to have been the only way for Lilar to shoulder the displacement essential to her creative work.
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Espaces autres de la littérature. Le patrimoine littéraire à l’œuvre hors le livre / Literary heterotopology. Literary patrimony at work outside of the bookDepoux, Anneliese 06 December 2013 (has links)
À l’origine de cette thèse, une ambition : observer la littérature à travers ses métamorphoses médiatiques, considérer ce qui se joue dans le social pour faire apparaître les représentations du littéraire qui se manifestent dès lors qu’un texte est réédité sous des formes moins académiques que le livre. Saisi par la place occupée par le littéraire dans l’économie symbolique de l’espace public contemporain, notre regard s’est porté sur les pratiques ordinaires de circulation du texte littéraire dans notre quotidien, la « publicité» d’un objet textuel à valeur littéraire en attachant une importance particulière à la scénographie. Nous nous sommes intéressée dans l’espace de la cité à des espaces et des tâches qui participent de notre quotidien : le transport, le commerce, le loisir. Soit trois expériences situées du littéraire : le métro, l’espace marchand et l’espace muséal.Observant les déplacements du littéraire dans l’espace commun, nous avons examiné des situations de communication qui disputent la valeur qu’on reconnaît au littéraire dès lors qu’il se trouve publicisé ailleurs que dans l’espace livresque. Le cadre théorique de cette recherche est l’occasion de réinvestir la notion d’objet littéraire, regardant les régimes discursifs variés de son inscription dans le social à travers la dimension expositive. La partie empirique de cette recherche considère le déploiement de l’espace littéraire et envisage la question de la littérarité in situ dans la polyphonie urbaine. Au travers de ces incarnations scripturales, il s’agit d’étudier les formes d’une autre consommation de l’objet littéraire et les représentations qui s’instituent dans le geste éditorial hors le livre. / At the heart of this dissertation is the objective to observe literature through its « media metamorphoses », with a particular emphasis on the literary representations that appear in the social realm once a text assumes a form less academic than that of a book. Intrigued by the space occupied by literature in the symbolic economy of contemporary public space, we have chosen to question the ordinary circulation practices of literary texts in our everyday lives. Our analysis examines the « publicity » (Habermas) of a textual object invested with literary value, with a focus on scenography. Our principal subjects of analysis are city spaces and tasks that compose our daily routine: transportation, trade, and recreation. These subjects manifest as three situated experiences of literature: the metro, merchandising and museums. Observing the emergence of literature in the common space, we have examined situations of communication that contest the value given to literary objects when they are publicized outside of the traditional « book space ». The theoretical framework of this research is the opportunity to reinvest the notion of the literary object, looking at the varied discursive regimes of its inscription in the social world through the expositive dimension. The empirical part of this research considers the deployment of literary space and envisions the question of literarity in situ in the urban polyphony. Through these scriptural incarnations, the goal is to study the forms of another consumption of the literary object and the representations that are constituted through the editorial gest as it occurs outside of the book.
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Scénographie, mise en scène et choix esthétiques : La mise en question de la théâtralité au Théâtre National de Strasbourg sous la direction de Jean-Pierre Vincent. / Scenography, direction and esthetic choices : Theatrical investigation at Strasbourg National Theater under the direction of Jean-Pierre Vincent.Othmani, Hanène 29 September 2017 (has links)
Cette thèse s’intéresse au Théâtre National de Strasbourg durant la direction de Jean-Pierre Vincent (1975-1983). Dans une approche théorique, ce travail revient sur la remise en question de la décentralisation théâtrale et met en avant le contexte artistique, historique, social et politique qui a poussé Jean-Pierre Vincent et son collectif d’artistes à chercher une nouvelle façon d’aborder le théâtre. Tandis que certains mouvements investissent la rue, tels que le Happening ou le Bread and Puppet Theatre…, certains artistes comme Ariane Mnouchkine et Peter Brook se distinguent par une nouvelle approche expérimentale du théâtre qui met le spectateur au cœur de la recherche. Cette approche théorique nous permet de mieux cerner le contexte dans lequel évolue le TNS. En deuxième partie et en revenant sur cette période récente de l’histoire du TNS, ce travail s’interroge sur les notions de « théâtralité » et de « spectateur » à travers les créations « dans les murs » de Jean-Pierre Vincent et « hors les murs » d’André Engel. En nous concentrant sur les questions scénographiques et esthétiques, nous avons essayé de mettre en avant deux manières différentes et pourtant complémentaires d’interroger les codes théâtraux et, ce faisant, de pratiquer un théâtre profondément subversif et critique conduisant à reconsidérer le statut du spectateur, ainsi que ceux du scénographe et du metteur en scène. / The present thesis work is about the Strasbourg National Theater (TNS) under the direction of Jean-Pierre Vincent (1975-1983). In particular, the first part of the present research focuses, from a theoretical perspective, on issues related to the theatrical decentralization program and highlights the artistic, historic, socio-political context that guided Jean-Pierre Vincent and his collective of artists to consider and pioneer a new theatric approach. While several artistic movements were working on the street like Happening or Bread and Puppet Theatre…, others like Ariane Mnouchkine and Peter Brook were distinguished by a theatrical experimental approach involving the spectator in an innovative way. These theoretical perspectives illustrate the broader context in which TNS evolved. In this second part of this thesis, we investigate and discuss the “theatricality” and “spectator” notions throughout Jean-Pierre Vincent and André Engel creations (“dans les murs” and “hors les murs”). Moreover, by focusing on scenographic and aesthetic choices, we highlight two different, yet complementary, ways of questioning theatrical codes. Specifically, the practice of a subversive and critical theater led to a deep reconsideration of the status of the spectator, as well as those of the scenographer and the director.
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