Este trabalho busca analisar os caminhos do envelhecimento dos artistas idosos residentes no Retiro do Artista Rio-Grandense de Porto Alegre, tentando compreender as tensões entre suas memórias de trabalho na arte e suas circunstâncias atuais de vida. O referencial teórico-metodológico utilizado é a Analise de Discurso da escola francesa no enfoque proposto por Dominique Maingueneau. Os fragmentos de texto utilizados para esta análise provém de entrevistas com três artistas idosos moradores desta instituição, com idades entre os 62 e os 76 anos. Partiu-se de quatro eixos temáticos para organizar a descrição/interpretação do discurso produzido pelo perfil composto pelos sujeitos de pesquisa: o ser idoso e o processo de envelhecimento, o afastamento do trabalho artístico profissional, o viver na instituição e o olhar sobre o passado, o presente e a espera do futuro. Os efeitos de sentido detectados, descritos e interpretados a partir do corpus de pesquisa, formados pelos fragmentos de discurso destacados, mostraram que a proposta institucional do Retiro, apesar de responder a uma necessidade social de abrigar artistas idosos carentes, não chega a preencher sua proposta de oferecer aos usuários um espaço de reencontro consigo mesmos após uma vida pessoal e de trabalho atribulada, que redundou numa velhice desassistida e sem meios. Isto se deve às dificuldades emocionais dos próprios moradores, expostos a diversos fatores de estresse que levam a conflitos intrainstitucionais no domínio do vincular.Os idosos pesquisados dão sentido à sua experiência vivida no trabalho utilizando suas habilidades, então desenvolvidas, como estratégias de enfrentamento dos referidos fatores. A diversidade de impressões particulares sobre a rede de moradores ea instituição que a abriga comprova a natureza singularizante do processo de envelhecimento. / This work searchs to analyze the ways of the aging of the resident aged artists in Retiro do Artista Rio-Grandense de Porto Alegre, trying to understand the tensions between its memories of work in the art and its current circumstances of life. The theoreticiantechnician referencial used is Analysis of Speech of the French school in the approach considered by Dominique Maingueneau. The used parts of text for this analysis were withdrawn from interviews with three living aged artists of this institution, with ages between the 62 and 76 years. It was broken of four thematic axles to make the description/interpretation of the speech produced by the profile composed by the research citizens: the aged being and the process of aging, the removal of the professional artistic work, the life in the institution and the look at the past, the present and the wait of the future. The detected, described and interpreted sense effects from the research corpus, formed for the detached parts of speech, had shown that the institutional proposal of the house, although to answer to a social necessity to shelter devoid aged artists, does not reach to fill its proposal to offer to the users a space to contact with themselves after an afflicted personal and work life, that resulted in an oldness in poverty. The diverse factors of stress and emotional difficulties of the inhabitants display them to conflicts in the domain of tying. The abilities developed in the experience of a life work as artists are used at present as strategies of confrontation of the related factors. The diversity of particular impressions on the net of inhabitants and on the institution itself by citizens proves the particularly singular nature of the aging process.

Esta pesquisa trata do desenho e do desenhar com linhas no campo da Educação e das Artes na perspectiva das Filosofia da Diferença, e, pensa com a vida do Professor-artista, que é aquele que experimenta o desenhar tanto em sala de aula/vida professoral quanto em sua vida de artista/criador. Toma como problema questões que levam a pensar, como produzir vazamentos na representação do desenhar da figura humana para criar fazendo uso de técnicas de desenho. Por isso tem-se por objetivo criar com o desenhar, com a intenção de mostrar como fazer uso dos acontecimentos, acidentes, erros e catástrofes como potência para a criação. Desse modo, busca-se metodologicamente investir na experimentação criando/pensando com linhas, tanto na escrita quanto no desenhar. Fala-se em “com” por pensar/criar com as próprias linhas que são produzidas em processos de experimentação. Seja, com Linhas DeZenhantes, dando forma, volume, textura ao compor Figuras que tentam não se fixar em modelos ou representações idealizadas. Linhas essas usadas na criação de desenhos que não se tratam de figuras humanas, mas que podem sugerir imagens de partes do corpo humano. Seja, também, com Linhas de Escrita, ao produzir escritas poéticas juntamente com as Linhas DeZenhantes, levando em consideração que a escrita neste processo de experimentação também vem a ser desenho. Criar/Pensar/Experimentar nesta pesquisa se dá com a noção de intercessores de Gilles Deleuze, além de outros de seus textos, produzindo nos encontros com obras variadas de Francis Bacon, Giacometti e Van Gogh, algumas pranchas de Frank H. Netter, Sandra Corazza, Paola Zordan, entre outros. Com isso compõem-se desenhos nomeados nesta pesquisa como Figura corpo. Assim, com o próprio desenhar em contato com os materiais escolhidos para a produção dos desenhos, se compõe com estas diferentes linhas, num devir-tecelão. São tecidas Figuras corpo com o traçar de linhas diagramáticas, rotas nômades sobre territórios que ziguezagueiam entre paisagens ora familiares, ora desconhecidas, criando e vindo a criar com os percursos de desenhar-escrever/escrever-desenhar. / This research deals with the drawing and draw with lines in the field of Education and the Arts in view of the difference of philosophy, and thinks with the life of the teacher-artist who is one who experiences the draw both in the classroom / life professorial as in your life of artist / creator. It takes as problem issues that lead to think, how to produce leaks in the representation of the human figure drawing to create making use of drawing techniques. So has the objective to create with drawing, with the intention of showing how to make use of events, accidents, mistakes and disasters like power to create. Thus, they seek to invest in methodological experimentation creating / thinking with lines, both in writing and in drawing. There is talk of “with” to think / create with their own lines that are produced in experimental processes. Be with Drawing lines, forming, volume, texture when composing figures that do not hold in models or idealized representations. These lines used in the creation of drawings that are not human figures, but that may suggest parts of the human body images. Also, with writing lines, to produce poetic written together with drawing lines, taking into account that writing in this experimentation process also comes to design drawing. All of this, produce drawings named in this research as body figure. In addition the text of this research made of lines that are crossing, intertwine, are interwoven, missives lines, invented and / or dissertative. Create / Think / Try this search is with the notion of intercessors of Gilles Deleuze, and other of his texts, producing in meetings with various works of Francis Bacon, Giacometti and Van Gogh, some planks of Frank H. NeWtter, Sandra Corazza , Paola Zordan, among others. With that consist drawings named in this research as Figure body. So with the draw itself in contact with the materials chosen for the preparation of the drawings, it is made with these different lines, a becoming-weaver. Figures are woven body with trace of diagrammatic lines, nomadic routes on territories that zigzag between landscapes sometimes family, sometimes unknown, creating and been creating with the paths of drawing-write / write-draw.

Esta dissertação tem como campo empírico uma determinada escola da rede privada de Porto Alegre, RS (Escola Projeto), que contempla a arte contemporânea em seu currículo e que convida artistas a construírem esse trabalho em parceria. Como proposta de investigação, busca olhar para os movimentos que esse modo de pensar a arte provoca em professoras e artistas visuais que se aventuram para, juntos, viverem a escola e a educação, produzindo pensamento e estranhando práticas naturalizadas e acomodadas pelo tempo e pelo uso. Pensar o estranhamento nas práticas docentes, instigadas pelas provocações da arte contemporânea, sugere uma aproximação à noção de discurso, tendo em Michel Foucault o principal referencial teórico. Discurso que emerge a partir de conversas e entrevistas com os sujeitos de pesquisa e que são analisadas dentro do campo discursivo que as envolve, neste caso, arte e educação. Movimentos e discursos interessam a esta pesquisa, pois atuam no sentido de olhar para as práticas tidas como mínimas ou basiquinhas, termo usado por um dos sujeitos de pesquisa, e contribuem para pensar na contramão da acomodação e da generalização, tão presentes no modo como a escola vem se constituindo historicamente. Por tratar da arte e da docência, encontrando pontos de encontro e de conflitos entre os fazeres artísticos e pedagógicos, termos como rigor, criação e participação são analisados desde esses dois pontos de vista. Ao olhar para esses encontros, apostando na possibilidade de exercícios de modificação, criação e compartilhamento, ganha força o conceito de docência artista, apresentado por Luciana Loponte, na relação com uma formação docente artista, termo que nasce nesta pesquisa e que se refere a uma formação contaminada, acompanhada e encharcada pelo contato próximo com a arte contemporânea, capaz de rever as relações mais seguras sobre ensinar e aprender, nas artes e para além delas. Desse modo, mais do que buscar resultados ou apontar soluções, esta dissertação busca realizar apostas: na docência, com suas dúvidas e estranhamentos; na escola, com sua possibilidade de educar sem consolação; na arte contemporânea, com sua abertura para provocar rupturas e para desestabilizar o pensamento. É, portanto, nos encontros entre docência, escola e arte contemporânea que esta escrita desenvolve-se, adquire intensidade e potência. / This thesis has as an empirical study a certain private school in Porto Alegre, RS (School Project), which includes contemporary art into its curriculum as well as invites artists to build this partnership work. The bulk of this thesis is devoted to looking at what the moves that this way of thinking art instigate teachers and visual artists who venture to jointly live school and education, reasoning and wondering practices which are naturalized and accommodated by time and use. Thinking strangeness in teaching practices, instigated by contemporary art provocations, suggests an approach to the notion of discourse, having Michel Foucault as the main theoretical framework. Discourse that emerges from conversations and interviews with research subjects that are analyzed within the discursive field that these conversations involve, namely, art and education. Moves and discourses are subjects of interest to this research as they act in order to look at the practices taken as minimal or rough (basiquinhas), a term used by one of the research subjects, and contribute to think against of the grain of accommodation and generalization, as present in the way school has historically constituted. As this thesis discusses art and teaching, finding junction and conflict points between artistic and pedagogical doings, terms such as strictness, creation and participation are analyzed from these two standpoints. When looking at these junctions, focusing on the possibility of modification, creation and sharing exercises, gains strength the concept of artist teaching profession (docência artista), presented by Luciana Loponte, in relation to an artist teacher training (formação docente artista), a term born in this research which refers to an infected training, soaked and accompanied by close contact with contemporary art, able to review the most secure relationships on teaching and learning in the arts and beyond. Thus, more than seeking results or pointing solutions, this thesis aims at investing: in teaching, with its inquiries and strangeness; in school, with its ability to educate without consolation; in contemporary art, with its opening to cause disruptions and to destabilize the thought. It is, therefore, matches between teaching, school and contemporary art that this thesis develops, acquires intensity and power.

Este trabalho possui como tema o mercado da arte em Porto Alegre entre as décadas de 1990 e 2000, com foco no que denominamos de mercado da arte contemporânea. Volta-se a uma abordagem a partir do produtor primário, em outras palavras, o artista. Ou seja, na tríade “produtor, intermediários e consumidor”, a perspectiva adotada está centrada no produtor. Possui como objetivo averiguar e compreender as mais variadas mercadorias produzidas e comercializadas pelos artistas, assim como sua inserção em um mercado de trabalho. Deste modo, esta pesquisa não se limita a considerar somente o processo de compra e venda de obras, mas se propõe a entender e refletir sobre como os artistas participam de um processo produtivo e mercadológico entre 1990 e 2012 em Porto Alegre. Para tal entendimento, constitui-se uma pesquisa interdisciplinar entre arte, sociologia e economia, tendo como aporte teórico Pierre Bourdieu, Domenico de Masi, Michael Hardt, André Gorz e Maurizio Lazzarato. A pesquisa foi constituída a partir de três vertentes. A primeira, via entrevistas com atores locais do campo artístico (artistas, colecionadores, galerista, curadores, professores universitários). A segunda, através de enquete disponibilizada e divulgada via internet, que pretendeu atingir o maior número possível de agentes locais. A terceira, por meio de revisões bibliográficas a respeito da estrutura e história de um sistema artístico e seu mercado em Porto Alegre. Assim, esta proposição discute a condição do artista inserido em um sistema artístico, produtivo, mercadológico e seus meios de aquisição de capital financeiro, simbólico e de permanência no campo. / The theme of this work is the art market in Porto Alegre between the decades of 1990 and 2000, focusing on what we call contemporary art market. Its approach is on the primary producer, in other words, the artist. I.e., in the triad "producer, middlemen and consumers", the adopted perspective is centered on the producer. It is aimed at finding out and understanding the various goods produced and marketed by the artists, as well as their insertion in a labor market. Thus, this research is not limited to considering only the process of buying and selling works, but it aims to understand how artists participate in a production and a marketing process between 1990 and 2012 in Porto Alegre. For such understanding, it constitutes an interdisciplinary research between art, sociology and economics, having as theoretical basis Pierre Bourdieu, Domenico de Masi, Michael Hardt, André Gorz and Maurizio Lazzarato. The research has three strands. The first one, via interviews with agents from the local field (artists, collectors, gallery owners, curators, university professors). The second one, through a survey available and disseminated via the Internet, which sought to reach the largest possible number of local agents. The third one, through literature reviews on the structure and history of an art system and its market in Porto Alegre. Thus, this proposition discusses the status of the artist inserted into an artistic, productive and marketing system and their means of acquisition of financial, symbolic and permanence capital in the field.

Através de design, de tecnologia, de arte e de filosofia, esta pesquisa movimenta o modo de construção do livro sob uma força que tende, conceitualmente, a deformá-lo. Nesse contexto, sobre três faces de um mesmo enunciado, entre livro e palavra, são construídos seis livros dúcteis por duas efetuações paralelas: o modo de escrita quasefala e a tecnologia de corte e gravação a laser. O modo de escrita sendo o fora preso na linguagem, potência por vir a ser, devir; e a tecnologia a laser sendo o rúptil da matéria, corte da linguagem, construção dos livros. Uma vez que, por um triz, o rompimento da matéria não fala, expondo-se por esta diferença que há entre não falar e falar, cedendo seu lugar à fala da matéria. Por quasefala, portanto, tem-se essa demonstração do que poderia ter sido a fala, impossível de não ser efetuada ao mesmo tempo em que é crucial não ser efetuada - a que depende sua morte, impossível de se cuspir ao mesmo tempo em que é vital não a engolir - a que depende sua vida. Por rúptil, matéria-pensamento; e por dúctil, pensamento-matéria. Sendo que nessa transição rúptil-dúctil prevalece o livro dúctil por um pensamento que deforma também o rúptil, ou seja, traz-se o corte para dentro da dobra conceitual do estudo. Dualidades que culminam na expressão latente do processo: quasefalas enquanto corte e falas enquanto matéria. Desdobradas, por fim, entre papéis, tecidos, polímeros e velcro, nos protótipos adotando abandono, ataques melindrosos, inventania, maracujamelão, tipos de chuva e quebra-cabecedário. / Through design, technology, art and philosophy, this research moves the mode of construction of the book under a force that tends, conceptually, to deform it. In this context, on three faces of the same utterance, between book and word, are made six livros dúcteis (“ductile books”) by combining two parallel made: quasefala (“almost speaks”) writing mode and laser technology for cutting and engraving. The writing mode while the off imprisoned in language, potency for coming into being, devir; and laser technology as ruptile of material, cutting of language, construction of the books. Since, by a whisker, the disruption of material not speak, exposing itself for this difference there is between not talking and talking, ceding its place to speech of the material. For quasefala, therefore, has this demonstration of what could have been speaking, impossible not to be made at the same time as it is crucial not to be made - that depends their death, impossible to spit out at the same time that it is vital not swallow - that depends on their life. For ruptile, material-thought; and ductile, thought-material. Being that, in this ruptile-ductile transition prevails the ductile book because of the thought that deforms also the ruptile, ie, bringing the cutting into of the conceptual fold of study. Dualities that culminate on the latent expression of the process: quasefalas while cutting and speaks as a material. Developed, finally, among papers, fabrics, polymers and velcro, in the prototype adotando abandono, ataques melindrosos, inventania, maracujamelão, tipos de chuva e quebra-cabecedário.

Donas da Beleza discute a representação do feminino na cultura ocidental, presente na produção das artistas plásticas do século XX. O estudo foi desenvolvido para examinar, a partir de uma perspectiva estética e sóciocultural, os diferentes modelos de Beleza, a forma como são propostos, como coexistem, e ainda, como se remetem mutuamente através de diferentes períodos, sem perder o foco estabelecido o olhar feminino. Este parâmetro implicou um estudo comparativo que identifica semelhanças e diferenças no modo de representação de arquétipos dominantes no imaginário de homens e mulheres. Sob o título Configurações da Beleza Feminina comparecem as categorias: Divindade, Maternidade, Inocência, Maturidade, Sensualidade e Ideal. Constitui um quadro visual de referência em que artistas e obras estão alinhados a partir da diversidade quanto ao tratamento dos temas, técnicas e contextos de produção, localizando, numa linha de tempo que compreende o século XX e suas fases de transição, uma maior abertura, sugerindo outras leituras, ou seja; outros modos de ver a imagem da mulher, a mulher artista, a história da arte. / In Owners of the Beauty I have studied the representation of feminine in the occidental culture in the production of the plastic female artists of 20th century. The study was developed to examine, from an aesthetic and socio-cultural perspective, the different models of Beauty, as they are considered, as they coexist, and still, as they relate through different periods, without losing the established focus - the feminine look. This parameter implied a comparative study that identifies similarities and differences in the way of representation of dominant archetypes in men and women imaginary. Under the heading Configurations of the Feminine Beauty these categories appear: Deity, Maternity, Innocence, Maturity, Sensuality and Ideal. It is a visual picture of reference where artists and workmanships are lined up by the diversity of treatment of subjects, techniques and contexts of production, in a time line that comprehends 20th century and its phases of transition and which imply other readings, other ways to see the image of the woman, the woman artist, the history of the art.

Esta pesquisa analisa o papel da nipobrasileira a partir da perspectiva de artista do corpo, tendo como contexto a cena artística paulistana: uma realidade brasileira de imigração e diáspora, num viés praticoteórico. Partimos de processos de contaminação entre ocidente e oriente, representados aqui por Brasil e Japão, respectivamente, e a partir de experiências singulares que resultam dessa relação, trazendo o relato de seis artistas mulheres nikkeis. Levamos em consideração a mestiçagem (PINHEIRO, 2013; LAPLANTINE & NOUSS, 2016; GRUZINSKI, 2001) decorrente desse encontro utilizando, inclusive, termos da cultura japonesa, Ma (?) e D? (?), devidamente deslocados em seus sentidos e ressignificados no contexto mencionado. A Teoria Corpomídia de Greiner e Katz (2001) é importante para a compreensão de co-relação e co-evolução inestanque e mútua de corpo e ambiente. Os estudos de Hashiguti (2008) e Takeuchi (2016), que tratam especificamente do corpo nipobrasileiro, também compõem as referências teóricas deste estudo. / This research analysis the roll of the Brazilian Japanese descendant from the perspective of an artist of the body, with the scenic arts of the city of São Paulo as context: a Brazilian reality of immigration and diaspora, in a practicaltheoretical bias. Our start points are the processes of contamina-tion between West and East, represented here by Brazil and Japan, respectively, and the singular experiences that result from this relation, which are represented by the conversation with six Brazilian nikkei artists. We are considering the Miscegenation (mestiçagem) (PINHEIRO, 2013; LAPLANTINE & NOUSS, 2016; GRUZINSKI, 2001) that occurs from this rendez-vous, using terms from the Japanese culture, inclusive, Ma (?) and D? (?), properly displaced from its meaning and resignified in the context that we mentioned before. The Corpomídia Theory from Greiner and Katz (2001) is important for the comprehension of the co-relation and co-evolution of body and environment which is mutual and non-stagnant. The studies of Hashiguti (2008) and Takeuchi (2016) that reflect specifi-cally the Japanese descendant body also compose the theorical refer-ences of this study.

Caminhar na cidade Experiência e representação nos caminhares de Richard Long e Francis Alÿs; Depoimentos de uma pesquisa poética é constituído de reflexões e depoimentos sobre a poética do caminhar na cidade hoje. Parte-se de um entendimento do caminhar como uma prática artística, tal como se desenvolveu no decorrer do século XX no campo das artes visuais. Procura-se compreender as práticas de artistas-caminhantes contemporâneos, suas formas de inscrição e intervenção no espaço urbano, com foco nas dimensões da experiência e da representação. Apresentam-se: 1) o campo poético do artista inglês Richard Long, artista-caminhante em paisagens naturais remotas, abordando especialmente a relação entre a obra e o lugar; 2) o campo poético do artista belga Francis Alÿs, artista-caminhante urbano, com um aprofundamento sobre a especificidade da inscrição artística no contexto urbano e o processo de criação das situações metafóricas e proliferação das fábulas no imaginário urbano. 3) depoimentos da pesquisa poética da própria autora, suas experiências na cidade como artista-caminhante. A partir destas três práticas artísticas, concluem¬-se quais os procedimentos utilizados por artistas-caminhantes. / Walking in the City Experience and representation on Richard Long and Francis Alÿs walking-works; a poetic research testimony consists on reflections and testimonies on city walking poetics today. Arising from an understanding of walking as an artistic practice, as it was developed in the course of the 20th century in the field of visual arts. There is a search for an understanding of contemporary artists-walkers practices, their forms of inscription and intervention on the urban spaces, deepening the experience and representation aspects. Presenting: 1) the poetic field of the English artist Richard Long, walker in remote natural landscapes, tackling the relation between work and place; 2) the poetic field of the Belgian artist Francis Alÿs, urban walker, with a focus on the artistic inscription on the urban space specificity, and the creative process of metaphoric situation and the proliferation of fables in the urban imaginary; 3) the authors own poetic research testimonies, her city experiences as an artist-walker. Based on these three artistic practices, the artistic procedures taken by the contemporary artists walkers shall be concluded.

A ampliação gradativa de instituições culturais privadas criou uma demanda de mão de obra qualificada para seus mais variados programas. Surgiram nos últimos 20 anos em todo o país cursos profissionalizantes e diversas graduações e pós-graduações em artes visuais reconfigurando assim um novo panorama daquilo que vem sendo, nos últimos anos, a formação do artista plástico (ou visual) no circuito artístico. A dissertação teve por objetivo discutir a posição do artista brasileiro contemporâneo através da análise do seminário Longitudes, realizado na cidade de São Paulo em março de 2014. Três temas centrais nortearam a configuração do seminário e posterior análise: o primeiro abordou a identidade do artista; o segundo tratou da expansão dos espaços alternativos e do escopo de trabalho do artista; o terceiro dedicou-se aos locais de formação e à proliferação de faculdades e cursos livres que têm suprido a demanda do mercado de trabalho recém desenvolvido. A partir dos depoimentos coletados no seminário, discutiremos as relações de trabalho no meio e a profissionalização do artista contemporâneo no Brasil / The gradual expansion of private cultural institutions created a hand demand for skilled labor for its various sectors. Emerged in the last 20 years throughout the country training courses and several graduate and post-graduate courses in visual arts as well reconfiguring a new panorama of what has been, in recent years, the formation of the artist (or visual) on the art circuit. The dissertation aims to discuss the position of the Brazilian contemporary artist by an analysis of the Longitudes seminar, held in São Paulo in March 2014. Three central themes guided the seminar configuration and its further analysis: the first dealt with the artist\'s identity; the second dealt with the expansion of the alternative space and the artist\'s scope of work; the third topic turned to the training sites and the proliferation of colleges and other courses to come meet the demand of the newly developed labor market. From the testimonies collected in the workshop, we will discuss the labor relations in the milieu and the professionalization of the contemporary artist in Brazil

Submitted by Geandra Rodrigues (geandrar@gmail.com) on 2018-08-22T17:22:05Z No. of bitstreams: 1 ceciliasamelcortesfernandes.pdf: 4286966 bytes, checksum: 9ff6291280c4ff9f25af5d28baea8b86 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2018-08-28T13:26:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 ceciliasamelcortesfernandes.pdf: 4286966 bytes, checksum: 9ff6291280c4ff9f25af5d28baea8b86 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-28T13:26:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ceciliasamelcortesfernandes.pdf: 4286966 bytes, checksum: 9ff6291280c4ff9f25af5d28baea8b86 (MD5) Previous issue date: 2018 / A presente dissertação consiste na análise e revisão bibliográfica da obra de Arthur Danto, filósofo norte-americano. O intuito dessa pesquisa é buscar nas obras de Danto seu “modelo” de artista e analisar a forma como ele utiliza o exemplo de Andy Warhol, artista norteamericano, como principal figura desse modelo. Danto não estrutura esse modelo conceitualmente, no entanto é possível extraí-lo a partir dos exemplos em que são utilizados artistas. A pesquisa foi desenvolvida em três momentos, a saber: as fundamentações e influências teóricas de Danto que sustentam seus conceitos principais, que são o de arte e do de “fim da arte”; o uso de exemplos de artistas na obra de Danto e a demonstração de seu “modelo” de artista; a análise de Andy Warhol a partir de Danto e outros teóricos. Serão estabelecidos, ao longo da dissertação, diálogos de Danto com Georg Hegel, Clement Greenberg, Thierry de Duve, Hal Foster, Lucy Lippard, Hector Obalk. / The present dissertation consists on the analysis and bibliographical revision of North American philosopher Arthur Danto’s work. The aim of this research is to seek in Danto’s works his “idea” of the artist and to analyse the way North American artist Andy Warhol is used as an example and as the main figure in this idea. Danto does not structure this idea conceptually, however is is possible to extract it by means of his examples in which artists are in. The research was divided into three moments: Danto’s theoretical fundaments and influences that sustain his main concepts, which are the concept of art and of the “end of art”; usage of examples of artists in Danto’s work and demonstration of his “ideia” of artist; Andy Warhol’s analysis according to Danto and other authors. In the course of the dissertation, there will be stablished dialogues between Danto and Georg Hegel, Clement Greenberg, Thierry de Duve, Hal Foster, Lucy Lippard, Hector Obalk.