Esta pesquisa analisa a residência artística pelo atravessamento de três conceitos principais: espaço, tempo e interlocução, vistos como aspectos fundamentais nos programas inseridos dentro do campo da arte contemporânea. Para tanto, foi previsto um percurso histórico que apresenta a sua formação, como sendo um lugar que oferece espaço e tempo para que o artista possa trabalhar de forma imersiva em seus projetos. Além da experiência do deslocamento do antigo ao novo contexto, as residências costumam propiciar diálogo entre os artistas durante suas estadias, promovendo, assim, uma rede de contatos. Como uma forma de entender também o objeto de estudo dentro da realidade brasileira, foram pesquisadas iniciativas no País. Resultante disso, percebeu-se a recorrência de um diferencial afinado com as reflexões da arte contemporânea e disponibilizado aos residentes: o acompanhamento crítico, realizado de forma sistemática por diferentes profissionais do campo da arte. A existência dessa prática apontou a necessidade de um aprofundamento nessa etapa da pesquisa, sendo consultados tanto artistas quanto críticos e curadores para levantar um conjunto de percepções individuais. As informações foram obtidas com o auxílio de entrevistas e enquetes qualitativas. Ainda, visando ampliar as discussões sobre a presença dessa atividade, os depoimentos foram confrontados com os conceitos de espaço, tempo e interlocução, apresentados por outros autores, entre eles, Gaston Bachelard, André Comte-Sponville e Maurice Blanchot. Por fim, foi possível concluir algumas considerações relevantes sobre a presença dessa atividade reflexiva nos programas de residência artística da atualidade. / This research analyzes the artistic residence through the crossing of three main concepts: space, time and interlocution, seen as fundamental aspects in the programs inserted within the field of contemporary art. For that, it was foreseen a historical course that presents its formation, as being a place that offers space and time for the artist to work of immersive mode in his projects. In addition to the experience of the displacement between the old and the new context, the residences usually provide dialogue among the artists during their stays, thus promoting a network of contacts. As a way of understanding also the object of study within the Brazilian reality, initiatives were researched in the Country. Resulting from this, it was noticed the recurrence of a differential attuned to the reflections of contemporary art was made available to residents: the critical support by different professionals in the field of art. The existence of this practice pointed to the necessity of a deepening in this stage of the research, being consulted as much artists as critics and curators to raise a set of individual perceptions. The information, was obtained with the aid of interviews and surveys. Aiming to broaden the discussions about the presence of this activity, the statements were confronted with the concepts of space, time and dialogue, presented by other authors, among them Gaston Bachelard, André Comte- Sponville and Maurice Blanchot. Finally, it was possible to conclude some relevant considerations about the presence of this reflexive activity in the programs of artistic residence of the present time.

This thesis explores what the role of the artist provides to the colonial novel. Using William Plomer's novel Turbott Wolfe, the role of the Western artist in colonial South Africa is examined and critiqued, putting it in conversation with the art theory of Roger Fry and the Primitivism movement. In doing so, it explores themes such as desire, miscegenation, complexity, and carnival, showing that while artists partake in society, they also remain critical of it, responding to it in their artwork.

Esta pesquisa pretende unir forças a outros trabalhos que, sob diferentes abordagens teóricas e empíricas, investigam formas alternativas de organização social e de produção, tomando como objeto os coletivos de trabalhadores-artistas no Brasil e em Portugal, com destaque para os coletivos teatrais. A noção de trabalhador-artista refere-se àqueles que têm consciência da sua condição de trabalhador e atuam estética e politicamente a partir dessa condição. Para compreender os sentidos desse coletivismo, utilizou-se uma estratégia metodológica que integrou a análise de fontes históricas, estatísticas e documentais, realização de um inquérito por questionário, entrevistas, observação participante e o aprofundamento de dois estudos empíricos. O coletivismo é analisado sob a dupla perspectiva das formas de organização coletiva da produção e das dinâmicas de ação coletiva, o que por sua vez se articula com o contexto geral das relações de trabalho e produção no neoliberalismo. A problematização de nossa abordagem situa-se entre o processo de precarização do trabalho, as estratégias de auto-organização e a transformação social emancipatória. / This research intends to join forces with other works that, from different theoretical and empirical approaches, investigate alternative forms of social and production organization, taking as object the collectives of artist-workers in Brazil and Portugal, notably the theater collectives. The notion of artist-worker relates to those who are self-conscious of their condition as workers and act politically and aesthetically from that condition. In order to understand the meanings of this collectivism, the methodological strategy integrated the analysis of historical, statistical and documentary sources, conducting a survey, interviews, participant observation and the deepening of two empirical studies. Collectivism is envisaged under the double perspective of the forms of collective organization of production and the dynamics of collective action, which in turn relates to the general context of work and production relations within neoliberalism. Our issue lies between the process of work precariousness, self-organizing strategies and emancipatory social transformation.

Este trabalho parte do pressuposto de que existe uma dicotomia entre os saberes artísticos e os saberes pedagógicos na estrutura clássica do ensino superior no que se refere à formação do professor de teatro. Pergunta-se pela noção de professor artista como uma outra possibilidade de formação, na qual é possível o equilíbrio e a articulação entre tais saberes. Na pesquisa, o curso de Graduação em Teatro: Licenciatura da FUNDARTE/UERGS serviu como cenário da coleta de material empírico em função da singularidade que residia na sua proposta, de forma explícita: nem licenciatura, nem bacharelado, mas a formação de um professor artista como uma terceira possibilidade que promete a não-dicotomia daqueles saberes. Este é um trabalho inspirado na perspectiva foucaultiana, no sentido de descrição das práticas como forma de subjetivação, isto é, como forma de ser e constituir-se professor de teatro nesta época e neste tempo. O olhar para o material empírico é marcado por essa perspectiva e, a partir das descrições, busca-se entrever os contornos da noção de professor artista, relacionada a campos associados, como Teatro e Educação, Pedagogia Universitária, Pedagogia Teatral e abordagens contemporâneas para o ensino do teatro. A noção de professor artista em debate neste trabalho contrapõe-se à ideia de que pedagogia e teatro são unidades separadas e de que a prática teatral é supérflua ao ensino. / The following dissertation postulates the existence of a radical dichotomy between artistic and pedagogical acquaintances in the classical structure of Drama teachers´ university education. Aiming at a more balanced and realistic articulation between them, our study does propose the concept of Artist Teacher as an alternative basis for their education. The undergraduation course in Dramatic Arts: Teaching at FUNDARTE/UERGS, Southern Brazil, has provided the scenario for collecting our empirical material due to its peculiar and clear proposal of preparing neither teachers or bachelors, but Artist Teachers, as a third possibility towards an actual integration of those acquaintances. Ours is an investigation inspired in Foucault´s perspective, in the very specific meaning of describing some practices as manners of subjectivity, manners of being and be constituted as a Drama Teacher at these specific time and place. Based on those descriptions, we have searched focusing on the borders of the concept of Artist Teacher concerning related fields such as Drama and Education, University Pedagogy, Drama Pedagogy and contemporaneous approaches for teaching Drama. Artist Teacher, a core concept in our discussion, is a counterpoint to both ideas that Pedagogy and Drama are separated units and that drama practice is unnecessary for teaching.

Submitted by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2015-01-22T19:38:25Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Fátima Raquel Ferreira Costa - 2014.pdf: 6823323 bytes, checksum: 10abe9672487b926694f1a0e1bad3771 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2015-01-22T19:39:29Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Fátima Raquel Ferreira Costa - 2014.pdf: 6823323 bytes, checksum: 10abe9672487b926694f1a0e1bad3771 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-01-22T19:39:29Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Fátima Raquel Ferreira Costa - 2014.pdf: 6823323 bytes, checksum: 10abe9672487b926694f1a0e1bad3771 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2014-08-27 / This research has its focus on a discussion about “Gibis”, Artist Books by Raymundo Colares. It study examines aspects of his life history, his fragmented urban visualities and a dynamic group of images that compose, transform and decompose. The “ Gibis” make evolve geometric forms in multiple narratives of time, space and movement in an interaction between constructivism and pop art. The investigation analyses poetic appropriations of space, which demand touch and manipulation, necessary conditions for dilution of boundaries between subject and object, author and observer. It seeks to understand aspects of the pedagogical process in the construction of these artistic artifacts. Moved by the curiosity to understand and explore pedagogically the Gibis, I developed creative practices of productions of Gibis with students from the Visual Arts Course at the University of Montes Claros – UNIMONTES. I expanded this universe through the workshop “ Artesania dos Gibis” offered to art teachers and students. Additionally I interviewed two groups of collaborators. The first, subjec ts that did not know Ray Colares‟ Gibis and, the second, included family members, friends and persons that knew and/or worked with the artist. The investigation traces and weaves a profile of the artist, raises pedagogical possibilities related to his work and discusses questions that trouble me as researcher. / Esta pesquisa tem como foco uma discussão sobre os “Gibis”, Livros de Artista de Raymundo Colares. O estudo examina aspectos de sua história de vida, suas visualidades urbanas fragmentadas e um conjunto dinâmico de imagens que se compõem, se transformam e se decompõem. Os Gibis fazem emergir formas geométricas em múltiplas narrativas de tempo, espaço e movimento numa confluência entre construtivismo e arte pop. A investigação analisa apropriações poéticas do espaço que demandam toque e manuseio, condição necessária para a diluição das fronteiras entre sujeito e objeto, autor e observador. Busca compreender aspectos do processo pedagógico na construção desses artefatos artísticos. Motivada pela curiosidade de compreender e explorar pedagogicamente os “Gibis” realizei práticas criativas de produção de Gibis com acadêmicos do Curso de Artes Visuais da Universidade Estadual de Montes Claros (UNIMONTES). Expandi este universo através da oficina “Artesania dos Gibis”, oferecida para professores e acadêmicos de arte. Adicionalmente, realizei entrevistas com dois grupos de colaboradores. O primeiro incluiu sujeitos que não conheciam os Gibis de Ray Colares e, o segundo, familiares, amigos e pessoas que conheceram e/ou trabalharam com o artista. A investigação tece e traça um perfil do artista, levanta possibilidades pedagógicas relacionadas ao seu trabalho e discute questões que me inquietam como pesquisadora.

Made available in DSpace on 2016-04-18T21:31:56Z (GMT). No. of bitstreams: 4 Silvia Cacace Cunha1.pdf: 3740891 bytes, checksum: 936884714db1ad4c21433aeb2645867e (MD5) Silvia Cacace Cunha2.pdf: 2283684 bytes, checksum: 33f5e38d1ad850ecc8997662792c50ad (MD5) Silvia Cacace Cunha3.pdf: 2967649 bytes, checksum: 6ce68f850923f9db86252dd83c0abf90 (MD5) Silvia Cacace Cunha4.pdf: 361081 bytes, checksum: 32a1e69de0b070f053692ac2a08f31df (MD5) Previous issue date: 2009-02-04 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / The present work investigates the exercise of the register in the práxis of the teacher and the artist, a time that the research transits in the universe of the Visual Arts. The dissertation presents a case study that it searchs to understand a process of social representation through the registers of moments of the personal and professional history of a teacher of Visual Arts and a plastic artist contemporary; pointing out the importance of the register in the práxis of the citizens that are inserted in the field of the Education and the Visual Arts. The representations and speeches of the two citizens had been analyzed through the technique of Bardin (1977), content analysis, where it was possible to identify excellent aspects of the formation of the two citizens, understanding inside of social, cultural and historical the context that they are inserted. The paper of the art as register and the wakening for visual language as form of possible communication if made excellent for the boarding of this research. In this context, to verify the paper of the register in the programs of formation of professors and other professionals, in special the artist, who search other looks, new challenges, perceiving the importance and the wealth of the register document as a form to keep our history. This research does not have the pretension to conclude, to generalize. For the the opposite, it is intended to congregate action, to register, to show and to point possible trajectories in relation to the formation of art teachers and to presents so that it can be visited, searched for all those that if to interest. / O presente trabalho investiga o exercício do registro na práxis do professor e do artista, uma vez que a pesquisa transita no universo das Artes Visuais. A dissertação apresenta um estudo de caso que busca compreender um processo de representação social através dos registros de momentos da história pessoal e profissional de uma professora de Artes Visuais e de um artista plástico contemporâneo; situando a importância do registro na práxis dos sujeitos que estão inseridos no campo da Educação e das Artes Visuais. As representações e discursos dos dois sujeitos foram analisados através da técnica de Bardin (1977), análise de conteúdo, onde foi possível identificar aspectos relevantes da formação dos dois sujeitos, compreendendo dentro do contexto social, cultural e histórico que estão inseridos. O papel da arte como registro e o despertar para linguagem visual como forma de comunicação possível se fez relevante para a abordagem dessa pesquisa. Neste contexto, verificar o papel do registro nos programas de formação de professores e de outros profissionais, em especial o artista, que busquem outros olhares, novos desafios, percebendo a importância e a riqueza do documento de registro como uma forma de guardar nossa historicidade. Esta pesquisa não tem a pretensão de concluir, generalizar. Pelo contrário, pretende-se reunir ações, documentar, mostrar e apontar possíveis trajetórias em relação à formação de professores de arte e disponibilizar para que possa ser visitado, pesquisado por todos aqueles que se interessarem.

O objeto da presente pesquisa é a abordagem estética e pedagógica do Teatro de Figuras Alegóricas, na encenação Chamas na Penugem, sob a coordenação da Profa. Dra. Ingrid Dormien Koudela com alunos do curso de Licenciatura de Teatro. Identifica-se, neste projeto, a concepção da encenação como prática pedagógica e o seu cerne está nas relações existentes entre a criação artística, a pedagogia do teatro e o artista-docente. As proposições do presente trabalho englobam procedimentos referentes ao jogo teatral, à leitura de imagens e aos processos colaborativos. No que tange à leitura da imagem, são analisados os fundamentos estéticos da didática alegórico-diabólica de Peter Brueghel, o Velho relacionados à descrição de uma série de gravuras intituladas Os Sete Vícios Capitais. / The purpose of the present research is the pedagogic and aesthetic approach of the Theather of Allegorical Figures in the staging of Chamas na Penugem (Flames on down), under the coordination of the PhD Professor Ingrid Dormien Koudela with students of the Theater Degree Course. It can be noticed in this project the conception of staging as a pedagogic practice, and its essential part is in the existing relationship between the artistic creation, the theater pedagogy and the artist-teacher. The propositions of the present paper gather procedures referring to the theater game, the image reading and the collaborative processes. Particularly related to the image reading, is the aesthetic foundations of the diabolic-allegorical didactics of Peter Brueghel, the Elder, related to the description of a set of pictures called The Seven Deadly Sins.

Dernier bastion de la tradition classique, l’Académie de France à Rome connaît, depuis le milieu du XIXᵉ siècle, une forte remise en cause de sa position dominante dans le système des Beaux-Arts français. Le renversement de la hiérarchie des valeurs esthétiques, l’inflation du nombre de créateurs et le changement de leur statut modifient profondément le paysage de l’art et semblent placer à l’arrière-garde du XXᵉ siècle l’institution et ses créateurs. L’État, autorité de tutelle, adopte une position ambivalente dans ses rapports à l’Académie de France : s’il ne l’insère ni dans ses projets de politique culturelle sur le territoire national ni dans sa politique de rayonnement culturel en Italie, il continue à soutenir les Grands Prix par le biais de commandes et d’achats publics. La précipitation de ce système va intervenir dans les années 1960 avec, en premier lieu, la nomination de Balthus à la tête de l’institution par Malraux et les réformes des concours de Rome. Cependant, ce sont les événements du printemps 1968 qui vont marquer un coup d’arrêt à cette organisation en légitimant la suppression des Grands Prix et en dépossédant l’Académie des Beaux-Arts de ses prérogatives, initiant ainsi une refonte complète et durable de l’institution. / Last bastion of the classical tradition, the French Academy in Rome has known, since the 19th century, a strong calling into question of its dominant position in the system of the French Fine Arts. The reversal of the hierarchy of values in art, the increase of the number of creators and the change in their status deeply affected the Art scene and seemed to leave the institution and its creators as the rearguard of the 20th century. The State, supervisory authority, adopted an ambivalent position in its relationship with the French Academy. Although it did not include it neither in its cultural policy projects on the national territory nor in its cultural influence policy in Italy, it still went on supporting the Grands Prix by means of orders and public purchase. The haste of this system will take place in the sixties with, at first, the appointment of Balthus at the head of the institution by Malraux and the reforms of the contests of Rome. However, the events of the Spring of 1968 will put an end to this organization in legitimizing the suppression of the Grands Prix and in dispossessing the Academy of Fine Arts from its prerogatives, initiating a complete and lasting recoinage of this institution.

Pourquoi, où et quand, des résidences d'artistes se sont implantées en Aquitaine et comment ont-elles abordé la mise en application des préconisations institutionnelles ? Quelles sont ces structures et comment s'organisent-elles en milieu rural, au profit d'une véritable visibilité de l'art contemporain ? Entre phénomène artistique, programmation culturelle et action sociale, comment l'immersion paysagère amène-t-elle à repenser la pratique artistique à partir des relations qu'elle noue avec le territoire, l'humanité et le milieu naturel ? C'est au travers de la mise en valeur et de l’ancrage de la résidence au cœur d’un terroir spécifique que peuvent se nouer des rencontres et des expériences inédites, entre création et vie sociale. La présence d’un artiste peut révéler ou réveiller des qualités et des potentialités latentes, à même de renvoyer une image insoupçonnée des lieux et des liens entre territoires et populations. C’est bien parce que le concept d’ « artiste en résidence » et le dispositif de « résidence d’artistes » ne convoquent pas de la même manière les notions de lieu et de contexte paysager que nous avons décidé d’examiner de plus près l’évolution du rapport de l’artiste au paysage et à l’espace tout au long de sa « trajectoire migratoire », pour appréhender l’effet de l’expérience de la mobilité sur la création artistique et sur le sentiment d’appartenance au lieu. En prenant nos distances vis-à-vis des définitions classiques du paysage, nous proposerons l’idée d’entité vivante et stimulante à partir de laquelle peut se dégager une nouvelle manière de voir et de concevoir le monde : révélant ainsi le « Génie du lieu », dynamique et complice de la création. / Why, where and when artist residencies have established in the Aquitaine region? How did they approach the implementation of institutional recommendations? What are these so-called structures and how are they organised in rural areas to ensure an actual visibility of contemporary art? Between art phenomenon, cultural programming and social actions, how does landscape immersion require to rethink art practice and its relationships with territorial collectivities, people and nature? Unprecedented encounters and experiences may happen thanks to showcase, design, life experience and key situation of artist residences in the heart of territories. The artist’s presence might reveal or wake up one’s qualities and full potential, enabling to give an unexpected picture of places and connections between territories and people. It is precisely because the “artist in residence” concept and the “artist residencies” facilities have different approaches to the ideas of places and landscape contexts that we decided to review the evolution of the artist’s relationship to space, landscape and populated areas – throughout his “migratory path” – so as to be able to understand the effect of mobility experience on artistic creation and connection to places. While distancing conventional definitions of landscapes, we will present the idea of a living and stimulating entity from which a new way of seeing and designing the world may occur. The revealed Genius Loci appears to have its temporary roots, dynamic and complicit with creative work.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The research line in Arts Education and the Research Program of Graduate Studies on Education in the Federal University of Santa Maria aims at thinking about learning the art and its importance in the education of teachers. Through interviews with teachers interested in the education of teachers and artists the strategies, ways and conditions to learn art are analyzed. Corrêa based on his understanding of school educational limits presents his experience of the willing learning in workshops. Kastrup states that art learning becoming a problematic field, as the teacher is one who works together, share experiences of a field problem, shows the reverse of the representation acting outside the field, working to overcome such a problematic field. Goulart based on his teaching activities highlights the teacher s non-authoritative role in the teachers education. Peciar remarks the testing of the intuition, the question of rules and models and emphasizes, in a pedagogy of art, the abandon of the teacher s critics in favor of the reception of students production. From the contributions presented it can be emphasized the importance of an education mixed with the production of difference, affected by the meetings (of people, situations and perspectives) and fostering of multiple ways of learning. / Esta investigação desenvolvida na Linha de Pesquisa Educação e Artes do Programa de Pós-Graduação em Educação da Universidade Federal de Santa Maria tem como objetivo pensar a aprendizagem da arte e sua importância na formação de educadores. A partir de entrevistas com professores interessados na formação de educadores e artistas, reúne-se um conjunto de estratégias, maneiras e condições consideradas relevantes para o aprendizado da arte. Corrêa, a partir da sua compreensão dos limites da escolarização, apresenta a experiência do conhecer com vontade em oficinas. Kastrup coloca a aprendizagem da arte como constituição de um campo problemático a ser trabalhado, onde o mestre é aquele que faz junto, compartilha experiências de problematização, propõe o avesso da representação. Goulart, com base no seu trabalho docente, destaca o papel de um educador não autoritário na formação do artista. Peciar assinala a intuição na experimentação, o questionamento das regras e modelos e destaca, numa pedagogia da arte, o abandono da crítica do professor em favor do acolhimento das produções dos estudantes. A partir das contribuições apresentadas destaca-se a importância de uma educação que se confunda com produção de diferença, afetada pelos encontros (pessoas, situações e perspectivas) e mobilizadora de múltiplos modos de aprender.