O fandango caiçara é uma expressão musical intimamente ligada ao modo de vida que se desenvolveu nas comunidades tradicionais do litoral sul de São Paulo e norte do Paraná. Partindo da unidade entre dança, música e poesia e entre trabalho, lazer e universo simbólico - unidades que historicamente caracterizam a prática do fandango - o objetivo desta pesquisa é buscar possíveis caminhos para uma compreensão crítica da modernização capitalista do território brasileiro no interior das formas musicais e narrativas populares. O trabalho articula as características e a trajetória do fandango para chegar à relação que a forma estabelece com os conteúdos sociais, procurando revelar contradições e rupturas de um processo estruturalmente desigual e violento, que altera, por completo, as condições de existência de transmissão das tradições orais. Ao mesmo tempo, procura-se inserir a temática da cultura popular no contexto histórico de formação do Brasil como um país periférico na divisão internacional do trabalho, onde a coexistência entre formas tradicionais e modernas implica numa série de questões contemporâneas, por exemplo, o meio-ambiente, o patrimônio imaterial, a relação campo-cidade, apenas para citar alguns. Espera-se, com isso, construir uma visão dialética entre modernidade e tradição, na qual resistência e hegemonia são entendidas como partes de uma mesma totalidade. / \'Fandango\' is a musical expression intimately connected to the ways of life developed by traditional communities on the southeastern Brazilian coast. Beginning with the unity between dance, music, poetry and between labour, leisure and symbolic life - unities that have historically characterized this practice - the research aims to discover ways towards a critical comprehension of capitalist modernization of Brazilian territory within folk music. The paper draws upon the characteristics and the history of \'fandango\' in order to establish relations between social elements with musical forms and narratives, unveiling contradictions and disjunctions of a structurally uneven and violent process that completely alters the conditions of existence of oral traditions. At the same time, the theme of folk culture is inserted into the historical context of the formation of Brazil as a peripheral country within the international division of labour, where the coexistence of ancient and modern forms leads to a number of contemporary issues- i.e. environmental degradation, cultural heritage, the urban-rural relation, to name a few. The main objective is to build a dialectical approach towards the study of modernity and tradition, in which resistance and hegemony are seen as parts of the same totality.

Este trabalho enfatiza o universo feminino em seu desenvolvimento. Seu título, \"Legado\" refere-se a uma obra plástica, que ao ser composta juntamente à tese, passou a ser vista como objeto de estudo da pesquisa, em uma investigação sobre a influência e a utilização de elementos da produção têxtil artesanal nas artes visuais, no final do século XX e início do XXI, por alguns artistas brasileiros. Dentre as leituras que foram desenvolvidas durante a investigação, a primeira volta-se para a Semiótica Planar, de Greimas, priorizando a estrutura física de \"Legado\" enquanto obra que insere o trabalho têxtil artesanal como produto da pesquisa. Trabalha a intertextualidade de maneira que aborde a contextualização de trabalhos plásticos, buscando suas origens culturais e simbólicas. O enfoque é dado para uma projeção do universo feminino nos lares, na tradição oral, no artesanato brasileiro,os quais também estão projetados sobre a produção das artes visuais no Brasil. O artesanal, alterando sua função utilitária para a estética, em uma reflexão do fazer humano. Para uma compreensão de \"Legado\", é proposto um diálogo com outras obras da mesma artista e pesquisadora, no qual elementos compositivos são observados e estudados no seu processo de criação. Integrando todo o trabalho, um \"jogo\" de figuras é proposto, de maneira a sugerir a própria estrutura da colcha de retalhos tramada com os conteúdos propostos no texto. A utilização do fio, da costura, do bordado, da trama, é apresentada como algo cíclico, que responde à essência humana e feminina de expressar-se no artesanal, remetendo a necessidades primordiais de fertilidade, feminilidade e propagação, seja no século XXI ou XV. / This study emphasizes forms of expression and values concerning the feminine universe. Its title, \"Legado\" (Legacy) refers to the plastic work which was composed along with this thesis and, for this reason, can be seen as the central object of this research - an investigation about the influence and use of elements of textile craft into the visual arts, by Brazilian artists, at the end of the 20th and the beginning of the 21st centuries. The first part is anchored in the Plan Semiotics, developed by A.J. Greimas, as a theoretical basis for the analysis of the physical structure of \"Legado\", a work which inserts textile craft as the product of this research. The second part focuses intertextuality, under the point of view of the plastic works contexts, in search of their cultural and symbolic origins. A projection of the feminine universe in the domestic environments, in the oral traditions, in the Brazilian craftworks, all of them also projected onto the visual arts, is approached. The transformation of the utilitarian function of craftwork into an aesthetic function is developed, as a reflection on the human actions. In the third part, with the aim of assuring a better comprehension of \"Legado\", a dialogue with other works produced by its author and researcher is proposed. This way, composing elements are observed and studied in their process of creation. In conclusion of this study as a whole, a \"game\" of images is proposed, thus suggesting the particular patchwork\'s structure, plotted in accordance with the contents previously presented in the text. The use of needle and thread, of sewing or embroidering, is seen as something cyclical, which corresponds to the human female essence of expressing herself through handmade craftworks, reminding primordial necessities of fertility and propagation, either in the 21st, in the 15th or in any other century.

A presente dissertação é resultado de uma pesquisa que tem como objetivo investigar em que o uso de jogos musicais inspirados na aprendizagem do violeiro da tradição oral poderia contribuir para o processo de ensino e aprendizagem coletivos da viola caipira a partir da perspectiva pré-figurativa. Como instrumento musical atrelado à cultura popular de tradição rural firmada na oralidade, a viola caipira, ao ser inserida no âmbito do ensino formalizado, passa a adquirir novas identidades. Nessa conjuntura, a mediação entre o universo tradicional do violeiro e os espaços de educação configura-se, segundo Dias (2012), como o principal desafio da escolarização desse instrumento. A pesquisa apoia-se nos preceitos pedagógico-musicais de H-J Koellreutter descritos por Brito (2011, 2015), a fim de vislumbrar alternativas que apontem para estratégias singulares de ensino da viola caipira a partir de uma didática pré-figurativa que esteja comprometida com a dinâmica da oralidade. Para tanto, primeiramente aborda-se a viola caipira a partir de sua história e desenvolvimento no Brasil, bem como suas relações com o universo da tradição oral. Adiante, apresentam-se algumas experiências de aprendizagem do violeiro inserido no contexto da tradição oral, a partir do enfoque ambiental (paisagem sonora), devocional e lúdico. Em seguida, pontuam-se os antecedentes que levaram ao seu processo de escolarização nos anos 1980 e reflete-se sobre desafios presentes na atuação do professor de viola. Por fim, realizou-se uma pesquisa de campo por meio de oficinas de ensino coletivo de viola caipira no SESC Vila Mariana e na Fábrica de Cultura da Brasilândia, ambos na cidade de São Paulo, em que foram investigadas (por meio de observação, interpretação e análise das experiências didáticas vivenciadas) as contribuições que os jogos musicais baseados na didática do pré-figurativo podem oferecer nos processos de ensino e aprendizagem coletivos da viola caipira a partir da inspiração nas rodas de viola presentes na prática do violeiro da tradição oral. Verificou-se que a alusão ao universo da tradição permitiu que os jogos musicais criados fossem divididos em três formas de ação: experimentações, imitações e repetições, sendo que cada um desses procedimentos se relacionou a práticas improvisatórias da didática pré-figurativa. As análises mostraram que essa abordagem iniciou o desenvolvimento da percepção sistática nos aprendizes, relacionando três aspectos observados também nas experiências de aprendizagem do violeiro: autonomia, diversidade e integração. Conclui-se ainda que essa abordagem possibilitou a tomada de consciência do \"profesquisador\" (professor/pesquisador) em relação ao entendimento do pré-figurativo para além do âmbito didático- possibilitando também reconfigurações metodológicas durante sua atuação. As ideias de música e de educação dos aprendizes tornaram-se elementos fundamentais para direcionar os conteúdos a serem abordados pelo profesquisador durante a realização das oficinas. Essa iniciativa lúdica para o ensino da viola tornou-se uma alternativa para a experiência em questão, pois conseguiu integrar participantes variados em práticas musicais que caminham juntos com a apreensão técnica e teórica, vislumbrando uma abordagem inclusiva, reflexiva e aberta que se apoia na oralidade em pleno contexto da crescente escolarização da viola caipira. / This dissertation is the result of research that aims to investigate the use of inspired musical games in learning the viola player of the oral tradition could contribute to the teaching process and collective learning of the \"viola caipira\", from the pre-figurative perspective. As a musical instrument linked to the popular culture of rural tradition grounded in orality, the \"viola caipira\" to be included in the formal education takes on new identities. In this context, the mediation between the traditional world of the \"violeiro\" and education spaces, set up according to Dias (2012) as the main challenge of schooling that instrument. The research builds on the pedagogical and musical precepts of H-J Koellreutter described by Brito (2011, 2015) in order to envision alternatives that point to unique strategies teaching the viola, from a didactic pre-figurative that is committed with the dynamics of orality. Therefore, first we discuss the viola from its history and development in Brazil, as well as its relations with the world of oral tradition. Forward, we present some \"violeiros\"\'s learning experiences set in the context of the oral tradition, from the environmental focus (soundscape), devotional and playful. Then score is the background that led to his schooling in the years 1980 and process reflected on challenges present in the professor of viola performance. Finally, we carried out through field research collective educational workshops viola at SESC Vila Mariana and the Fábrica de Cultura of Brasilândia in the city of São Paulo, which were investigated (by observation, interpretation and analysis the experienced student experiments) the contributions that music games based on teaching pre-figurative can offer in collective processes of teaching and learning the viola , from inspiration on \"rodas de viola\" present in the practice of the \"viola caipira\" player of the oral tradition. It was found that the allusion to the world of tradition allowed the created musical games were divided into three forms of action: experimentations, imitations and repetitions, and each of these procedures was related to improvisations practices of teaching pre-figurative. The analysis showed that this approach started the development of systatic perception in apprentices, relating three aspects also observed in the \"viola\" player of learning experiences: autonomy, diversity and integration. It also concludes that this approach enabled the awareness of \"profesquisador\" (teacher/researcher) in relation to the understanding of pre-figurative beyond the educational context: also allowing methodological reconfigurations during his performance. The music of ideas and education of apprentices have become key elements to direct the content to be addressed by the \"profesquisador\" during the workshops. This playful initiative for teaching the \"viola\" has become an alternative to the experience in question, it could integrate different participants in musical practices that go with the technical and theoretical apprehension, glimpsing an inclusive, reflective and open approach, which is based on orality in full context of the growing schooling of viola.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:46:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silvana Aparecida de Almeida Zanini.pdf: 1980823 bytes, checksum: 3e805d3805ea56c4d1d498707c438de0 (MD5) Previous issue date: 2007-12-06 / In this project, some advertising pieces of the beers Bohemia, Kaiser, Schincariol, Brahma, Skol, Primus and Santa Cerva have been analyzed in order to investigate the social class of people these beers are target at and how the messages interact with the consumer to persuade him to consume a determined product depending on the social class he belongs to. A verbal and non-verbal study was proceeded to prove the difference between the Bohemia advertising and the other beers. The analysis relies on the proposal of several scholars such as Bahktin, Barthes, Pierce, Halliday, Maingueneau, and Vestergaard among others. In this analysis the aim was to show as the Bohemia beer messages fix themselves in its superiority, marking itself for the setting in a target-public of people with a refined taste, who aren t influenced by the easy and rude appeals but who bear in mind the qualities, the tradition and the sophistication. In the selected pieces of these two groups the genre, the interaction between the enunciator and the enunciate, the language functions, the language figures were analyzed. After the analysis, several features that strongly differentiate the publicity nature of the two groups were distinguished. Firstly, Bohemia puts itself as a queen, the most perfect in every sense in its preparation, in its layout, always exalting its supremacy and the elegance of its consumer, investing in more subtle, discreet, with sober colors advertising pieces, which are directed to intelligent and cultured people who don t get satisfied with the trivial. The aim focused is the quality of the consumer. The other beers, resort to half-naked women, strong colors, easy pleasure atmosphere which persuades to the idea that everyone can and must drink the product the focus is clearly to achieve the mass of the beer consumers. / Nesse trabalho procurou-se analisar algumas peças publicitárias das cervejas Bohemia, Kaiser, Schincariol, Brahma, Skol, Primus e Santa Cerva para investigar a que classe de pessoas essas cervejas são direcionadas e de que forma as mensagens interagem com o consumidor, a fim de persuadi-lo a consumir determinado produto, dependendo da classe social a que pertence. Procedeu-se a um estudo verbal e não-verbal, para comprovar a diferença entre a publicidade da Bohemia e a das outras cervejas. A análise apóia-se na proposta de vários estudiosos como Bahktin, Barthes, Peirce, Halliday, Maingueneau, Vestergaard, entre outros. Nessa análise objetivou-se mostrar como as mensagens da cerveja Bohemia se fixam na sua superioridade, marcando-se pela fixação em um público-alvo de pessoas de gosto apurado, que não se deixam levar por apelos fáceis e grosseiros, mas que levam em conta a qualidade, a tradição e a sofisticação. Nas peças selecionadas desses dois grupos de cerveja analisou-se o gênero, a interação entre enunciador e enunciatário, as funções da linguagem, as figuras de linguagem e outros recursos de valorização da linguagem. Após a análise, distinguiram-se vários traços que diferenciam marcadamente a natureza da publicidade dos dois grupos. Primeiramente, a Bohemia se coloca como a rainha, a mais perfeita em todos os sentidos seja no seu preparo, seja no seu layout sempre exaltando a sua supremacia e a elegância de seu consumidor, investindo em peças publicitárias mais sutis, discretas, com cores mais sóbrias, voltadas para pessoas inteligentes, cultas e que não se contentam com o banal. A meta em foco é a qualidade do público consumidor. As outras cervejas, apelando para mulheres seminuas, cores fortes, ambientes de prazer fácil, induzem à idéia de que todos podem e devem beber o produto. A meta em foco é nitidamente atingir a massa dos consumidores de cerveja.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2018-05-03T17:16:52Z No. of bitstreams: 1 GLÁUCIA BORGES FERREIRA DE SOUZA.pdf: 1671622 bytes, checksum: 8aa1f26755cc609b0f46569a97897e71 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-05-03T17:16:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 GLÁUCIA BORGES FERREIRA DE SOUZA.pdf: 1671622 bytes, checksum: 8aa1f26755cc609b0f46569a97897e71 (MD5) Previous issue date: 2018-02-28 / The object of this study is the Christian Congregation in Brazil and its traditional maintenance in the religious market that presents its expansion dogmatic processes. The objectives are to analyze the motivations of the faithful to be members of the CCB; as is the institutional link between the members; understand the collective demands that move in a sense of autonomy and individual empowerment; contribute to the debate on the fluid issues of the religious market. The problematization is based on the assumption that the CCB presents itself in the religious field as a locus of protection for its members. With its traditional doctrine, they believe they are free from the deception of the world's threatening reality. As a hypothesis, it is discussed about the motivation of people to follow more rigid dogmas to feel safe, in face of the multi-faceted religiosity in the contemporaneity: the thought of security versus that of freedom comes into play to direct the choices. / O objeto deste estudo é a Congregação Cristã no Brasil e sua manutenção tradicional no mercado religioso que apresenta sua expansão, seus processos dogmáticos. Os objetivos são analisar as motivações dos fiéis em ser frequentadores da Igreja CCB; como se dá o vínculo institucional entre os membros; compreender as demandas coletivas que transitam em um sentido de autonomização e empoderamento individual; contribuir com o debate sobre as questões fluídas do mercado religioso. A problematização parte do pressuposto de que a CCB se apresenta no campo religioso como lócus de proteção para seus membros. Com sua doutrina tradicional, eles acreditam estar livres do engano da realidade ameaçadora do mundo. Como hipótese, discute-se acerca da motivação de as pessoas seguirem dogmas mais rígidos para se sentirem em segurança, diante da religiosidade multifacetada na contemporaneidade: o pensamento da segurança versus o da liberdade entra em jogo para direcionar as escolhas.

A comunidade quilombola do Remanso, localizada no interior da Bahia, Chapada Diamantina, tem passado por intensas transformações desde fins dos anos 1990. Os processos de urbanização se intensificaram com a inserção do quilombo nos roteiros de ecoturismo comercializados pelas agências da região. Além do turismo, a inauguração da escola e a chegada da energia elétrica são percebidas pelos moradores como elementos que transformaram as formas de vida tradicionalmente estabelecidas na comunidade trazendo desequilíbrios em relação à coesão social do grupo; dificultando a transmissão das práticas culturais aos mais jovens; propondo novas formas de sociabilidade e necessidades de consumo. Há, pelo menos, quinze anos, o Ponto de Cultura Grãos de Luz e Griô também tem atuado no Remanso fomentando práticas pedagógicas e de economia comunitária, visando valorizar a cultura e os saberes locais e gerar renda a partir dessa integração. Nossa pesquisa investigou em que medida essas alterações afetaram os moradores do Remanso que estiveram diretamente envolvidos nas ações propostas pelo Ponto de Cultura. Analisamos as transformações do vivido a partir de duas bases documentais: fontes escritas e entrevistas realizadas com nove membros do quilombo e dois integrantes do Ponto de Cultura Grãos de Luz e Griô. O trabalho com as fontes orais foi desenvolvido a partir da perspectiva teórico-metodológica da História Oral. Além das fontes citadas, um conjunto de observações analíticas registradas no diário de campo, segundo a perspectiva da etnografia, foi incorporada ao texto, fruto das pesquisas de campo desenvolvidas entre janeiro de 2013 e outubro de 2014. / The Remanso Quilombo Community, located in the countryside of Bahia, Chapada Diamantina, has gone through many intense transformations since the late 1990´s. The urbanization processes in this area has been intensified by the insertion of this Quilombo in the ecotourism routes commercialized by the travel agencies from this region. Besides the tourism, the inauguration of the school and the electricity energy supply implemented in this area have affected its people´s lives whom has changed their previous established lifestyle which was more stable and balanced in what concerns to their particular social environment and behavior as a specific group. These changes also hampered the transmission of cultural practices from the older to the youngest citizens; proposing new ways of socialization and consume needs. For more than fifteen years, The Ponto de Cultura Grãos de Luz e Griô has been acting in the Remanso fomenting pedagogical practices and communitarian economy teachings, in order to value the culture, popular knowledge and generate new incomes from this integration process. Identifying these changes and how they have affected the dwellers from Remanso was part of this current work. We analyzed the transformations founded on two main document data basis: written sources and by interviewing nine Quilombo member and two Ponto de Cultura Grãos de Luz e Griô members. The research with the oral sources was developed with the methodology theoretical perspective of the Oral History. A part of these mentioned sources, a significant amount of registered analysis in the fieldwork diary was quoted in the text, according to the ethnography perspective; these registered analyzes was documented between January 2013 and October 2014.

Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-02-14T14:08:26Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_PortaisBauCavalo.pdf: 4064056 bytes, checksum: e33d76c4801a1af9b5db340a59b976eb (MD5) / Approved for entry into archive by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-02-14T14:09:20Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_PortaisBauCavalo.pdf: 4064056 bytes, checksum: e33d76c4801a1af9b5db340a59b976eb (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-14T14:09:20Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_PortaisBauCavalo.pdf: 4064056 bytes, checksum: e33d76c4801a1af9b5db340a59b976eb (MD5) Previous issue date: 2012 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / La fiesta dedicada a San Cosme y San Damián, celebrada en el día 27 de septiembre, en Belém do Pará, sucede de acuerdo con algunos preceptos provenientes de una tradición afro-religiosa formada de ritos, creencias y narrativas míticas, que permean el imaginario de los adeptos y devotos de los santos gemelos. Es el axé de los terreiros de la Mina y del “pueblo de santo” (o “pueblo santo”), de la consonancia de los cuerpos, de las voces múltiples, todo dilatado, fruido, líquido, edificante y, al mismo tiempo, híbrido, sincretizado, transculturalizado. Es una fiesta! El Tambor de Mina es una manifestación afro-indígena practicada en el estado del Pará, en la cual son adorados, voduns, orixás, caboclos, encantados, nobles, reis, reinas y erês. En este universo ritualista, insertase el centenario Terreiro de Mina Dois Irmãos, en el cual se ha pesquisado la espetacularidad – noción epistemológica fundamental de la Etnoescenología, ciencia que estudia las prácticas y comportamientos humanos espetaculares organizados (PCHEO) – de la fiesta de San Cosme y San Damián y de lo comportamiento de algunos erês. La especularidad designa un tipo de interacción humana, eventual o habitual más extraordinaria, que incide de manera particular en el modo de ser, de comportarse y de presentarse de forma distinta del día a día, en determinadas manifestaciones de la cultura. / A festa dedicada a São Cosme e a São Damião, comemorada no dia 27 de setembro, em Belém do Pará, acontece de acordo com preceitos provenientes de uma tradição afro-religiosa constituída de ritos, crenças e narrativas míticas, que permeiam o imaginário dos adeptos e devotos dos santos gêmeos. É o axé dos terreiros de Mina e do “povo de santo” (ou “povo santo”), da consonância dos corpos, das vozes várias, tudo dilatado, fruído, líquido, inebriante e, ao mesmo tempo, híbrido, sincretizado, transculturalizado. É uma festa! O Tambor de Mina é uma manifestação afro-indígena praticada no estado do Pará, na qual são cultuados voduns, orixás, caboclos, encantados, nobres, reis, rainhas e erês. Nesse universo ritualístico, insere-se o centenário Terreiro de Mina Dois Irmãos, no qual é pesquisada a espetacularidade – noção epistemológica fundamental da Etnocenologia, ciência que estuda as Práticas e os Comportamentos Humanos Espetaculares Organizados (PCHEO) – da Festa de São Cosme e São Damião e do comportamento de alguns erês. A espetacularidade designa um tipo de interação humana, eventual ou habitual mais extraordinária, que incide de maneira particular no modo de ser, de se comportar e de se apresentar de forma distinta do dia a dia, em determinadas manifestações da cultura. O trabalho apresenta descrição e reflexão sobre os diversos momentos da festa, suas personagens, ações e interação, inclusive com o público de convidados.

Desde tempos imemoriais, a milenar arte de contar e ouvir estórias está estreitamente relacionada com a formação de seres humanos. Narrar é uma ação própria do humano, incluindo-se nesse ato não só a narrativa de fatos vividos, mas sobretudo daqueles que são experimentados no âmbito do imaginário, fonte mitológica, portanto primordial, que nos supre dos símbolos essenciais necessários para a nossa existência no mundo. A partir de vivências narrativas proporcionadas aos frequentadores do Lab_Arte da FEUSP, em sua maioria alunos do curso de Pedagogia e de Licenciatura da Universidade de São Paulo, no núcleo de Narração de Estórias, através da investigação poética de seus processos simbólicos e de seus itinerários formativos, pôde-se perceber a importância de se cuidar da formação humana desses futuros docentes. Uma formação que transcende as barreiras escolares e que se dá para além das questões tecnicistas e operacionais que, em geral, servem como base única para os costumeiros cursos formativos de professores. Desde uma perspectiva hermenêutica e fenomenológica, as reflexões suscitadas pelas vivências no laboratório conduziram a pesquisadora desse trabalho ao mito fundador da pessoa contadora de estórias, que encontra sua expressão mais significativa na figura da sultana Sherazade, do livro das Mil e uma Noites, mas que perpassa o mito de Ariadne, a Senhora dos Labirintos, que por sua vez atualiza o mito sumério de Inanna, a senhora dos céus e dos ínferos. Narrando à beira do precipício, a Senhora da Vida convida o Senhor da Morte para uma contradança labiríntica, de cujo fim inexorável ninguém escapa. As estórias de tradição oral como fios que nos conectam aos nossos ancestrais e a todos que virão depois de nós, como palavra viva que prevalece sobre o narrador, nos despertam para um aprendizado que aponta para a necessidade de uma realização pessoal que se situa sempre dentro de uma existência coletiva comum e, como gesticuladores culturais, os professores acabam por entender que no banquete dos saberes tradicionais a única forma de saciar nossa fome e apaziguar nossa sede de conhecer é alimentando-nos e oferecendo-nos água fresca uns aos outros. Assim, acreditando que arte de narrar estórias é, sobretudo, a arte do encontro e do diálogo, foram os encontros e os diálogos dessa pesquisadora, professora e narradora de estórias, com as estórias e com seus alunos ouvintes-narradores, bem como seus diálogos com teóricos e pesquisadores como Georges Gusdorf, Joseph Campbell, Mircea Eliade, Chris Downing, Amadou Hampâté Bá e Marcos Ferreira-Santos , que nortearam essa pesquisa que, dessa forma, resultou numa complexa constelação simbólica de sentidos e significados, como exige o foco de uma investigação poética. / Since immemorial times, the millennial art of storytelling has been closely related to the education and human formation. Narrating is a typical human action, which includes not only narrating experienced facts, but also especially those that are experienced within the imaginary scope, our mythological and so primordial source of essential symbols necessary for our existence in the world. From narrative experiences offered to Lab_Arte goers most of whom being students of Pedagogy and of other degree courses from University of São Paulo, through the poetic research of their symbolic processes and their formative itineraries it was possible to realize the importance of taking care of the human formation of these future teachers. An education that transcends the school barriers and which is made beyond the technicist and operational issues that, in general, serve as a single basis of development for the usual training courses for teachers. From a hermeneutic and phenomenological perspective, the thoughts aroused by experiences in the lab led the researcher of this work to the founder myth of the storyteller, which finds its most significant expression in the figure of sultana Scheherazade, from the Arabians Night book, but that also pervades the myth of Ariadne, the Mistress of the Labyrinth, which turn to updates the Sumerian myth of Inanna, the Mistress of heaven and the world above. While narrates on the edge of the cliff, the Lady of Life invites the Lord of Death to a labyrinth dance, from whose inexorable end nobody escapes. The oral-tradition stories as threads that connect us to our ancestors and to all those who come after us as a living word that prevails on the narrator awaken us towards apprenticeship that points to the need for a personal fulfillment that only can be achieved within the space of a common and collective existence. As cultural agents, teachers will understand that at the feast of traditional knowledge the only way to end up our hunger and assuage our thirst of knowing is to feed us and provide us with fresh water to each other. So, believing that art of storytelling is, above all, the art of encounter and dialogue, the meetings and dialogues of this researcher, teacher and storyteller with the stories and with her students, as well as her dialogue with theoreticians and researchers like Georges Gusdorf, Joseph Campbell, Mircea Eliade, Chris Downing, Amadou Hampâté Bá, and Marcos Ferreira-Santos were the guiders to this research. Therefore, this study resulted in a complex symbolic constellation of meanings and senses, which is de focus of a poetic investigation.

A presente pesquisa procura discutir uma série de cantos da etnia Sateré Mawé, tendo como ponto de partida a produção e memória musical da liderança André Sateré Mawé, tuxaua da comunidade Waikiru Tarumã, localizada na cidade de Manaus, Amazonas. Para esse recorte, percorremos o repertório da música do Ritual da Tucandeira, de outras músicas de tradição oral, de cantos compostos pela tuxaua Nandia Sateré, mãe de André, bem como da produção autoral do próprio André, como expressão de uma música que concilia elementos da tradição Sateré Mawé (símbolos culturais e língua, por exemplo) com o contexto contemporâneo. Para isso, foi realizada uma etnografia de eventos musicais encontrados em campo, nos traçados geográficos e simbólicos que percorremos, entre os espaços da comunidade Waikiru (Manaus-Amazonas) e Monte Salém (Maués - Amazonas), além de outros espaços rituais e de reunião, constituindo o que chamamos de rede musical. Na pesquisa, procuramos desenvolver também uma reflexão sobre o lugar que a música indígena Sateré Mawé ocupa como expressão da música brasileira e sobre a relação entre homem e natureza nas sonoridades de cunho ritual, político e memorial. / The present research seeks to discuss a series of songs of the Sateré Mawé ethnic group, starting with the production and musical memory of the leadership André Sateré Mawé tuxaua of the community Waikiru Tarumã, located in the city of Manaus, Amazonas. In order to do this ethnographic cut, we go through the repertoire of the music of the Ritual of Tucandeira, other songs of oral tradition, songs composed by the tuxaua Nandia Sateré, André\'s mother, as well as authorial compositions of André himself, as an expression of a song that reconciles elements of the Sateré Mawé tradition (cultural symbols and language, for example) with the contemporary context. For this, an ethnography of musical events was carried out in the field, in the geographical and symbolic tracts that we visited, between the spaces of the community Waikiru (Manaus - Amazonas) and Monte Salém (Maués - Amazonas), besides other ritual and meeting spaces, constituting what we call musical network. In the research, we also try to develop a reflexion on the place that Sateré Mawé indigenous music occupies as an expression of Brazilian music and on the relationship between man and nature in ritual, political and memorial sounds.

Esta tese, apoiando-se no quadro de referência da Semiótica Tensiva, se propõe examinar a existência de uma gramática tensiva regedora das obras de vanguarda, que se põem sob a égide da \"tradição de rupturas\". Focalizando a descrição e a análise das operações formais dos objetos pictóricos, examina os traços heterogêneos constitutivos do objeto visual e sua estruturação, bem como o par opositivo continuidade (tradição) e ruptura (modernidade) na arte, com base nas relações entre formantes mínimos da gramática visual, que engendram uma gramática de continuidade (a função), responsável por duas subgramáticas, a de rompimento forte e a de rompimento fraco (funtivos). Daí as questões: seria a arte de vanguarda uma continuidade de rompimentos fracos ou de rompimentos fortes? De que tipo de rompimento se está falando quando se focalizam objetos estéticos do século XX? Toda ruptura constituiria um ato de rompimento, de maneira imediata, com todos os procedimentos da tradição, ou apenas a triagem de alguns procedimentos, preservando outros como elo entre o passado e o futuro? Dessas questões, depreendeu-se que a figuratividade é ponto central nas vanguardas ditas de ruptura. Tomada como parâmetro, a figuratividade seria um dos reguladores da continuidade pictórica de vanguarda, pois seria ela a característica que mais se acentua tanto em sua construção, como em sua desconstrução. No caso de rupturas progressivas (chamadas de rupturas em desenvolvimento), nem tudo é triado como eliminação: alguns traços tensivos são preservados. Observou-se atenuação da ruptura em traços reiterativos tanto de figurativização (diminuição de plasticidade), quanto de abstração (aumento de plasticidade). A tese está dividida em quatro capítulos. No capítulo 1, abordam-se tradição e ruptura nas artes plásticas, ou seja, continuidade e descontinuidade de valores estéticos. No capítulo 2, focaliza-se o pêndulo tensivo que contempla a oscilação entre plástico e figurativo, salientando valores de evolução e revolução. No capítulo 3, apoiando-se no plano da expressão, contemplam-se análises de estudos de caso e verificam-se predominâncias de plasticidade ou figuratividade, homologando-as com elementos do nível tensivo, como tonicidade e andamento. No capítulo 4, considera-se a emancipação plástica brasileira em relação à arte predominantemente europeia. Para reduzir o risco de viés teórico de ver na realidade apenas o que a teoria permite ver, bem como minimizar imperfeições analíticas, procedeu-se ao exame dos objetos estéticos considerando um percurso de dupla direção: da teoria ao objeto e do objeto à teoria. Foram comparados objetos de estéticas diferentes, objetos diferentes de uma mesma estética, objetos de um mesmo artista, mas postos em confronto e, por fim, um só objeto, considerando suas partes constitutivas. Para esse exame, além da teoria tensiva, serviram de base textos teóricos de artistas de variadas épocas, bem como manifestos teóricos. Esses procedimentos permitiram propor a substituição do conceito de ruptura pelo conceito de rompimento de dupla valência: uma de tônus mais forte e outra de tônus mais fraco, controladores da continuidade e da descontinuidade, que seriam reguladas por traços tensivos de mais e menos, duas forças que impediriam a chegada ao extremo do continuum. / This thesis, based on the reference framework of the Tense Semiotics, proposes to examine the existence of a tense grammar that rules the vanguard studies, which are placed under the aegis of the \"tradition of ruptures\". Focusing on the description and analysis of the formal operations of the pictorial objects, it examines the heterogeneous features constituting the visual object and its structuring, as well as the opposing pair continuity (tradition) and rupture (modernity) in art, based on the relationships between grammar, which generates a grammar of continuity (the function), responsible for two sub grammars, the one of strong rupture and the one of weak rupture (funtives). Hence the questions: would vanguard art be a continuation of weak disruptions or strong disruptions?What kind of breakthrough is being talked about when focusing on 20th century aesthetic objects? Would every rupture constitute an act of immediate rupture with all the procedures of the tradition, or only the screening of certain procedures, preserving others as a link between the past and the future? From these questions, it has been deduced that figurativeness is central to the so-called ruptured vanguards. Taken as a parameter, figurativity would be one of the regulators of the avant-garde pictorial continuity, since it would be the characteristic that is more accentuated both in its construction and in its deconstruction. In the case of progressive ruptures (called ruptures in development), not everything is classified as elimination: some tensile traces are preserved. It was observed attenuation of the rupture in repetitive traits of both figurativization (decrease of plasticity) and abstraction (increase of plasticity). The thesis is divided into four chapters. In chapter 1, tradition and rupture in the plastic arts are approached, that is, continuity and discontinuity of aesthetic values. In chapter 2, the tensile pendulum that contemplates the oscillation between plastic and figurative is focused, emphasizing values of evolution and revolution. In chapter 3, based on the expression plane, analyzes of case studies are contemplated and there are predominance of plasticity or figurativeness, homologating them with elements of the tensile level, such as tonicity and tempo. In chapter 4, the Brazilian plastic emancipation is considered in relation to the predominantly European art. In order to reduce the risk of a theoretical bias of actually seeing only what the theory allows us to see, as well as minimizing analytical imperfections, we proceeded to the examination of aesthetic objects considering a dual direction course: from theory to object and from object to theory. Objects of different aesthetics, objects different from the same aesthetics, objects of the same artist, but confronted, and finally, a single object, considering their constituent parts, were compared. For this examination, in addition to the tensive theory, theoretical texts of artists of various epochs, as well as theoretical manifestos, were used as basis. These procedures allowed proposing the replacement of the concept of rupture by the concept of double valence rupture: one of stronger tone and one of weaker tone, controllers of continuity and discontinuity, which would be regulated by tensor numbers of plus and minus two forces which would prevent the arrival at the extreme of the continuum.