Denna studie undersöker huruvida kartan har potential som verktyg för bildpedagogik och subversion, det vill säga motstånd. Vidare undersöks hur multiplicitet, en helhet av skillnader, kan framträda genom kartläggning. Dessa frågor behandlas mot bakgrunden av kartans historiska, och samtida, roll i att reproducera makt, identiteter och sanningsanspråk. Studien genomförs genom två separata workshops där deltagarna antar rollen som kartläggare. De två grupper som deltar i studien består av gymnasielever respektive bildlärarstudenter. Kartläggarnas uppdrag är att utforska, dokumentera och gestalta en plats med utgångspunkt i deras egna, sinnliga erfarenheter. Studien utgår ifrån idén om situerade kunskaper, alltså att kunskap måste förstås i relation till specifika subjektspositioner. Studien utgår även ifrån immanens, en världsbild som i motsats till transcendens menar att vår kunskap om världen är begränsad till det som ryms i medvetandet. Genom en fenomenologisk forskningsmetod används kartläggning för att få syn på kartläggarnas upplevelse av platser. Med utgångspunkt i de kartläggningar som studiens deltagare skapar genomförs en diffraktiv analys. En diffraktiv analys studerar och kartlägger de mönster som uppstår som ett resultat av skillnader. På så sätt kan kartläggarnas skilda upplevelser av platserna framträda. I undersökningen finner jag att kartan öppnar upp för flera möjliga ingångar i bildpedagogik. Det framgår även att kartans förmåga att vara ett verktyg för subversion huvudsakligen handlar om att göra motstånd mot den specifika kontext den existerar i. Inom denna studie framgår det därför att subversion handlar om att göra motstånd mot den pedagogiska gesten, alltså den pedagogiska uppmaning eller avgränsning som uppmärksammar världen för ett subjekt. På liknande sätt finner jag att hur kartläggningens multiplicitet framträder beror på den pedagogiska gesten och mina situerade kunskaper som forskare. Med utgångspunkt i detta bearbetas och ifrågasätts begreppet multiplicitet som slutligen omformuleras till att syfta till en världsbild. Studiens resultat pekar därför på hur motstånd sker i relation till gränsdragningar i en gemensam kontext, både historisk och pedagogisk. Resultatet gestaltas vid examinationen i form av en egen karta av Konstfack samt en handout som delas ut för att uppmana till att skapa egna kartor. Kartan målades i akryl på canvas och består av flera fragment i form av bilder från mitt hem under utbildningen, ett Word-dokument, mosaik från en tunnelbanestation samt olika delar av Konstfack. Min tid på Konstfack innefattar mer än vad som ryms inom byggnadens väggar. Jag har därför avgränsat Konstfack på ett sätt som inkluderar platser som jag inte kan separera från skolan, som tunnelbanan eller mitt hem.

This article analyses two literary texts: Barbara Radziwiłłówna z Jaworzna-Szczakowej by the Polish author Michał Witkowski (2007) and Sakharnyi Kreml’ by the Russian author Vladimir Sorokin (2008) in the context of postcolonial studies. I treat the terms coined by post-colonial critique, such as orientalism, orientalization, subversion or mimicry as not only ideological categories, but also as aesthetic and narrative ones. These tools turn out to be useful in the interpretation of both these texts which, despite the differences between them, may be read as examples of post-dependence narration, which articulate issues in connection with identity-related problems of modern Polish and Russian cultures. Both Witkowski and Sorokin subversively employ auto- and heterostereotypes and avail themselves of the strategy of self-orientalization, which enables the play on foreign notions regarding, respectively, Polish and Russian culture and collective identity. The novel by Michał Witkowski ironically, perversely addresses national complexes associated with the systemic transformation of 1989 and takes the floor in the discussion on post-communism. In turn, Sakharnyi Kreml’ by Vladimir Sorokin is an example of a futuristic dystopia, in which criticism of Putin’s Russia commingles with reflections on the non-autonomous and non-independent status of own culture which, in the year 2028, continues to reproduce foreign discourses and finds it difficult to articulate its own position.

In the mid-twentieth century many critics considered Eudora Welty’s work regionalist, which limited the interpretation of its social and political implications. However, by the late 1980s there was a renewed dedication to examining the subtle social and political implications present in her fiction. In keeping with this critical trend, I examine Welty’s revisions to four stories in A Curtain of Green and Other Stories. Previous interpretations of “Clytie,” “Why I Live at the P.O.,” “A Memory,” and “A Curtain of Green” do not adequately address how the female protagonists of these stories challenge traditional expectations for women. I argue that Welty’s revisions provide fundamental support for the female protagonists so that they can challenge existing social order in covert ways.

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Der Effekt der Desorientierung entsteht als Resultat wiederholter Versuche der Ästhetisierung von Phänomenen, die literarästhetisch undarstellbar oder kaum darstellbar sind. Es wird daher behauptet, die Desorientierung sei mit der Entgrenzung des Sprachästhetischen verbunden. Das Ziel dieser Arbeit war die Strategien der Entgrenzung des Ästhetischen in postmodernen Romanen zu lokalisieren und ihre wichtigsten Konsequenzen für die Lektüre zu beschreiben. Im Zentrum meiner Untersuchungen steht die sich allmählich konstituierende und sich zugleich dekonstruierende Sinnhaftigkeit der Erzählung. Literaturgeschichtlich beschränkt sich meine Untersuchung auf die Literatur der Postmoderne, weil sie als Zeitalter der radikalen Pluralisierung und Fragmentierung sowie permanenten Ästhetisierung aller kulturellen Bereiche gekennzeichnet ist. In der Entgrenzung des Ästhetischen sehe ich ein Novum, das paradigmatische Wenden in allen Geisteswissenschaften und Künsten eingeleitet hat. Analysiert wurden drei Romane: Thomas Pynchons The Crying of Lot 49, Elfriede Jelineks Lust und Witold Gombrowicz’ Kosmos. Die Romane Pynchons und Gombrowicz‘ repräsentieren eine sich erst konstituierende literarische Postmoderne. Bei Pynchon und Gombrowicz lässt sich sehr gut die schrittweise verlaufende Entgrenzung des Ästhetischen beobachten, während sie bei Jelinek einen ihrer möglichen Endzustände erreicht zu haben scheint. In den ersten Annäherungen an die von mir ausgewählten Texte konnte ich beobachten, dass sich die Desorientierung als Folge der Verdichtung von Verwirrungen (deren Zahl und/oder Art und Weise die Lektüre in erster Linie punktuell stören) konstituiert. Grob genommen konnte ich zunächst zwischen einer ontologisch und einer epistemologisch fundierten Desorientierung unterscheiden, d.h. es bleibt während der Lektüre unklar, welcher Art Entitäten die Protagonisten begegnen und/oder auf welchen Wegen sie zur Erkenntnis kommen. Die zweite wichtige Beobachtung betraf ein literarästhetisch inszeniertes Insistieren auf das Vorhandensein einer Realität/Dimension, bei gleichzeitiger explizit thematisierter Unmöglichkeit des Ausdrucks dieser Realität. Der Prozess des Desorientiert-Werdens müsste daher etwas mit der Steigerung der Ästhetisierungsintensität gemeinsam haben, d.h. mit dem Multiplizieren der (potentiell bedeutungsvollen) Beziehungen zwischen den Textkonstituenten. Womit der Leser im Endeffekt konfrontiert wird, sind unzählige Inseln inkompatibler Sinnhaftigkeiten, die rhetorischen Eruptionen. Die Perzeption des Lesers wird mit Unmengen von Signifikanten überflutet, zu denen er vergeblich nach passenden Signifikaten sucht. Die Erzählung der Ereignisse und Gestaltung der Figuren werden oft unterbrochen, gehemmt, aufgehoben, nicht zu Ende gebracht, so dass die Konstituierung der Gesamtbedeutung permanent unterlaufen wird. Obwohl alle Geschichten linear erzählt sind, scheint es unmöglich zu sein, irgendetwas in ihnen als sichere Erkenntnis zu gewinnen, da das permanente Stören des Signifikationsprozesses den Leser mit einem Minimum eines Sinns/einer Sinnhaftigkeit zurücklässt. Die Ästhetik der Desorientierung ließe sich somit als eine Ästhetik der Entdifferenzierung der Geschehensmomente, d.h. der Steigerung der Wahrscheinlichkeit ihrer Gleichwertigkeit für die Bedeutungskonstituierung beschreiben. Durch die Entdifferenzierung wird die Bedeutung zerstreut und sie kann sich hinter vielen möglichen Zeichen und Symbolen verstecken.

La Petite danseuse de quatorze ans (1881) de l’artiste français Edgar Degas (1834-1917) représente et déforme plusieurs catégories sociales et artistiques de son époque. L’œuvre peut ainsi être lue comme une mise en abyme à la fois des changements sociaux et des peurs qu’ils suscitent quant aux redéfinitions du rôle et de la place de la sculpture dans l’art et de l’art, des classes sociales, de la science et de la femme dans la société qui s’opèrent dans la seconde moitié du 19e siècle. D’une mise en contexte de l’œuvre à une analyse de la figure de la ballerine, en passant par une lecture du monde de la poupée et de la criminalité, nous chercherons à montrer comment l’œuvre offre une lecture subversive des valeurs qui sous-tendent ces catégories structurelles du Paris industriel. Ce jeu des catégories fait de la Petite danseuse une œuvre instable et ambiguë à l’image, peut-être exacerbée, de la société. La sculpture de Degas joue avec et surtout entre ces divers pôles de la société parisienne, décloisonnant ceux-ci et proposant une autre façon de comprendre la société contemporaine. Prenant ancrage dans un discours critique postmoderne, féministe et postcolonialist, le présent travail se propose ainsi de réactualiser la fonction critique de l’œuvre. / The Little Dancer Aged Fourteen (1881) of French artist Edgar Degas (1834-1917) represents and deconstructs all at once, many social and artistic categories of its own time. The work represents social changes and the fear that they generate as it relates to the place of sculpture in art and of art, social classes, science and women’s role in society. Degas’ sculpture plays with and between these structures, deconstructing them and offering new ways of understanding contemporary society. After putting the work in context, we look at the link it has with dolls, how it addresses criminality, and how it questions the ballerina image. The Little Dancer then becomes an ambiguous, unstable and indefinable work reflecting in an acute way its society. Rooted in postmodernism, feminism and postcolonialism, we will explain how the sculpture offers a subversive reading of the values subtending industrial 19th Century Parisian constructs.

Il existe en Colombie un réseau de discours qui cherche à contrôler la production discursive sur le sexe et à brider la sexualité des Colombiens. La Virgen de los sicarios de Fernando Vallejo (1994), répond de manière subversive à un tel conditionnement discursif et sexuel. La production discursive sur la sexualité en Colombie a été construite, principalement, à partir de la tradition catholique, des discours de l’État et de textes scientifiques. Par conséquent, les comportements sexuels que le discours institutionnel ne considère pas comme des comportements normaux sont soumis à un pouvoir qui leur confère une place abominable dans l’ordre sexuel en Colombie. La Virgen de los sicarios émerge de la production littéraire queer colombienne et propose une histoire subversive sur le plan discursif autant que sexuel. Ce mémoire décrit d'abord la présence inévitable du discours religieux en Colombie et sa forte relation avec l'État pour démontrer l'existence d'une norme discursive. Ensuite, l’analyse du roman de Vallejo permet d’observer comment cette norme est bouleversée en utilisant ses propres linéaments pour l'affaiblir. Finalement, à partir de concepts développés par Michel Foucault et Judith Butler, ce travail met en évidence l'existence d'une norme sexuelle en Colombie qui part des discours et qui se déploie vers les corps – norme qui est contestée à travers un processus selon lequel l'auteur libère la sexualité des personnages du pouvoir qui domine leurs corps. / In Colombia it can be found a network of discourse patterns that seeks to control the discursive production on sex and to restrain the sexuality of the Colombian people. La Virgen de los sicarios by Fernando Vallejo (1994) responds subversively to such discursive and sexual conditioning. The discursive production on sexuality in Colombia has been mainly created and influenced by the Catholic tradition, discourses originating with the State and scientific texts. As a result, sexual attitudes which are not consider as normal by institutional discourse are subjugated to a power that places them in an abominable place in what could be called the Colombian sexual order. La Virgen de los sicarios comes from Colombia’s queer literature, presenting a story that is both discursively and sexually subversive. This thesis first seeks to describe the inevitable presence of the religious speech in Colombia and its strong relation with the State in order to prove the existence of a discursive norm. Second, by analyzing Vallejo’s narrative in the novel, it shows how this norm is subverted by using its own ideological guidelines to weaken it. Finally, using various concepts developed by Michel Foucault and Judith Butler, it exposes the existence of a sexual norm in Colombia that is present in discourses and that extends to bodies. This Norm is disproved through a process in which the author releases the sexuality of the characters from the power that dominates their bodies. / Existe en Colombia una red de discursos que busca controlar la producción discursiva sobre el sexo y las realizaciones sexuales de los colombianos. La Virgen de los sicarios de Fernando Vallejo (1994), responde de manera subversiva a dicho condicionamiento discursivo y sexual. La producción discursiva sobre la sexualidad en Colombia se ha construido, principalmente, a partir de la tradición católica, de discursos estatales y de textos científicos. Como consecuencia de esto, los comportamientos sexuales que el discurso institucional no considera como normales son sometidos a un poder que los ubica en lugares ominosos dentro del orden sexual colombiano. La novela de Vallejo surge desde la producción literaria queer colombiana y esgrime una historia subversiva tanto de manera discursiva como de manera sexual. Esta memoria describe, en primer lugar, la presencia inevitable del discurso religioso en Colombia y su fuerte relación con el Estado para demostrar la existencia de una norma discursiva. En segundo lugar, al realizar un análisis de la novela de Vallejo, se observa cómo dicha norma es subvertida al usar sus propios lineamientos para desvirtuarla. Por último, a partir de conceptos desarrollados por Michel Foucault y Judith Butler, se pone de manifiesto la existencia de una norma sexual en Colombia que parte de los discursos y que se extiende hacia los cuerpos. Norma que es impugnada por medio de un proceso en el que el autor libera la sexualidad de los personajes del poder que recae sobre sus cuerpos.

Ce mémoire de maîtrise étudie le traitement cinématographique de la sexualité et de la corporéité féminines dans le travail de réalisatrices contemporaines. Il prend appui sur les films Anatomie de l’enfer (Catherine Breillat, 2004), Sleeping Beauty (Julia Leigh, 2011), Nuit #1 (Anne Émond, 2011), et Klip (Maja Milos, 2012). Notre hypothèse est que ces réalisatrices adoptent une posture féministe, affirmée ou non, par leur révision des stéréotypes de genre relatifs au corps et à la sexualité féminine. Dans un premier temps, nous nous intéressons à la dynamique érotique entretenue, à travers l’Histoire, entre la femme comme objet de désir et l’homme comme sujet désirant, au cinéma comme ailleurs. Puis, nous analysons la déconstruction des stéréotypes de genre féminins de pudeur et de passivité au sein du corpus choisi. Nous démontrons ainsi qu’en révisant ces stéréotypes, les réalisatrices déjouent volontairement le spectateur dans son expérience érotique. Enfin, nous examinons les stratégies d’auto-réification du corps féminin récurrentes chez les cinéastes étudiées. Nous estimons que les cinéastes s’inscrivent de la sorte dans une tendance à la subversion observable dans les pratiques artistiques féministes contemporaines. / This master’s thesis examines how female corporeality and sexuality are dealt with in the work of contemporary female film directors. It draws on the films Anatomy of Hell (Catherine Breillat, 2004), Sleeping Beauty (Julia Leigh, 2011), Nuit #1 (Anne Émond, 2011), and Clip (Maja Milos, 2012). Our hypothesis is that these directors adopt a feminist attitude, whether it is asserted or not, by reviewing gender stereotypes about the female body and sexuality. To begin with, we focus on the erotic dynamic, maintained throughout history, between the woman as an object of desire and the man as a desiring subject, in film and elsewhere. Subsequently, we analyze the deconstruction of female gender stereotypes pertaining to modesty and passivity in the chosen corpus. Thus, we demonstrate that by revising these stereotypes, the directors voluntarily thwart the spectator’s erotic experience. In conclusion, we examine the recurring self-objectification strategies of the female body employed by the filmmakers. These directors are part of a trend of subversion which can be observed in contemporary feminist artistic practices.

Vernon Lee est une femme de lettres d'origine britannique, dont l'œuvre éclectique est située dans le contexte historique et socio-culturel de l'Angleterre victorienne de la fin-de-siècle dite «décadente» (1880-1914). La problématique de cette thèse est axée autour de deux fils conducteurs : d'une part, le regard que Vernon Lee porte sur la société de son époque, et d'autre part, son intérêt pour les récentes découvertes dans le domaine des Sciences humaines. Les années 1890 représentent une ère de transition entre le Romantisme et le Modernisme. On peut donc parler d'héritage romantique en ce qui concerne l'inspiration et l'imaginaire des écrivains victoriens de la fin du XIXème siècle. La littérature de la Décadence privilégie les thèmes mythiques, en particulier le mythe de la Femme fatale. L'esthétisme et l'éthique sont au cœur de l'œuvre de Vernon Lee. Écrivain et témoin de son époque, elle utilise son écriture pour défendre la condition féminine. C'est avant tout une écriture avant-gardiste, orientée vers le Modernisme. En effet, les récentes découvertes scientifiques (notamment la linguistique, la psychologie et la psychanalyse) influencent son écriture, lui permettant d'accéder au mieux à l'intériorité de ses personnages. / The 1890s are considered as a period of transition between Romanticism and Modernism. Therefore, we can refer to a romantic legacy of the fin-de-siècle Victorian writers' inspirition and imaginative universe. The Literature of the Decadence favours mythic themes, especially the myth of the "Femme fatale". Estheticism and ethics are the main concerns of Vernon Lee's work. As a writer and a witness of her time, she makes the most of her writing in order to stand up for the woman's emancipation. It is an avangardist writing, which is steered towards Modernism. Besides, she is influenced by the recent discoveries in the field of Social Sciences.