[pt] Na dissertação cartografa-se distintos modos com que a escrita e, num sentido mais amplo, as artes, se relacionam com a noção de ruína. Parte-se do ponto de tensão entre ruir e criar a fim de explorar o paradoxo de que nos fala Maurice Blanchot em O espaço Literário: a literatura se edifica a partir de suas próprias ruínas. Detendo o gesto cartográfico em uma região particular, tomo algumas obras do escritor e artista visual Nuno Ramos como ocasião favorável para refletir sobre a relação entre destruição e criação na fronteira entre escrita e linguagem visual. O trabalho segue dois eixos que se querem recíprocos, não hierárquicos: no primeiro eixo acentua-se a parte teórico-crítica da pesquisa. No segundo, apresenta-se poemas e outros textos pessoais, escritos que, produzidos ao longo da pesquisa, fazem parte da reflexão. / [en] In this dissertation I cartograph distinct ways in which writing and, in a broader sense, the arts, relate to the notion of ruin. I begin at the point of tension between collapse and creation, to explore the paradox Maurice Blanchot speaks of in The Literary Space: Literature is built upon its own ruins. Holding the cartographic gesture in a particular region, I review works of the writer and visual artist Nuno Ramos as a favorable occasion to reflect on the relationship between destruction and creation on the border between written and visual language. The work follows two reciprocal axes, non-hierarchical: the first axis is emphasizes the theoretical and critical part of the research. In the second, it presents poems and other personal texts, writings produced during the research, and that are part of the reflection.

[pt] A dissertação Dramaturgia de Gestos apresenta uma reflexão teórico-conceitual sobre a noção de gesto voltada para a escrita cênica. A pesquisa se concentra na percepção da influência de certos elementos referentes ao conceito em questão, em projetos de artes performativas (dança, teatro, perfomance) com ênfase no distanciamento de valores e procedimentos do modelo de teatro dramático, observados a partir dos anos 70 e sobretudo, em seus desdobramentos, atualmente, na primeira década do século XXI. Importante marcar que não se trata de tentar localizar e atribuir valor à presença do gesto em determinadas obras, como se o conceito abarcasse pressupostos e medidas pré-determinados. Pelo contrário, a noção de gesto se interessa justamente pela desarticulação de modelos unitários e discursos assertivos, pertencentes às instituições e aos organismos de poder. A partir da ideia de cartografia a pesquisa traça paralelos entre gesto, presença, experimentação, ruptura, temporalidade e linguagem. Os conceitos de Diagrama e Corpo Sem Orgãos, de Gilles Deleuze auxiliam na compreensão da dramaturgia como um conjunto operatório de traços e linhas, composto por molduras e limites, borrados por manchas assignificantes e não-representativas, compreendidas como zonas de caos. A catástrofe ou o caos funcionam como ferramentas de desarticulação da estrutura, abrindo espaço para a incidência de momentos daquilo que tenta se compreender como gesto. / [fr] La thèse Dramaturgie de Gestes présente une réflexion théorique et conceptuelle sur la notion de geste dirigée vers l écriture scénique. La recherche se concentre sur la perception de l influence de certains éléments relatifs à la notion en question, dans des projets d arts de la scène (danse, théâtre, performance), en mettant l accent sur les valeurs et les procédures du modèle dramatique de théâtre, observés à partir des années 70 et surtout, dans son déroulement, actuellement, dans la première décennie du XXI siècle. C est important de souligner qu il ne s agit pas de chercher à localiser et assigner une valeur à la présence du geste dans certaines oeuvres, comme si le concept engloberait des hypothèses et des mesures prédéterminées. Au contraire, la notion de geste s intéresse précisément à la désarticulation des modèles unitaires et des discours affirmatifs, qui appartiennent aux institutions et aux organes du pouvoir. De l idée de cartographie, la recherche établit des parallèles entre le geste, la présence, l expérimentation, la rupture, la temporalité et le langage. Les concepts de Diagramme et de Corps Sans Organes, de Gilles Deleuze, aident à comprendre la dramaturgie comme un ensemble opératoire de traits et de lignes, composé par des cadres et des bordures, brouillé par des taches non-signifiantes et non-représentatives, entendues comme des zones de chaos. La catastrophe ou le chaos agissent comme des outils de la désarticulation de la structure, faisant place à l incidence des moments de ce que s essaie de comprendre comme geste.

[pt] A presente tese procura desvelar na filosofia de Martin Heidegger a questão da representação nas artes visuais. O pensamento acerca da arte em Heidegger se desvincula da estética, visto que ele se distancia de qualquer maneira de lidar com a arte enquanto objeto de apreciação subjetiva do ser humano. Assim, apresento uma exposição da crítica da metafísica e do pensamento da representação empreendidas pelo filósofo, principalmente nos domínios da arte. Com este propósito investigo a própria obra de arte, retomando e desenvolvendo questões fundamentais no pensamento heideggeriano, como o conceito de ser e de verdade. No ensaio A Origem da Obra de Arte, a concepção de verdade surge como abertura originária e desvelamento e a arte é pensada como formadora e transformadora de mundo. A história da arte é compreendida então como uma história de descontinuidade, na qual cada mudança é uma ruptura, um espaçamento que faz origem, que abre um novo mundo. Assim é próprio da arte desvelar a verdade de uma época histórica. O passo seguinte é dado ao abordar o escrito Sobre a Sistina, em que Heidegger traz importantes elementos para a reflexão sobre a arte e a crítica da estética. Por fim, remeto-me aos escritos em que Heidegger trata da questão da escultura e de sua relação com o espaço: Observações sobre Arte - Escultura - Espaço e A Arte e o Espaço. Aqui investigo as noções de espaço e lugar na obra do filósofo e o modo que elas dialogam com as obras dos escultores Eduardo Chillida e Benhard Heiliger. Em um último esforço, reflito sobre como a arte possibilitaria um pensamento não representativo. Na arte temos espaço para um novo tipo de pensamento, não mais ordenador e calculante, mas poético, do permanente devir do ser que faz parte da sua essência originária. Em suma, procura-se neste estudo articular o pensamento heideggeriano com uma análise orientada pelas artes visuais aprofundando a questão da representação e da crítica à metafísica. / [en] This thesis seeks to reveal, in Martin Heidegger s philosophy, the issue of representation in the visual arts. Thinking about art in Heidegger departs from the aesthetic, since he distances himself of any form of dealing with art as an object of subjective appreciation of the human being. Thus, I present a critique of the metaphysics and the thought of representation undertaken by the philosopher, mainly in the fields of art. For this purpose I investigate the work of art itself, resuming and developing fundamental issues in Heidegger s thought, as the concept of being and of truth. In the essay The Origin of the Work of Art, the conception of truth emerges as an original opening and unveiling, and art is thought as creating and transforming the world. The history of art is then understood as the history of discontinuity, in which each change is a breach, a gap that originates a new world. Therefore the art typically reveals the truth of a historical era. The next step is taken by addressing the writing About Sistine, where Heidegger brings important elements for reflection on criticism and aesthetics. Finally, I refer to the writings in which Heidegger comes to the subject of sculpture and its relationship to space: Observations on Art - Sculpture - Space and The Art and Space. Here I investigate the concepts of space and place in the work of the philosopher, and the way they relate with the works of sculptors Eduardo Chillida and Benhard Heiliger. In one last attempt, I reflect on how art would allow an unrepresentative thought. In art there is space for a new kind of thinking, not orderly and systematic anymore, but poetic, from the continuous transformation of the being that belongs to its original essence. In summary, this study seeks to articulate Heidegger s thought with an analysis guided by the visual arts, getting more in depth in the matters of representation and metaphysics critique.

[pt] A tese apresenta uma série de 32 andamentos relativos ao tema do esquecimento. Sua premissa aposta em um modo de esquecimento que não apaga totalmente o objeto esquecido. Assim, não se faria em oposição à memória ao produzir uma escrita - a escrita do esquecimento. Este trabalho, portanto, desenha as possibilidades desta escrita através de trinta e dois blocos (bocados) que funcionam como andamentos musicais. A ideia dos andamentos visa aproximar os traços do esquecimento de uma escuta, o texto da oralidade e as palavras de seu som. Os textos variam em seu ritmo e tamanho e compõe um modo críticoficcional de pensar o esquecimento que foi elaborado durante os quatro anos desta pesquisa. / [en] This thesis presents a series of 32 paces related to the theme of oblivion. Its premise focuses on a type of oblivion that does not entirely erase the forgotten object. Thus, it would not oppose memory upon producing a piece of writing - the oblivion writing. This work, therefore, traces the possibilities of such writing throughout thirty twon blocks (bits) which function as musical paces. The idea of paces aims to bring the traces of oblivion closer to the act of listening, a text closer to the oral communication and the words closer to their sounds. The texts vary in their rhythms and sizes and make up a critical-fictional way of thinking of oblivion that was elaborated during the four years of this research.

[pt] Esta dissertação tem como tema central o Teatro Negro e doravante esta temática, constrói uma relação de investigação com Rodrigo França e seus empreendimentos. A partir de trabalho de campo realizado com este sujeito e sua rede de relações, em especial na produção do espetáculo Jorge Pra Sempre Verão, temos a produção de uma etnografia. Tal empreendimento é realizado na perspectiva de articular arte, antropologia, educação e práticas políticas. Com objetivo de considerar as contribuições de Rodrigo França e sua pedagogia antirracista, que perpassa os múltiplos campos de atuação deste sujeito, mas também verificando em que medida suas ações são fruto de uma continuidade histórica, é empreendida uma pesquisa acerca de dois momentos do Teatro Negro. O Teatro Abolicionista e o Teatro Experimental do Negro ganham destaque, pois, nos ajudam a refletir em que medida conseguimos articular teatro, educação e práticas políticas. Ainda que a partir de diferentes atuações e práticas, são capazes de produzir agência e transformações dentro e fora dos palcos. Na intenção de estabelecer conexões entre teatro e educação, aqui a arte é considerada a partir de suas capacidades agentivas e conectivas. A pedagogia antirracista empreendida por tais movimentos se faz necessária e urgente na construção de uma sociedade democrática e justa. / [en] This dissertation has as central theme the Black Theater and henceforth this theme, builds an investigation relationship with Rodrigo França and his enterprises. From a fieldwork carried out with this subject and his network of relationships, especially in the production of the show Jorge Pra Sempre Verão, we have the production of an ethnography. This enterprise was carried out from the perspective of articulating art, anthropology, education, and social movements. In order to consider the contributions of Rodrigo França and his anti-racist pedagogy, which permeates the multiple fields of action of this subject, but also verifying to what extent his actions are the fruit of a historical continuity, a research about two moments of the Black Theater is undertaken. The Teatro Abolicionista and the Teatro Experimental do Negro are highlighted because they help us to reflect to what extent we can articulate theater, education and political practice, even if with different performances and practices, are able to produce agency and transformations on and off the stage. In the intention of establishing connections between theater and education, art is considered here from its agentive and connective capacities. The anti-racist pedagogy undertaken by such movements is necessary and urgent in the construction of a democratic and just society.

[pt] A pesquisa investiga as relações entre percurso, escrita e entropologia presentes na obra do artista visual norte-americano Robert Smithson. Considerando sua proposição de entropia, que postula o desgaste inevitável da matéria e a busca de suas evidências in situ, o corpus do estudo será constituído especialmente por dois trabalhos de texto e fotografias produzidos em movimento: A tour of the monuments of Passaic (1967), em que Smithson visita o subúrbio de Nova Iorque onde cresceu rodeado por terrenos em construção em torno do conceito de non-site como ruína ao reverso; e Mirror displacements in the Yucatán (1969), quando o artista visita o território mexicano, posiciona espelhos na floresta tropical e estabelece um diálogo especulativo com as divindades maias e astecas. Em ambos, o artista sai em busca de sinais de ruína, acúmulo e desgaste na paisagem, em um exercício de entropologia – isto é, uma abordagem artística dos efeitos da entropia na paisagem e na cultura, um desdobramento da prática proposta por Claude Lévi-Strauss no final de Tristes Trópicos e levada à cabo por Smithson através de suas obras em deslocamento. Com olhar atento às camadas de produção textual do artista, a pesquisa examina, de maneira especulativa, as anotações de Smithson sobre a construção conceitual do non-site e como ele pode ser constituído através de uma escrita desdobrada em mapas, cartografias e rascunhos que acompanham seus textos, propondo uma leitura atualizada de determinadas questões estéticas e políticas levantadas pelo artista nos anos 60, tais como o enantiomorfismo, a cristalografia, a cultura como acúmulo e desgaste e o pensamento científico como ficção. / [en] The research investigates the connections between travelling, writing, and entropy present in the work of the American visual artist Robert Smithson. Considering his proposition of entropy, which posits the inevitable wasting away of matter and the search for its evidence in situ, the corpus of the study will consist especially of two works of text and photographs produced in movement: A tour of the monuments of Passaic (1967), in which Smithson visits the New York suburb where he grew up surrounded by building sites revolving around the concept of non-site as ruin in reverse; and Mirror displacements in the Yucatán (1969), when the artist visits the Mexican territory, places mirrors in the rainforest and establishes a speculative dialogue with Mayan and Aztec deities. In both, the artist travels in search of signs of ruin, accumulation, and decay in the landscape, in an active exercise of entropology - that is, an artistic approach to the effects of entropy on landscape and culture, a development of the practice proposed by Claude Lévi-Strauss at the end of A World on the Wane and carried on by Smithson through his works in displacement. With an attentive eye on the layers of the artist s textual production, the research examines, in a speculative way, Smithson s notes on the conceptual construction of the non-site and how it can be constituted through an unfolded writing in maps, cartographies, and drafts that accompany his texts, proposing an updated reading of certain aesthetic and political issues raised by the artist in the 1960s, such as enantiomorphism, crystallography, culture as accumulation and decay, and scientific thought as fiction.

[pt] A presente dissertação percorre a exposição Zonas Críticas: observatório para políticas terrestres, com curadoria de Bruno Latour e Peter Weibel (2020), que aborda a oposição entre as ideias de Globo e de Zona Crítica –, apontando para formas distintas de pertencimento e agência no contexto do colapso ecológico. A partir da exposição e das imagens por ela mobilizadas ao longo de seis seções, analiso o modo como a incongruência entre o que Latour chama de os territórios dos quais dependemos e aqueles nos quais de fato vivemos existe não apenas como um sintoma de desconexão, insensibilidade ou indiferença, como argumenta o autor, mas também como resultado de um profundo investimento psíquico, afetivo e desejante dos sujeitos modernos que mediam suas relações com o mundo através do privilégio da negligência e da falta de cuidado com as condições que possibilitam suas existências, minimizando inseguranças e incômodos na busca por estabilidade. Proponho que essa desconexão é uma forma particular de negação, que não representa uma inflexão ou ponto fora da curva da trajetória moderna, mas antes nos mantém apegados à fantasia dessa modernidade como horizonte de possibilidades. Nesse sentido, investigo os entraves ao movimento de aterragem proposto pela exposição e a falta de perspectivas futuras não como consequências de uma incapacidade imaginativa ou paralisia, mas como uma insistência em direcionar os nossos desejos e sensibilidades para soluções supostamente fáceis, que na verdade inviabilizam o luto e o desapego dos vínculos que nos prendem a um mundo já em ruínas – cujo apelo ainda parece irresistível. Ficar com a negação, no sentido mobilizado por Donna Haraway ao afirmar que devemos ficar com o problema, aparece enquanto estratégia para reconhecermos as contradições que atravessam os sujeitos, a fim de não mais suprimi-las, e sim, compreender como elas têm sido mobilizadas politicamente enquanto oportunidades de corroborar fantasias de ordem e estabilidade que seguem, paradoxalmente, retardando o enfrentamento do colapso ecológico. / [en] This dissertation walks through the exhibition Critical Zones: observatory for land politics, curated by Bruno Latour and Peter Weibel (2020), which addresses the opposition between the ideas of Globe and Critical Zone - pointing to distinct forms of belonging and agency in the context of ecological collapse. Drawing on the exhibition and the images it mobilizes over six sections, I analyze how the incongruence between what Latour calls the territories we depend on and those in which we actually live exists not only as a symptom of disconnection, insensitivity, or indifference, as the author argues but also as a result of a deep psychic, affective, and desiring investment of modern subjects who mediate their relations with the world through the privileging of neglect and lack of care for the conditions that make their existence possible, minimizing insecurities and discomforts in the search for stability. I propose that this disconnection is a particular form of denial, which does not represent an inflection or a point outside the curve of the modern trajectory, but rather keeps us attached to the fantasy of this modernity as a horizon of possibilities. In this sense, I investigate the impediments to the grounding movement proposed by the exhibition and the lack of future prospects not as consequences of an imaginative incapacity or paralysis, but as an insistence on directing our desires and sensibilities toward supposedly easy solutions that actually make it impossible to mourn and detach from the bonds that bind us to an already crumbling world-whose appeal still seems irresistible. Staying with the denial, in the sense mobilized by Donna Haraway when she says that we should stay with the problem, appears as a strategy to recognize the contradictions that cross the subjects, in order to no longer suppress them, but to understand how they have been politically mobilized as opportunities to corroborate fantasies of order and stability that continue, paradoxically, delaying the confrontation of ecological collapse.

[pt] Esta tese se propõe a refletir a postura de Jacques Derrida diante das obras de arte ditas visuais. Partindo de uma invisibilidade na fonte de todo visível, Derrida problematiza a estrutura hierárquica do pensamento estético, abrindo uma outra abordagem artística não sobre, mas em torno das obras. O famoso tema de um abalo desconstrutivo no pensamento metafísico da presença desdobra-se, neste trabalho, na in-visibilidade do traço do desenho e na espectralidade da imagem cinematográfica. / [fr] Cette thèse vise à penser le point de vue de Jacques Derrida vis-à-vis les oeuvres d art visuels. En partant d une invisibilité à la source du visible, Derrida met en question la structure hiérarchique de la pensée esthétique en ouvrant une autre approche, non pas sur les images, mais autour d elles. Le célèbre thème du choc déconstrutif dans la pensée métaphysique de la présence est traité, ici, dans l in-visibilité du trait du dessin et dans la spectralité de l image cinematographique.

[pt] Capas de disco: modos de ler busca chaves de leitura para compreender a relação entre a música e a cultura visual no século XX e início do XXI. Ao deslocar o objeto de uma discoteca, seu espaço tradicional de fruição musical, e trazê-lo para o campo dos estudos culturais, uma infinidade de leituras se apresenta. As capas são uma forma de arte muito particular, analisá-las é fundamental para entender as diversas formas em que seus mecanismos operam. A música é, por sua vez, um instrumento importantíssimo para entender a cultura visual de forma mais ampla. Este trabalho se vale de ferramentas do campo da história da arte e de outros dispositivos analíticos interdisciplinares para explorar as imagens e sua potência. O argumento central da tese defende a ideia de que as capas contribuem para a construção de um sentido musical, enriquecendo o processo estético do fruidor. Os anos 1950 foram essenciais para firmar a capa como elemento primordial para o disco. Foi também a partir dos anos 1950 que artistas plásticos e fotógrafos penetraram no mercado das gravadoras, vendendo seus talentos e experimentando concepções visuais inovadoras em capas. Ou seja: a criatividade de alguns capistas abriu novos caminhos e permitiu explorar novas concepções para as artes de LP. Procura-se, assim, mostrar que as capas foram locus privilegiado e fértil de expressão para diversos fotógrafos e artistas plásticos consagrados se expressarem em escala industrial. Esta tese busca entender a capa para além da simples ilustração e compreendê-la não só como invólucro ou objeto de design, mas principalmente como objeto artístico, tão importante quanto o conteúdo. Estão em foco neste trabalho principalmente dois aspectos que se complementam. Por um lado, analisa-se a capa de disco como campo de experimentação artística, ou seja, um suporte de trabalho para inúmeros artistas plásticos e fotógrafos. Por outro, que não deixa de complementar esse mesmo campo, reflete-se sobre a capa como suporte para o retrato do sujeito, no sentido restrito de portrait, que subentende tecer laços com o gênero pictórico secular. / [en] Album covers: ways of reading them aims to search for keys to interpret the relation between music and visual culture in the XXth century and the beginning of the XXIst. By displacing the object from a discotheque, its usual space of musical fruition, and bringing it to the cultural studies field, an infinity of possibilities come up. Covers are a very particular art form, analyzing them is central to understand the different forms in which their mechanisms operate. Music on the other hand, is a very important instrument to apprehend visual culture in a broader way. This work uses tools from the art history field and other interdisciplinary analytic devices to explore images and their strength. The central argument of this thesis asserts that album covers contribute to the construction of a musical meaning by enriching the esthetic process of the listener. The 1950s were essential to establish the album cover as primary element for the record. It was also in the 50s that visual artists and photographers penetrated the record company markets selling their talents and experimenting innovative visual layouts. In other words: the creativity of some cover artists opened new paths and enabled new conceptions for the album cover artwork. This work seeks to show that album covers were a notorious and fertile place of expression for photographers and visual artists to express themselves in a large scale. This thesis aims to understand the album cover beyond a simple illustration, and to grasp it not just as a packaging or design piece, but mainly as an artistic object, as important as the content itself. This work focuses on two aspects that complement themselves. On one hand, we analyze the record cover as a field of artistic experimentation, that is, a support for many visual artists and photographers to work on. On the other hand, that complements this same field, a reflection is made on the cover as a support for the portrait of the subject, in the restrict sense of the portrait, that aims to establish ties with the secular pictorial genre.

[pt] A presente tese se debruça sobre a passagem das danças de orixá do terreiro para as artes cênicas, no intuito de pensar a relação entre arte e sagrado através de trabalhos em dança de coreógrafos brasileiros. Para isto, no entanto, parte de uma revisão crítica da perspectiva simbólico-representativa que guia as análises de textos canônicos sobre o candomblé, oriundos das disciplinas de antropologia e etnologia, sobretudo. Com este movimento inicial, se propõe a questionar esta perspectiva como um pressuposto ou um paradigma das análises que não leva em consideração uma crítica à tradição do pensamento por representação, ao passo que o candomblé teria seus próprios pressupostos filosóficos e cosmológicos, como uma visão de mundo que não necessariamente opera pela função simbólicorepresentativa. Em seguida, dedica-se a uma releitura da questão da biopolítica a partir do paradigma imunitário, que relaciona o saber científico sobre o corpo a uma concepção de política e democracia, interessante para se pensar a relação de uma sociedade fundada sob o regime colonial e escravista com os modos de vida e as visões de mundo não europeias no Brasil, uma vez que o candomblé foi se constituindo como uma religião à qual estas questões confluíam, tendo em vista o dinamismo inerente à tradição em que se fundamenta o culto. Por fim, a dança surge como campo de pensamento e de saber no qual as contradições se encontram e se resolvem a partir de um trabalho com o corpo, ressaltando positivamente sua multiplicidade - e não, como no projeto biopolítico, no intuito de confiná-lo mediante concepções dicotômicas. Isto se dá, primeiramente, a partir de uma reflexão acerca da importância do som e da música como modos de pensar as organizações políticas, econômicas e sociais, numa desierarquização dos sentidos a partir da qual emergem racionalidades e visões de mundo. Finalmente, o trabalho de coreógrafos e bailarinos brasileiros que tomam como técnica não só as danças de matriz europeia, como o balé clássico, as danças moderna e contemporânea, mas também as danças de matriz africana, mais especificamente, os pés de dança de orixá. Essa passagem dos terreiros para o palco vem a levantar uma discussão sobre a relação entre o sagrado, o ritual e a arte, como campos que, segundo uma visão de mundo do candomblé, se pudermos chamar assim, não estão separados. / [en] This thesis aims to think about the passage of the dances of the orishas from the religious context of Brazilian candomblé to the stage, taking as an issue the relation between art and the sacred trough the works on dance of Brazilian choreographers. For this purpose, however, the thesis begins with a critical review of the symbolic and representative perspective that guides most of the canonic texts about Brazilian candomblé, mainly in the fields of anthropology and ethnology. This initial movement aims to put in question this perspective as a presupposition of the analyses that doesn t consider a critique to the representative paradigm that guide the western thought, once candomblé has its own philosophical and cosmological presuppositions, as a world view that not necessarily operates through this same symbolic and representative logic. Following this first movement, it dedicates to a rereading of the biopolitics issue from the immune paradigm that relates the scientific knowledge about the body to a political and democratic conception, which is interesting to think about the colonial and slavery system relations to the non-European ways of living and world views in Brazil that shaped the construction of candomblé as a religious body to which these issues flows, considering the inherent dynamism of the tradition in which it is based upon. The dance arises as a field of thought and knowledge in which the contradictions get together and are solved through the work with and from the body, emphasizing its multiplicity in a positive way - and not as in the biopolitical project that aims to confine it in opposite conceptions. This comes, first, through a consideration about the sound and the music as ways to think political, economic and social organizations, in order to undo the hierarchy of senses from which emerge different rationalities and world views. Finally, the works of Brazilian choreographers that take as a dance technique not only the European dances, but also the African dances and, more specifically, from the orishas that belongs to the religious tradition of candomblé. This passage from the terreiros (the temples) to the stage brings forward the relation between the sacred, the ritual and art as fields that, according to a world view founded in candomblé, if we can refer like that, are not aparted.