[pt] A harmonia e a beleza expressas pelas obras de arte plásticas gregas elevaram-nas a um patamar modelar ao longo da história da arte. Apesar disso, não foram muitos os intérpretes que se voltaram para a questão das artes plásticas na literatura deste mesmo período histórico. Em Platão, por exemplo, outros temas, como das artes poética e sofística, são notavelmente mais trabalhados pela literatura secundária. Isto provavelmente se deve ao fato das artes plásticas aparecerem timidamente nos diálogos, sendo usadas, na maior parte dos casos, em comparações, analogias ou metáforas. Neste trabalho preferimos o tema marginal e voltamo-nos ao estudo das noções de pintura e escultura no contexto do pensamento de Platão. Com a intenção de obter uma visão alternativa à da República no que diz respeito às artes miméticas, investigamos sobre a questão das artes plásticas no que se costuma considerar como último desenvolvimento do pensamento de Platão. Segundo a interpretação mais difundida, no último livro da República Platão condena e expulsa os artistas de sua cidade ideal. Esta mesma apreciação negativa das artes imitativas seria mantida ou modificada em diálogos posteriores? Partimos de uma leitura das ocorrências das noções de pintura e escultura no Sofista, onde encontramos a distinção das artes miméticas em divina e humana. A partir desta distinção, abordamos as aspectos divinos e humanos das artes plásticas, por meio de uma interpretação de sua presença em dois outros diálogos, a saber, o Timeu e as Leis. No Timeu as artes plásticas são usadas para retratar o trabalho do deus demiurgo do mundo; nas Leis, são as obras produzidas pelos homens que são abordadas, principalmente quanto à sua função na cidade construída pelos personagens. Delineamos a percepção de Platão a respeito destes gêneros artísticos, e buscamos compreender o lugar que as artes plásticas ocupam no seu pensamento. / [en] Greek plastic art s harmony and beauty made it a model throughout history. In spite of that, only a few scholars have researched about these arts in Greek literature. In Plato, for example, other themes such as the poetic and the sophistic arts are usually more approached. This probably occurs because Plato rarely refers to the plastic arts and uses it mostly in comparisons, analogies or metaphors. Even so, in this thesis we have chosen to research the plastic arts in Plato s thought. The main text on mimetic arts in Plato s dialogues is Republic X. In this book the mimetic arts are condemned and banished from the ideal city. With the purpose to obtain an alternative view about these arts from Plato, we ve decided to study some dialogues considered posterior to the Republic, generally considered to represent the ultimate development of Plato s thought. Will this condemnation remain or will his view be modified in his late works? We begin by an analysis of the Sophist, where we find the distinction between two kinds of mimetic art: the divine and the human. According to this distinction, we ve approached the divine and the human aspects of the plastic arts. To do that, we have considered the uses of the arts of painting and sculpture in other two dialogues: the Timaeus and the Laws. In the Timaeus the plastic arts are used to describe the work of the god demiurge who creates the universe; in the Laws, the characters talk about painting and sculpture as men s works, and mostly about their function in the city imagined in the dialogue. According to the passages which we have interpreted, we have outlined Plato s view about these arts, and other than that, we have attempted to understand the place of these arts in Plato s thought in general.

[pt] A presente pesquisa busca compreender os quadrinhos como expressão que recria conteúdos e formas de outras artes. Em perspectiva interdisciplinar, assume-se o viés da intermidialidade, segundo a qual a relação entre as artes é também uma relação entre mídias, para analisar os quadrinhos como forma de expressão que se constitui historicamente a partir de processos que recriam e reapresentam os procedimentos de outras artes, como a literatura e a pintura - e, não, como um sistema autônomo, cujas zonas de contato com outras artes constituem meros cruzamentos de fronteiras bem demarcadas. Objetiva-se também mostrar que a sarjeta, como expediente de montagem nos quadrinhos, oferece um ângulo privilegiado para pensar a intermidialidade, já que, em seus usos mais experimentais e fragmentários, torna menos transparente a relação que os quadrinhos estabelecem com a pintura e a literatura. Este trabalho é composto de duas partes: uma, teórica, que consiste no resgate interdisciplinar de parte da fortuna crítica disponível sobre o tema, e outra parte que constitui um experimento teórico na proposição da escritura de uma história em quadrinhos cuja relação com a pintura e seus textos traz à tona o tema da intermidialidade, e cujos procedimentos de montagem remetem às discussões propostas pela pesquisa. A HQ realizada nesta pesquisa chama-se Jardim das Sinapses - ensaio gráfico biocêntrico, e resulta do trabalho de pesquisa em parceria com o artista plástico e editor Sérgio Manon. / [en] This research seeks to understand comics as an expression that recreates contents and forms of other arts. In an interdisciplinary perspective, it assumes the approach of intermediality, according to which the relation between the arts is also a relation between media. This research seeks to understand comics as a form of expression that is historically constituted from processes that re-create and re-present the procedures of other arts, such as literature and painting - and not as an autonomous system, whose zones of contact with other arts are mere crosses of well-demarcated frontiers. It is also intended to show that the gutter, as a set-up in comics, offers a privileged angle to think of intermediality, since, in its more experimental and fragmentary uses, it renders less transparent the relation that comics establish with painting and literature This work is composed of two parts: one, theoretical, which consists in the interdisciplinary rescue of part of the available critical fortune on the subject, and another part that constitutes a theoretical experiment in the proposition of the writing of a comic book whose relation with painting and his texts bring to the surface the theme of intermediality, and whose procedures of montage refer to the discussions proposed by the research. The comics manufactured in this research is called Jardim das Sinapses - a biocentric graphic essay, and results from the research work in partnership with the artist and publisher Sergio Manon.

[pt] Ut pictura poesis: um panorama histórico das relações entre pintura e poesia é uma análise crítica do percurso histórico das relações entre as denominadas artes gêmeas. A partir de premissas que se baseiam na permanência do topos ut pictura poesis e da ekphrasis como constantes na literatura ocidental, a investigação busca mapear historicamente os turning points das relações entre as duas artes, assim como organizá-los de um modo coerente e panorâmico que permita que as manifestações comparativas contemporâneas sejam analisadas à luz de seus antecedentes práticos e teóricos. / [en] Ut pictura poesis: a historic overview of the relationship between painting and poetry is a critical analysis of the historical development of the relationships between the so-called twin arts. Assuming the topos ut pictura poesis and ekphrasis as constants in western literature, the research seeks to historically map the turning points in the relationship between the two arts, as well as organize it in a coherent and panoramic way that allows that contemporary comparative expressions to be analyzed with the theoretical help of its practical and theoretical antecedents.

[pt] A presente dissertação pretende investigar os diálogos entre a pintura oitocentista e a subjetividade moderna, explorando como a modulação subjetiva do século XIX se torna visível na produção artística do período em questão ao mesmo tempo que também produz impactos no campo da arte. Partindo de Michel Foucault, que ensina a questionar o que é visto como inevitável, esta pesquisa compreende que a forma que estamos e nos relacionamos com o mundo não é natural, mas histórica, e que a experiência subjetiva do homem moderno, caracterizado pela sua interioridade psicológica, reverbera em diversas produções humanas — entre as quais a arte, sobretudo a pintura, ocupa um lugar de especial destaque. Sem estabelecer causas e consequências diretas, este trabalho tem como objetivo construir relações entre a pintura e as maneiras de perceber e experimentar o mundo que são produzidas na Modernidade, investigando como as novas possibilidades no campo artístico podem ser compreendidas tanto como produtos quanto como produtoras de uma nova experiência de ser sujeito. / [en] The present work intends to investigate the possible dialogues between 19th century painting and modern subjectivity, exploring how the subjective modulation of the 19th century became visible in the artistic production of the period, while also creating impact in the field of art. Starting with Michel Foucault, who teaches to question what is seen as inevitable, this research understands that the way we are and relate to the world is not natural, but historical, and that the subjective experience of the modern man, characterized by his psychological interiority , reverberates in several human productions — among which art, especially painting, occupies a special place. Without establishing direct causes and consequences, this work aims to build a relationship between painting and the ways of perceiving and experiencing the world that are produced in Modernity, investigating how the new possibilities in the artistic field can be understood both as products and as producers of a new experience of being a subject.

[pt] No contexto das pesquisas que se desenvolvem no LILD, DAD, PUC-Rio, sobre o encapsulamento de colmos de bambu, este trabalho explora uma nova modalidade de proteção do material, que se desdobra em benefício estético. Em síntese, propõe-se aqui a pintura ou impregnação de pigmentos e corantes sobre superfícies de colmos de bambu com resinas transparentes e translúcidas. A proposição que origina esta tese deriva da premissa de que a geometria do bambu extraído é a característica mais relevante de sua forma, e não a cor natural, que perde seu viço após a extração do solo. Nesse sentido, desde os primeiros experimentos com pintura, percebemos que a cor artificial poderia substituir a cor natural, realçando a curvatura da fibras longitudinais e outros aspectos da geometria única do bambu, dando origem, em verdade, a uma outra dimensão possível do material, na qual a perda da naturalidade crômica seria compensada por ganhos em representação geométrica – para além dos benefícios em relação à proteção do material e em coerência com a integração forma/função que marca a essência do design. Considerando a cor, nessa e noutras funções, a pesquisa compreende quatro produções inter-relacionadas no tempo: a) Experimentos iniciais de pintura, impregnação de cores e encapsulamento; b) Manejo de algumas espécies de bambu, pintura e encapsulamento de bambus abertos e construção de objetos tensegrity para testes de resistência às tensões e à ação do tempo; c) Produção dos objetos demonstrativos das aplicações de uso; d) Instalações. Constituindo-se na espinha dorsal do trabalho, as quatro produções são expostas em linha de tempo no capítulo 3, demonstrando desencobrimentos e técnicas aplicadas. Os capítulos precedentes de introdução e contextualização abordam aspectos relacionados a esse eixo principal, com foco na cor como função na natureza, no design e na arquitetura. / [en] In the scope of the researches developed at LILD, DAD, PUC-Rio about the encapsulating of bamboo stems, this work explores a new way to protect this material, which also creates esthetic benefits. We propose the painting or impregnation of pigments and dyes on surfaces of bamboo stems with transparent and translucent resins. This thesis proposition is that the most relevant characteristic of the shape of the extracted bamboo is its geometry, rather than its natural color, which loses its freshness after the extraction. Since our first painting experiments, we realized that artificial color could replace the natural one, highlighting the longitudinal fiber s curves and other aspects of the unique geometry of the bamboo, originating a new possible dimension of the material, where the loss of natural color would be compensated by gains in geometric representation – in addition to benefits regarding material protection and in keeping with the integration of form and function that is the essence of design. Regarding color, in this and other functions, the research comprehends four interrelated productions: a) initial experiments of painting, color impregnation and encapsulating; b) handling of some bamboo species, painting and encapsulating open bamboos and construction of tensegrity objects used in stress tests for tension and the effects of time; c) production of objects to demonstrate possible uses; d) installations. Being the backbone of this work, these four productions are displayed on the timeline in Chapter 3, showing the uncovering and the techniques applied. The preceding chapters (Introduction and Contextualization) approach aspects related to this main axis, with a focus on color as a function in nature, as well as in design and architecture.

[pt] O presente trabalho busca explorar, no universo pictórico de Henri Matisse, o processo de uso da cor - seus efeitos e desdobramentos - como veículo de passagem do suporte tradicional - o quadro de cavalete - aos Papiers Découpés, trabalhos desenvolvidos na última década da vida do artista. No intuito de inscrevê-los como decorrência do conjunto da obra, procura-se verificar a linha condutora que liga os Papiers Découpés ao cerne da poética do artista. Toma-se como proposição o Decorativo, principal fator de sucesso nessa ousada transposição da qual resulta uma pintura arquitetônica. / [fr] Le présent travail a pour but d explorer, au sein de l univers pictural de Henri Matisse, le processus d utilisation de la couleur - ses effets et dédoublements - comme véhicule de passage du support traditionnel - le tableau de chevalet - aux Papiers Decoupés, travaux développés au cours des dix dernières années de sa vie. Nous cherchons à vérifier le fil conducteur qui lie Les Papiers Découpés au coeur de la poétique de l artiste, avec l intention de les inscrire comme conséquence de l ensemble de l oeuvre. Nous proposons le Décoratif comme facteur principal de succès au cours de cette audacieuse transposition, dont il ressort une peinture architecturale.

[pt] Pollock, Rauschenberg e Cage. Formas residuais do pictórico na era da reprodução técnica aborda uma trajetória de pequenos colapsos da autonomia do campo pictórico como efeito das mediações da reprodução da imagem, no contexto norte-americano entre o final da década de 1940 e a década de 1950. É uma época caracterizada por dois movimentos fundamentais, que afetam o discurso crítico e a produção artística: o fim da era da mecânica – o cinema é uma máquina modernista – e o início da eletrônica – que inaugura as possibilidades da televisão e do vídeo. Jackson Pollock e Robert Rauschenberg operam nesse momento de transição e, ao longo da tese, são testadas possíveis relações entre, por um lado, certa desagregação do campo pictórico em Pollock e, por outro, a tentativa de reorganização da pintura a partir da integração do índice fotográfico operada por Rauschenberg. Nesse contexto, a figura de John Cage, além de introduzir o primeiro Rauschenberg, é um contraponto interessante a Pollock: por um lado, o compositor torna-se porta-voz das poéticas antiautorais de Marcel Duchamp e da busca por uma suposta transparência das sensações do corpo, que encontra sua matriz na tradição do pensamento zenbudista, por outro, sua poética ainda traz as marcas de certo idealismo. Isso revela um contexto histórico no qual tanto a definição de um campo autônomo da arte quanto a dissolução entre arte e vida tornam-se perspectivas vãs frente à emergência do mercado – da cultura, das imagens, da arte, da moda e dos objetos de consumo –, que atravessa todas as instâncias de produção e recepção da obra. A busca pelo esgarçamento do pictórico nas virtualidades do fotográfico se dará através de referências a temas centrais da filosofia benjaminiana e à teoria do Olhar de Jaques Lacan, autores que colocam certa ênfase no resíduo, na sobra e nas ruínas. / [en] Pollock, Rauschenberg and Cage. Residual Forms of the Pictorial in the Age of Technical Reproduction describes a trajectory of small collapses in the pictorial field in the North American context between the late 1940s and the 1950s. This is an era characterized by two fundamental movements affecting critical discourse and artistic production: the end of the era of mechanics – cinema is a modernist machine – and the transition to the electronic media – television and video. This thesis explores relations between a disaggregation of the pictorial field in Pollock Jackson and Robert Rauschenberg s attempts to reorganize painting based on the integration of the photographic index. John Cage is crucial in this context. If, on the one hand, the composer becomes a spokesman for Marcel Duchamp s antiauthoritarian poetics and the search for a supposed transparency of the sensations of the body, which finds its matrix in the tradition of Zen-Buddhist thought, on the other, his poetics still bears the marks of a certain idealism, revealed by a historical context in which both the definition of an autonomous field of art and the dissolution of art and life become vain perspectives in the face of the emergence of the market – of culture, images, art, fashion and consumer objects –, traversing all instances of production and reception of the work. With references to themes from Benjaminian philosophy and the theory of the Gaze of Jaques Lacan, both emphasizing residues, remains and ruins, we examine the fraying of the pictorial in the virtualities of the photographic.

[pt] Se imagem, por sua anfibologia, pode ser tomada como uma proposição dada à contemplação tanto quanto uma operação da consciência, a pintura parece ser um locus privilegiado para observar a intensificação de seus desafios ao pensamento, assim como arena apoteótica de sua neutralização. Este trabalho se empenha em deslindar alguns aspectos do problema das imagens, visando contudo, aclarar a possibilidade de uma reflexão sobre a mímesis na pintura moderna. O trabalho do pintor Édouard Manet (1832-1883) é assim analisado como contra-exemplo da reiteração de uma premência imitativa nas artes visuais – sem que com isso deixe de se enfatizar as profundas conexões estabelecidas entre obra e mundo. Nossa especulação incidirá sobre a formulação do lugar das imagens no pensamento ocidental, a fim de aclarar se algumas proposições iniciais não se apresentam ainda como entraves na reflexão contemporânea. Por não ser de todo corriqueiro, o empreendimento teórico sobre a mímesis, juntado aí a ênfase das imagens como um modo de relação sui generis, permite refletir sobre a ênfase poiética na pintura de Manet, distanciando-a da sombra de ser ela uma mera crônica reiterativa. Esta investigação, portanto, pretende oferecer uma objeção ao mecanicismo imitativo de alguns dos discursos sobre artes visuais. / [en] If image, due to its amphibology, can be taken as a proposition given to contemplation as much as an operation of consciousness, the realm of painting seems to be a privileged locus to observe the intensification of its challenges to thought, as well as an apotheotic arena of its neutralization. This paper endeavors to unravel some aspects of image s surrounding issues, aiming, however, to clarify the possibility of a reflection on mimesis in modern painting. The work of painter Édouard Manet (1832-1883) is thus analyzed as a counter-example of the reiteration of an imitative urge in the visual arts – without neglecting to emphasize the deep connections established between the work and the world. Our speculation will focus on the formulation of images locus in Western thought, in order to clarify whether some initial propositions do not yet present themselves as obstacles in contemporary reflection. As it is not commonplace, the theoretical enterprise on mimesis, along with the emphasis on images as a unique mode of relationship, allows us to reflect on the poietic emphasis in Manet s painting, distancing it from the shadow of being a mere scandalous and repetitive chronicle. This investigation, therefore, intends to offer an objection to the imitative mechanism of some established discourses on visual arts.

[pt] A obra pictórica de Jackson Pollock está geralmente associada à invenção do all over e das drip paintings na segunda metade da década de quarenta em Nova Iorque. De fato, tal é o momento de maestria da força poética de Pollock que, depois de anos de insistente busca da sua verdade, finalmente dá o salto que irá repotencializar toda a aventura plástica moderna, que naquele momento vivia um impasse. Esta dissertação propõe repensar o estudo da pintura de Pollock, seguindo pari passu o desenvolvimento do artista, desde o início nos anos trinta até as black paintings, último grande momento, buscando ver o que está sendo dito na obra e também o seu silêncio. O que torna-se realmente estimulante tendo-se em vista a musicalidade latente das pinturas. A pintura de Pollock deixa-se apresentar como um todo complexo, e à primeira vista contraditório, sobretudo pela diferença que marcam as fases de sua carreira. Entretanto, e aqui concentrou-se o meu esforço, visualizamos por entre o convulsivo das linhas labirinto, uma coerência na busca essencial do artista, qual seja, dar ritmo e vida à pintura. No caso de Pollock, isso tem um peso excepcional, uma vez que diz respeito a aspectos fundamentais da linguagem pictórica moderna. Jackson Pollock faz a maxima afirmação da pintura moderna no pós-guerra, e paradoxalmente, assinala um impasse que sua própria radicalidade acabou por gerar. / [en] Jackson Pollock’s paintings are usually associated with the all over and drip paintings’ inventions during the mid-forties in New York. In fact, that’s the moment where his genius came to the most exciting period of his career. After years of struggling within, he finally “broke the ice” and started to reevaluate the plastic modern adventure. This dissertation is about Pollock’s paths, since the beginnings of the thirties until the black paintings, his last big period. At first, Pollock’s work seems complex and very contradictory, however, and that’s my point, if we see through this labyrinth a very coherent line lies underneath the appearance, in search for life and rhytms to his paintings. In Pollock’s case, it gains a special flavour for it deals with fundamental aspects of the modern alphabet. Jackson Pollock makes an assertion of the painting and paradoxically reveals an impasse that his own radical art generated.

[pt] A tese Giorgio Morandi e o respeito pelas coisas de uso, retoma a produção artística de Giorgio Morandi 1890-1964, um dos mais importantes artistas italianos do século XX, para restabelecer dentro do período de formação do Modernismo suas relações com a produção cultural europeia coetânea. A tese busca mostrar como a obra de Morandi se apresenta como uma alternativa à interpretação artística hegemônica feita pelo Cubismo da obra de Cézanne, privilegiando aspectos dessa poética que foram relegados a segundo plano por Picasso e Braque, notadamente a percepção de um espaço em profundidade corporalmente determinado, porém conjuminando essa espacialização com a linguagem planar estabelecida pelos cubistas. Procuramos mostrar que as buscas de Morandi não tinham afinidades somente no campo das artes, mas como a produção de sua obra e as questões por ela elaboradas, particularmente como o entendimento plástico das coisas e utensílios que lhe servem como motivo para suas naturezas–mortas estão em sintonia com o conceito de coisa e coisidade tratado pxsor Heidegger em A origem da obra de arte e O que é uma coisa?, ambos os textos escritos em 1935. As indagações artísticas de Morandi, de modo mais amplo, têm profundas afinidades com o método fenomenológico de Husserl, Heidegger e Merleau-Ponty. / [en] The dissertation Morandi and the Respect for Things of Use reexamines the artistic production of Giorgio Morandi (1890-1964), one of the most important Italian artists of the 20th century, in order to reestablish, within the time frame of the development of Modernism, his connections with contemporaneous European cultural production. The dissertation shows the ways in which Morandi s work presents itself as an alternative to Cubism s hegemonic artistic interpretation of Cézanne s work, favoring aspects of Cèzanne s poetics that Picasso and Braque relegated to the background – notably the perception of corporally determined depth of space – while at the same time uniting this spatialization with the language of flatness established by the Cubists. The dissertation seeks to demonstrate that Morandi s investigations had affinities not only in the arts, but that the production of his body of work and the questions it raised – in particular the visual understanding of things and utensils that motivated his still-lifes – were in line with the concept of thing and thingness elaborated by Heidegger in The Origin of the Work of Art and What is a Thing? both written in 1935. Morandi s artistic inquiries, in a broad sense, have deep affinities with the phenomenological method of Husserl, Heidegger and Merleau-Ponty.