Cette thèse pose la question de l’exigence artistique dans les pratiques théâtrales en amateur. On s’appuie principalement sur l’observation de festivals de portée départementale ou nationale, suivant l’hypothèse que ces manifestations favorisent les discussions sur les choix esthétiques. La recherche se déploie autour d’une interrogation : quand une activité artistique se pratique dans un cadre non professionnel, comment s’articulent les objectifs d’amélioration de la qualité des spectacles avec le souci de maintenir un respect mutuel ? Constituée à partir de l’analyse des représentations et des rencontres inscrites à l’affiche des festivals, l’étude a été complétée par des entretiens avec les membres des troupes participantes, des comités d’organisation ou des jurys, dont certains artistes professionnels. On structure les résultats obtenus en s’intéressant d’abord aux conditions dans lesquelles les amateurs satisfont leur passion et en évoquant les moyens et les outils dont ils se dotent collectivement pour y parvenir. Puis on envisage les façons dont les amateurs exercent leur jugement quand il leur faut construire le programme d’un festival. On aborde alors les festivals en les considérant comme des expériences de vie et on considère les valeurs mises en œuvre dans ces aventures humaines. Un dialogue est instauré entre tous ces aspects et différentes conceptions théoriques de l’art, selon que l’accent est placé sur ce qui se passe lors d’une représentation, sur les intentions, sur l’expertise ou sur les effets. On insiste sur la dimension sociale de ces pratiques et sur le fait que le temps disponible est consacré de préférence au plateau, plutôt qu’aux discours / This thesis deals with the question of the artistic demand in amateur theatre practices. It mainly relies on the observation of national or departmental festivals, based on the assumption that these events allow for the debating about aesthetical choices. The research is driven by on the interrogation: when one practises an artistic activity as a non-professional, how to articulate the objectives of improving the quality of the shows with the concern for maintaining a mutual respect? The study analyses performances and group discussions scheduled during the festivals, completed by interviews with some members of companies, or of the organising committees, or of the juries, some of them being professional artists. The results are taken up, in turn, beginning with the conditions under which the amateurs satisfy their passion, including the means they collectively develop and put into action, therefore. Then the ways of assessing one’s taste when having to elaborate the program of a festival are examined. It is then proposed to regard festivals as whole experiences of life and to take into account the values which are at work during these human adventures. All these aspects are put into dialogue together with some theoretical conceptions of art, according to the most significant elements: intentions, expertise, effects. The social dimension of the practices is underlined, as well as the fact that amateurs have rather spend their time on scene, rather that discussing

La pratique picturale de He Jaiying nous place face à un paradoxe esthétique : en dépit de sa dimension hétérotopique celle-ci peut-elle être considérée comme une œuvre contemporaine ? Ainsi cette première réflexion nous a –t-elle engagé à interroger la position et le rôle de l’héritage culturel dans les pratiques picturales d’hier et d’aujourd’hui. Nous avons également dû nous intéresser à la question du monde de l’art et de son rapport à une production artistique dite « contemporaine ». Or, en quoi consiste au fond le contemporain ? Le contemporain n’est pas une chose que l’on montre. Il se montre lui-même dans les présences qu’il habite parce qu’il échappe justement à la représentation. De fait, il est une expérience et se vit comme telle. Dans sa quête de spontanéité, nous en faisons l’expérience dans un présent toujours en fuite. De sorte qu’en dehors du temps, ou temps d’entre les temps, il relie les différentes temporalités qui construisent la continuité chronologique. En cela, il n’y a rien de caché. Ou plutôt, ce qui se dissimule dans les œuvres est ce quelque chose que l’on ne voit pas mais à quoi on est sensible. C’est le trouble que nous renvoie la sensation étrange d’un temps hors du temps. Le contemporain est l’expérience que nous faisons du présent dans l’actualité de son événement. C’est un état de suspension. C’est pour cette raison que la présence y prend un caractère total, holiste. Contemporaine au sens où ce qu’elle met en lumière « ne quitte jamais le moment où il naît » (Jean-Luc Nancy), l’œuvre de He Jiaying est un intensificateur de présence et en cela, elle nous rapproche de la sensation absolue d’être-là. / He Jiaying’s pictorial practices leave his viewers with an aesthetic paradox: can his work be considered as contemporary art, despite its heterotypic dimension? A continuity of this initial reflexion from this leading lights of the gongbi artistic genre, leads the viewer to further question the position and the role of cultural heritage in the pictorial practices of today and yesteryears. But what is the link between the world of art and a work of art defined as “contemporary”?What does the contemporary consist of? The contemporary is not something that an artist can show. It reveals itself within the presence it inhabits because it escapes, fittingly, from such representation. It is a de facto experience and is lived as such. In its pursuit for spontaneity, we experience it in the ever-eluding present, so that that it is outside of time, or a time between time, linking different temporalities that make up chronological continuality. In that, nothing is hidden, or more to the point, the thing that is dissimulated in a work of art is that something that we do not see but that we recognise and are sensitive to. It is the discord that gives the viewer that strange feeling of time outside of time. The contemporary is the experience that we have of the present within the actuality of its passing. It’s a state of suspension, and it is for this reason that its presence takes on a total holistic character.Contemporary in the sense of the visible as “it never leaves the moment in which it was born” (Jean-Luc Nancy), the works of He Jiaying is an “intensificator” of presence and therefore, brings us closer to the absolute sensation of just being.

Certains spectacles, alors même qu’ils n’utilisent aucun matériel ni aucune technique cinématographiques (écran, caméra, images filmées), donnent au spectateur une impression de cinéma. Ils réveillent chez le spectateur une mémoire cinématographique qui tout en étant individuelle, appartient à une culture commune. Parce qu’il constitue un patrimoine commun, le cinéma est un moyen pour le spectateur d’exprimer l’expérience qu’il fait d’un spectacle. Notre idée étant que la présence du cinéma au théâtre dépasse la question de la composition de l’œuvre elle-même et qu’elle s’exerce aussi par le regard de ceux qui le reçoivent. Le cinéma du théâtre auquel nous nous intéressons est un cinéma « intérieur », formé de réminiscences suscitées par des spectacles qui portent en eux les traces d'un cinéma parfois oublié, toujours assimilé, incorporé. Ces « impressions » qui forment le cœur de notre travail résultent donc d’une double pratique de spectateur de théâtre et de cinéma chez ceux qui créent le spectacle et chez ceux qui le reçoivent. Nous proposons d’envisager l’intermédialité au théâtre au sein du spectateur et de sa mémoire, du simple fait que le spectateur de théâtre, est a priori un spectateur d’autres arts et que ses habitudes de perception esthétique se construisent par le biais de plusieurs pratiques. La notion d’impression permet de penser le rapport entre l’œuvre théâtrale et le spectateur. De la réception à l’analyse, l’impression liée au caractère intuitif de la perception et à son ancrage affectif joue un rôle essentiel dans l’élaboration de la pensée. Il s’agit de faire de l’impression un terrain de recherche et de s’en emparer avec ce qu’elle comporte de subjectivité, d’intuition et nécessairement d’approximation. Plutôt que de contourner la subjectivité souvent perçue comme un écueil, pourtant inhérent à l’analyse, il s’agira d’en faire un objet d’étude. L’enjeu sera de comprendre comment le cinéma en tant que culture visuelle et sonore, en tant que pratique façonnant des habitudes de réception, des discours, des réflexions critiques, des courants de pensée peut influencer le théâtre contemporain français notamment par le regard qu’on lui porte. / Certain theatre performances, even if using neither cinematographic material nor techniques nevertheless give the spectator an “impression of the cinema”. They create patterns of perception that films have accustomed us to and solicit a cinematographic memory in the spectator. Even if this is wholly individual, it still belongs to a common culture. Moreover, it takes place through the process of interpretation. For example, the spectator in discussing a theatrical performance borrows from the technical and artistic imaginary of a vocabulary unique to the cinema. These “impressions” form the core of the following work and are the result of a viewing practice that is at once theatrical and cinematic.Impressions play a central role in the elaboration of thought and are connected to the intuitive character of perception and its emotional foundations. What has been made into an object of study in the following work is the very subjectivity that is most often avoided as a stumbling block to interpretation even if it is inherent in any mode of analysis. The following work will make an effort grasp what the passing of cinema in contemporary theatre allows us to say about the latter. It will do this through an analysis of a sample of current representative theatrical works and how the spectator’s speech is produced through them and in relation to the cinema. Several contemporary theatrical productions will be at the centre of this study: Salves de Maguy Marin, Les Marchands of Joël Pommerat, Ricercar de François Tanguy or This is how you will disappear by Gisèle Vienne.

Les incapacités motrices lourdes engendrent des situations de handicap au cours desquelles l’autonomie du corps et du sujet sont bousculées. Les attendus et les évidences du corps valide sont suspendus. Ne pouvant plus agir directement sur elle-même ou sur son environnement, la personne en situation de handicap doit passer par l’intermédiaire d’un dispositif d’aide polymorphe constitué à la fois d’aides humaines et techniques. Au cours de chacune des interactions avec ce dispositif, les limites entre soi et l’autre, entre l’intérieur et l’extérieur, se brouillent.A partir de trois enquêtes ethnographiques réalisées auprès de personnes en situation de handicap vivant à domicile, la recherche doctorale a pour objet l’analyse de cette expérience corporelle. Dans une première partie, la thèse montre que la singularité de cette expérience repose sur le principe d’une distribution du corps, alternant entre déconstruction de soi et renégociations empiriques des frontières à partir de la définition d’une intimité. La recherche distingue ensuite trois formes possibles d’une existence au quotidien avec des incapacités motrices. Chacune d’entre elles se traduit par unedistribution singulière des frontières de l’identité / Severe motor impairments generate disability situations in which the autonomy of body and of the subject are disrupted. Expectations and taken-for-granted attitudes regarding the valid body are challenged. No longer in capacity to act directly on themselves or on their environment, persons with disabilities must interact with polymorphic help devices consisting of both human and technical aids. In these interactions, limitations between self and others or between inside and outside are blurred.Based on three ethnographic studies conducted with persons with disabilities living at home, the doctoral research aims at analyzing their specific corporal experience. The first part of the dissertation analyzes the experience of people with severe motor impairments as an experience of a distributed body, alternating between self-destruction and empirical negotiations of body frontiers with reference to intimacy. The second part distinguishes three forms of the experience of everyday life with severe motor impairments, which result in different distributions of the frontiers of self

L’objectif de cette thèse est de comprendre comment Luc Ferrari construit l'hétérogénéité de sa musique. Le compositeur conçoit la création comme un espace dans lequel, d'après ses mots, des idées qui n’ont pas « fatalement de liens entre elles » se rencontrent. L’œuvre devient alors un espace de cohabitation, de frottement, dans lequel d’autres composantes partagent l’espace avec « la musique », au sens étroit du terme. Avec les propositions lieu, récit et expériences, il sera question de tentatives pour caractériser ces composantes autres qui constituent l’hétérogène ferrarien. Dans la première partie, « musique et lieu », nous voyons comment les œuvres deviennent, par moments, des lieux. Des espaces réels, extérieurs, en rapport à un vécu. Á ce propos nous analyserons Hétérozygote. Dans la deuxième partie, « musique et récit », nous étudions l’importance que le compositeur donne à la narration dans ses œuvres, partant de sons anecdotiques jusqu’à l’évolution générale de scénarios. Avec l’analyse de Far-West News, nous mesurons comment Luc Ferrari construit des œuvres qui s’appuient tout autant sur une forme musicale que sur le développement des histoires. Enfin, avec la troisième partie « musique et expériences », nous voulons faire référence à une confluence de vécus : les anecdotes présentées par Luc Ferrari résonnent dans le vécu des auditeurs, qui déversent leurs expériences au sein des œuvres. Par l’expression de son vécu, Luc Ferrari appelle et travaille avec ces expériences subjectives des auditeurs, qui partagent aussi l’espace des œuvres. L’œuvre à analyser dans cette partie est Chantal, ou le portrait d’une villageoise. / The objective of this thesis is to understand how Luc Ferrari builds the heterogeneity of his music. The composer conceives creation as a space in which, according to his words, ideas that do not “necessarily have links between them” meet each other. Pieces then become a space of cohabitation, of friction, in which other components share space with "music", in the narrow sense. The propositions “place, story and experiences” are attempts to characterize these others components that constitute the heterogeneous of Ferrari’s music. In the first part, "music and place," we see how pieces become, at times, places. Real spaces, externals, in relation to a lived experience. In this part we will analyse Hétérozygote. In the second part, "music and story", we study the importance that composer give to the narrative in his work, starting from the sons anecdotiques to the general evolution of scenarios. With the analysis of Far-West News, we measure how Luc Ferrari’s works rely as much on musicals forms as on the development of stories. Finally, with the third part, "music and experiences", we want to refer to a confluence of experiences: the anecdote of the composer resonates in the experience of the listeners, who dump their experiences into the pieces. Through the expression of his experience, Luc Ferrari calls and works with these subjective experiences of listeners, who will also share the spaces of works. To explain this idea, we will analyse Chantal, ou le portrait d’une villageoise.

La thèse propose une étude de l’expérience du patrimoine et de sa médiation à travers les publicités touristiques du territoire. Ces dernières actualisent la totalité du système « territoire-patrimoine-acteurs » et le mécanisme trinitaire qui fait du territoire un construit. Elles traduisent ainsi les regards croisés des touristes ( l’étranger), des locaux (l’indigène ) et du terroir, leurs logiques d’acteurs, d’authenticité, d’identité et d’imaginaire et les processus touristiques et culturels qui les accompagnent en termes de réenchantement, de réappropriation et de représentations. L’étude de l’expérience du patrimoine se déploie en trois temps. Le premier dessine les prolégomènes de l’analyse. Il étudie dans une perspective systémique, soutenue par la méthode des études de cas, le cadre territorial et touristique de l’expérience du patrimoine. La capacité du patrimoine à « faire monde » et à faire sens, à travers les stratégies de développement et de communication touristique territoriale, constitue le cadre premier de l’expérience. Le deuxième temps envisage de manière théorique et pratique à travers un corpus de visuels le cadre publicitaire de l’expérience du patrimoine. Cette partie s’appuie notamment sur une vision ontologique de l’expérience à « l’intersection de l’esthésique, de l’esthétique et de l’éthique » pour analyser le rôle du patrimoine dans un système d’objets et d’échanges contenus dans des images spécifiques, et dans le contexte de la sémiose des territoires. Le troisième temps étudie l’expérience patrimoniale du cadre des publicités touristiques territoriales. Les démarches empiriques menées sont organisées, dans le prolongement de l’analyse du cadre, par les trois catégories qui selon Peirce structurent l’expérience humaine : éprouver le patrimoine (priméité), faire l’expérience du choix avec le patrimoine (secondéité), percevoir la contribution du patrimoine à la construction identitaire de l’image dans le cadre d’une expérience congruente ou partagée des valeurs (tiercéité). / The thesis proposes a study of the overall experience of heritage through tourism advertising of territories. They actualise the system "territory-heritage actors", the Trinitarian mechanism and the territory as a "constructed". Therefore, they reflect the viewpoints of tourists ("foreign"), local ("native") and the "terroir", their logics of actors, the authenticity, the identity and the imagination and the tourist and cultural processes that accompany them in terms of "re-enchantment, reappropriation and representations". The study of the heritage experience unfolds in three stages. The first step describes the prolegomena of the analysis. It deals in a systemic perspective, supported by the case study method, the territorial and touristic aspect of the experience of heritage. The capacity of the heritage to "make worlds" and to make sense, through the development strategies and territorial tourism communication is the first part of the experiment. The second stage deals a part of the heritage experience from a theoretical and practical point of vue through a visual corpus of advertising . This part is based mainly on the ontological vision of the experience at "the intersection of the aesthesic, the aesthetics and the ethics" , concepts developed by J.J. Boutaud and E. Véron (2007) to analyze the role of Heritage in a system of objects and exchanges activated in specific images, and in a particular context, semiose of territories. The third stage analyzes the heritage experience of the framework of territorial tourism advertisements. The conducted empirical approaches are organized in the framework of the extension of the analysis by the three categories according to Peirce structure of human experience : taste the heritage (firstness), experiment the choice with the heritage (secondness), understand Heritage's contribution to building the identity into the image in the context of a shared experience or congruent values (thirdness).

Cette thèse a pour objet de traiter la problématique de l’œuvre d’animation et des expériences cognitives et sensorielles qui animent le corps. Elle a pour point de départ la pratique de l’image et de l’audiovisuel qui s’intéresse à la sensation du mouvement. La voie à des travaux sur la relation du corps au dispositif d’animation a été ouverte par l'approche des images et des films. Ceux-ci ont été conçus à partir de dessins, d’objets et d’environnements naturels qui se transforment dans le temps, sous l’effet de mutations biologiques (plantes), de changements de décors (lumières), ou de constructions manuelles (bâtiments d’habitation).Le cinéma d’animation et les arts plastiques sont ainsi les principaux champs d'investigation pour une étude de l’expérience sensible du mouvement, de la relation aux espaces, aux objets et aux images façonnés par des techniques mais aussi vécus biologiquement par l’organisme. La thèse est attentive aux dispositifs au service de la création des œuvres d’animation et interroge la relation aux outils de création mais aussi le rapport à l’espace et au temps du quotidien. L’œuvre d’animation est donc envisagée comme création plastique et cinématographique, mais aussi comme l’expression d’un rapport particulier au réel. S’appuyant sur un corpus de films d’animation réalisés par Jan Švankmajer, Lesley Adams, Blu, William Kentridge, Pierre Hébert ou Virgil Widrich, cette recherche explore le rapport ambigu aux objets, la distance incertaine entre animé et inanimé et la mémoire comme matériau sensible. Par le déplacement de l’ordre et des fonctions des éléments employés, par la manipulation de leurs images et objets, les méthodes et processus de création de certaines œuvres d’animation témoignent d’une perturbation du sens, permettant des projections imaginatives au potentiel poétique. L’expérience du mouvement engendrée par l’animation des images est mise en lien avec d’autres disciplines artistiques, notamment la danse et le théâtre. La thèse examine le corps en tant qu'interface et lieu d'une résonance des images animées. Elle permet de questionner les limites du corps, la problématique du morcellement et de la fragmentation, à la fois dans nos modes cognitifs et dans les systèmes de fabrication d’œuvres d’animation. / This thesis is based on image practices dealing with the sensation of movement. Images and films are designed with drawings, objects and natural environments that change over time, like through biological mutations (plants), shift of scenery (lights), or manual constructions (buildings). Their processes of transformation open the way on the relationship between the body and the animation device. Cinema and visual arts are thus the main fields canvassed to investigate thecognitive and sensory experiences of motion. They concern the connection to affective places, shaped by the embodied experience of space, but also by technology. By focusing on the creative processes of animation films, visual arts productions and their devices, we examine our relationship with creation tools in everyday environments.The work of animation is approached as filmmaking and artistic creation, but it also reveals a particular relationship to the real, to the body set in motion. Based on the films of Jan Švankmajer, Lesley Adams, Blu, William Kentridge, Pierre Hébert or Virgil Widrich, this research explores the ambiguous connection to objects, to the memory as sensitive material, and the uncertain distance between the animate and inanimate. By shifting the organization and functions of elements, bymanipulating their images and objects, some animation practices reflect a disturbance of the sense, giving rise to imaginative projections and to a poetic potential. To examin the body as an interface of the resonance of animated images, the experience of motion is also approached throughout performative arts such as dance and theater.This research questions the limits of the body, the issue of fragmentation and partition, both in our cognitive arrangements and in manufacturing systems of animation.

Cette thèse interroge les images dans le parcours de soin de femmes touchées par un cancer du sein. Nous questionnons de façon spécifique les images ayant trait à la chirurgie curative du cancer du sein, images représentant la transformation du corps de la femme. Notre objectif est de comprendre les usages des images dans la consultation chirurgicale et de saisir leur interaction avec l’expérience de la maladie vécue par les patientes. Nous nous appuyons sur l’approche des représentations sociales pour appréhender la notion d’image selon deux acceptions. D’une part, l’image renvoie à l’iconographie ; ce qui nous intéresse alors est l’objectivation graphique, forme d’objectivation qui ne passe pas par les discours mais par la transformation des idées en entités concrètes dans des objets graphiques réels, comme l’iconographie circulant dans différents contextes. D’autre part, la notion d’image nous sert à désigner la dimension figurative des représentations sociales. Sous cette signification, l’image renvoie à l’aspect concret des représentations sociales, issu du processus d’objectivation. Ces deux acceptions de la notion d’image sont mises en lien avec la dimension expérientielle et les processus de genèse et de transformation des représentations sociales. Les méthodes d’enquête que nous avons mises en place sont qualitatives et s’inscrivent dans des lieux de soin. Nous nous appuyons sur un plan méthodologique reposant sur le principe de la triangulation des méthodes, qui permet d’atteindre différentes facettes de l’objet, dans différents contextes. Dans notre étude, la méthode d’observation de consultations chirurgicales est éclairée par des entretiens et focus groups avec des patientes.Les observations de consultations permettent de relever les types d’images utilisés dans ce contexte et les usages qui en sont faits : photographies et schémas sont principalement employés pour représenter la chirurgie du cancer du sein, chaque type d’image mettant en scène le corps selon des caractéristiques singulières. Si les patientes commentent peu ces images au cours des consultations, entretiens et focus groups nous donnent accès à leur perspective : photographies et schémas n’entrent pas en interaction de la même manière avec l’expérience des patientes et ne renvoient pas aux mêmes univers représentationnels. / This thesis questions the images in the treatment of breast cancer. More particularly, we question the images related to breast cancer curative surgery representing the transformation of the woman body. Our objective is to understand the use of the images in surgical consultation and to seize their interaction with the experience of the disease by the patients. We rely on the approach of social representations to comprehend the concept of image according to two different acceptances. On the one hand, the image refers to iconography; therefore, what interests us is the graphical objectification, which does not imply speeches but the transformation of ideas into concrete entities in real graphical objects such as the iconography available in different contexts. On the other hand, the concept of image is used to refer to the figurative aspect of social representations. Under this meaning, the image refers to the concrete aspect of social representations emanating from the objectification process. These two acceptances of the concept of image are linked to the experience dimension and to the genesis and transformation processes of social representations. We used qualitative investigating methods and worked in care centers. Our methodology is based on triangulation, which enabled us to assess different aspects of the object in different contexts. The method used to observe surgical consultations in our study was enlightened by interviews and focus groups held with patients.The consultation observations enabled us to highlight the types of images used in this context and how they are used: photographs and schemas are mainly used to represent breast cancer surgery as each type of image shows the body according to specific features. While the patients do not comment much these images during the consultations, they make more comments during interviews and focus groups, showing us their perspectives: photographs and schemas do not interact the same way with the experience of the patients, and do not refer to the same representational spheres.

Cette thèse interroge la transmission de l’expérience de l’inondation en rapport avec les contextes, situations et supports à partir desquels les souvenirs prennent forme et perdurent potentiellement. Sont questionnés plus spécifiquement les rôles des objets du quotidien et des artefacts mémoriels dans la construction et à la transmission de l’expérience de l’inondation. Pour répondre à cet objectif, cette thèse s’inscrit dans un champ conceptuel en psychologie sociale qui étudie la pensée sociale en contexte. Cette approche permet d’étudier l’élaboration des connaissances et leur transmission en étroite relation avec les contextes sociaux, temporels et spatiaux. Ce développement théorique permet de concevoir une approche dynamique et contextualisée des processus mémoriels. La théorie des représentations sociales est mobilisée puisqu’elle investigue la familiarisation comme un processus se réalisant en fonction des catégories signifiantes propres à la culture et à la mémoire des groupes. Afin de saisir l’objet de recherche à travers différents prismes et de confronter plusieurs points de vue sur l’expérience de l’inondation, deux méthodes sont utilisées. La combinaison d’entretiens de recherche avec des personnes ayant vécu une ou plusieurs inondations et d’une analyse de presse via la méthode Alceste, permet l’examen des savoirs mobilisés dans la représentation et dans la transmission de l’inondation, en tant qu’objet social et/ou expérience vécue. L’analyse des résultats montre que les objets sont les instruments d’une négociation de l’expérience, entre mémoire et oubli. Les artefacts mémoriels présents dans l’espace social résultent de cette négociation. Ils rappellent un événement tout en lui donnant une forme précise, contrôlée. L’événement est transformé que ce soit dans son récit ou dans son inscription spatiale pour revêtir une forme acceptable et conventionnelle. Ces objets peuvent soutenir la mémoire de l’événement et être au service de l’oubli des expériences. Tandis que cette objectivation graphique lisse la pluralité des expériences, les objets du quotidien offrent un interstice malléable entre l’oubli et la mémoire, un espace de négociation mémorielle. Ils servent de support à la narration tout autant qu’ils livrent une certaine représentation de l’événement. Leur sélection, sous-tendant des comparaisons ou des différenciations avec d’autres expériences d’inondation, permet de transmettre l’expérience vécue comme ancrée dans et selon des catégories existantes, tout en maintenant la singularité du vécu. Cette forme de transmission, articulant traces mémorielles et traces matérielles lors de la transmission d’une expérience correspond à un schéma admis et existant dans le contexte social et culturel. / This thesis investigates the transmission of flood experience in relation to the contexts, situations and entities based on which memories take shape and potentially persist. The role of everyday objects and memory artifacts in the construction and transmission of flood experience are specifically investigated. To meet this purpose, the present work falls within the conceptual field of social psychology, studying social thinking in context. This approach enables the study of the development of knowledge and its transmission in relation to social, temporal and spatial contexts. This theoretical development implements a dynamic and contextual approach to the study of memory process. Social representation theory is fundamental to this work because it investigates familiarization as a process based on creating significant categories depending on the culture and collective memory of the group. Two methods are used to capture different aspects of the object of research and compare multiple perspectives on flood experience. The combination of the research interviews of people who have experienced one or more floods and media analysis - using ALCESTE - allows the analysis of the knowledge used in the representation and transmission of the flood as a social object and/or an experience. The results show that objects are tools of the negotiation of the experience, between forgetfulness and memory. The memory artifacts in the social space are the result of this negotiation. They recall an event giving it a precise and controlled shape. The event is thus transformed into a story and its spatial inscription to have an acceptable and conventional form. These objects can support the memory of the event and serve the forgetfulness of experiences. While graphic objectivation attenuates the plurality of experiences, everyday objects provide a malleable gap between forgetfulness and memory, a space for memory negotiation. They serve as a support for the narration and, at the same time, offer a specific representation of the event. Their selection, underlying the comparison and differentiation with regards to other flood experiences, allows the transmission of past experience as if it was grounded into, and depending on, existing categories, maintaining at the same time the singularity of the experience. This way of transmission, linking together material and memory traces during the transmission of an experience, corresponds to an accepted and existing pattern well spread into the actual social and cultural context.

« Paysage » : un même mot recouvre aujourd’hui deux concepts distincts. Un paysage est une image (picturale, graphique, photographique, cinématographique, etc.) représentant une portion de territoire ; mais c’est aussi une portion de territoire réel dans le monde qui nous entoure, celle-là même qui peut faire l’objet d’une représentation imagée. Pour autant, le paysage n’est pas un simple environnement, mais un environnement d’un certain type, susceptible de donner lieu à une expérience esthétique distincte de celle d’un jardin, d’une forêt ou d’un bâtiment par exemple. Pour s’en tenir à un contexte culturel occidental, on constate que, bien que les paysages occupent une place importante dans l’expérience esthétique en général, ils ne sont guère mis en valeur dans la philosophie esthétique, qui tend souvent à les ignorer pour se consacrer exclusivement à l’art et aux œuvres d’art, ou bien à les méconnaître en les réduisant à autre chose – représentations artistiques ou simples environnements naturels. Dans cette thèse, on propose une réflexion de philosophie esthétique sur les paysages réels, en s’appuyant sur l’analyse approfondie de paysages particuliers, traités tantôt comme exemples illustratifs, tantôt comme véritables cas d’étude. Après avoir défini un concept autonome de paysage réel, distinct à la fois des paysages représentés et des simples environnements physiques, on s’interroge sur les conditions de l’identification de paysages particuliers. On s’appuie pour cela sur une série de paysages situés dans le pays qu’il est d’usage, outremonts, d'appeler « il Bel Paese », « le Beau Pays ». / “Landscape”: one same word, but two distinct concepts. A landscape is a (graphic, pictorial, photographic, cinematographic, etc.) picture, that represents an expanse of land; but it also is an expanse of real land in the world around us – precisely that one that can be represented in a picture. Nonetheless, landscape is not just a mere environment, but a certain type of environment, likely to produce an aesthetic experience distinct from that of a garden, a forest or a building for example. From the point of view of occidental cultures, one can observe that, although real landscapes play an important part in the general aesthetic experience, they are not much valued by aesthetic philosophy, that tends either to ignore them in the exclusive favor of art and works of art, or to misunderstand them by reducing them to something else – artistic representations or mere natural environments. This thesis intends to offer an aesthetic reflection on real landscapes, based on a deepened analysis of a series of particular landscapes taken either as mere illustrations or as specific case studies. Once an autonomous concept of real landscape has been defined, we question the conditions of identification of particular landscapes, using a series of landscapes situated in that country commonly referred, beyond the Alps, as “il Bel Paese”, “the Beautiful Land”.