Titre de l'écran-titre (visionné le 15 janvier 2024) / Au Québec, au premier cycle du primaire, l'enseignement de l'univers social est très peu encadré par le programme de formation, en plus du fait qu'aucune plage horaire ne lui est dédiée. Effectivement, la seule compétence prévue à ce niveau, « construire sa représentation de l'espace, du temps et de la société » (MELS, 2006a, p.166), est censée être travaillée par l'entremise du français ou des mathématiques. Cet état de fait rend plus difficile l'acquisition de concepts abstraits comme celui du temps. Il importe donc de mettre sur pied des projets significatifs, qui aident les élèves à faire des liens entre le passé et le présent, tout en construisant leurs références temporelles. C'est pourquoi nous avons décidé de créer et d'expérimenter un dispositif inspiré de la démarche d'histoire orale en classe (Fink, 2014a; 2014b) auprès d'élèves de 2e année du primaire. À l'automne 2021, 21 élèves ont été amenés à interviewer un proche aîné par rapport aux différentes étapes de sa vie afin d'écrire une courte biographie en trois temps (enfance, vie adulte et vieillesse). Ce mémoire comporte cinq chapitres qui décrivent le processus de création du dispositif et rendent compte des principaux résultats. Ainsi, le premier chapitre brosse un portrait de l'enseignement de l'univers social au primaire et des enjeux qui s'y associent. Le deuxième chapitre présente les assises théoriques du dispositif. Pour ce faire, l'approche d'enseignement de la notion de temps proposée par la didacticienne Julia Poyet (2009a; 2009b; 2013) et la démarche d'histoire orale à l'école proposée par la didacticienne Nadine Fink (2014a et 2014b) ont été mises de l'avant. Le troisième chapitre fait état de la méthodologie utilisée et du déroulement du dispositif. Ensuite, les chapitres quatre et cinq présentent les retombées de l'expérimentation du dispositif, obtenues à l'aide de l'analyse des différentes productions et observations récoltées ainsi que des entrevues menées a posteriori du projet. Cela nous a permis entre autres de montrer que les élèves ont approfondi leur représentation du temps en partie grâce à l'inclusion de la famille dans le projet, ce qui les a amenés à accorder une plus grande signification aux apprentissages réalisés. L'emploi d'une démarche historienne semble également avoir peaufiné les représentations du temps des élèves. Enfin, l'analyse des données démontre que les élèves ont été initiés à la pensée historique, une habileté essentielle pour la poursuite des études en univers social et en histoire pour la suite de la scolarité obligatoire. / In Quebec, social studies in first and second year take up a small place in the curriculum, in addition to the fact that no time slot is allowed. The only competency at this level, « construct his/her representation of space, time and society » (MELS, 2006a, p.166), must be developed through other disciplines, French or Mathematics. This makes it more difficult to acquire abstract concept, such as time. Therefore, it is important to build significant projects so students can establish links between past and present, while building their time references. Therefore, we have decided to create and experiment a didactic device inspired by the oral history approach (Fink, 2014a, 2014b) with 21 second year students. In the Fall of 2021, these students had to interview a close elder about the different stages of their lives and write a short biography separated in three stages (childhood, adult life, old age). This master's thesis is divided into five chapters that describe the creative process of the didactic device and report on the main results. The first chapter paint a picture of the state of social studies and the challenges that are associate in Québec's elementary schools d. The second chapter outlines the theoretical foundations of the device. It introduces and analyzes, on one hand, the teaching approach of time, as proposed by the researcher Julia Poyet (2009a, 2009b, 2013) and on the other hand, the oral history approach in schools developed by the researcher Nadine Fink (2014a, 2014b). The third chapter reports the methodology we used as well as the progress of the device. Then, the fourth and fifth chapters present the benefits of the project. In these chapters, we analyze and discuss the different productions and tools collected as well as the interviews with the students and the participating teacher. We were able to show that students have deepen their time representation partly due to the inclusion of their families in the project, which added more significance to the learnings realized. The use of an historical approach also seems to have refine their representation of time. Our research data have led us to the conclusion that students have been initiated to historical thinking, which will strengthen their ability to pursue social studies for the rest of their mandatory school years.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2011-2012 / Cette thèse se penche sur la correspondance que la famille de Théodore-Jean Lamontagne a échangée de 1852 à 1925. L'hypothèse soutenue veut que ce corpus épistolaire soit le véhicule d'une expérience migratoire. En effet, neuf des quinze enfants de cet homme d'affaires gaspésien se sont volontairement expatriés aux États-Unis et dans l'ouest canadien sans jamais briser le lien qui les unissait. Le présent travail cherche à dégager les caractères de la mobilité qui les a emportés au loin. La lettre objet, instrument et discours est le premier sujet abordé. Comme objet, elle est mémoire consignée puis conservée pour sa valeur de témoignage. Elle est message par sa matière et sa présentation, rendant compte de la condition sociale de ses auteurs, des atouts dont ils disposaient et des contraintes que leur terre d'adoption leur a imposées. Elle est lieu du discours quand, compensant l'absence de l'autre, le migrant y traduit ses besoins et assimile son vécu. Instrument, elle devient substitut familial, support psychologique et source de délivrance. Témoin des parcours individuels, la lettre est souvent porteuse d'un modèle de réussite, mais elle rend compte aussi des échecs personnels. Sa lecture révèle les ambitions qui peuvent expliquer des départs, les horizons d'attente qui animaient les parcours individuels les plus représentatifs chez les enfants de Théodore-Jean et d'Angélique Roy. L'analyse de cette correspondance offre l'occasion de démonter les mécanismes décisionnels quand vient le temps de partir. Il apparaît que la mobilité familiale fut une réponse imposée par les contraintes du présent, mais qu'elle a aussi été un choix exercé dans le cadre de stratégies familiales héritées du passé. En s'écrivant, les membres de la fratrie se sont réunis dans un espace épistolaire commun, rien de moins qu'une troisième dimension. Cette réalité, tangible par la masse documentaire en soi, se veut indicative par son contenu des déplacements de la famille à travers le continent. Considérée à un autre niveau, elle devient un univers immatériel, partagé entre le psychologique et le mental, où s'exprime le sentiment d'appartenance de ses auteurs. Le contact régulier de la famille avec l'extérieur ayant élargi leurs horizons, la lettre, miroir d'une époque, renvoie l'empreinte que les grands événements du temps ont laissée sur la destinée du groupe.

Ce mémoire tente de brosser un portrait de la figure de l'homosexuel créateur dans la dramaturgie québécoise depuis 1980. À travers l'examen de neuf pièces représentatives de ce corpus, il s'agit ainsi de démontrer en quoi l'expression de l'identité sexuelle des personnages est liée à la création (théâtre, écriture). En analysant comment les personnages homosexuels de ces pièces sont soumis au regard de la société, notamment en ce qui a trait à l'importance accordée aux rôles généralement dévolus aux genres (masculin/féminin), notre travail cherche à dégager l'influence de la condamnation de l'homosexualité dans le processus d'affirmation de l'identité sexuelle de ces personnages. Il s'agit ainsi d'étudier le mouvement qui mène de l'assignation d'un rôle déterminé à la réinvention de soi. Par ailleurs, le regard diachronique que propose ce mémoire permet d'observer la transformation de la représentation de la figure de l'homosexuel qui s'est opérée dans la dramaturgie québécoise depuis 1980.

Ce travail prend en considération deux champs disciplinaires: d'un côté on trouve la représentation actuelle du théâtre du Siècle d'Or espagnol, et de l'autre, les nouveaux langages technologiques de la scène contemporaine. Dans la très vaste production du 17e siècle espagnol, cette étude se concentre sur un auteur: don Pedro Calderon de la Barca (1600-1681) ; et parmi ses diverses oeuvres, on choisit comme objet de recherche le texte El Castillo de Lindabridis, (Le Château de Lindabridis, 1661ca). La thèse comprend une analyse théâtrologique qui couvre autant le contexte dans lequel la pièce a été conçue et montée pour la première fois, que l'horizon d'attentes du public d'aujourd'hui. On vise deux objectifs: 1) Caractériser le discours de spectacle de Calderon, qu'on a associé au développement technologique du théâtre au 17e siècle; et 2) Élaborer une proposition dramaturgique du texte, en actualisant sa dimension technologique. À chacun de ces objectifs correspond une des deux parties de la thèse. Ainsi, la deuxième partie, et plus spécifiquement le chapitre de la proposition dramaturgique, se veut une approche théorique nettement théâtrale, qui diverge et s'éloigne des études littéraires, car on décrit la démarche artistique et expérimentale de façon plus technique. Le lecteur devra faire appel aux sens de l'imagination visuelle pour suivre efficacement le contenu. Donc, dans cette recherche on essai d'approfondir l'étude des pièces de spectacle de Calderon à travers des explorations des nouveaux langages scéniques. On offre aussi une manière alternative de rapprocher la production des textes classiques au public contemporain. La richesse de l'oeuvre de Calderon et la nature même du théâtre, un art vivant que se transforme avec le temps selon son public et ses interprètes, fournissent beaucoup de matériel artistique et académique pour poser des nouveaux questionnements et développer des nouvelles possibilités créatives.

Edogawa Ranpo est considéré comme le fondateur du roman policier japonais moderne. Son style original, qui semble inclure le lecteur dans le texte grâce à différents dispositifs narratifs, nous apparaît comme une des raisons majeures de son succès ininterrompu depuis les années vingt. L'objet de cette thèse est avant tout de proposer une réflexion sur le statut du lecteur et sur la représentation intratextuelle de l'acte de lecture. Après avoir replacé l'écrivain dans son contexte historique et éditorial et dégagé ainsi le socle commun partagé par les lecteurs de romans policiers au Japon de l'époque, nous abordons, à travers ses oeuvres programmatiques réunies dans le recueil de nouvelles, Le test psychologique, publié en 1925, le contrat de lecture qu'il met alors en place. Il se dégage de ces récits très variés une volonté claire de proposer des textes toujours à la frange des conventions du genre, avec une prédilection pour un format qui favorise un rapport direct avec le lecteur sous la forme de très nombreux appels au lecteur. Ce dispositif original mis en place dans ses nouvelles est conforté à la fin des années vingt lorsqu'il commence à écrire des romans policiers en feuilletons à destination des revues grand public. Dans ce nouveau format, Edogawa Ranpo renvoie à son lecteur, par le prisme de récits rocambolesques et grâce aux techniques de mise en abyme et du refus de l'illusion référentielle, l'image d'une pratique voyeuriste, marquée du sceau de la monstruosité formelle. Le lecteur, jeune ou adulte, est constamment interpellé, rappelé à son statut et doit dans le même temps accepter un contrat de lecture qui met l'accent sur la narration et non sur l'histoire. Edogawa Ranpo utilise tous les outils de l'intertextualité pour transmettre à ses lecteurs un savoir générique à propos du roman policier et, dans le même temps, les placer dans une position de spectateurs, ce que nous appelons " spectacularisation " de l'acte de lecture. L'analogie des dispositifs narratifs des textes d'Edogawa Ranpo avec ceux des arts populaires (panorama, rakugo, cinéma muet), par un recours massif au commentaire, doublé de l'effet spéculaire de l'autoréférentialité, fait de l'oeuvre de Ranpo un objet exemplaire de métafiction s'appuyant sur des schémas de lecture paralittéraires.

Cette étude vise à définir le débat comme un genre, qui se constituerait à la fin du quatorzième siècle dans le sillage des jugements de Guillaume de Machaut. Une approche chronologique du corpus met en valeur la manière dont le débat se détache dans l’ensemble composite de la littérature de dispute : il développe une structure qui lui est propre, fondée sur un dialogue conflictuel s’achevant par un appel au jugement du lecteur, qui laisse en suspens la question. Il s’inscrit dès lors dans des pratiques ludiques qui lui donnent sens, et qui parodient la dialectique et la rhétorique pour faire émerger une parole individuelle, en prise avec un public : dialogue à décrypter entre des êtres ambivalents, où l’auteur-narrateur se fait personnage et abdique son autorité, le genre appelle une diction, voire une mise en scène. Le débat entretient donc un rapport étroit avec l’évolution de la lyrique courtoise vers une forme de poésie morale, qui fait vaciller les catégories de pensée grâce au jeu du dialogue et à la possibilité de lectures multiples. Il met en avant une forme de savoir qui se constitue dans un rapport personnel du lecteur au texte, tout en conservant la musique de la parole vivante et la richesse dramatique du jeu. / The aim of this study is to establish a definition of the debate as a literary genre, that would establish itself as such at the end of the fourteenth century in the wake of the Jugements by Guillaume de Machaut. A chronological approach of the corpus shows how the debate can be identified in the midst of the different kinds of dispute literature : it develops its own structure, based on an antagonistic dialogue ending with a plea to the reader’s wisdom, which leaves the issue open. It comes within the scope of recreational practices that give it meaning, and that parody dialectic and rhetoric in order to let an individual voice be heard directly by an audience : this genre consists in a dialogue between ambiguous beings, which has to be decrypted, where the author-narrator is a character and relinquishes his authority ; it needs to be spoken, or even performed. The debate has to do with the evolution of courtly lyricism, which tends to become a poetry dealing mainly with ethics and upsetting traditional categories of thought through the use of dialogue and the possibility of multiple meanings. It privileges a form of knowledge which consists in a personal relationship of the reader with the text, while still retaining the music of oral speech and the dramatic intensity of play.

Existe-t-il un mythe littéraire du forçat ? Peut-on dire que le roman de forçat est un genre voire un sous-genre littéraire ? A ces deux problématiques nous tentons de répondre dans notre thèse. Nous donnons tout d’abord une définition historique, sociale et physiologique du forçat, puis, en nous appuyant sur la notion de « bassin sémantique » établie par Gilbert Durand, nous analysons différents mythes et mythèmes tels que le diable, Napoléon ou encore le surhomme. Ce qui nous amène à la conclusion suivante que le forçat est bien un mythe littéraire. En prenant ensuite comme paradigme le roman de Ponson du Terrail, Le Bagne de Toulon, nous établissons une grille de lecture des thèmes et motifs récurrents – le bagne, l’évasion, la paternité, la poursuite ou encore la vengeance - que l’on peut trouver dans les romans où cette figure apparaît. Nous voyons enfin comment ce personnage est représenté dans la littérature étrangère et les formes qu’il a pu prendre depuis la période classique jusqu’à nos jours, galérien, bagnard et prisonnier. Nous montrons également qu’il a trouvé sa place aussi bien dans le théâtre que le cinéma et qu’il s’est imposé en tant que héros de la paralittérature : polar, science-fiction, western, roman d’aventures, bande-dessinée, etc. Par ailleurs, nous examinons, à travers l’œuvre d’Albert Londres et Henri Charrière, comment le récit de témoignage a contribué à la renaissance du roman de forçat. Le roman de forçat a encore de beaux jours devant lui comme l’illustrent les réécritures d’œuvres célèbres telles que Les Misérables ou Le Comte de Monte Cristo. / Is there such thing as a literary myth about the convict ? Can we say that literature dealing with convicts is a genre or even a sub-genre? These are the two issues we will adress in our thesis. First we give a historical, social and physiological definition of the convict ; the notion of “bassin sémantique” as established by Gilbert Durand, helps us analyse different myths and mythemes, such as the devil, Napoleon or even the superman and this leads us to the conclusion that the convict as a literary myth does exist. Secondly, we use the Bagne de Toulon by Ponson du Terrail as a pattern to discuss the recurrent themes and motives pervading the novels where such a figure appears : penal colony, escape, paternity, pursuit or even revenge. At last ,we consider the way this character is represented in foreign literature and the different forms it has taken since the classical period until to-day, whether it be galley slave, convict or prisoner. We also show that it is also present in other genres such as the theatre or the cinema and that it features prominently in marginal literature : detective novel, science-fiction, western, adventure story, comic strip. Besides, we examine how the accounts of Albert Londres and Henry Charrière contributed to a rebirth of the convict novel for which , as is illustrated by the rewriting of famous works such as les Misérables or The Count of Monte Cristo there are good times ahead .

En 1690, Madame d'Aulnoy fait paraître à Paris un roman intitulé l'Histoire d'Hippolyte, Comte de Duglas, dans lequel est inséré « L'Ile de la Félicité », reconnu comme étant le premier conte de fées littéraire. À ce dernier succèdent bientôt d'autres contes de différents auteurs qui publient souvent leurs récits sous forme de recueils. Le conte de fées devient rapidement une mode qui s'épanouit dans les salons mondains et à la Cour tout au long de la dernière décennie du XVIIe siècle. L'histoire et la critique littéraires, jusqu'au début du XXe siècle, n'ont souvent retenu de cette période le seul nom de Perrault. Pourtant, les contes de fées ont majoritairement été écrits par des femmes qui, sur fond de Querelle entre Anciens et Modernes, ont participé à la constitution d'un genre qui devient dès lors le support privilégié d'une écriture féminine en quête de reconnaissance. Nous aborderons ainsi les questions relatives à la place accordée à la femme-auteure sous l'Ancien régime, aux origines et à la formation du genre féerique, puis à l'esthétique et la rhétorique qui caractérisent l'écriture du conte de fées littéraire féminin de la fin du XVIIe siècle. À cette fin, nous étudierons un corpus constitué des oeuvres de cinq conteuses: Mesdemoiselles Lhéritier (1664-1734), Bernard (1662-1712), de La Force (1650-1724) et de Mesdames d'Aulnoy (1650-1705) et de Murat (1670-1716), publiées durant la dernière décennie du XVIle siècle. Dans un premier chapitre, nous nous intéresserons aux conditions d'émergence de la femme-auteure dans la seconde moitié du XVIIe siècle. Nous nous attacherons ensuite à comprendre la corrélation qui existe entre le genre féerique et l'écriture féminine. Nous tenterons alors de définir le conte et de déterminer son statut dans une littérature plus générale de fiction. Nous verrons enfin que le genre a été impliqué dans la Querelle des Anciens et des Modernes et a ainsi participé de l'accession des femmes à un statut d'écrivain. L'examen des enjeux culturels et sociaux du genre permettra de comprendre, dans un deuxième chapitre, le projet esthétique de nos conteuses. Nous verrons notamment que le conte de fées s'inscrit dans une littérature de divertissement mondain. Nous montrerons par ailleurs comment notre groupe de conteuses, influencé par les grands romans de la génération antérieure des précieuses, s'adonnent, dans leurs récits, à une écriture romanesque du sentiment. Notre troisième chapitre sera consacré à la rhétorique du conte de fées féminin de la dernière décennie du XVIIe siècle. Nous en interrogerons ainsi la valeur pédagogique en nous penchant plus précisément sur les questions relatives au merveilleux et aux moralités des contes. Nous montrerons ensuite comment l'argument de la morale, qui s'avère souvent injustifié, représente pour nos conteuses un moyen de déjouer la censure pour dénoncer une hégémonie masculine. L'étude de certaines figures telle que la fée permettra, par la suite, de comprendre les revendications féminines, d'ordre à la fois littéraire et social, qui sous-tendent l'écriture des contes de fées de la dernière décennie du XVIIe siècle. Une telle étude permettra ainsi de déterminer en quoi la naissance d'un genre et d'une poétique propre aux conteuses de la fin du XVIIe siècle ont contribué à l'accès des femmes au statut d'écrivain. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Conte, Femmes, Genre littéraire, Mondanité, Poétique, XVIe siècle.

Ce mémoire est une étude d'Autoportrait en vert de Marie NDiaye, une oeuvre hors genre qui véhicule une identité subversive dans le climat sociopolitique actuel de la France. Il commence en situant cette oeuvre dans le contexte de la production globale de l'auteure et dans celui d'une production actuelle croissante de photo-textes en France. Il procède ensuite en élaborant une définition de travail de l'hybridité à partir de plusieurs théories littéraires, culturelles, identitaires et photographiques. Comprise le plus simplement comme un entre-deux, l'hybridité est, selon nous, stratégique dans sa manifestation la plus radicale. Elle établit un lien entre la forme performative et parodique et l'identité comme mise en scène. L'analyse d'Autoportrait en vert se fait en deux temps. Il s'agit d'abord d'examiner comment le battement entre le trop-plein et le manque de forme et l'entrecroisement des genres et des médiums laisse émerger un tiers espace où une identité subjective multiple et subversive s'exprime. Ensuite, il analyse comment l'auteure met en scène cette identité subjective dans le personnage de la narratrice-écrivaine pour contourner les oppositions binaires afin de rendre visible et intelligible un soi littéraire subversif. Nous avançons qu'en menant la littérature et l'identité à l'état de crise dans ce photo-texte, Marie NDiaye crée un entre-deux et un entre-temps qui visent à ouvrir le contexte extra-littéraire et extra-photographique à une nouvelle conception de l'identité. En ce faisant, Autoportrait en vert ouvre de nouveaux espaces où les identités mineures peuvent s'écrire et se voir en France. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Hybridité, Parodie, Genre, Post-colonial, Marie NDiaye, Autoportrait, Photographie.

Ce mémoire propose une étude du mythe réactualisé à l'intérieur du premier tome de La Citadelle des Ombres de Robin Hobb, publié en 2000. Il révèle des personnages qui, par leurs interactions, mettent en œuvre et confirment, sur un arrière-plan mythologique modernisé, un désir ancestral et perpétuel d'immortalité chez l'homme, né de l'angoisse générée par la mort à venir. En plus de se nourrir des ouvrages sur la fantasy et sur la survivance des mythes dans les récits contemporains, ce mémoire s'appuie sur des notions anthropologiques du symbole et du mythe de même que sur les mythes autochtones d'Amérique du Nord. Le premier chapitre est consacré à l'approche mythocritique ainsi qu'aux réflexions sur la fantasy. Ce chapitre permet de démontrer le rapport entre la fantasy et le merveilleux, issu de l'exploitation massive d'un héritage mythique. En outre, il expose la méthodologie qui permet de déceler les indices mythiques présents dans l'œuvre. Le second chapitre propose l'analyse des contours du mythe et du symbole sous un angle anthropologique, par le biais de l'imaginaire. Il permet de découvrir les constellations particulières et les indices mythiques contenus dans l'œuvre. L'imagination, structurée sur l'antithèse, fait ressurgir dans La Citadelle des Ombres, tome 1, une dualité des temps entre temps en progression et temps mythique sacré ainsi qu'entre la vie et la mort par un retour éternel du cycle de naissance/mort/renaissance. Tissés en constellations, les symboles investissent les mythes et permettent de découvrir une symbolique archétypale de l'immortalité. Le troisième chapitre est consacré aux lieux de rencontre avec l'animal, sous différents angles et points de vue. Ce chapitre permet entre autres de découvrir une constante dans la mythologie autochtone d'Amérique du Nord où les animaux sont omniprésents. Par une vision holistique de l'osmose homme/nature, en regard des personnages du corpus et des indices mythiques qu'il contient, ce chapitre démontre que la nature humaine qui ne fait qu'un avec la nature animale, ne peut souffrir de cette dualité puisque la fusion des contraires permet le retour à l'unité. En s'unissant, l'homme et l'animal permettent à l'homme d'accéder à l'immortalité. Le mémoire se conclut sur le fonctionnement global du mythe réactualisé dans La Citadelle des Ombres, tome 1 et de la symbolique archétypale d'immortalité qui en découle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : mythocritique, imaginaire, fantasy, symbole, immortalité, mythe autochtone d'Amérique du Nord, temps, hybridité homme/animal.