Este trabalho estuda a obra do poeta Murilo Mendes, em especial, o livro Poesia Liberdade. A partir da sua relação com as conquistas de 1922, sua obra é vista como ramificação e continuação do primeiro modernismo, além de ter sofrido as influências da vanguarda surrealista e do cristianismo, ambas criando imagens desconcertantes e, algumas vezes, desconcertadas. Se, como já se afirmou, a imagem conta tanto em Murilo, a leitura de Poesia Liberdade possibilita um estudo de como se desenvolve a arte combinatória na poética muriliana. Estudamos também a experiência artística do poeta de criar um novo mundo dentro do caos, fazendo aquilo que parece fora da ordem revelar justamente uma nova ordenação para as coisas, procurando, no entanto, responder até que ponto isso é possível formalmente no poema e historicamente na práxis vital, abrindo uma reflexão no interior da própria obra. / This study analyzes Murilo Mendes work, particularly the book Poesia Liberdade. Since its relationship to the conquers of 1922, his work has been seen as a ramification and continuation of the first modernism, and has suffered influences from the surrealist vanguard and the christianism, both having created disconcerting and, sometimes, disconcerted images. If, as it has already been affirmed, image is so important in Murilos work, reading Poesia Liberdade enables a study of how the combinatory art in Murilos poetry is developed. We have also studied the artistic experience of the poet in creating a new world among the chaos, making what seems to be disordered reveal just a new order, aiming, however, to answer how far that is possible in the poem and historically in the vital praxis, opening a new reflection in the work itself.

Por meio da organização e análise da crítica dispersa de Lourival Gomes Machado, textos em sua maioria pertencentes ao acervo do crítico, esta tese parte do pressuposto de que, para Gomes Machado, há uma arte brasileira autêntica, que se forma no século XVIII, sob o signo do barroco, e se estende até início de 1960, com a abstração expressiva, apresentando um interrompimento devido à implantação da Academia de Belas Artes, durante o século XIX. Nos anos 1940, apesar das preocupações do crítico envolverem sobretudo o modernismo brasileiro e a abstração aparecer apenas timidamente, no período de sua crítica madura, entre 1950 e início de 1960, passa a dedicar mais atenção à arte abstrata chegando, no fim desse período, a entender a abstração expressiva como vertente mais significativa, tanto da produção brasileira como internacional. Mário de Andrade era referência intelectual de destaque para Gomes Machado e ambos estavam em busca do que entendiam ser a configuração de uma arte propriamente brasileira. Para Andrade, a arte brasileira deveria carregar índices da natureza humana brasileira. Na crítica de Gomes Machado, a relação entre forma e lugar torna-se mais complexa, fazendo com que aquilo que antes transparecia na arte figurativa de deformação expressiva, relativa ao olhar de Andrade, passe a habitar a abstração não-geométrica, ou seja, a \"arte brasileira\" passa a ser caracterizada por formas, e não assuntos, que dizem respeito à mentalidade brasileira. Diante disso, optou-se por uma interpretação do pensamento crítico de Gomes Machado a partir de três momentos fundamentais de sua produção - modernismo, barroco e abstração expressiva -, cujos artigos revelam os contornos expressivos de sua concepção de \"arte brasileira\". / Through the organization and analysis of Lourival Gomes Machado\'s dispersed critical production, texts mostly belonging to the critic\'s personal archive, this thesis understands that, to Gomes Machado, there is an authentic Brazilian art, formed in the eighteenth century, under the sign of the Baroque, and which extends itself until early 1960, with informalism, presenting an interruption due to the implementation of the Academy of Fine Arts, during the nineteenth century. In the 1940s, despite the critic being mainly involved with Brazilian modernism and having abstraction appear only timidly, in the period of his mature critique between 1950 and early 1960, he devotes more attention to abstract art, understanding expressive abstraction as the most significant aspect of both Brazilian and international production. Mário de Andrade was an important intellectual reference to Gomes Machado and both sought to understand the configuration of an authentic Brazilian art. To Andrade, Brazilian art should carry aspects of Brazilian human nature. In Gomes Machado\'s critique, the relationship between form and space becomes more complex, so that what appeared in figurative art of expressive deformation - characteristic of Andrade\'s vision -, continues to inhabit non-geometric abstraction. In other words, \"Brazilian art\" becomes characterized by forms, and not themes that concern Brazilian mentality. Therefore, Gomes Machado\'s critical thinking was analyzed from three key moments of his production - modernism, baroque and expressive abstraction. His articles reveal the contours of his expressive conception of \"Brazilian art\".

Abstract: Ascension in Free Fall: Augusto dos Anjos and the Infernalization of the World. This study propounds a reading of Augusto dos Anjos's Eu e Outras Poesias [I and Other Poems] based on the mapping of the main philosophic, scientific and esthetic influences that were the foundation of the author's pessimistic and decaying world vision. These influences came predominantly from Europe, and it can be said that the poet synthesizes in his works the cultivated mentality at the turn of the XIX to XX century, where converge various streams of thought which in principle appear as absolutely antagonics: some scientific lines (represented by the evolutionism of Charles Darwin and Herbert Spencer and by the biological monism of Ernst Haeckel), and the irrationalism (represented by the philosophy of will of Arthur Schopenhauer and Friedrich Nietzsche). In Augusto's works, both lines of thought co-exist, not harmonically, but dialectically. Besides this initial mapping, it was necessary to describe and to analyze some of the principal thematic and imaginative elements, the original stylistic resources, and the most important and characteristic esthetic procedures present in his works. In general this, study aims at finding, in the fragmented composition of the poetic pieces, an architecture that is sustained upon three specific pillars that reaffirm poet's depreciative conception of human existence, which are: the animalization of man, the carnalization of God, and the infernalization of the world. This afflicted vision of an indifferent or even hostile universe where human beings live characterizes the cosmogonie perspective of the Augustinian poetry and has as its origin the pessimistic philosophy of Schopenhauer. The ethical and esthetical grounds of Augusto's work are also influenced by Schopenhauer's compassionate ethics allied with his idea that the only possibility of human redemption must be found in the artistic manifestation and the denial of the will. Therefore, Augusto dos Anjos in his profoundly philosophic poetry and in his extremely lucid conception of world, constructs an opus dominated by the tragic feeling of existence, where the artistic catharsis appears as the principal way of overcoming the limitations and suffering of the human condition and of achieving spiritual elevation and serene wisdom.

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Made available in DSpace on 2016-11-30T14:52:45Z (GMT). No. of bitstreams: 2 108749_Alexandra.pdf: 6743332 bytes, checksum: bf90ac7ad8888c6a4b4f9853f9f5664f (MD5) license.txt: 214 bytes, checksum: a5b8d016460874115603ed481bad9c47 (MD5) Previous issue date: 2014 / Esta pesquisa tem como objetivo compreender como a "vida na arte" do século XIX permanece e/ou descontinua na arte do início do século XX, a partir de duas ferramentas que criamos para podermos ler o realismo/naturalismo e o modernismo. Para cumprirmos esse objetivo primeiro, tivemos de percorrer alguns caminhos, como: fazer um brevíssimo reconhecimento do debate sobre a vida desde Tales de Mileto a Agamben; voltar ao final do século XIX para revisitar, reformular e ampliar nossa noção de vida na arte; rever como a crítica recebeu a arte realista/naturalista; reconhecer os procedimentos artísticos do final do século; colocar o realismo/naturalismo e o modernismo face a face, visto que este escolheu aquele como "inimigo"; questionar o conceito de arte mimética e antimimética; tentar compreender o modernismo pelo seu principal eixo, que é o projeto nacional; perceber como o modernismo se fez e se desfez na voz de um de seus maiores militantes, Mário de Andrade; analisar como os manifestos modernistas construíram suas próprias poéticas; explicitar o conceito de vida na arte que criamos na dissertação; verificar como a vida na arte está atrelada à vida fora da arte; procurar entender a vida pela questão das imagens; observar como o modernismo acaba caindo em suas próprias armadilhas; e ler alguns objetos de arte para que possamos ver mais nitidamente como a vida aparece na arte e se constitui como vida na arte. Defendemos a ideia de que a vida na arte do final do século XIX não somente se diferencia da vida na arte do início do século XX, mas também se estende, num movimento elástico de descontinuidades e permanências, causando, assim, tensões entre o realismo/naturalismo e o modernismo brasileiros. Criamos duas ferramentas importantes para lermos essas vidas na arte, são elas: semelhança de primeiro grau e semelhança de segundo grau. A primeira está intimamente ligada à técnica realista, qual seja: a aproximação com o "real", e ainda, a arte que mostra no objeto aquilo que nossos olhos estão culturalmente condicionados a ver no mundo fora da arte. Já a semelhança de segundo grau não despreza a de primeiro grau, pois parte sempre de uma "realidade" objetiva ou subjetiva, mas se mostra como distância, uma vez que lida mais com uma ideia, um conceito do que com um objeto "puro", "real". Alguns objetos nos ajudaram a ver como essas semelhanças funcionam para pensarmos a vida na arte: Amolação interrompida, A leitora e outras telas, de Almeida Júnior; Remorso e Mater Dolorosa, de Corrêa Lima; Pietá, de Brecheret; Mocidade Morta, de Gonzaga Duque; Amar, verbo intransitivo, de Mário de Andrade; e Lavrador de café, de Candido Portinari / This research aims to understand how the "life in the art" from the nineteenth century remains and / or discontinuous in the art from the early twentieth century, through two tools we have created to be able to read the realism / naturalism and modernism. To accomplish this first aim we had to pass for some ways, such as: make a very brief recognition of the discussion about the life from Thales de Mileto to Agamben, coming back to the end of the century to revisit, reformulate and increase our sense of life in the art; review how the criticism has received the realistic art / naturalist; recognize the artistic procedures from the end of the century; put the realism / naturalism and modernism face to face, because this has chosen that as an "enemy"; questioning the concept of mimetic and anti-mimetic art; try to understand modernism by its principal axis, that is the national project; realize how the modernism has made and has broken in the voice of one of its greatest militants; analyze how the manifestos modernist have built their own poetics; make explicit the concept of life in the art that we have created in the master´s degree; search how the life in the art is linked to life outside the art; trying to understand life by image issues; looking how the modernism is falling into their own traps, and read some art objects to be able to see more clearly how life appears in art and has built itself as life in the art. We have defended the idea that life in the art from the late nineteenth century not only differs from life in the art from the early twentieth century, but also extends an elastic motion discontinuities and continuities, causing tensions between realism / naturalism and modernism by Brazil. We have created two important tools to read these lives in the art, they are: similarity in first grade and similarity in second grade. The first is closely linked to realistic technical, which is: the closer to the "real" - the art that shows in the object something our eyes are culturally conditioned to see the world outside the art. However the similarity of second degree does not despise the similarity of first degree because always comes from an objective or subjective "reality", but it shows as distance, since it deals more with an idea, a concept than a "real" "pure" object. Some objects have helped us to see how these similarities work and help us to think about the life in the art: Amolação interrompida, A leitora and other paintings, by Almeida Júnior; Remorso and Mater Dolorosa, by Corrêa Lima; Pietá, by Brecheret; Mocidade Morta, by Gonzaga Duque; Amar, verbo intransitivo, by Mário de Andrade; and Lavrador de café, by Candido Portinari

Submitted by Ana Letícia Sanches Silva null (leticiasansil@hotmail.com) on 2016-09-07T22:20:38Z No. of bitstreams: 1 Dissertação final.pdf: 1228681 bytes, checksum: 56460f6896924c1c6be4240984dbcdc4 (MD5) / Approved for entry into archive by Juliano Benedito Ferreira (julianoferreira@reitoria.unesp.br) on 2016-09-09T20:26:01Z (GMT) No. of bitstreams: 1 silva_als_me_sjrp.pdf: 1228681 bytes, checksum: 56460f6896924c1c6be4240984dbcdc4 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-09T20:26:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 silva_als_me_sjrp.pdf: 1228681 bytes, checksum: 56460f6896924c1c6be4240984dbcdc4 (MD5) Previous issue date: 2016-09-05 / O presente trabalho tem como objetivo o estudo do romance Lignes de faille (2006), de Nancy Huston, escritora anglófona que adota o francês como língua de escrita a partir do momento em que se instala de forma permanente na França. A busca de identidade e o questionamento das histórias inscritas na História, temas retratados no livro em questão, que se pode contextualizar na vária literatura chamada de pós-moderna, pretendem ser estudados a partir das visões críticas da própria autora, expressas em seus livros de ensaios A espécie fabuladora (2010) e Nord perdu (1999). Além da visão de História e identidade como ficção, apresentados por ela em A espécie fabuladora, assim como a inseparável questão linguística que permeia todas as discussões identitárias e que está presente em Nord perdu, propõe-se o aprofundamento de reflexões sobre os conceitos de metaficção historiográfica (HUTCHEON, 1991), visando a abordagem da História no romance; sobre o conceito de sujeito pós-moderno (HALL, 1999) para repensar as questões identitárias e, de forma geral, a problematização do conceito de entre-lugar divulgado por Bhabha (BHABHA, 1999). / This thesis aims to study the novel Lignes de faille (2006), by Nancy Huston, Anglophone writer who adopts French as her writing language from the moment she moves and settles permanently in France. The search for identity and the questioning of the stories recorded in History, foundation themes for the construction of the book, to which is proposed a post-modern reading, are intended to be studied from the author's own critical views, stated in her essay books A espécie fabuladora (2010) and Nord perdu (1999). Besides the view of History and identity as fiction, presented by her in A espécie fabuladora, just as well as the inseparable linguistic issue that pervades every identity discussion, introduced in Nord perdu, it is proposed a deepening of the reflections with the concepts of historical metafiction (HUTCHEON, 1991), to look at the concept of History used in the novel; the application of the concept of the postmodern subject (HALL, 1999) to rethink the identity issues and, in general, the problematization of the concept of in-betweenness disclosed by Bhabha (BHABHA, 1999).

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 832669 bytes, checksum: c4ffed2da377087222827774af948042 (MD5) Previous issue date: 2014-03-28 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Supported by Antonio Candido´s aesthetic and analytical perspective, the academic paper Dried Childhoods: the scourge of hunger during the Modernism period in the Northeast of Brazil presents the study of the representations of the child's world under the scourge of hunger as a result from frequent droughts in the region that, associated to the indifference of the Brazilian state, condemns the Northeast people, especially its children, to food deprivation, painful and forced exodus, subjecting them to social breakdown, kidnapping them of their childhood and, in most cases, of their own lives. In this understanding, was elected, as analysis objects, Raquel de Queiroz novelistic discourse O Quinze (1930), and the narrative from Graciliano Ramos Vidas Secas published eight years after the novel from Raquel´s writer. The selected works are presented to us as privileged examples of hunger thematic, particularly, child hunger in Brazilian literature. At the same time, are constituted as paradigmatic texts of modernist strand of the Northeast, which opposes the optimistic views of romantic concerning the country, the notion of underdevelopment, poverty and domestic anomie, redirecting, a path of subversion, literary look at Brazil (Candido, 1989). The fictional complaint, the works selected, proceeds notably, through the descriptions of child migrants, robbed them of the natural right to food, or their own living. Such descriptions, prepared by the tragic tone, turn these novels into decisive statement showing another nationality´s project, illustrating, irrefutably, the diversity of Brazilian Modernism. / Acostado à perspectiva estética e analítica de Antonio Candido, o trabalho acadêmico Infâncias secas: o flagelo da fome no Modernismo do Nordeste trata do estudo das representações do mundo infantil sob o flagelo da fome, decorrente das frequentes estiagens na região que, aliada à inoperância e ao descaso do Estado brasileiro, condena os sertanejos nordestinos, em especial suas crianças, à privação alimentar, ao êxodo penoso e forçado, submetendo-as à desagregação social, sequestrando-lhes a infância e, no mais das vezes, a própria vida. Nessa compreensão, elegeu-se, como objetos de análise, o discurso romanesco de Rachel de Queiroz, O Quinze (1930), e a narrativa de Graciliano Ramos, Vidas secas, publicada oito anos depois do romance da escritora cearense. As obras escolhidas se apresentam, para nós, como exemplos privilegiados da tematização da fome, em particular da fome infantil, na literatura brasileira. Ao mesmo tempo, se constituem enquanto textos paradigmáticos da vertente modernista do Nordeste, que se opõe às concepções otimistas dos românticos quanto ao país, criando a noção de subdesenvolvimento, de pobreza e de anomia nacional, redirecionando, num trajeto de subversão, o olhar literário sobre o Brasil (CANDIDO, 1989). A denúncia ficcional, nas obras escolhidas, se processa, notadamente, através das descrições, das crianças-retirantes, espoliadas do direito natural à alimentação, ou seja, do próprio viver. Tais descrições, elaboradas pelo tom da tragicidade, transformam esses romances em mostras decisivas de afirmação de um projeto outro de nacionalidade, ilustrando, de maneira irrefutável, a diversidade do Modernismo brasileiro.

Submitted by Bruno Leite (brunoerre@gmail.com) on 2014-08-22T01:20:13Z No. of bitstreams: 1 Um Artes?o de Matrioshkas.pdf: 696757 bytes, checksum: be63ae6297453fc4878735504724c655 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-08-22T01:20:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Um Artes?o de Matrioshkas.pdf: 696757 bytes, checksum: be63ae6297453fc4878735504724c655 (MD5) / Esta disserta??o analisa os recursos metaficcionais nos contos e romances de Rubem Fonseca, incluindo os que tratam de eventos e personagens hist?ricos, fundindo, assim, fic??o e Hist?ria. Para tanto, nos apoiamos em te?ricos que se debru?am sobre a metafic??o, esta tend?ncia que marca o P?s-Modernismo em literatura, a exemplo de Linda Hutcheon (1991), Patricia Waugh (2003) e Gustavo Bernardo (2010). Um dos escritores brasileiros mais respeitados dentro e fora de nossas fronteiras, Fonseca estreia nos anos 1960 trilhando um caminho pr?prio dentro da prosa de fic??o brasileira, n?o s? pelas narrativas violentas, faceta pela qual ele ? mais conhecido, mas tamb?m pelo car?ter autorreflexivo, autoconsciente e digressivo de seus textos. Acusado de ser repetitivo, nota-se que, se ? verdade que seus personagens em geral s?o ?tipos? (o artista culto, o detetive, o ?garanh?o?), ele costuma experimentar na forma, variando os focos narrativos de maneira a entretecer camadas narrativas e parodiar g?neros: O caso Morel, por exemplo, ? um romance policial que implode o romance policial; o conto "H.M.S. Cormorant em Paranagu?", por seu turno, ? uma homenagem ? segunda gera??o rom?ntica brasileira, representada por ?lvares de Azevedo, em uma conforma??o p?s-moderna de pastiche. A obra cinquenten?ria de Rubem Fonseca joga luz sobre quest?es que est?o na ?ordem do dia?, como o trip? artista-sociedade-mercado, e introduz um outro olhar sobre o passado hist?rico - incluindo a Hist?ria da cultura, principalmente da literatura. As narrativas aqui analisadas testam os limites que separam ? ou n?o ? a fic??o da dita realidade, e s?o por n?s classificadas nas seguintes categorias: autobiografia romanceada, romance biogr?fico, romance hist?rico p?s-moderno, pastiche, metafic??o historiogr?fica e metafic??o policial. / AZEREDO, Genilda / MANGUEIRA, Jos? Villian

Submitted by Aline Maria Jeronymo null (aline_jeronymo@hotmail.com) on 2017-06-29T21:26:20Z No. of bitstreams: 1 Aline Maria Jeronymo_Dissertação.pdf: 1569993 bytes, checksum: 80d00d35ef622aa6892f439e246e8a4f (MD5) / Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-06-30T13:59:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 jeronymo_am_me_arafcl.pdf: 1569993 bytes, checksum: 80d00d35ef622aa6892f439e246e8a4f (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-30T13:59:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 jeronymo_am_me_arafcl.pdf: 1569993 bytes, checksum: 80d00d35ef622aa6892f439e246e8a4f (MD5) Previous issue date: 2017-05-26 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / A obra poética do mineiro Emílio Moura (1902-1971), localizada à margem da crítica canônica modernista, é conhecida, sobremaneira, pela repetição de meditações interrogativas causadas por um eu lírico que reflete obsessivamente sobre sua condição existencial. Além disso, por trás dessa destacada característica há um trabalho primoroso com a construção da imagem poética, o que faz com que revisemos o lugar desse poeta no cânone literário. Partindo das imagens do poema “Três caminhos” e da análise das principais imagens trabalhadas no Itinerário Poético, obra completa de Moura, propomos traçar três caminhos distintos enveredados em sua poética: o da melancolia, o da idealização e o da memória. Estes três aspectos são uma prévia interpretação de imagens que são subjetivadas por um processo de construção abstrato. Os temas do Itinerário não são dissociados, já que há um encadeamento imagético que faz com que tudo esteja interligado. As principais imagens recorrentes, como noite, sombras, musa, rosa, espelho, nuvem e menino, estão dissolvidas, a nosso ver, nos três eixos principais. Estes eixos interpenetram-se e relacionam-se diretamente entre si, formando uma espécie de diálogo circular entre os poemas. A partir da noção de que imagem é analogia, inferimos, por exemplo, que a noite pode representar a morte; a rosa, o amor; as sombras, a ausência; o menino, a memória. Essa construção realiza-se por meio de uma linguagem evocativa que sugere a presentificação do ausente, já que a imagem, ao fundir o signo à “coisa”, tem o poder de criar novos mundos. Ao analisar a imagem no Itinerário Poético, incluímos uma gama de significações à poética de Emílio Moura, portanto, mais do que uma análise temática, trouxemos à tona a importância da inserção da poética emiliana em um contexto mais amplo da literatura moderna/modernista brasileira. / The poetic of Emílio Moura (1902-1971), into the other side of the canonical modernist criticism, is greatly known by repeating interrogative meditations caused by a self-lyric that reflects obsessively about own existential condition. Besides, behind this prominent feature there is a work with the construction of the poetic image, which cause us to review the autor’s place in the literary canon. We propose to outline three different paths highlighted in the poetry of Emilio Moura, starting from the images of the poem “Três caminhos” and the analysis of the main images worked on the Itinerário Poético: the melancholy, the idealization and the memory. These three aspects are a prior interpretation of images that are abstracts by a construction process. There is great difficulty in dissociating the themes of the Itinerário, not that there are many thematic variations, but there is an imagistic thread that makes everything is interconnected. The main recurring images, such as night, shadows, muse, rose, mirror, cloud and boy, are dissolved, in our view, the three main axes. These axes interpenetrating up and relate directly with each other, forming a kind of circular dialogue between poems. From the notion that image is analogy and infer, for example, that the night can represent the death; the rose with the love; the shadows with the absence; the boy with the memory. This construction is carried out through an evocative language that suggests the “presentification” the absent, since the image mixed up the sign with the "thing" has the power making new worlds. By analyzing the image on Itinerário Poético, we include a range of meanings to the poetics of Emílio Moura therefore more than a thematic analysis and we bring to light the importance of inclusion of emilian poetic in a broader context of modern/modernist Brazilian literature. / CNPq: 133054/2015-2

Orientador: Norma Wimmer / Banca: Nelson Luís Ramos / Banca: Adalberto Luis Vicente / Resumo: O presente trabalho tem como objetivo o estudo do romance Lignes de faille (2006), de Nancy Huston, escritora anglófona que adota o francês como língua de escrita a partir do momento em que se instala de forma permanente na França. A busca de identidade e o questionamento das histórias inscritas na História, temas retratados no livro em questão, que se pode contextualizar na vária literatura chamada de pós-moderna, pretendem ser estudados a partir das visões críticas da própria autora, expressas em seus livros de ensaios A espécie fabuladora (2010) e Nord perdu (1999). Além da visão de História e identidade como ficção, apresentados por ela em A espécie fabuladora, assim como a inseparável questão linguística que permeia todas as discussões identitárias e que está presente em Nord perdu, propõe-se o aprofundamento de reflexões sobre os conceitos de metaficção historiográfica (HUTCHEON, 1991), visando a abordagem da História no romance; sobre o conceito de sujeito pós-moderno (HALL, 1999) para repensar as questões identitárias e, de forma geral, a problematização do conceito de entre-lugar divulgado por Bhabha (BHABHA, 1999) / Abstract: This thesis aims to study the novel Lignes de faille (2006), by Nancy Huston, Anglophone writer who adopts French as her writing language from the moment she moves and settles permanently in France. The search for identity and the questioning of the stories recorded in History, foundation themes for the construction of the book, to which is proposed a post-modern reading, are intended to be studied from the author's own critical views, stated in her essay books A espécie fabuladora (2010) and Nord perdu (1999). Besides the view of History and identity as fiction, presented by her in A espécie fabuladora, just as well as the inseparable linguistic issue that pervades every identity discussion, introduced in Nord perdu, it is proposed a deepening of the reflections with the concepts of historical metafiction (HUTCHEON, 1991), to look at the concept of History used in the novel; the application of the concept of the postmodern subject (HALL, 1999) to rethink the identity issues and, in general, the problematization of the concept of in-betweenness disclosed by Bhabha (BHABHA, 1999) / Mestre