Made available in DSpace on 2015-03-03T11:52:36Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-07-11Bitstream added on 2015-03-03T12:06:24Z : No. of bitstreams: 1 000810078_20151201.pdf: 86182 bytes, checksum: fa33b688416a9b138f51d6e1ca5d5b96 (MD5) Bitstreams deleted on 2015-12-01T09:08:33Z: 000810078_20151201.pdf,. Added 1 bitstream(s) on 2015-12-01T09:09:26Z : No. of bitstreams: 1 000810078.pdf: 845956 bytes, checksum: 37e9bbb5f5a8a0719f1070ef219ba7a8 (MD5) / Ce travail a pour but de souligner la participation significative de Paulo Prado dans la Semana de Arte Moderna de 1922 ainsi que dans la première phase du mouvement Moderniste brésilien à travers la correspondance échangée avec certains de ses participants. L’analyse se portera également sur les essais, publiés originellement dans des revues et journaux et postérieurement réunis dans le livre Paulística avec une édition augmentée. Le choix des lettres et des essais de Paulo Prado comme corpus de recherche ouvre un champ de possibilités dans la réflexion à propos des approximations entre la Littérature et l’Histoire, notamment dans ce qui concerne les notions de Modernisme et d’avant-gardisme, mais aussi l’observation critique du rôle de l’intellectuel dans la société. Nous portons un intérêt particulier aux échanges intellectuels développés par Paulo Prado avec d’autres participants, tels que Mário de Andrade, Oswald de Andrade, René Thiollier et Blaise Cendras, du mouvement cité ci-dessus. Notre objectif étant de démontrer par le texte même de Paulo Prado son rôle dans le mouvement moderniste et la profonde contradiction de son vécu constitué par le développement de la pensée d’une nouvelle esthétique dans un cadre guidé par des valeurs traditionnelles / O presente trabalho pretende destacar a participação significativa de Paulo Prado na Semana de Arte Moderna de 1922 e na fase inicial do Modernismo brasileiro, a partir da análise da correspondência trocada com alguns dos participantes do movimento, bem como dos seus ensaios em defesa da nova estética, os quais foram originalmente publicados em revistas e jornais e, mais tarde, reunidos em uma edição ampliada do livro Paulística. A escolha das cartas e ensaios de Paulo Prado como corpus de pesquisa possibilita uma série de desdobramentos e aproximações entre Literatura e História, com destaque para as noções de Modernismo e vanguarda e as reflexões sobre o papel do intelectual na sociedade. Interessa-nos também realizar um aprofundamento das relações intelectuais entre Paulo Prado e alguns participantes do movimento modernista, como Mário de Andrade, Oswald de Andrade, René Thiollier e Blaise Cendrars, no intuito de demonstrar, a partir do próprio texto de Paulo Prado, o papel que este desempenhou no movimento modernista e a profunda contradição que vivenciava ao pensar uma estética nova pautada em valores tradicionais

Evangelische Missionswerk in Deutschland / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Um estudo em antropologia teológico-filosófica que lança algumas características da condição humana na pós-modernidade. A primeira parte inicia com duas abordagens: começa-se analisando a guinada antropológica a partir do hegelianismo de esquerda (FEUERBACH e MARX) e do pensamento aristocrático do filósofo NIETZSCHE, destacando o rompimento com Deus e o acréscimo da confiança do ser humano em suas potencialidades, mesmo redentoras. Dá-se especial atenção para alguns desdobramentos dessa guinada, por exemplo, o enfraquecimento do ser, que acontece no rompimento com as balizas que antes lhe asseguravam dignidade. Termina-se examinando o desenvolvimento do pensamento moderno e seu promissor projeto acerca do progresso da ciência, economia, e do fortalecimento do Estado. Essa primeira parte é finalizada contemplando algumas questões em torno da relação entre Modernidade e Pós-Modernidade, os infortúnios, reforma e (des)continuidade, tratando, brevemente, algumas características da condição humana na chamada Pós-Modernidade. Na segunda parte, abordam-se quatro distintos pensadores contemporâneos: KONRAD LORENZ, PETER SINGER, RICHARD RORTY, e CHARLES MELMAN. Procura-se nestes, contribuições para o estudo proposto, traçando diferentes pensares que brotam diante da pergunta do ser humano pela sua condição existencial. Nos três primeiros pensadores atenta-se para novas compreensões que surgem em torno do ser humano, as quais substituem antigos conceitos (pecado, dignidade e valor da vida, verdade e solidariedade), fundamentos e justificações, dando novos sentidos a estes. Finalizando, é contemplada a análise crítica de MELMAN acerca do ser humano pós-moderno: o homem sem gravidade. No terceiro e último capítulo é abordado o pensamento antropológico de dois teólogos luteranos, GOTTFRIED BRAKEMEIER e EULER WESTPHAL, destacando-se as problemáticas em torno da condição humana na pós-modernidade. Observa-se a ambigüidade da existência humana pós-moderna: ao mesmo tempo em que não é possível demonizar essa nova etapa da história da humanidade, não se pode iludir-se com todos os benefícios que provém das facilidades e descobertas com as quais se é brindado. O trabalho é finalizado abordando algumas características da condição humana na Pós-Modernidade e retomando questões tratadas ao longo do estudo. Nesse contexto, a teologia é caracterizada como ciência crítica que tem a função de lutar pelo resgate e permanência da sacralidade da vida humana e do cosmos. Além disso, a teologia contribui para uma análise antropológica que contempla a dimensão religiosa como constitutivo essencial do ser humano, que tem sua expressão nos elementos de promessa, expectativa messiânica e esperança escatológica; expressões que, tanto na Modernidade como na Pós-Modernidade, são transferidos de Deus para as potencialidades humanas de criar/instaurar, por meio de instituições e da ciência biotecnológica, o Reino dos céus na terra. / This work is an anthropological survey that exposes some features of human condition in postmodernity. The first part begins with two approaches: it starts by analyzing the anthropological lurch after the inception of left Hegelianism (FEURBACH and MARX) and thought of the aristocratic philosopher NIETZSCHE, highlighting the rupture with God and the increase in mans confidence in his potential, even regarding his redemption. Special attention is paid to some of this lurchs later developments, such as the weakening of being, which ensues after the rupture with the buoys that previously ensured its dignity. It concludes by examining the development of modern thought and its promising project for the progress of science and economy and for the strengthening of the state. The first part ends by contemplating some issues regarding the relationship between modernity and postmodernity, the mishaps, reform, and (dis)continuity, briefly touching upon some features of the human condition in the so-called postmodernity. In the second part, four eminent contemporary thinkers are considered: KONRAD LORENZ, PETER SINGER, RICHARD RORTY, and CHARLES MELMAN. Contributions for this survey are sought in their works, tracing different reflections that spring from mans inquiry into his existential condition. The works by the first three are inspected for new understandings that arise about the human being, which have replaced old concepts (sin, dignity and worth of life, truth, and solidarity), as well as foundations and justifications, giving them new meanings. Finally, MELMANs critical analysis on the postmodern man is contemplated: the man without gravity. In the third and last chapter, the anthropological thoughts of two theologians, GOTTFRIED BRAKEMEIER and EULER WESTPHAL, are meditated upon, highlighting the issues on the human condition in postmodernity. The ambiguity of postmodern human existence is evidenced: neither is it possible to demonize this new stage of human history, nor should one be mislead by all the benefits stemming from the conveniences and discoveries with which one is bestowed. The work concludes by reflecting on some features of the human condition in postmodernity and by raising questions that were discussed earlier. In this context, theology is characterized as a critical science whose purpose is to fight for the reclaiming and the preserving of the sacredness of the human life and the cosmos. Furthermore, theology contributes for an anthropological analysis that contemplates the religious dimension as an essential component of man, expressed by promise, messianic expectation and eschatological hope; these expressions, both in modernity and postmodernity, are transferred from God to the human potential of creating/establishing, by means of institutions and the biotechnological science, the kingdom of heavens on earth.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2018. / Submitted by Raquel Almeida (raquel.df13@gmail.com) on 2018-05-02T18:05:14Z No. of bitstreams: 1 2018_WilliamRezendeQuintal.pdf: 9736037 bytes, checksum: 60bdf67aadee42872dedbca44b3a919b (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-05-17T20:45:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2018_WilliamRezendeQuintal.pdf: 9736037 bytes, checksum: 60bdf67aadee42872dedbca44b3a919b (MD5) / Made available in DSpace on 2018-05-17T20:45:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2018_WilliamRezendeQuintal.pdf: 9736037 bytes, checksum: 60bdf67aadee42872dedbca44b3a919b (MD5) Previous issue date: 2018-05-16 / O escultor Victor Brecheret (1894-1955), foi uma das maiores referências do modernismo brasileiro e dedicou grande parte de sua obra ao tema do índio. No contexto da primeira metade do século XX, as questões raciais no Brasil eram tratadas pelo Estado a partir da doutrina eugênica, teoria pseudocientífica apoiada por uma parte significativa da elite política e intelectual brasileira que também era adepta do Positivismo. Além disso, o regime Republicano iniciado no Brasil em 1889, com a queda da monarquia, favoreceu políticas de branqueamento da população através da facilitação da imigração europeia, afastamento das populações negras dos centros urbanos e das políticas de assimilação das comunidades indígenas do país. Em sua carreira, não isenta de controvérsia, Brecheret sempre expressou a busca pelo que ele chamava de “um outro nacionalismo” e “uma arte genuinamente nossa”. A obra de Brecheret ainda hoje é criticada pela sua aproximação dos interesses do Estado na exaltação de uma versão oficial da história em monumentos públicos, da mesma forma, nos anos 1920 foi também questionada pela exaltação das que eram consideradas “raças inferiores”, que ele incluía como fundadores na nação. Analisando a escultura Bartira (1954), e considerando o percurso do artista, suas referências e a dimensão que o tema do índio toma em sua obra, busca-se compreender as dinâmicas do modernismo brasileiro relativizando a periodização mais recorrente da História da Arte, partindo da hipótese de que Brecheret buscava poeticamente pelo que é chamado aqui de indianidade e como essa tensão entre forma e conteúdo se processa em sua obra. / The sculptor Victor Brecheret (1894-1955) was one of the greatest references of Brazilian modernism and dedicated much of his work to the representation of the Indian theme. In the context of the first half of the twentieth century, racial issues in Brazil were treated by the State from the eugenics doctrine standpoint, a pseudoscientific theory supported by a significant part of the Brazilian political and intellectual elite that was also adept of Positivism. In addition, the Republican regime initiated in Brazil in 1889, with the fall of the monarchy, favored policies of ethnic cleansing through the facilitation of the European immigration, removal of the black population housing from urban centers, and assimilation of the indigenous communities. In his career, which is not without controversy, Brecheret always expressed the search for what he called "another nationalism" and "an art genuinely ours". Brecheret's work is still criticized for its approach to the interests of the state in extolling an official version of history in public monuments, and in the 1920s it was also questioned by the exaltation of those considered as "inferior races" as he included them as founders in the nation in his work. Analyzing the sculpture Bartira (1954), and considering the artist's path, his references and the dimension that the Indian theme took in his work, the aim is to understand the dynamics of Brazilian modernism by relativizing the most recurrent periodization of Art History, starting with from the hypothesis that Brecheret sought poetically for what is called here the indianidade and how this tension between form and content takes place in his work.

O presente trabalho é uma interpretação crítica da prática artística de Mário de Andrade que interroga como a apropriação da figura do Arlequim, que atravessa sua obra, é transformada numa proposta estética e numa conformação de artista. É realizado um panorama histórico da formação da Commedia dell’arte e conceitualiazam-se suas principais máscaras e personagens. Centra-se então a atenção na figura do Arlequim para analisar, a partir de suas fontes folclóricas, ritualísticas e iconográficas como ela ganha características diabólicas, animalescas e intermediárias entre mundos diversos (o selvagem e o urbano, o além e o terreno, etc.) Estuda-se a escolha de Mário de Andrade por essa “máscara” e do que ela significa no contexto da recorrência do fenômeno do “artista enquanto saltimbanco” na arte européia, acompanhando sua intensificação nas vanguardas (cubo e futurismo bem como no movimento Dada). Olhando para o modo como a crítica percebeu o Arlequim dentro da escrita de Mário de Andrade, dialogamos com esses aspectos e propomos uma ampliação do significado dessa figura, vendo-a como fundamento do ato improvisado de escrever e representar uma arte e uma identidade cuja totalidade seria impossível ainda no Brasil. Parte-se para a análise específica de Macunaíma, obra cuja feição rapsódica indica já a proximidade com o improvisar de várias fontes símile à prática arlequinal da Commedia dell’arte. Além do aspecto da narrativa, se elencam outros elementos que aproximam o herói indígena do trabalhador braçal italiano, principalmente o caráter intermediário do ser diabólico que atravessa mundos, conectando duas realidades diversas. É ressaltado o traço do embate entre a nova e a velha geração, presente tanto nas apresentações da Commedia dell’arte, na prática dos charivari, bem como na criação de Macunaíma. Abordada através de uma perspectiva da crítica do imaginário, a obra pretende ser compreendida como um conjunto de imagens que gera uma figura central, a guiar a poética do artista, simbolizando nela a simbiose que Mário de Andrade propõe entre estética, práxis e vida. / This paper is a critical interpretation of Mario de Andrade’s artistic practice and interrogates how the appropriation of the Harlequin character throughout his work is transformed into an aesthetic proposal and in a conformation of the artist. A historical overview of the Commedia dell’arte formation process and a conceptualization of its main masks and characters are also carried out in order to understand the nature and origin of the Harlequin mask. The attention is then focused on the Harlequin character in order to analyze, from its iconographic, ritualistic and folkloric sources, how it gains animal, evil characteristics in between diverse worlds (the savage and the urban, the earthy and the spiritual, etc.) A study is carried out of Mario de Andrade’s choice for this mask and its meaning in the context of the recurrence of the phenomenon of the “artists as a street entertainer [saltimbanco]” within European art, following its intensification in the Vanguard movements (Cubism, Futurism and Dada). Looking at the way critics perceived the Harlequin in Mario de Andrade’s writings, we dialogue with those perceptions and propose a stretching of the character’s meaning, seeing it as the basis for the improvised act of writing and representing an art and an identity which would not still be possible in Brazil. From that point on we make a specific analysis of Macunaíma, a rhapsodic work that indicates the proximity with the improvising in many sources similar to the Harlequin practice in Comedia dell’arte. Besides the narrative aspects, some other elements bring the indigenous character close to the Italian laborer, specially the intermediary character of the evil being who crosses worlds, connecting two diverse realities. We discuss the confrontation between the old and the new generation seen in the performances of Comedia dell’arte, the practices of the charivari, as well as in the creation of Macunaíma. Approached through a critical perspective of the imaginary, the work is intended as a set of images that generates a central figure orienting the artist’s poetics, symbolizing in it the symbiosis between aesthetic, praxis and life proposed by Mario de Andrade.

[pt] A dissertação visa abordar basicamente duas questões relativas à poética de Manuel Bandeira, a partir da troca de correspondência entre o poeta e Mário de Andrade. A primeira delas diz respeito à correspondência propriamente dita, entendendo-se essa correspondência como a enunciação de uma fala que será devolvida por outro, construindo-se, assim, um discurso que estabelece relações mútuas e interferências socioculturais. A segunda questão abordada refere-se à análise da concepção bandeiriana de poética, confrontando-a com sua própria experiência, como a poética concebida foi realizada e que meios foram utilizados para tal efeito, discutindo os elementos de tensão - morte e inspiração - sob a ótica do próprio Bandeira, demonstrada através de suas cartas e realizada na sua poesia. / [en] The aim of this master s thesis is to discuss two questions related to the poetics of Manuel Bandeira, using the correspondence between the poet and Mário de Andrade as the research material. The first question deals with the actual correspondence between the two, the correspondence understood here as an enunciation which is to be returned by the other, constructing thus a discourse which establishes mutual relations and sociocultural interferences. The second question refers to the analysis of the bandeirian concept of poetics confronted with the poet s own life experience, taking into account the way the poetics were realized and the tools that were used to create given effects. Elements of tension - death and inspiration - are discussed from the point of view of Bandeira himself, as revealed in his letters and realized in the poetry.

Submitted by Fabio Augusto Pacano (prof.pacano@ig.com.br) on 2018-07-18T19:01:55Z No. of bitstreams: 1 tese_completa.pdf: 4798668 bytes, checksum: ec008e0bb3e65faf7813f388b541ee9b (MD5) / Rejected by Ana Paula Santulo Custódio de Medeiros null (asantulo@rc.unesp.br), reason: Solicitamos que realize uma nova submissão seguindo as orientações abaixo: - Corrigir o título da página de rosto, pois o ano é 1889 e está 1989. A capa, a ficha catalográfica e a folha de aprovação estão corretas. Agradecemos a compreensão. on 2018-07-18T19:59:17Z (GMT) / Submitted by Fabio Augusto Pacano (prof.pacano@ig.com.br) on 2018-07-19T18:36:34Z No. of bitstreams: 1 tese_completa_2.pdf: 4801796 bytes, checksum: 890d9d17b150fcb20edf2dcdff94ed2a (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Paula Santulo Custódio de Medeiros null (asantulo@rc.unesp.br) on 2018-07-19T19:06:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 pacano_fa_dr_rcla.pdf: 4740896 bytes, checksum: 21985bfc51f05cb73e58b1e5cea21847 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-19T19:06:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 pacano_fa_dr_rcla.pdf: 4740896 bytes, checksum: 21985bfc51f05cb73e58b1e5cea21847 (MD5) Previous issue date: 2018-05-16 / Este é um estudo sobre Piracicaba/SP, entre os anos de 1889 e 1930, período em que a cidade experimentou um processo de mudanças físicas e sociais conhecidas como “Belle Époque Caipira”. Tais mudanças decorreram do desenvolvimento da economia cafeeira e das características econômicas e sociais específicas do município, que em conjunto conferiram certas particularidades ao desenvolvimento urbano local. Sob estas circunstâncias, o texto parte das definições de modernização, modernidade e modernismo, buscando relacionar tais conceitos ao processo histórico de organização do espaço urbano, com destaque para a constituição da rede de abastecimento de água e escoamento de esgoto, para o sistema elétrico e o funcionamento das linhas do sistema de bondes, demonstrando seus efeitos no processo de valorização e apropriação do espaço a partir da densidade técnica instalada, revelando seu processo de modernização conservadora. Analisa também como os monumentos modernos (igrejas, escolas e fábricas) emanavam monumentalidades a partir das quais o espaço se transmutou em lugares que passaram a ser ocupados e frequentados por parcelas da população, ao mesmo tempo em que outras parcelas eram deles excluídas. Por fim, o texto trata do processo civilizatório que se operou no sentido de estabelecer uma convivência citadina pautada na polidez e na urbanidade, típicas da modernidade, quer isso se tenha dado pela violência ou pela educação. / This researchis a study about the city of Piracicaba, from 1889 to 1930, a period in which this city experienced a process of physical and social changes known as “Belle Époque Caipira”. These shifts derived from the coffee economy development and from some specific economic and social characteristics present in this municipal, and how those characteristics together added certain particularities to the local urban development. Under these circumstances, this study starts with definitions of modernization, modernity and modernism, in order to relate such concepts to the historical process of organization in urban space, highlighting the constitution of water supply system, sewage drainage, electrical system as well as the functioning of tramway line, showing their effects in the process of valorization and appropriation of areas fromthe technical density installed, revealinga process of prudential modernization. There is also analysis of how modern monuments (such as churches, schools and factories) emerged monumentalities and how these places transmuted themselves in places that became to be occupied and frequented by part of the population, on the other hand,another part of the population was excluded from these places. To conclude, the text deals with the civil process which was applied in the sense of stablish a civilized interaction based on politeness and urbanity, which are typical in modernity, has it be derived from violence or from education.

[pt] Essa tese busca relacionar o trabalho da artista plástica Adriana Varejão (Rio de Janeiro, 1964 -) e o uso de temas e imagens comuns ao campo da historiografia. Com pouco mais de trinta anos de trabalho como artista profissional, Adriana Varejão produziu obras que transitam por diversos conteúdos operando sobre diversos suportes estéticos nas artes visuais. O campo mais conhecido é o da pintura, porém com desdobramentos para outras artes, como a instalação, a fotografia e a cinematografia. Os temas relacionados a escrita da história passam por vários desses trabalhos e de distintas maneiras. Essa pesquisa abordará justamente um grupo específico de questões, pensando em como a artista, analisa a história e que elementos usa para desconstruí-la e criá-la em uma narrativa ficcional e singular que dê conta de determinados momentos do passado sob novas perspectivas interpretativas. Para a artista o passado não está no que simplesmente já passou, mas sim no que sobrevive a ele, e que pode ser recontado de outra maneira. Em suas obras vemos a apropriação, sobretudo, em forma de paródia de fragmentos de outras imagens, algumas anônimas, outras de artistas, para formar obras de arte com outros significados. O percurso da tese começa em pensar como ocorrem essas apropriações, e se existem critérios rígidos para isso. Em seguida a ideia é pensar como a paródia aparece no trabalho da artista, em sua forma conceitual, e estética com a história. Na sequência duas grandes contribuições em forma de influências culturais, o barroco e o modernismo terão um estudo mais dedicado em algumas obras artísticas, em que o passado se faz presente, sobre outros caminhos. O que Adriana Varejão analisa é que parte dessas imagens do passado apresentam-se articuladas a determinadas ideias, e que para mudá-las é necessário uma transformação dessa iconografia. Dito isso, abordaremos como a artista perpassa imagens do passado, apropriando-se, e gerando novas questões. Para concluir, essa tese realizar uma reflexão sobre as possibilidades ímpares de se pensar o passado e de se escrever história. / [en] This thesis intends to relate the work of visual arts artist, Adriana Varejão (Rio de Janeiro, 1964 -) to usage of themes and images common for the historiography. Having worked for over 30 years as a professional artist, Adriana Varejão has produced works that transit through the variety of contents and operate on diverse aesthetic fundaments within visual arts. The most known field is the painting, with outspreads through such art as installation, photography and cinematography. The topics related to written history can be seen in many of these works in many different ways. This research is going to approach precisely the specific group of issues, considering how the artist analyses the history and what elements are used to deconstruct it and create it through a ficctional and singular narrative, through which the determined events from the past will be interpreted through a different perspective. For the artist, the past is not simply what has already passed, but it is what has survived, what can be re-told in a different way. In her works, we can see the appropration, mostly through the parody of parts of images, in some cases anonymous, others created by another artist, with the objective of creating works of art with different meanings. What Adriana Varejão realizes is the fact that these parts of images from the past are considered to be articulated as determined ideas and to change them, it is necessary to transform this iconography. Having said that, this thesis is going to approach the ways the artist uses the images from the past, adapting them and creating new questions. Firstly, this thesis is going to analyse how does this appropriation occur and whether there are any strict criteria for it. Secondly, the parody is going to be analysed, its usage in the artist s work, in its conceptual and aesthetic form, and its relation with the history. Thirdly, the thesis is going to study two important contributions in form of cultural influence: baroque and modernism, where the past is present. As a conclusion, this work is going to reflect upon the variety of possibilities of thinking about the past and writing the history.

The works of the English poet T. S. Eliot (1888-1965) reveal a thematic and aesthetic interest in the subject of “time” as human experience, whether collective, as history, or subjective, as memory. His first poem, “The Love Song of J. Alfred Prufrock” (1916), is a pioneer experiment on the stream of consciousness technique through which are shown the complex mental processes of its character, Prufrock, in a complex fabric of times and logical chains. The temporal dimension was an object of analysis for many critics of the poem, most of whom relied on interpretations based on philosophical perspectives, dispensing, however, with another fundamental aspect of “The Love Song”: the irony. Thus we sought to reconcile in our study the two main aspects of the poem, time and irony, lessening the philosophical perspective in favor of an aesthetic and stylistic approach. For this purpose we proposed an analysis of the time in “The Love Song”, based on the the rhetorical study of Dubois et. al. (1960), and its interpretation following the insights of Søren Kierkegaard (2010; 2013) and Paul de Man (1986; 1996) concerning the relationship between irony and temporality. As a result, we observed that the kind of time depicted in the poem corresponds to the time that theoriticians define as characteristic of the structure of irony: a time in which the present is felt as tedious or discontinuous; the past, as absent of mystified; and the future, as postponed or as anxiety. / A obra do poeta inglês T. S. Eliot (1888-1965) reflete um interesse temático e estético sobre o “tempo” enquanto experiência humana, seja coletiva, como história, seja subjetiva, como memória. Seu primeiro poema publicado, “The Love Song of J. Alfred Prufrock” (1916), é um experimento pioneiro na técnica do fluxo de consciência, através do qual revelam-se processos mentais de seu protagonista, Prufrock, em uma complexa construção de tempos e encadeamentos lógicos. A dimensão temporal foi, de fato, objeto de análise de diversos críticos do poema, os quais, em sua maioria, recorreram a interpretações baseadas em perspectivas filosóficas, prescindindo, todavia, de outro aspecto fundamental do poema: a ironia. Portanto, procuramos conciliar, em nosso estudo, os dois aspectos que consideramos centrais em “The Love Song”, o tempo e a ironia, atenuando a perspectiva filosófica em favor de uma abordagem estética e estilística. Para tanto, propusemos uma análise do tempo em “The Love Song”, baseada no estudo retórico de Dubois et. al. (1960), e sua interpretação a partir das visões de Søren Kierkegaard (2010; 2013) e Paul de Man (1986; 1996) sobre a relação entre ironia e temporalidade. Ao fim, constatamos que o tempo predominante no poema corresponde ao que os teóricos definem como sendo característico da estrutura da ironia: um tempo no qual o presente é sentido como tedioso ou descontínuo; o passado, como inexistente ou ficcionado; e o futuro, como prorrogado ou como angústia.

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O objetivo deste trabalho é avaliar os diversos modos pelos quais o movimento surrealista foi percebido por artistas e escritores modernistas, entre as décadas de 1920 e 1940. Parte-se inicialmente da apresentação e discussão de documentos e bibliografia a respeito do discurso surrealista sobre arte e sua importância no contexto do movimento. Em seguida, com base em uma seleção de obras de artistas nacionais (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima e Flávio de Carvalho), assim como de um conjunto de documentos (artigos, cartas, manifestos) produzidos no Brasil no período abordado, são analisadas as aproximações e distanciamentos entre os movimentos brasileiro e francês. Procurando evitar tanto um cotejamento mecânico, quanto a rotulação das obras analisadas como \"surrealistas\", empreende-se essa análise sem deixar de se discutir a inserção de cada artista no contexto dos debates artísticos e intelectuais nacionais do período. A partir dessa perspectiva metodológica, é possível observar como o eventual interesse de cada um pelo surrealismo surge mediado por outros, ligados àqueles debates. Desse modo, busca-se salientar a singularidade desse interesse e da forma objetiva que assumiu na produção de cada artista. / This work intends to survey the different ways by which the surrealist movement was perceived by Brazilian modernist artists and writers, between the 1920s and 1940s. It starts with a presentation and discussion of documents and bibliography about the surrealist discourse on art and its relevance in the context of the movement. Afterwards, based on a selection of works by five Brazilian artists (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima and Flávio de Carvalho) together with a set of documents (articles, letters, manifestoes) produced in Brazil during the period studied, it analyses the approaches and detachments between the Brazilian and French movements. In order to avoid either a simplistic confrontation or labeling the works discussed \"surrealists\", the analysis is made without putting aside a discussion about the insertion of each artist in the context of artistic and intellectual local debates in the period. From this methodological perspective, it is possible to observe how the potential interest in the surrealism expressed by each artist appears mediated by other interests, affined to those debates. Thereby it underlines the singularity of that interest and the objective form it has assumed in the production of each artist