Ce travail documente l’utilisation des matières dures d’origine animale, en Provence entre le Moyen Âge et l’avènement de l’industrialisation. Ces matériaux sont employés dans l’élaboration d'objets fonctionnels ou ornementaux tant luxueux et onéreux qu’ordinaires et économiques. Ils sont parfois incorporés à des recettes pharmaceutiques ou culinaires, employés dans l’aciérage ou pour la production de colle. Notre analyse se fonde principalement sur l’étude conjointe des sources archéologiques (plus de 4000 pièces), des sources écrites et iconographiques. Elle livre une vision de l’emploi de ces matériaux et de leur insertion dans les économies provençales médiévale et moderne. Notre approche met en évidence les propriétés et caractéristiques physiques des matériaux, la morphologie des pièces anatomiques et les possibilités formelles et techniques du travail artisanal, selon les périodes et les objets produits. De l’analyse des contextes de découverte et de l’observation des traces d’outils visibles sur les éléments étudiés découle une approche technique caractérisant, les modes de transformation des matériaux et de fabrication des objets. Le dépouillement des sources écrites apporte des informations relatives aux artisans travaillant ces matériaux, à l'approvisionnement, à la vente et à la circulation des objets et des matières premières. L’approche interdisciplinaire permet de mieux comprendre la genèse des objets produits, de restituer leur évolution morphologique, d’estimer leur valeur vénale pour cerner la catégorie sociale à laquelle ils sont destinés, de réfléchir à la symbolique qui leur est conférée et de décrire la manière dont ils sont perçus et réglementés. / This doctoral work documents the use of the "hard materials from animal origin » (matières dures d’origine animale), in the Provence region from the Middle Ages until the advent of industrialization. These materials are used for manufacturing many functional or decorative objects either luxurious and expensive or ordinary and cheap. They sometimes also constitute ingredients incorporated in pharmaceutical formula or culinary recipes, are used in steel making or for glue production. Our analysis is based on the joint study of archaeological sources (more than 4000 pieces), written and iconographic sources. It provides a vision of these materials use and their qualitative and quantitative integration in medieval and modern Provençal economies. Our approach highlights the mechanical properties of the raw materials, the morphology of anatomical pieces as well as the craft work technical development along the different periods. From discovery contexts and observation of the tools marks on the objects, blanks and waste, when the technical approach was feasible, we characterized the manufacturing processes and places. Detailed analysis of the written sources also provides information on the craftsmen working these materials, on the sale and circulation of objects and raw materials. The interdisciplinary approach helps better understand the produced objects genesis, reproduce their morphological evolution, estimate their market value and therefore identify the social category they are intended for, put forward assumptions about the symbolism conferred upon them, and finally describe the way they are perceived and therefore sometimes regulated.

Cette thèse propose une anthropologie historique de l'objet de culte. Elle s'appuie sur un corpus de 454 chasubles ou orfrois produits entre le XIIIe et le XVIe siècle, croisé avec les témoignages de sources écrites et iconographiques. Elle s'inspire des modèles de « vie de l'objet » et s'intéresse aux fonctions, représentations et usages du vêtement liturgique. Aux derniers siècles du Moyen Âge, le vêtement liturgique est fixé par un ensemble de normes. Sa forme n'évolue que très peu et les autorités ecclésiastiques cherchent à ancrer cet objet dans le rituel. Malgré cela, le vêtement peut changer d'usage, se transmuter en relique, accessoire pour le drame liturgique, parure mortuaire, voire intervenir dans des rites d'inversion du sacré. Il devient par ailleurs un motif à part entière, apparaissant dans des représentations figurées, indépendamment de toute référence à la messe. Une première partie détermine comment le costume liturgique se construit, tant d'un point de vue matériel qu'idéel. Les autorités ecclésiastiques cherchent à définir une apparence cléricale et à légitimer l'emploi d'ornements spécifiques à la messe. Il imposent un certain nombre de pratiques qui tendent à sacraliser le vêtement. Il n'en est pas moins vrai que le domaine de la production, de la commande à la fabrication, laisse une large place aux laïcs. La seconde partie est centrée sur les fonctions du costume liturgique dans son environnement (in situ), c'est-à-dire dans le contexte visuel du lieu de culte. Le vêtement liturgique ainsi que les images dont il est le support sont considérés comme des éléments de performativité du rite. Le costume est analysé comme une représentation de l'Église en prière. Une troisième partie considère les transferts d'usage, l'aptitude de l'objet de culte à devenir autre : un emblème - partie prenante de la construction d'une identité cléricale, d'une « propagande ecclésiastique » - ou un objet efficace. Le chapitre 9, qui vient clore cette partie, s'intéresse au désir d'avilir le vêtement, de le tourner en dérision ou de le profaner. En conclusion, ce travail montre que les ornements liturgiques acquièrent une dimension symbolique. Ils sont sacralisés et se chargent de puissance. De façon très schématique, cet ustensilia (objet utilitaire) devient un ornamentum, un élément qui distingue le clerc dans sa fonction (au moment de la messe) et par sa fonction (dans l'iconographie notamment). / This thesis outlines an historical anthropology of liturgical objects. It examines liturgical vestment through a collection of 454 chasubles or orphreys from the XIII to the XVIth century, with additional written and iconographical sources. Based on a « cultural biography of things » approach, it considers functions, representations and uses of liturgical vestment. In the last centuries of the Middle Ages, the perception and function of liturgical vestment are determined by established norms which are fixed rather than flexible, implanted in ritual by ecclesiastical authorities. Yet, this vestment might function outside mass: as a relic, an accessory in liturgical drama or sacred inversion rites, as a funeral costume. It becomes a motif imbued with its own meaning, appearing in images with no reference to mass. Part one determines how liturgical costume is constructed, in a material as well as imaginative point of view. It is gradually standardized. Ecclesiastical authorities justify the use of special clothes for mass and impose a number of practices in order to make this vestment sacred. Manufacture of these special clothes, however, involves secular laborers in no small part. Part two focuses on the functions of vestment as a part of the visual context and in relation to the body. Its role in ritual performance is explored, as well as the functions of iconographical program. The question of how liturgical costume emphasizes clerical identity is central. Finally, part three considers transfers of liturgical objects to other practices. Liturgical vestment turns into an emblem - part of construction of clerical identity, indeed of « ecclesiastical propaganda » -, or a magic object. Chapter 9 focuses on the wish to ridicule or desecrate liturgical vestment. In conclusion, this study shows that liturgical ornaments have acquired a symbolic dimension. They are regarded as sacred and powerful. Schematically, this object serving a practical purpose (ustensilia) become an ornamentum, an element distinguishing the clergy in performing his function (during mass) and through his function (in particular in iconography).

Cette thèse porte sur la signification du paon et du phénix dans des contextes cultuels et funéraires, autour du Bassin méditerranéen entre le IVe et le XIIe siècle. L’étude est basée sur un corpus de 490 documents dans lesquels apparaissent un ou plusieurs paons, mis en parallèle avec 68 témoignages figurés du phénix. Ces oiseaux ont été mis en image de différentes manières et selon différents contextes, aussi bien sur des pièces de monnaie, des fresques catacombales, des sarcophages, des décors mosaïqués (pavements, coupoles, absides, …), des manuscrits ou bien encore sur des clôtures de chœur. L’observation des documents révèle que des liens ont été tissés entre les deux oiseaux associés tous deux à l’idée de renaissance bien avant le IVe siècle. En effet, la notion de renaissance est transversale dans l’étude de la figuration du paon et du phénix entre Antiquité et Moyen Âge, et entre paganisme et christianisme. Les premières références à ces deux oiseaux, connues dans les textes et l’iconographie antiques, ont été analysées afin de réfléchir sur l’imaginaire construit autour du paon et du phénix, liés aux rythmes cycliques, à la mort et à la résurrection. La fonction du paon comme psychopompe et plus largement comme intermédiaire entre terre et ciel et entre l’humain et le divin, s’affirme progressivement. Entre le IIIe et le IVe siècle, le paon et le phénix entrent dans le répertoire visuel funéraire des premiers chrétiens et commencent à être mis en relation avec la conception du baptême comme une renaissance. Entre le IVe et le VIe siècle, ils sont introduits dans l’espace ecclésial et resserrent leurs liens avec le Christ et le baptisé. Les deux oiseaux offrent au fidèle un espoir de salut en témoignant du triomphe du Christ sur la mort et en annonçant la résurrection des Élus. Entre le VIIe et le IXe siècle, la figuration du paon est notamment étudiée sur des clôtures de chœur et d’autres éléments de décors sculptés, en lien avec le rituel eucharistique, avec l’idée de passage entre charnel et spirituel. Le corpus réuni met en évidence le rôle du paon comme gardien du seuil, d’un point de vue matériel et spirituel. La présence récurrente du paon et du phénix entre le VIe et le IXe siècle dans des espaces ecclésiaux romains est également mise en perspective vis-à-vis des réalisations papales et selon des enjeux liés à la mémoire des saints et de l’Église. L’étude s’ouvre au XIIe siècle avec le décor monumental de Saint-Clément à Rome comme un témoignage charnière dans la signification du paon. / This dissertation deals with the meaning of the peacock and the phoenix within contexts of worship and funerary contexts in the Mediterranean area, between the IVth and the XIIth centuries. The study is based on an iconographic documentation meeting 490 items of the peacock and 68 items of the phoenix. These birds were imaged in various ways as well as coins, paintings of catacombs, sarcophagi, mosaics (pavements, domes, apses, …), manuscripts, and even chancel screens. The analysis of the documentation indicates that links were weaved between both birds associated with the idea of revival long before the IVth century. The idea of revival, indeed, is a cross-cutting concept in the study of the iconography of the peacock and the phoenix between Antiquity and Middle Ages, between paganism and christianity. The first references to the these birds in the antique texts and the iconography are studied in order to reflect on the imagination about the peacock and the phoenix, both associated with cyclic rhythms, death and resurrection. The peacock was seen as a psychopomp, more generally like an intermediary between earth and sky, as well as between the human and the divine. Between the IIIth and the IVth centuries, the peacock and the phoenix were inserted into the funerary iconography of the first Christians and begin to be linked with the conception of the baptism as a revival. Between the IVth and the VIth centuries, they were inserted into the ecclesial space and they tightened their links with the Christ and the baptized. The peacock and the phoenix offer to the believer a hope of being healed. They show the triumph of the Risen Christ and announce the resurrection of the dead at the end of days. Between the VIIth and the IXth centuries, the iconography of the peacock is studied in particular on chancel screens and on the other sculptures linked with the eucharistic rite and with the idea of a connection between caro and spiritus. The documentation highlights the role of the peacock as the guard of the threshold, from a material and spiritual point of view. The recurring presence of these birds between the VIth and the IXth centuries in Roman ecclesial spaces was also put in perspective towards the papal realizations and according to stakes strongly bound to the memory of the saints and the Church. The study opens to the XIIth century with San Clement’s monumental decoration in Rome as a pivotal testimony in the evolution of the meaning of the peacock.

Prédication et propagande : à première vue, ces deux phénomènes n’étaient pas faits pour fonctionner de pair, surtout au Moyen Âge, alors que la prédication avait une activité intense et la propagande ne possédait pas encore d’identité lexicale intrinsèque. Ils parvinrent toutefois à se rencontrer de manière répétée, notamment pendant la guerre de Cent Ans, parce que le souverain, Édouard III, avait besoin de soutien pour ce qu’il appelait sa ‘juste cause’ ; ce soutien lui fut apporté par un grand nombre d’ecclésiastiques qui prièrent et firent prier pour lui.. Les sermons pro rege sont emblématiques de l’époque ainsi que de l’état d’esprit qui régnait alors : les maîtres de la parole, ainsi que l’on a parfois appelés, s’employaient à concilier, du mieux qu’ils pouvaient, les affaires du monde temporel avec celles du monde spirituel. C’était là une tâche ardue en raison des multiples devoirs que leur imposait leur charge pastorale mais le sermon, qui peut être considéré comme un moyen de communication, permettait de suivre les préceptes de Saint Augustin : enseigner, docere, plaire, delectare, mais aussi toucher, flectere, afin de remporter la victoire / Preaching and propaganda : those two phenomena were not originally meant to work together, all the more so during the Middle Ages when the former was very active and the latter did not have a lexical identity of its own. However, they did manage to meet on a frequent basis at the beginning of the Hundred Years war, particularly in the pulpit via enthusiastic sermons preached by men who were trying to reconcile the affairs of the secular as well as the spiritual world. The pro rege sermons were devised according to the strict technical rules of the artes praedicandi of the times and preached by men of the cloth, faithful servants of the State who enthusiastically defended the king’s cause and explained how just his war was. They did so with the tools of their trade, that is the strength of the Sacra Scriptura, whose acute knowledge helped them find the relevant passages so as to convince their audiences. The preachers did their best to fulfil the fundamentals of their task : docere, delectare, flectere. This doctrinal three-faceted tenet was worth remembering in wartime : according to Saint Augustine, teaching is necessary, pleasing is agreeable but winning over is the most important element.

À la lumière des études menées sur l'histoire de la médecine et les récents travaux sur la cosmétologie antique et médiévale, l'objectif de ce mémoire sera de mettre en évidence l'aspect routinier de la cosmétique et sa façon de témoigner de la bonne ou de la mauvaise santé des individus de la seconde moitié du Moyen Âge. Par le biais de traités de cosmétique et d'hygiène, cette recherche visera à mettre en évidence les caractéristiques médicales, religieuses et sociales qui définissent l'art de la parure entre le XIIe et le XVe siècle. L'accent sera davantage porté sur l'Occident latin, zone centrale du renouveau de la médecine médiévale, mais également de transmission des savoirs scientifiques. Enfin, ce mémoire cherche à montrer en quoi la parure du corps au Moyen Âge constitue un marqueur social ainsi que de bien être dans une dynamique quotidienne et ritualisée, notamment au moment de la toilette.

À travers les exemples de Lagrasse, Alet-les-Bains et Caunes-Minervois, cette thèse propose de déterminer les mécanismes et le rôle des acteurs du développement des bourgs monastiques du VIIIe au milieu du XVIe siècle en pays d’Aude. Les modalités du peuplement des sites sont appréhendées, ainsi que les relations entre la communauté des religieux et celle des habitants. La construction de l’espace urbain de ces villes moyennes du Moyen Âge est un des thèmes principaux, abordé à travers l’inventaire des maisons, l’analyse des plans anciens et les sources écrites médiévales et modernes. L’espace périurbain est envisagé comme un secteur permettant aux deux communautés d’assurer une partie de leur approvisionnement et, en ce sens, comme un espace qu’elles devaient se partager et qui devenait essentiel dans les relations qu’elles entretenaient. / Through the examples of Lagrasse, Alet-les-Bains and Caunes-Minervois, this thesis intends to determine the mechanisms and the stakeholders’ role in the development of monastic towns in the Aude department from the 8th century to the mid-16th century. The modes of settlement on these sites are examined, as well as the relations between the religious community and the inhabitants. The construction of urban space in these medium-sized medieval towns is one of the main topics addressed through the inventory of houses, the analysis of historic plans and of medieval or modern written sources. The peri-urban space is regarded as an area allowing both communities to secure a part of their supplies and, in this sense, as a space they had to share and that was essential to the relations between them.

Cette thèse a pour but d'étudier les diverses représentations du Moyen Âge au Québec à travers un corpus d'expositions parcourant le XXe siècle et le début des années 2000. Nous nous intéressons au rôle joué par l'espace muséal québécois dans la diffusion de discours sur cette période européenne. Chaque exposition est replacée dans son contexte de création afin de mettre en évidence les raisons d'ordres religieux, culturels, politiques et linguistiques qui incitent les musées à privilégier telle ou telle représentation du Moyen Âge. / This thesis aims to study the various representations of the Middle Ages in Quebec through a corpus of temporary exhibitions held during the twentieth century and the early 2000s. We question the role played by the Quebec museums in the diffusion of discourses about this European period. In order to highlight the religious, cultural, political or linguistic reasons for museums to focus on a specific representation of the Middle Ages, each exhibition is replaced within its original context of creation.

Cette étude envisage de mettre en parallèle deux personnages féminins (Yseut et Wîs) issus de plusieurs récits médiévaux : les romans de Tristan et Le roman de Wîs et Râmîn. Ces personnages seront analysés sous l’optique de la théorie junguienne des archétypes et de l’Inconscient collectif. Le postulat de base sera donc de considérer que le même principe archétypique est à l’arrière-plan des deux personnages : le Féminin archétypique. Yseut et Wîs font partie de récits qui ont pour origine la mythologie celtique, pour la première, et la mythologie persane, pour la deuxième. A partir de ce constat, on peut voir comment l’élaboration des deux personnages est redevable d’autres images mythiques de la Féminité et de la Femme dans les contextes culturel et mythologique qui entourent chaque récit. Que savons-nous à vrai dire des héroïnes de ces histoires, de leur fonction et de leur rôle dans la construction de ces récits qui les mettent en scène? Retracer cette élaboration qui va de la mythologie à la littérature, repérer les échos des contes folkloriques et populaires qui résonnent encore dans les récits tels que nous les connaissons aujourd’hui, tels sont deux des objectifs primordiaux de cette étude. Une analyse des deux personnages féminins, en tant que symboles d’un même archétype, nous permettra de comparer la dynamique à l’égard du Feminin archétypique dans les deux productions littéraires, ainsi que de repérer leur rôle narratif dans les dénouments si différents des deux histoires. Yseut et Wîs seraient donc les cristallisations d’un imaginaire collectif autour de la Femme et de la Féminité. Elles sont apparues dans deux cultures différentes, à une même époque de l’histoire : le Moyen Âge. / In this work we will be comparing two feminine characters (Iseult and Vis) from several medieval stories: the romances of Tristan and the romance of Vis and Ramin. These characters will be analyzed using Jungian theory about archetypes and Collective Unconscious. Our basic premise considers that the same archetypal principle drives the two characters: The Archetypal Feminine. We know that the characters of Iseult and Vis belong to stories whose origins are mythological: Celtic origins for the heroine of Tristan romances and Persian origins for the heroine of Gorgani’s romance. Based on this, one can see how the drawing up of these two characters owes much to other mythical images of Femininity and Woman, in the cultural and mythological context of each literary work. What do we truly know and understand about the heroines of these important stories? What do we truly know and understand about their function and their role in the plot of these romances? This work holds two objectives related to these questions. One, to trace the drawing up of the characters from mythology to literature. The other, to identify the echoes of folktales and traditional literature which resonate in these stories even today. Analyzing these two characters as symbols of the same archetype, can allow us to compare the dynamic of the Archetypal Feminine into these literary works, and to identify their narrative function in the two different outcomes of the stories. Iseult and Vis would be then the crystallizations of a collective image about Woman and Femininity. They appeared in two different cultures, at the same moment of history: The Middle Ages.

En tant que constantes de la littérature de tous les peuples et de tous les temps l’alba et le somni (l’aube et le rêve) participent par leur réalisations typiques de l’époque au jeu poétique de la poésie romane qui se concrétise, sur le modèle des schémas déjà préétablis, entre imitation, variation et transgression. Les réalisations possibles, inhérentes aux motifs et thèmes d’alba et de somni (comme p. ex. les adieux des amoureux à l’aube, la souffrance et la maladie amoureuse, le rêve comme compensation ou acte de la création poétique, le moment magique de la transition), sont accentuées et développées par rapport à une aire culturelle donnée, dont témoignent les exemples des troubadours et des trouvères, les cantigas galego-portugais et la poésie italienne du Duecento. Le jeu des variations de ces constantes poétiques se réalise dans un contexte d’un réseau de genres, dans lequel les textes singuliers interagissent et forment un système complexe de références intertextuelles. Cette étude sur les variations de l’alba et du somni romanes se considère comme contribution à la mise en valeur des structures et de la poétique inhérente de la poésie médiévale. Elle montre non seulement comment la perspective comparatiste peut contribuer à la compréhension de la richesse des facettes de la poésie médiévale et des chemins et des formes de la réception et de la fécondation mutuelles, mais aussi quel rôle peut jouer l’examen des dictatz no principals encore négligés. L’étude de ces genres « mineurs » thématiques n’a pas seulement d’intérêt en soi, car ces dictatz indiquent généralement les sujets centraux et les points culminants de la poésie, mais aussi parce qu’elle peut contribuer à l’éclaircissement ou à une meilleure compréhension des modèles déjà connus et étudiés. / Being constants of the literature of all nations and ages, alba and somni (dawn and dream) participate in the poetic play of the Romanic poetry by means of their typical realisations characteristic of a time, that is concretised, on the basis of preformed patterns, between imitation, variation and transgression. The development and accentuation of possible realisations inherent to the motifs and themes of alba and somni (such as e. g. the parting at dawn, suffering and lovesickness, dreaming as compensation or act of poetic creation, the magical moment of transition) differ depending on the cultural area as is indicated by the examples of the troubadours and trouvères, the Galician-Portuguese cantigas and the Italian poetry of the Duecento. The play of variations of these poetical constants is realised in the context of a network of genres, in which the individual texts interact and form a complex system of intertextual references. This study of the Romanic variations of alba and somni is considered as a contribution to an enlightenment of the structures and poetics inherent to medieval poetry. It does not only show how the comparative perspective can contribute to the comprehension of the abundance of facets of medieval poetry and of the ways and forms of mutual reception and fecundation, but moreover point out the role that can be assigned to the study of the dictatz no principals which is still and often neglected. The study of these “minor” genres of thematic kind is not only interesting as such, for the dictatz generally indicate the central subjects and climactic points of poetry, but also because it can contribute to an elucidation or a better comprehension of the patterns already established and studied.

Dans le roman d’aventures médiéval, le thème de la fuite ne peut être perçu de manière uniforme mais en fonction du sexe du personnage principal. L’homme qui fuit est un couard déshonoré, la femme en fuite un nouveau prototype d’héroïne. En effet, être en fuite, suppose d’errer dans un univers inconnu, regorgeant de territoires pas toujours domestiqués par l’homme et largement inexplorés par la femme, l’espace extérieur restant traditionnellement un terrain de chasse masculin. Identités mouvantes trahies par le déguisement et la mouvance de leur nom, étapes laborieuses marquées par la nécessité de gagner sa vie, virilité parfois à toute épreuve, ces jeunes demoiselles sillonnent les contrées en quête d’elles-mêmes. Seul rempart contre le suicide, la fuite féminine synthétise une révolte avouée et exprimée. Donner ainsi la parole à des femmes dans des schémas narratifs éprouvés, les faire coexister aux côtés des chevaliers errants, c’est bien leur permettre de poser, ou de redécouvrir, les bases de leur identité. Parfois assistées dans leur démarche brutale, elles s’attribuent désormais la responsabilité d’elles-mêmes et acquièrent peu à peu une indépendance qui, jusque-là, était irréalisable à l’intérieur des murs de leur forteresse androcentrique. Aussi, fuir leur confère-t-elles un contrôle tout à fait inédit de leur personne. La circulation des femmes dans les romans du Moyen Âge demeure donc un enjeu non seulement narratif, mais aussi social, privé, humain. A l’heure de la redécouverte des grandes aventurières des XIXe et XXe siècles, l’accent est porté sur une nouvelle mobilité de la femme. Notre thèse regarde plus en avant et examine des femmes nomades dans les fictions romanesques médiévales. Ce motif fédérateur rassemble vraisemblablement quelques topoï notoires issus de sources anciennes mythologiques récupérées par la littérature du Moyen Âge. Il s’agira de décrypter l’architecture de ce motif pour en déterminer les origines. / In medieval adventure novels, the theme of escape is not treated in an balanced manner but depends on the gender of the main character. The man who flees is a dishonored coward while the fleeing woman represents a new prototype of heroin. It appears that being on the run involves wandering into an unknown world full of territories which are not always domesticated by men and which are largely unexplored by women, because, traditionally, this outer space represents a male hunting territory. Their changing identities betrayed by the disguise and by the instability of their names, laborious steps marked by the need to earn a living, and sometimes a virility in every challenge, this is what defines these young women who go across the countries as seekers of themselves The feminine at flight which implies an admitted and spoken rebellion, is the only defense against suicide. Thus, giving voice to women in proven narrative patterns, making them coexist alongside the errant knights, it is a perfect way which allows them to settle, or to rediscover, the basis of their identity. Even though they are sometimes assisted in their brutal steps, henceforth they assume the responsibility upon themselves, and gradually acquire an independence which, hitherto, was impossible within the walls of their androcentric fortress. Fleeing gives them also a completely new control of themselves. The women running in the novels of the Middle Ages represents a challenge not only from a narrative aspect but also from a social, private, and human view point. At the time of the rediscovery of the great adventurers of the nineteenth and twentieth centuries, the emphasis falls on a new mobility of women. Our thesis looks further away and examines nomadic women in medieval romance fiction. This unifying pattern is likely to bring together some known topoi from ancient mythological sources, retrieved by the literature of the Middle Ages. Our aim is to decrypt the architecture of this pattern in order to determine its origins as well.