[pt] Em que medida a arte, hoje, nos aproximaria da experiência da comoção como experiência de limites? É a partir desta primeira grande questão que se constrói esta dissertação. Aqui, é proposta uma reflexão filosófica sobre o sublime kantiano como categoria estética, cujo deslocamento, da esfera da natureza para a da arte, nos permitiria cogitar o acesso a um espectador, penso, cada vez mais dominado pela apatia. Trata-se de uma interrogação destinada à produção de arte na atualidade, em especial, às artes visuais, a partir do sublime kantiano. / [en] To what extent would art, in our days, bring us closer to the experience of emotion as an experience of limits? It is upon this first important question that this dissertation is built. Proposed herein is a philosophical reflection on Kant’s sublime as an aesthetic category whose shift from nature’s to art’s sphere would allow us to consider the possibility of getting access to a spectator seemingly increasingly dominated by apathy, a characteristic aspect of the mass culture he is inserted into. An interrogation directed towards art’s production in present times, in particular in the visual arts, from the perspective of Kant’s sublime.

Ce travail vise à porter un nouvel éclairage sur la Thébaïde de Stace en recourant au Traité du Sublime. Celui-Ci constitue un instrument herméneutique contemporain des littératures néronienne et flavienne, libéré des projections de la pensée esthétique moderne, à même de préciser l’univers de l’épopée. Notre étude s’attache d’abord à définir la notion de sublime, telle que la présente le Pseudo-Longin. Elle analyse ensuite l’importance de la passion dans le Traité du Sublime comme dans la Thébaïde et découvre les liens qui unissent les deux oeuvres : une même conception de la création poétique, audacieuse et transgressive, un même attrait pour les élans passionnels, la même recherche d’une réception sur le mode du choc, mettant en jeu des sentiments de terreur et d’admiration. Le sublime se manifeste dans le ravissement du poète, des personnages, dans les représentations spectaculaires de l’horreur ou d’une nature bouleversée. Le Traité du Sublime se révèle alors un outil intéressant pour appréhender les interférences génériques à l’oeuvre dans la Thébaïde. Il met en lumière un tragique de la passion, qui se déploie à travers le thème de la tyrannie, qui entre en tension avec l’épique et, par là, complexifie les personnages, remet en question l’héroïsme traditionnel. / This work aims at shedding new light on Statius’ Thebaid by having recourse to On the Sublime, which constitutes a contemporary hermeneutic instrument for Neronian and Flavian literature, freed from the projections of modern aesthetic thought. First of all, I try to define the notion of the sublime as it is presented by Longinus. Then I try to analyse the importance of passion in On the Sublime as in the Thebaid and to reveal the links between the two works : the same conception of an audacious poetic creation, the same attraction to outbursts of passion, the same desire to create a shockwave on reception by bringing into play feelings of terror and admiration. The sublime is to be found in the ecstasy of the poet and the characters and in the spectacular portrayal of horror or of disordered nature. On the Sublime is therefore an interesting tool to understand the generic interferences at work in the Thebaid. It highlights the tragic in passion, which is to be found in the theme of tyranny and which gives rise to tension within the epic thus rendering the characters more complex and bringing into question traditional heroism.

Le but de cette thèse est de contrer deux idées reçues sur la réception de Longin à la Renaissance et à l’Âge classique, à savoir que : 1.le traité de Longin ne concernerait pas un style, mais un ‘je ne sais quoi’ qui dépasse toute catégorisation ; 2. le traité de Longin ne serait connu que de manière confidentielle. Notre thèse prouve le contraire. Interrogeant la tradition stylistique et remontant à la genèse des genera dicendi, nous montrons que Longin est profondément enraciné dans la tradition de la tripertita uarietas. Le ὕψος est un genus dicendi à part entière. Cependant le Περὶ ὕψους est aussi un texte de la crise qui témoigne d’une volonté de dépasser la tradition cicéronienne. Il s’agit d’une tentative non aboutie, dont il reste des traces dans la comparaison de Cicéron et Démosthène : le torrent et la foudre. Dans ce parcours nous mettons en évidence les liens qui unissent le ὕψος au δεινός de Demétrios. L’inventaire des manuscrits, des traductions, des éditions en circulation à la Renaissance démontre à lui seul que la fortune de Longin est loin d’être relative et qu’elle imprègne la vie culturelle de la République des Lettres jusqu’au XVIIe siècle. Cette lecture ne se fait pas au détriment du sens originaire du traité : pour ces re-lecteurs le Περὶ ὕψους est un genus dicendi. Ainsi, Leone Allacci parvient à saisir les problématiques complexes qui rattachent le ὕψος à la δεινότης dans son De erroribus magnorum uirorum in dicendo (1635). Le sublime longinien est également un genus dicend dans les Eloquentiae sacrae et humanae parallela (1619) que le jésuite Nicolas Caussin rédige dans une perspective rédemptoriste, réduisant le sublime à la copia. / This thesis aims to contradict two misconceptions about Longinus’ reception in the Renaissance and classical age, namely: 1. the treaty of Longinus does not concern a style, but a 'whatever' which transcends all categorization; 2. the treaty of Longinus is known only by a confidential manner. Our thesis proves otherwise. Querying the stylistic tradition and returning to the genesis of the genera dicendi, we show that Longinus is deeply rooted in the tradition of tripertita uarietas. The ὕψος is a genus dicendi full.However Περὶ ὕψους is also a text of the crisis which shows a willingness to go beyond the ciceronian tradition. This is a failed attempt, which traces remain in the comparison of Cicero and Demosthenes: torrent and lightning, δεινότης and copia. In this course we highlight the links between the ὕψος to the δεινός of Demetrios. The inventory of manuscripts, translations, editions issued at the Renaissance alone shows that the fortune of Longinus is far from average and that it permeates the cultural life of the Republic of Letters until the seventeenth century. This reading is not done at the expense of the original meaning of the treaty: for these re-readers Περὶ ὕψους is primarily a genus dicendi.Thus, Allacci Leone manages to capture the complex issues that relate δεινότης to the ὕψος in his De erroribus magnorum uirorum in dicendo (1635). The longinian sublime is also a genus dicendi in the Eloquentiae sacrae et humanae parallela (1619) that the Jesuit Nicolas Caussin wrtites in a purely redemptorist perspective, choosing to reduce the sublime to the copia.

La science-fiction a, depuis ses origines, abordé les questions spirituelles telles que la mort, la transcendance, le sens de la vie et de la condition humaine. Au lieu de se définir comme une littérature d’idées fondée sur la science, elle est bien davantage une littérature d’images qui se fonde sur une « problématisation » de notre monde. Elle construit des configurations fictionnelles qui suscitent, chez le lecteur, un étonnement fondamental, le sense of wonder. Dès lors, elle envisage des problèmes essentiels, qu’ils soient biologiques, politiques, ou spirituels. Ouvrant à un espace-temps potentiellement infini, elle peut mettre en scène des quêtes à l’échelle du cosmos, ouvrir sur l’éternité et le temps du mythe, réinterpréter les grandes traditions religieuses pour les problématiser, ou dessiner un espace du sublime dans la confrontation avec le mystère. Il s’agit de définir la science-fiction comme un genre littéraire problématologique, qui s’appuie sur des récits et des images. Ce travail examine le traitement des questions spirituelles dans la science-fiction française, anglaise et américaine, depuis le XIXe siècle. Il se réfère à une dizaine de romans et trois films. En s’appuyant sur ce corpus spécifique de romans et de films, il s’attache à établir des cadres théoriques et à identifier des œuvres qui constituent des jalons dans l’histoire de la science-fiction et qui illustrent cette perspective problématologique. / Since its origins, science fiction has addressed issues in spirituality such as death, transcendence, meaning of life, human condition. Instead of defining science fiction as based upon science, we should better define it as based upon the « problematization » of our world. It construes fictional configurations which trigger readers’ essential astonishment, and impose a sense of wonder. It tackles central problems, be it biological, political or spiritual. Opening to potentially infinite space and time, it can unfold quests on a cosmic scale, and revisit significant religious traditions to question them, or to delineate a space where sublime confronts mystery. The overall argument aims at defining science fiction as a problematological literary genre, which uses narratives and images. This dissertation applies these research orientations to French, American and English Science Fiction from the XIXth century onwards — it refers to a dozen novels and three movies. While it focuses upon this specific body of novels and films, it intends to set up theoretical schemes and to identify works which are landmarks in SF and exemplify this problematological perspective.

« La simplicité » est un principe essentiel de l’esthétique de George Sand, ce goût permanent marque non seulement la vie réelle de l’écrivain, mais aussi ses œuvres, surtout la série de romans champêtres et socialistes (1840-1853), dont le décor principal est la campagne berrichonne. Nous allons étudier successivement, en trois grandes parties, la notion de simplicité chez George Sand et son sentiment de la nature, la simplicité en tant que constituant de la nature humaine et enfin la simplicité considérée comme le comble de l’art. Les personnages sandiens, paysans ou aristocrates, s’unissant dans une vie idyllique, sont souvent empreints de la même caractéristique se présentant sous diverses facettes : rejet de l’affectation, absence de duplicité et de prétention, refus des artifices, goût pour le naturel et la transparence, ou sublime, naïveté, ingénuité, sincérité, candeur, etc.. Sur le plan esthétique, la simplicité signifie le non composé, le non apprêté, l’originel, le primitif, l’élémentaire, le caractère d’un ensemble formant une entité harmonieuse pouvant être saisie par une intuition synthétique. Tout cela se voit dans la musique populaire et les objets d’art créés par des artistes naïfs. La simplicité sandienne se présente aussi dans d’autres domaines comme les mœurs rustiques, la société et la politique, mais cela restera notre travail post-thèse. / Simplicity is a fundamental principle of George Sand’s aesthetics.The taste for simplicity has also not only pervaded the writer’s life but her whole work, and notably the socialist and country novels (1840-1853) taking place in the Berry landscape.Our purpose is to analyse firstly, Sand’s concept of simplicity and the way she perceives nature, then simplicity as a component of humanity and finally simplicity revealing consummate artistry. Sand’s characters, either peasants or aristocrats sharing an idyllic life, often show this same psychological characteristic under different features: reject of affectedness, absence of duplicity, taste for naturalness and openness, longing for sublimity, innocence, ingenuousness, genuineness, naivety, etc.Aesthetically speaking, simplicity refers to all that is not composed, not prepared, and, positively, to that what is genuine, primitive, and elemental. Simplicity is also accomplished in any harmonious whole perceptible through synthetic intuition, like popular music pieces and naif works of art.Sand’s concept of simplicity also operates in other fields like rural customs and habits and society and politics, as we will show in our subsequent research.

Au cours de la relation thérapeutique qui unit le médecin et le malade dans un processus de soin, il arrive que le médecin estime le malade guéri alors que ce dernier ne se considère pas comme tel, ou, à l'inverse, que le malade s'estime guéri alors que le médecin pense le contraire. Cette situation paradoxale constitue l'antinomie de la relation thérapeutique. Elle est la conséquence de ce que la guérison n'est pas un retour à l'état de santé d'avant la maladie, mais est au contraire la constitution d'une nouvelle norme de vie, processus que Georges Canguilhem a désigné sous le nom de normativité.Résoudre l'antinomie de la relation thérapeutique nécessite de placer la normativité au cœur de cette relation, et l'humilité rend ce processus possible.L'humilité est une vertu trop souvent tenue pour suspecte, fréquemment réduite à une variante du mysticisme ou assimilée à un dénigrement de soi. Un examen critique de l'humilité permet de réfuter ce lieu commun. L'humilité, qui semble absente du corpus hippocratique et de la philosophie médicale héritée de la Grèce antique, est une vertu morale et intellectuelle, qui se cache derrière la maïeutique socratique et l'éthique aristotélicienne. La critique kantienne de la faculté de juger démontre que l'humilité possède une fonction schématique qui lui permet d'offrir à l'homme une ouverture de son être et de lui dévoiler que la maladie est une épreuve de vie apparentée au sublime.L'étude de plusieurs situations cliniques permet de montrer que l'humilité, prise comme maxime d'action de la pratique médicale, est en mesure de résoudre l'antinomie de la relation thérapeutique. / During the therapeutic relationship wich brings together the doctor and the patient, it sometimes occur that the doctor considers the patient to be cured, though the patient does not feel so, or, on the contrary, that the patient considers to be cured even though the doctor thinks the opposite. This paradoxical situation is what can be called the antinomy of the therapeutic relationship. It is the consequence of the fact that healing is not returning to the state of health prior to the illness, but is the implementation of a new norm of life, process named normativity by Georges Canguilhem.Solving the antinomy of the therapeutic relationship requires to put normativity at the center of this relationship, and humility makes this process possible.Humility is a too often held under suspicion, frequently reduced to a form of mysticism or considered as self-deprecation. A critical examination of humility refutes such a commonly-held opinion. Humility, wich seems excluded from the hippocratical corpus and the philosophy of medicine inherited from ancient Greece, is an intelectual and moral virtue, wich hides behind Socrate's maieutic and Aristotle's ethic. Immanuel Kant's Critique of judgement shows that humility is also a scheme wich allows man an opening of his being and wich reveals to him that illness is a trial of life wich is similar to the sublime.A examination of several clinical cases shows that humility, taken as maxim of action of medical practice, is able to solve the antinomy of therapeutic relationship.

La thèse interroge la manière dont la notion de sublime influence la définition de l’architecture construite dans les Alpes, depuis la naissance du tourisme jusqu’à aujourd’hui.La première partie traite de la façon dont au début du XVIIIe siècle, les Alpes sont devenues le topos d'une nouvelle perception de la nature qui se cristallise dans la notion de sublime. Entre effroi et fascination, ce terme engage une expérience de la limite. C’est à la recherche de cette sensation que les voyageurs se rendaient dans les Alpes. Peu de temps après des montagnes artificielles ont été construites dans les villes, d'abord en tant que symbole de la liberté pendant la Révolution française, ensuite comme panoramas illusionnistes, jusqu'aux parcs d'attractions du XIXe siècle.Les parties qui suivent analysent de quelle façon le sublime donne corps à différents types d’architectures. Tandis que les grand-hôtels alpins mettaient en scène la vue sur le panorama des montagnes pour contempler le spectacle de la nature sauvage, les architectures cristallines sont l’expression de visions utopiques. Au cours du XIXe siècle, l'intérêt pour la nature sauvage se transfère sur des éléments singuliers de la nature, particulièrement sur le soleil qui devient en tant que thérapie un véritable mythe. Ceci se manifeste dans les divers « mouvements de réforme de vie », tout comme dans les affiches publicitaires des sanatoriums. Les Alpes étaient considérées comme un « paysage thérapeutique », et comme un territoire idéal pour l'éducation. Différentes institutions religieuses et politiques y ont construit des colonies d'enfants, provocant entre eux une véritable lutte d'appropriation idéologique.Mais les Alpes étaient aussi le territoire idéal pour jouir de l'ivresse du mouvement et du vertige depuis que l’accès en était rendu possible par un réseau de plus en plus dense de téléphériques et de refuges, où l'architecture met en scène l'expérience de la limite du sublime. Avec l’émergence du tourisme de masse, ce n'était plus la nature qui était considérée comme sublime, mais la technique qui permettait de la dominer.L’analyse de l’architecture alpine à travers le prisme du sublime amène en conclusion à un état des lieux du tourisme alpin aujourd’hui où est mise en évidence la radicalité des prises de position. À travers ces présentations, les différentes figures du sublime ouvrent ainsi à une réflexion sur les constructions futures dans la continuité d’une pensée visionnaire, où s’articule le rapport entre l’homme et la nature. / The thesis questions in which way the sublime has influenced the architecture built in the Alps, from the beginning of tourism until today.The first part shows how the Alps became in the beginning of the 18th century the topos of a new perception of nature, which crystallized in the notion of the sublime. Situated between terror and enthusiasm, this term implies an experience of the limit. Longing for this sensation, the travelers went to the Alps. A little later, mountains were constructed artificially in the cities, first as a symbol for liberty during the French Revolution, then in form of illusionist panorama-paintings, up to factice Swiss sceneries in amusement-parks in the end of the 19th century. This induced a flood of tourists, transforming the Alps into a “Dreamland”, for different kind of dreams.The main part analyses in which way the sublime became the guiding principle for various architectures: While the alpine grand-hotel framed the scenery by panoramic windows in order to contemplate the wilderness outside, crystalline architectures are conceived out of utopic visions, looking for a harmonious world. In the end of the 19th century the focus on the “wild nature” was transferred on to singular elements of nature, especially the sun, which (being considered as a remedy) became a real myth. This becomes evident in the “Live Reform”-groups, as well as in the advertisements for sanatoriums. The Alps were considered as a “therapeutic landscape”, as well as an ideal territory for education. Numerous children-colonies have been built by different religious and political institutions, leading to a fight about the appropriation of the children; the ideological differences became visible in the architectural typologies. But the Alps were also considered as an ideal territory to experiment the sensation of giddiness and speed. This became possible by the increasing net of cable-cars and sport-hotels, where cantilevers emphasized the experience of the limit (inherent to the sublime). With the upcoming mass tourism it was not anymore the wild nature which was considered as sublime, but the technic, which dominates nature.The analysis of the alpine architecture through the prism of the sublime leads to an observation of the actual alpine tourism, emphasizing the radicalism of the various phenomena throughout history. The different figures of the sublime open towards a reflection about the future constructions, in the continuity of a visionary relationship between man and nature. / Die Dissertation hinterfragt auf welche Weise das Erhabene die Architektur in den Alpen beeinflusst hat, vom Beginn des Tourismus an bis heute. Im ersten Abschnitt wird aufgezeigt, wie die Alpen zu Beginn des 18. Jahrhunderts zum Topos einer neuartigen Naturbetrachtung wurden, die sich im Begriff des Sublimen (Erhabenen) kristallisierte. Zwischen Schrecken und Faszination angesiedelt, liegt diesem Gefühlszustand eine Grenzerfahrung zugrunde. Auf der Suche nach diesem Gemütszustand, suchten Reisende sehnsuchtsvoll die Welt der Berge auf; diese wurde alsbald in künstlicher Form in den Städten rekonstruiert, vom Freiheitssymbol der Französischen Revolution angefangen, über illusionistische Panoramabilder, bis hin zum Vergnügungspark im 19.Jh. Die daraufhin einsetzende Reiseflut verwandelte die Alpen in ein Land, in dem ganz unterschiedliche Träume projiziert wurden. In den folgenden Kapiteln wird untersucht, inwiefern das Sublime bei den unterschiedlichen Architekturen als Leitmotiv erscheint: Während beim alpinen Grandhotel die Aussicht auf das Panorama inszeniert wurde, um das Spektakel der „wilden Natur“ zu betrachten, standen bei den Kristallarchitekturen utopische-visionäre Gedanken im Vordergrund. Der Fokus auf die wilde Natur verlagerte sich gegen Ende des 19. Jahrhunderts auf einzelne Naturelemente, insbesondere auf die Sonne, die als Heilmittel zum Mythos erhoben wurde. Dies kommt sowohl in den Lebensreformgruppen zum Ausdruck, als auch auf den Werbeplakaten für Sanatorien. Die Alpen fungierten als „therapeutische Landschaft“ und wurden auch als idealer Ort der Erziehung angesehen. Verschiedene religiöse und politische Institution errichteten Kinderkolonien, wobei sich ein wahrer ideologischer „Kampf um das Kind“ entspann, der architektonisch gesehen zu sehr unterschiedlichen Resultaten führte. Die Alpen waren aber auch ein ideales Territorium, um den Rausch der Bewegung auszuleben. Dies wurde durch ein immer dichter werdendes Netz von Seilbahnen, Sporthotels und Hütten ermöglicht, wobei die Grenzerfahrung des Sublimen architektonisch bewusst inszeniert wurde. Mit dem aufkommenden Massentourismus wurde nicht mehr die wilde Natur, sondern die Technik als erhaben angesehen, die es ermöglichte, die Berge zu dominieren. Die Analyse der alpinen Architektur durch das Prisma des Sublimen führt uns zum Schluss zu einer Betrachtung des heutigen alpinen Tourismus im Spiegel des Wandels des Erhabenen-Begriffs, wobei die Radikalität der verschiedenen Phänomene hervorgehoben wird. Die unterschiedlichen Figuren des Erhabenen öffnen somit ein Nachdenken über das zukünftige Bauen in den Alpen, in der Kontinuität einer bestimmen Beziehung zwischen dem Menschen und der Natur.

[pt] Imagens contemporâneas (do sublime) procura refletir sobre o que é a imagem hoje. Esse estudo tem por objetivo desenvolver as noções de imagem e sublime no regime representativo da visualidade contemporânea. A imagem é entendida não mais como ponto de chegada visual de um enquadramento ótico que manifesta por projeção - na ordem da representação - uma essência objetiva atribuída por antecipação ao mundo revelado pelo Olhar de um Sujeito Universal e soberano; mas sim como um acontecimento, um evento, ponto de chegada de um processo, que remete ao jogo de toda uma série de mediações específicas denominado imagerie (produção de imagem). As mediações visuais, simultaneamente técnicas, semânticas e estéticas organizam a produção e a reprodução dos sujeitos dentro de uma cultura, redefinindo os conceitos de espaço, de tempo, de memória, de conhecimento, de fruição, o que implica o fim da epistemologia moderna e a necessidade de inventar novos modos de pensamento e, logo, de visualidade. Nesse contexto, a dupla modalidade do belo e do sublime kantianos vão ser tomados num processo de fundação da pós-modernidade, considerada como o estado presente da crise dos fundamentos modernos. O legado que a noção de sublime deixa para a estética relaciona-se ao reconhecimento da realidade como disponível para as experimentações múltiplas e provisórias, aproximando realidade e arte, tornando a realidade tão ficcional quanto a arte. A obra da artista plástica Cindy Sherman oferece um campo fértil na investigação das noções de imagem e sublime. Através do uso de técnica e suporte fotográfico, ela elabora não um objeto de crítica artística, mas antes se constitui em instância de crítica. Sherman constrói uma metalinguagem com a qual pode então operar no plano mito-gramático da arte. Ela compõe séries fotográficas com imagens de desgosto ou riso (mais do que de prazer), e o fato dessas sensações serem sustentadas como substituição do prazer estético orienta a ordem de experiência na cena contemporânea que se pretendeu investigar. / [en] The present study - Contemporary Images (of the Sublime) - intends to investigate the meaning of the image today. Its main purpose is to develop and broaden the understanding of such concepts as image and sublime in the representative regime of contemporary visuality. From the perspective of this study, the image is not a visual target of an optical framing manifested through projection, under a representational order, or an objective essence previously attributed to the world revealed by the Gaze of a Universal and Sovereign Subject; it is rather an event, the destination of a process related to a game that involves a series of specific mediations named imagerie (production of images). These visual mediations - which are simultaneously technical, semantic and aesthetic - organize the production and the reproduction of subjects within a culture, redefining the concepts of space, time, memory, knowledge and fruition, which implies the end of modern epistemology and the need to create new methods of thinking and, therefore, of visuality. In this context, the double modality of Kant`s concepts of Beauty and Sublime will be considered in the process of founding post-modernity, seen as the present state of the crisis of modern fundaments. The legacy left by the concept of the sublime to aesthetics is related to the recognition of reality as being available for multiple and provisional experiments, bringing reality and art together, making reality as fictional as art itself. The work of the artist Cindy Sherman offers a fertile field for investigation of the notions of image and the sublime. Through the use of photographic technique and support, instead of making objects for art critics, she constitutes herself as an instance of criticism. Sherman builds a metalanguage with which she can then operate with on the mythicogrammatical plane of art. She composes her photographic series with images of displeasure or laughter (rather than pleasure), and the fact that these sensations are presented as substitutes for aesthetic pleasure orients the order of experience in the contemporary scene, which this study intends to investigate.

[pt] Desde sempre o humano busca contornar sua natureza. No contato com a realidade sua consciência forma-se e não raro descobre o desejo de transcender. Há quem entenda o humano como criatura cindida entre duas naturezas em conflito: a tensão entre a carne e o espírito, entre a mão e a mente. É possível desviar-se do ascetismo e pela estética entender-nos não em oposição mas em dialética, quem sabe, passível de síntese. A concretude como caminho ao etéreo. E assim o humano expressa-se na arte, campo de categorias estéticas. A do Sublime canaliza tal estado de tensão. O Sublime pode ser visto como a tentativa de expressar o inexprimível – não à toa há em suas obras um senso de grandeza, reverência, deslumbre, medo, coragem. Em enormes arquiteturas o humano tenta tocar o além mas o além está fora de alcance, pois se a matéria permite a jornada ela também a limita. O que ele encontra não é a transcendência mas a superação. Na altura vencida ele descobre a real medida de suas capacidades, contornando-se, conhecendose. No caminho houve expressão, autenticidade. Estudo a angústia do humano em conflito e suas tentativas arquitetônicas de atingir o Sublime. A Torre de Babel, as catedrais Góticas, a revolução cosmológica, o Romantismo, o indivíduo coibido pela indústria, a regeneração estética, a sociedade do desempenho, o fim da transcendência, as montanhas e seus templos de cristal contemplação. A busca por algoa mais e nossa improvável redenção. / [en] Humans have always sought to outline their nature. Within the contact of reality our consciousness forms and may find the desire to transcend. We can be understood as a creature split between two conflicting natures: a tension between the flesh and the spirit, the hand and the mind. It is possible to deviate from asceticism and through aesthetics understand ourselves not in opposition but as a dialectical pair perhaps capable of synthesis. Concreteness as a path to the ethereal. And so the human expresses himself through art, field of aesthetic categories. The Sublime is the one that channels this state of tension. The Sublime can be seen as an attempt to express the inexpressible – in its works there is a sense of greatness, reverence, wonder, fear, courage. So in huge architectural structures human tries to touch the beyond but the beyond is not there to be touched, because if matter allows the journey it also limits it. What we find then is not transcendence but overcoming. From the height of the built structure we discover the true measure of our abilities, bypassing ourselves, knowing ourselves. We find expression and authenticity. I study the anguish of the conflicted human and his attempts, through architecture, to reach the Sublime. The Tower of Babel, the Gothic cathedrals, the cosmological revolution, romanticism, the individual restrained in the industrial city, aesthetic regeneration, the society of performance, the end of transcendence, mountains and its temples of crystal contemplation. The search for meaning and our unlikely redemption.

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