Ce travail de recherche porte sur les comédies de magie qui succèdent à l’événement théâtral qu’a constitué La pata de cabra, de Juan de Grimaldi (1829) dans l’histoire de la scène espagnole. L’angle choisi est celui de l’histoire culturelle, dans le dessein d’éclairer le “faire spectaculaire” de ce genre aussi bien du point de vue esthétique et artistique que technique et budgétaire. Ce théâtre de l’enchantement est abondant et il fit recette, malgré les critiques acerbes dont il fut l’objet, mais il est aujourd’hui tombé dans l’oubli. Si la comédie de magie est un genre mineur en apparence, elle s’inscrit pourtant dans une longue tradition “néo-ritualiste” espagnole et européenne et elle a sans conteste influencé d’autres genres (dans l’exploitation de tous les moyens qu’offre la scène) qui jouissent d’une plus grande renommée qu’elle. L’enjeu de l’étude est d’analyser l’aspect performantiel de cet objet culturel, fabrique des avant-gardes scéniques en Espagne. La comédie de magie est envisagée en tant que niche de talents et phénomène culturel d’exception en matière de technique représentative (décors, costumes, machinerie et autres dispositifs). / La pata de cabra (1829) by Grimaldi was a turning point in the history of Spanish Magical Theater. My dissertation is enquiry into 19th and 20th-Century Post- Grimaldian enchanting comedies. I use a cultural historical approach to shed light on this genre’s specific search for a “spectacular dimension” and to examine it from an aesthetic and artistic point of view, as well as a technical and budgetary one. This Magical Theatre was very prolific and successful at the time (despite harsh critics), but it has largely been forgotten since. Although Magical Comedy seems to be a minor genre, it is nonetheless part of a long “neo-ritualistic” Spanish and European tradition and, because of its extensive optimization of on-stage possibilities, it has undoubtedly influenced more renowned genres. I discuss the performance aspect of this cultural object and I argue that it is a workshop for Spanish Avant-Garde theatre. I show how Magical Comedy fostered theatrical creativity among artists and I discuss to which extent this singular cultural phenomenon shaped specific representative techniques (scenery, costumes, machinery and other devices) in Spanish theatre.

La thèse analyse l’évolution de l’écriture féminine en Sicile aux XIXe et XXe siècles, sur la base d’un corpus de 24 romans de femmes écrivains : Cecilia Stazzone, Rosina Muzio Salvo, Elvira Mancuso, Angelina Damiani Lanza, Adelaide Bernardini Capuana, Maria Messina et Goliarda Sapienza. Dans la première partie, selon une approche socio-littéraire et en utilisant des inédits ou des textes rares mis au jour, nous avons illustré cette production dans l’histoire littéraire et dans la réception (à l’époque et contemporaine), étant donné certains oublis puis redécouvertes ultérieures, grâce surtout à l’activité éditoriale de Leonardo Sciascia (Mancuso et Messina), à la connaissance du rosminien Giuseppe Pellegrino (Lanza) et au succès des traductions françaises (Sapienza). Dans la deuxième partie, nous avons indiqué comment ces femmes écrivains ont différemment représenté la condition féminine de leur époque, en utilisant pendant le Romantisme des modèles romanesques masculins, en développant pendant le Décadentisme des structures et styles personnels qui corrodaient la langue et les schémas constitués, et enfin en créant des formes résolument autres à l’époque contemporaine. Ce sont surtout les romancières de l’époque contemporaine qui ont contribué significativement au développement du genre romanesque au féminin, en particulier Sapienza qui a, de façon unique, modelé au féminin l’autobiographie, le roman-épopée et le roman-enquête. / In this doctoral thesis, we examine the evolution of women’s writing in the XIXth and XXth centuries in Sicily. We based on a corpus of 24 novels by seven women writers : Cecilia Stazzone, Rosina Muzio Salvo, Elvira Mancuso, Angelina Damiani Lanza, Adelaide Bernardini Capuana, Maria Messina and Goliarda Sapienza. In the first part, applying sociological Criticism and using unpublished and rare texts, we show how this production can be understood through the development of textual history and history of reception. There have been some omissions and also rediscoveries, especially thanks to Leonardo Sciascia’s editorial activity for Mancuso’s and Messina’s works, to the Rosminian philosopher Giuseppe Pellegrino for Lanza’s works and to the great success of Sapienza’s French translations. In the second part, we analyze the different forms how these women writers represented the female condition in each phase : during the Romantic age, they followed their contemporary writers’ models, while during the Decadent movement they invented a structure and a personal style so as to erode the linguistic and formal canons. In the contemporary period, they created their own patterns. The women writers of the twentieth century contributed to the development of the female novel, especially Sapienza, who elaborated a personal pattern for female expression in several genres : autobiography, epic and psychological inquiry.

Alors que l'influence des théories optiques de la couleur sur le développement des techniques picturales aux XIXe et XXe siècles a fait l'objet d'études nombreuses, le champ, tout aussi déterminant, de la psychologie de la couleur demande à être exploré plus en avant. Notre recherche porte sur les liens historiques et épistémologiques entre les approches psycho-physiologiques de la couleur - empruntées aux discours de la psychologie expérimentale, de la psychiatrie et des sciences psychiques - et les cultures visuelles, au tournant du XXe siècle. Ce travail explore le pouvoir de conditionnement mental de la couleur, ou «chromomentalisme» : comment la couleur influence l'esprit et plus largement le corps de l'individu en affectant sa capacité de concentration, sa santé ou son humeur. La thèse présente trois grands axes qui correspondent à des déclinaisons différentes des psychologies de la couleur : la couleur-attention, la couleur-énergie et la couleur-émotion. La première partie analyse les dispositifs d'emprise attentionnelle utilisés à la fois en laboratoire et sur scène, la dialectique entre attention et distraction dans les expériences urbaines, et l'essor des psychotechniques de la couleur. La deuxième partie explore les pratiques d'emprise énergétique (le mythe du corps sans fatigue, la neurasthénie) et l'interprétation bio-esthétique de la couleur qui émerge à fois du débat occultiste et expérimental. La troisième partie porte sur le pouvoir de gestion des affects, en mobilisant le débat sur l'empathie et l'éducation des sens, l'esthétique populaire des couleurs, les modes de relation entre harmonies chromatiques et sociales. / Whilst the influence of color optical theories on the development of pictorial techniques in the Nineteenth and Twentieth centuries has been the subject of numerous studies, the field of color psychology needs to be explored further. Our research focuses on the historical and epistemological links between psycho-physiological approaches to color - derived from the discourse of experimental psychology, psychiatry and psychic sciences - and visual cultures at the turn of the Twentieth century. This dissertation explores the power of color as mental conditioning, or «chromomentalism» : how color influences the mind and more broadly the body of the individual by affecting its ability to concentrate, health or mood. The thesis presents three major axes that correspond to multiples aspects of color psychology : color-attention, color-energy and color-emotion. The first part analyzes the attention-grabbing devices used both in the laboratory and on stage, the dialectic between attention and distraction in urban experiences, and the rise of psychotechnics of color (art, cinema, advertising:). The second part explores the oractices of energetic control (the utopian goal of the "body without fatigue", neurasthenia, psychotechnics of energy) and the bio-aesthetic interpretation of color that emerges from occultism and experimental sciences. The third part focuses on the power of color to affect emotion, by questioning the debate on empathy and the education of the senses, the popular aesthetics of colors, the link between chromatic and social harmonies.

Sous le titre Séville dans les guides de voyage français et espagnols (XIX-XXe siècles), la thèse se propose d'analyser l'image de la capitale andalouse dans un corpus générique peu étudié, celui des guides de voyage, depuis leur émergence moderne jusqu'à l'avènement du tourisme de masse. La première partie de la thèse s’attache à analyser comment les relations politiques et culturelles franco-espagnoles ont façonné une ou des images de l'Espagne qui varient au cours de la période étudiée, de la « légende noire » (1700-1823) à la « légende rose » (1905-1962) en passant par la « légende rouge » (1823-1905), période à laquelle s’affirme le genre du guide de voyage. La deuxième partie montrera qu’en tant que vecteurs de diverses représentations temporelles, spatiales, historiques, artistiques, sociales, humaines, les guides sont des sources idéales pour l’histoire culturelle. Contrairement aux idées reçues, il n’existe pas de modèle unique de guide : nous en proposerons une classification. Enfin, la richesse du corpus exploré permet de montrer, dans une troisième partie, que les diverses formes que le guide adopte agissent sur la perception de la réalité et sur les représentations, en s'appropriant certains concepts tels que le pittoresque ou l'exotisme, et surtout en reprenant ou en réfutant les images stéréotypées d'une Espagne « fanfare et tambourin », selon l'expression du poète Antonio Machado. À ce double titre, l'examen des regards croisés que véhiculent les guides constitue une approche nouvelle de la question des relations entre la France et l'Espagne, en même temps qu'un point de départ fécond pour aborder la construction d’un discours sur le couple notionnel identité / altérité. La thèse s’intéresse à ces concepts par le biais de l’étude du patrimoine bâti et vivant, des relations entre l’auteur du guide et son lecteur ainsi qu’au travers de la lecture de l’Histoire dans le corpus convoqué. Mots clés : Histoire culturelle, Espagne, XIXe et XXe siècles, voyage, tourisme, guide de voyage, Séville, stéréotype, image. / Entitled Séville dans les guides de voyage français et espagnols (XIX-XXe siècles) [Seville in French and Spanish Travel Guides (XIXth-XXth centuries)], this dissertation intends to analyze the image of the Andalusian capital in the barely studied corpus of travel guides, from their emergence in the modern times until the dawn of mass tourism. The first part is meant to study how Franco-Spanish political and cultural relations shaped one—or more—picture(s) of Spain that varied from the “Black Legend” (1700-1823) to the “Red Legend” (1823-1905)—when travel guides were established as a genre—to the “Pink Legend” (1905-1962). The second part shows that guides, as vehicles of various temporal, spatial, historical, artistic, social and human representations, are ideal sources for cultural historians. Contrary to common beliefs, there is no single pattern for travel guides and this work intends to classify them. In the third part, the richness of the sources enables us to show that by appropriating such concepts as the picturesque or the exotic for example, but mostly by taking up or refuting stereotypes such as that of Spain as all “fanfare and tambourine”—in poet Antonio Machado’s words—, the varied forms adopted by guides have an influence on our perception of reality and on our representations. Thus the examination of the intersecting perspectives provided by guides constitutes a new approach to the relations between France and Spain and a fruitful starting point to tackle the construction of a discourse on the dialectics of identity and alterity. These concepts are explored through the study of built and living heritages, of the relations between the guides’ authors and their readers but also through the reading of History in the studied corpus.Key words: Cultural history, Spain, XIXth and XXth centuries, travel, tourism, travel guide, Seville, stereotypes, image. / Bajo el título Sevilla en las guías de viaje francesas y españolas (siglos XIX-XX), la tesis propone analizar la imagen de la capital de Andalucía en el corpus genérico poco estudiado de las guías de viaje, desde su emergencia moderna hasta el advenimiento del turismo de masas. La primera parte de la tesis muestra como las relaciones políticas y culturales franco-españolas crearon una o varias imágenes de España que variaron a lo largo del periodo estudiado, desde la « leyenda negra » (1700-1823) hasta la « leyenda rosa » (1905-1962), pasando por la « leyenda roja » (1823-1905), periodo durante el cual el género de la guía de viaje se afirma. La segunda parte considerará las guías como unas fuentes ideales para la historia cultural ya que se pueden apreciar como vectores de diversas representaciones temporales, espaciales, históricas, artísticas, sociales, humanas. En efecto, a pesar de las ideas preconcebidas al respecto, no existe un único modelo de guía: podemos establecer una clasificación. Por fin, la riqueza del corpus estudiado permite mostrar, en una tercera parte, que las diferentes formas que la guía puede adoptar actúan sobre la percepción de la realidad y sobre las representaciones, apropiándose conceptos como lo pintoresco y lo exótico, y sobre todo utilizando o desmintiendo las imágenes estereotipadas de una España « de charanga y pandereta », según la expresión del poeta Antonio Machado. Por este doble motivo, el examen de las miradas cruzadas constituye un acercamiento nuevo para explicar las relaciones entre Francia y España, y a la vez un punto de partida fecundo para abordar la construcción de un discurso acerca de la pareja nocional identidad/alteridad. Estos conceptos reivindican su presencia en la tesis mediante el tratamiento del patrimonio arquitectural y vivo, la relación entre autor y lector de guía, así como mediante la lectura de la Historia en nuestro corpus.

Ce travail a pour objectif la mise en évidence des interférences entre la presse et la littérature. en étudiant les "romans athéniens" de Grigorios Xénopoulos, publiés en feuilleton entre 1913 et 1945 dans la presse athénienne, nous examinons le champ littéraire et journalistique grec depuis la fin du XIXe siècle et jusqu’à la deuxième guerre mondiale, la description de l’espace urbain (Athènes) et la présence de l’interdiscours dans les romans. Nous traitons le corpus dans l’optique d’une littérature de presse, médiatique et largement accessible. Enfin, dans le sillage de l’analyse du discours et particulièrement de la nouvelle rhétorique, nous examinons la dimension argumentative des textes et l’image de l’auteur dans la fiction, telle qu’elle est perçue notamment à travers le réseau intertextuel. / This work aspires to the description of the connection between the press and the literature. by studying Grigorios Xenopoulos’"Athenian novels", published in serial form between 1913 and 1945 in the Athenian press, I examine the greek literary and journalistic field from the end of the 19th century until the world war II, the description of the urbain space (Athens) and the interdiscourse in the novels. the corpus is treated from the point of view of the media and the largely accessible press literature. Finally, following on from the discourse analysis and in particular from the new rhetoric, I examine the argumentative dimension of the texts and the image of the author in fiction, as it is perceived in particular through the intertextual network.

La réflexion engagée dans la thèse propose une archéologie des représentations collectives se rapportant à l’espace domestique de l’écrivain et à son œuvre au moyen d’une socio-critique des textes où elles prennent corps. À partir de la notion de « maison-musée », la maison-musée de l’écrivain est considérée comme un lieu réel et comme une structure mentale et matérielle où s’inventent, s’organisent, s’exposent et sont conservées des « images d’écrivain » qui, quoique variées, voire hétérogènes, définissent un imaginaire et une imagerie cohérents de la figure de l’écrivain. Dans la thèse, la dimension discursive de la « paratopie » du lieu d’écriture est mise en perspective avec les approches posturales et scénographiques centrées sur la figure de l’écrivain. Pour ce faire, l’étude postule que l’agencement des objets dans les maisons-musées s’appuie sur ces « scéno-mythographies ». Des dispositifs d’exposition divers les transposeraient par la suite dans l’espace muséal. Partant, la thèse montre que les mises en scène de l’écrivain à demeure constituent un levier essentiel des appropriations mémorielles collectives des écrivains et de leurs œuvres parce qu’elles cristallisent des représentations mythiques à succès qui s’actualisent dans l’esprit du temps. Plus largement, elles participent à l’écriture de l’histoire littéraire qui s’institutionnalise au XIXe siècle : elles mettent l’accent sur certains écrivains, sur une mythologie de la création littéraire et sur des œuvres qui ont vu le jour dans de « hauts-lieux littéraires ». Enfin, il s’agit de comprendre les enjeux de poétique et de réception qui lient les maisons des écrivains à leur œuvre littéraire. / The reflection undertaken in the thesis offers an archaeology of the collective representations relating to the writer’s domestic space and work, by means of a socio-criticism of the texts in which they materialise. From the notion of “house-museum”, the writer’s house-museum is considered a real place, as well as a mental and material structure where « images of the writer » are invented, organised and displayed. Albeit varied, even heterogonous, these images define a coherent imagination and imagery of the writer’s figure. In the thesis, the discursive dimension of the writing place′s “paratopia” is put into perspective with scenographic and postural approaches that are centred on the figure of the writer. To that end, the study predicates that the arrangement of objects in house-museums is based on these ‘‘sceno-mythographies,’’ which are then transposed into the museum space thanks to various display devices. Right from the start, the thesis shows that the writer’s stagings perpetually constitute an essential lever of the writers’ collective memorial appropriations and their works because they crystallise successful mythical representations, which are actualized in the spirit of the age. More broadly, they take part in writing the literary history that is institutionalised in the 19th century: they put the emphasis on certain writers, on a mythology of the literary creation, and on works that came to life in “high literary places.” Finally, the thesis tackles the issues of poetics and reception that link the writers’ houses to their literary work.

Apparu vers le milieu du XIXe siècle comme jargon dans les cercles artistiques munichois désignant une image de piètre qualité, bon marché, le mot kitsch s’utilise aujourd’hui non seulement dans le monde de l’art mais aussi dans la vie quotidienne toujours avec un sens fortement péjoratif. Considéré en général comme « mauvais goût », « art sans valeur », « camelote artistique », ou « art vulgaire », le kitsch n’est pourtant pas un concept qui demeure seulement dans une dimension esthétique ou artistique. Les divers phénomènes historiques du kitsch, émergés dans le contexte de la modernité, comme « la bib[e]lotomanie », « le roman-feuilleton », « l’art pompier » en France au XIXe siècle, ou encore « la peinture de salon de coiffure » en Corée au XXe siècle, trahissent tous que le kitsch est en effet une attitude que l’homme adopte vis-à-vis de son existence et du monde dans la réalité. L’essentiel de ce concept réside donc dans sa négation ou mieux dans sa fuite de la réalité. Voilà pourquoi la photographie se présente comme un médium qui mérite d’être étudié en rapport avec le kitsch. Médium qui a un lien spécifique par excellence avec le réel, elle ne cesse de faire ontologiquement le va-et-vient entre le présent et le passé, l’instantanéité et l’éternel, l’ici et l’ailleurs, le sujet et l’objet, la vie et la mort, etc. C’est en effet à cause de cette ontologie paradoxale que la photo peut devenir, selon « l’acte photographique », non seulement de l’art mais aussi du kitsch. Ainsi, l’attitude envers ce dernier que les artistes laissent apercevoir à travers leur œuvre photographique s’avère extrêmement variée, et ambiguë, voire même contradictoire tout comme chez Pierre et Gilles, Vik Muniz, Sebastião Salgado et Oliviero Toscani. / Appeared in the mid-nineteenth century as a jargon in the artistic circles of Munich designating a cheap image of poor quality, the term “kitsch” is used today not only in the art world, but also in everyday life, always with strongly pejorative sense. Generally considered as “bad taste”, “worthless art”, “artistic junk” or “vulgar art”, kitsch, however, is not a concept that remains only in aesthetic or artistic field ?. Various historical phenomena of kitsch which had been all emerged in the context of modernity, such as “bib[e]lotomanie”, “serialized novel”, “academic art” in France in the nineteenth century, or “barbershop’s painting” in Korea in the twentieth century, show that kitsch is indeed an attitude of human being toward his own existence and the world. The essence of this concept lies therefore in his negation of reality, or better in his escape from reality. That’s why photography deserves to be studied in relation with the kitsch. Having a specific link with the reality, the medium oscillate ontologically between the present and the past, the instant and the eternity, the here and the elsewhere, the subject and the object, the life and the death, etc. It is indeed because of this paradoxical ontology that the photography can become, according to the “acte photographique” not just art but also kitsch. Thus, the attitude to the latter the artists let reveal through their photographic work turn out extremely varied and ambiguous, even contradictory such as it does in the work of Pierre et Gilles, Vik Muniz, Sebastião Salgado and Oliviero Toscani.

Le texte littéraire avec sa puissance artistique, historique, linguistique, culturelle et sociologique est un support privilégié pour la classe de Français Langue Étrangère. S’appuyer sur la littérature pour enseigner différents aspects de la langue et de la culture françaises – telle est l’idée principale de notre travail de recherche. Mais quel type de texte littéraire choisir ? Paris – la capitale mondiale de l’art et de la culture, Paris – la patrie des écrivains, des poètes et des artistes, Paris – l’endroit le plus visité sur Terre, Paris – le nid des amoureux et des romantiques, Paris rêvé, Paris adoré, Paris fantasmé : avec cette série d’attributs, la Ville-lumière inspirait hier, et inspire encore aujourd’hui, les écrivains et les poètes des quatre coins du monde. C’est un Paris magique, poétique et festif, mais aussi un Paris infortuné et malheureux qui les inspire, les fascine et les pousse à écrire. Un héritage littéraire exceptionnel s’est donc constitué au fil des siècles. Dans cette optique, un corpus littéraire des XIXe et XXe siècles sur Paris, très varié, composé de romans, de chroniques, de recueils de poèmes et de pièces de théâtre, est au cœur de notre thèse. Trois dimensions sont évoquées : linguistique, littéraire et culturelle. L’étude de plusieurs éléments propres à la langue, puis la découverte des spécificités des genres littéraires français, ainsi que la mise en perspective de nombreuses questions relatives à Paris et à ses habitants – tout cela constitue les enjeux de notre travail. Nous démontrons aussi que la littérature ne s’enferme pas sur elle-même, mais qu’elle s’ouvre, va plus loin et embrasse les autres arts tels que la peinture, la photographie et le cinéma. La littérature perce ainsi de nouvelles voies vers la culture française et rend l’enseignement/apprentissage du FLE encore plus dynamique et plus créatif. Différentes approches et techniques sont mises en œuvre afin que ce bagage linguistique, littéraire et culturel soit acquis de la manière la plus efficace possible par les apprenants de FLE. / The literary text with his artistic, historical, linguistic, cultural and sociological power is privileged medium for the class of the French as a Foreign Language. Relying on the literature to teach various aspects of the French language and culture is the main idea of this research. But what type of literary text to choose? Paris – the world capital of art and culture, the home of writers, poets and artists, the most visited place in Earth, the nest of lovers and romantics, Paris dreamed, Paris loved, Paris fantasized: with this series of attributes, the City of light in the past has been and today still is an inspiration for writers and poets from around the world. It is magical Paris, poetic and festive, but also Paris unfortunate and unhappy that inspires, fascinates and drives them to write. An exceptional literary heritage has therefore built up over the centuries. In this context, a literary corpus of nineteenth and twentieth centuries in Paris - very diverse, consisting of novels, chronicles, collections of poems and plays - is at the heart of this thesis. Three dimensions are mentioned: linguistic, literary and cultural. The study of many facts about the language, then the discovery of the specificities of French literary genres, as well as putting into perspective numerous questions on Paris and his inhabitants – all these are topics of my work. I also demonstrate that the literature does not lock in on itself, but opens, goes further and embraces the other arts such as painting, photography and cinema. The literature pierces a new path to French culture and makes teaching/learning of the French as a Foreign Language more dynamic and more creative. Different approaches and techniques are implemented so that linguistic, literary and cultural skills are acquired in the most efficient way possible by the learners of French as a Foreign Language.

Cette étude porte sur l’histoire de l’éducation physique des jeunes filles canadiennes-françaises à Montréal de 1860 à 1920, c’est-à-dire des premières manifestations d’une éducation corporelle dans le réseau éducatif privé jusqu’à la période dite de « l’âge d’or » des sports féminins au Canada. Dans une première partie, le mémoire analyse les discours des hommes de science canadiens-français de manière à saisir leur réflexion théorique sur le corps féminin en mouvement et les prescriptions qu’ils ont formulées à ce sujet. Dans une seconde partie, il présente l’évolution des pratiques gymnastiques et sportives dans les grands pensionnats catholiques de Montréal tenus par les Sœurs de la Congrégation de Notre-Dame et les Sœurs des Saints Noms de Jésus et de Marie. Il apparaît que les promoteurs de l’éducation physique féminine font face à certains défis : comment encourager l’exercice pour les jeunes filles sans trop les exposer dans l’espace public ? Comment concilier l’entraînement physique et l’idéal esthétique de la féminité ? Enfin, comment promouvoir davantage de mouvements pour le corps féminin juvénile sans risquer de nuire à sa capacité reproductive ? Médecins et pédagogues, face à ce dilemme, définirent les contours d’une éducation physique et sportive féminine acceptable. Cependant, bien que les normes diffusées par la littérature prescriptive essentiellement masculine aient été contraignantes, des pratiques innovantes, répondant à des objectifs précis, apparaissent dès les années 1860 dans les grands pensionnats montréalais et se diversifient au début du XXe siècle sous l’impulsion des actrices historiques — religieuses enseignantes, professeures de gymnastique et couventines. / This study examines the history of the physical education of Montreal’s young French Canadian girls from 1860 to 1920; from the first manifestations of corporal education in the private education network to the so-called « golden age » of women’s sports in Canada. Firstly, the discourses of French Canadian scientists are analyzed in such a way as to capture their theoretical reflections on the female body in movement and the prescriptions they formulated. Subsequently, this study presents the evolution of sport and gymnastic practices in the Catholic female boarding schools of Montreal held by the Sisters of the Congregation of Notre-Dame and the Sisters of the Holy Names of Jesus and Mary. Proponents of women’s physical education faced certain challenges: how to promote exercise for young women without exposing them to the public space? How to reconcile physical training with the aesthetic ideal of femininity? Finally, how to promote more movement for the juvenile female body without risking its reproductive capacity? Doctors and educators, faced with this dilemma, defined the contours of an acceptable female physical and sports education. However, although the norms disseminated by the predominantly male prescriptive literature were restrictive, innovative practices that met specific objectives started to appear in Montreal’s boarding schools in the 1860s. These practices diversified in the first decades of the twentieth century under the impetus of historical actresses – teaching sisters, gymnastic professors and students.

À la charnière entre les XIXe et XXe siècles, alors que la question de l’identité nationale se pose avec acuité en Espagne, la guitare y est à maintes reprises évoquée comme « l’instrument national ». Ce lieu commun se révèle finalement être un symbole paradoxal d’une identité encore en débat. Tandis que le cliché caricature la réalité en la simplifiant, les pratiques de la guitare se diversifient au contraire pendant la Restauration, en raison des transformations techniques de l’instrument et de l’évolution de la musique populaire, classique et flamenca. La composition en 1920 par Manuel de Falla de la première pièce pour guitare soliste (Hommage à Debussy) et l’organisation du Premier Concours de Cante Jondo à Grenade en 1922 attestent la progressive reconnaissance de l’instrument. Pourtant, la multiplication des imprimés, favorisée par la loi de liberté de la presse (1883), donne lieu à de nombreuses représentations littéraires et plastiques de la guitare qui ne reflètent pas fidèlement ces mutations. Elles mettent surtout en lumière son caractère populaire, andalou, voire flamenco, et sa capacité à imprégner l’imaginaire. Publiées dans des périodiques andalous ou madrilènes, ces œuvres influencent la réception de l’instrument : celui-ci est à la fois apprécié par un public de plus en plus large, méconnu car il est absent des musées et des institutions, et rejeté selon des critères sociaux et moraux en raison de sa présence dans des lieux décriés. Pourtant, même lorsque le stéréotype est contesté, la guitare revêt une dimension symbolique originale, ancrée dans le quotidien, qui se manifeste à travers l’émotion qu’elle suscite. / During the transition from the nineteenth to the twentieth centuries, when the question of national identity is continuing to develop in Spain, the guitar is repeatedly mentioned as the “national instrument”. This platitude ultimately proves to be a paradoxical symbol of an identity that is still under debate during this period. While stereotypical descriptions caricature the reality by oversimplifying it, on the contrary, guitar practices diversify during the Restoration, because of technical changes in the instrument and the evolution of folk, classical and flamenco music. The composition in 1920 by Manuel de Falla of the first piece for solo guitar (Homenaje a Debussy) and the organization of the First Contest of the Cante Jondo in Granada in 1922 testify to the gradual recognition of the instrument. Yet the proliferation of printed matter, favored by the freedom of the press law (1883), gives rise to numerous literary and visual representations of the guitar that do not accurately reflect these changes. They mostly bring out its popular, Andalusian and even flamenco character, and its ability to impregnate the imagination. Published in periodicals in Madrid or Andalusia, these works influence the reception of the instrument: it is both appreciated by an increasingly wide audience, disregarded for being absent from museums and institutions, and rejected by social and moral standards because of its presence in decried places. Yet, even when this stereotype is disputed, the guitar takes on an original symbolic dimension, rooted in everyday life, which manifests itself through the emotions it provokes. / En la bisagra entre los siglos XIX y XX, cuando la cuestión de la identidad nacional se planteaba con intensidad en España, se aludió muchas veces a la guitarra como el “instrumento nacional”. Este lugar común aparece como un símbolo paradójico de una identidad todavía en debate. Mientras que el cliché caricaturiza la realidad simplificándola, las prácticas de la guitarra, por el contrario, se diversificaron durante la Restauración, debido a las transformaciones técnicas del instrumento y a la evolución de la música popular, clásica y flamenca. La composición en 1920 por Manuel de Falla de la primera obra para una guitarra solista (Homenaje a Debussy) y la organización del Primer Concurso de Cante Jondo en Granada en 1922 dan fe del progresivo reconocimiento del instrumento. Sin embargo, la multiplicación de los impresos, favorecida por la Ley de Policía de Imprenta (1883), dio lugar a numerosas representaciones literarias y plásticas de la guitarra que no reflejaban fielmente esas mutaciones, sino que destacaban, sobre todo, su carácter popular, andaluz e incluso flamenco, y su capacidad de impregnar todo el imaginario colectivo español. Publicadas en periódicos andaluces o madrileños, estas obras influyeron en la recepción del instrumento que, apreciado por un público cada vez más amplio, resultaba también desconocido, por su ausencia en museos e instituciones, al mismo tiempo que era rechazado según criterios sociales y morales por su presencia en lugares considerados deshonrosos. No obstante, incluso cuando se critica el estereotipo, la guitarra posee una dimensión simbólica, enraizada en lo cotidiano, que se manifiesta a través de la emoción que suscita.