Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:38Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-06-30Bitstream added on 2014-06-13T19:53:42Z : No. of bitstreams: 1 faria_nvf_me_prud.pdf: 1662389 bytes, checksum: eaaa24740bb6bf38117dc502cd40f682 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esta dissertação apresenta os resultados da pesquisa A linguagem cinematográfica na escola: o processo de produção de filmes na sala de aula como prática pedagógica, pertencente à linha de pesquisa Infância e Educação, do programa de Pós-Graduação em Educação - Mestrado da Faculdade de Ciências e Tecnologia da Universidade Estadual Paulista - UNESP, campus Presidente Prudente em convênio com a Universidade Federal de Juiz de Fora. Essa pesquisa teve como objetivo rediscutir a possibilidade de utilizar o cinema em sala de aula na perspectiva da reflexão e da elaboração do conhecimento a partir do emprego da linguagem cinematográfica nas várias fases da produção de filmes em curta metragem, desde a sua concepção até a exibição do produto final. Para tanto, foi feita a opção por uma pesquisa de caráter qualitativo contando com o professor como investigador participante da ação. A pesquisa foi desenvolvida no contexto e ambiente das aulas de arte, com os alunos matriculados nos 9º anos do Colégio de Aplicação João XXIII - UFJF (MG), como participantes e informantes. O processo de levantamento de dados teve início com a produção de um primeiro curta metragem realizado por grupos de alunos a partir do conhecimento empírico sobre cinema que eles e elas pudessem lançar mão. Teve continuidade com estudos teóricos e práticos sobre os elementos da linguagem cinematográfica, sua utilização e seus significados. Terminou com a realização de um segundo curta metragem produzido à luz desse conhecimento da linguagem do cinema... / Not available

Orientador: Sérgio Vicente Motta / Banca: Igor Rossoni / Banca: Susanna Busato / Banca: Marcelo Magalhães Bulhões / Banca: Antônio Manoel dos Santos Silva / Resumo: A preocupação com os possíveis caminhos que a literatura tomaria a partir do advento e da popularização do cinematógrafo ocupou parte da crítica no início do século XX. Algumas previsões, bastante pessimistas, apontavam para a morte dos gêneros, do livro e até da literatura. No âmbito da produção literária, no entanto, podem-se observar reações diversas da literatura face à arte cinematográfica que designam desde uma adesão deliberada aos novos efeitos, procedimentos e recursos do cinema a uma negação definitiva dos elementos estéticos e éticos daquela arte. O presente trabalho reflete, no contexto da narrativa literária brasileira do século XX, os modos e os aspectos da manifestação da linguagem e do espetáculo cinematográficos na tessitura de obras canônicas e não canônicas do sistema literário nacional. O percurso investigativo em busca dos aspectos singulares no tratamento de cada obra ao problema cinematográfico e também dos elementos recorrentes apresentados por obras tão diferentes inicia-se com a análise de Pathé- Baby (1926), de António de Alcântara Machado, segue para Vidas secas (1938), de Graciliano Ramos, passa por "Cara-de-bronze" (1956), de Guimarães Rosa e termina em Maciste no inferno (1982), de Valêncio Xavier / Abstract: The attention to the relation between literature and cinema occupied the literary criticism since the invention and popularization of the cinematographic art in the twentieth century. Some of the pessimistic predictions pointed to the death of the genres, of the book and even of the literature. In the field of literary production, however, it is possible to observe different reactions of literature face to the cinematographic language and spectacle that show since a deliberate adhesion to new cinematographic effects, procedures and means to a definitive refuse to the aesthetic and ethic means of cinema. This work presents a reflexion about the aspects of the cinematographic language and spectacle's manifestation in the canonical and non-canonical literary works of twentieth century Brazilian literary narrative. The investigative way initiates in Pathé-Baby (1926), by António de Alcântara Machado, goes to Vidas Secas (1938), by Graciliano Ramos, passes to "Cara-de-bronze" (1956), by Guimarães Rosa and ends in Maciste no inferno (1982), by Valêncio Xavier / Doutor

Orientador: Luciane de Paula / Banca: Maria da Penha Casado Alves / Banca: Rosineide de Melo / Resumo: Este trabalho se volta à análise discursiva do curta metragem francês La Majorité Opprimée, dirigido por Eleonore Pourriat e lançado da rede social Youtube em 2010. A obra selecionada como corpus desta pesquisa explora as relações entre os gêneros masculino e feminino a partir da inversão das performances de gêneros na sociedade contemporânea. A inversão que embasa a narrativa critica e ironiza a desigualdade de gêneros naturalizada nessas relações no mundo contemporâneo, em específico, a sociedade francesa do século XXI. Ao destacar a inversão e a ironia da obra como objetos de análise, nos aprofundamos no estudo dos estereótipos de feminilidade e masculinidade representados em La Majorité Opprimée, bem como nos voltamos à análise da crítica ao patriarcado que é feita no curta a partir da inversão das performances de gênero. O aprofundamento dessas questões leva em consideração a constituição histórica dos gêneros masculino e feminino, que se articula, ao longo do texto, com a contextualização dos sujeitos masculino e feminino sob um olhar cultural ao longo da história. O trabalho se fundamenta nas materialidades verbivocovisuais que compõem o enunciado em questão, com base teórica nos estudos do Círculo de Bakhtin sobre enunciado, signo ideológico, sujeito, dialogia e gênero discursivo, além de ter como referência escritos de Judith Butler e Simone de Beauvoir. A partir do arcabouço teórico bakhtiniano, olhamos para os sujeitos semiotizados na obra como representações dos s... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This work turns to the discursive analysis of the french short film La Majorité Opprimée, directed by Eleonore Pourriat and released on the social network Youtube. The video selected as corpus of this research explores the female and male gender relations from the inversion of the gender performance in the contemporary society. This inversion that bases the critical narrative and ironizes the gender inequality naturalized in this relations in the contemporary world, in specific, the twenty-first french society. By hightlitening the inversion and irony in the video as the object of the analysis, we go deeper in the studies of femininity and masculinity stereotypes represented in La Majorité Opprimée, and we turn to the analysis of the patriarchy critical that is made in the short movie from the gender performance inversion. The dedication to this problems consider the male and female gender historical constitution, that is articulated to the cultural and historical contextualization throughout the history. This work is fundamented in the verbocovisual materialities that are part of the enunciate analyzed, with theoretical basis in the Bakhtin Circle studies about enunciate, ideological sign, subject, dialogy and discursive gender, in addition to references from Judith Butlers and Simoe de Beauvoir studies. From the bakhtinian base, we consider the subjects semiotized in the video as male and female representation from the contemporary world, and we understand them as historica... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Memoria (licenciado en ciencias jurídicas y sociales) / No autorizada por el autor para ser publicada a texto completo / En el presente trabajo queremos exponer como se sucedieron los hechos que dieron lugar tanto, a la posibilidad de censurar la exhibición pública de una producción cinematográfica, como a la reforma constitucional que eliminó esta posibilidad de limitar la libre decisión de acceder o no a determinada información. De la misma manera queremos exponer cuales han sido las causas que dieron lugar a cada uno de estos hechos y la forma como se fueron desenvolviendo los acontecimientos par dar paso a lo que hoy es la Ley de Reforma Constitucional Nº 19.742 de 25 de agosto de 2001, la Ley de Calificación de la Producción Cinematográfica Nº 19.846 de 4 de enero de 2003 y el Reglamento contenido en el Decreto Nº 18, de 8 de julio 2003, del Ministerio de Educación. Según explicamos, esta memoria para optar al grado de Licenciado en Ciencias Sociales y Jurídicas, tiene por objeto analizar la Ley de Reforma Constitucional Nº 19.742 de 25 de agosto de 2001, la cual tuvo por finalidad, eliminar la censura cinematográfica de nuestra Carta Fundamental, que data del año 1980, el análisis de la Ley de Calificación de 5 la Producción Cinematográfica y asimismo el análisis del Reglamento contenido en el Decreto Nº 18, de 2003, del Ministerio de Educación. En este análisis nos ocuparemos de explicar cual fue la causa mediata de esta reforma constitucional, a saber, la suscripción de Chile al Pacto de San José de Costa Rica o Convención Americana de Derechos Humanos, en el año 1969 y que entro en vigor el año 1991, así como también explicar la causa inmediata de la mencionada Ley de Reforma Constitucional, cual fue, la polémica tanto nacional como internacional, que se produjo por la censura a la exhibición pública de la producción cinematográfica “La Ultima Tentación de Cristo”, del director Martín Scorsese, basada en el libro del mismo nombre, del autor griego Niko Kazantsakis.

Orientador: Ana Maria Carlos / Banca: Wellington Ricardo Fiorucci / Banca: Altamir Botoso / Banca: Cleide Antonia Rapucci / Banca: Sérgio Augusto Zanoto / Resumo: A tese objetiva discutir as representações do feminino a partir das relações entre literatura e cinema em níveis práticos e teóricos das obras literárias de Henry James Washington Square, Daisy Miller e The Europeans e dos filmes homônimos de Agnieszka Holland, Peter Bogdanovich e James Ivory, respectivamente, tendo como ponto de partida as protagonistas Catherine Sloper, Daisy Miller e Eugenia Munster. Acreditamos que tais representações equivalem, no contexto das obras, a uma apropriação do olhar masculino - the male gaze - sobre o corpo feminino. Os signos do cinema hollywoodiano estão carregados de uma ideologia patriarcal que sustenta as estruturas sociais e constrói a mulher de uma maneira específica, refletindo as necessidades e o inconsciente patriarcal. A partir de uma leitura intersemiótica, que rejeita a noção de fidelidade e vê a obra alvo como uma tradução do texto de partida, propomos uma reflexão a respeito da identidade de gênero criada e veiculada sob uma ótica masculina. Para isso, além da teoria de tradução, nos apoiamos, como suporte teórico, na teoria feminista do cinema contemporâneo, que se preocupa em desmascarar as imagens, o signo da mulher, para ver como funcionam os significados adjacentes ao código fílmico / Abstract: This thesis aims to discuss the representations of the feminine concerning the relations between literature and cinema on practical and theoretical levels having as its basis Henry James's literary works Washington Square, Daisy Miller and The Europeans, as well their homonymous filmic versions made by Agnieszka Holland, Peter Bogdanovich and James Ivory, respectively, having as starting point the leading figures Catherine Slopes, Daisy Miller and Eugenia Munster. We believe that such representations correspond, in the context of the works, to an appropriation of the masculine glance - the male gaze - over the feminine body. The signs of Hollywood's film industry are loaded of a patriarchal ideology that sustains social structures and build woman in a specific manner, reproducting needs and patriarchal unconsciousness. Based on an intersemiotic reading, which refuses the idea of fidelity and sees the target work as a translation of the starting text, we propose a reflection about the gender identity created and conveyed in a male perspective. For that, beyond the translation theory, we have as a complementary theoretical support the feminist theory of the contemporary cinema which is concerned to unmask the images, the woman's sign, to see how the adjacent meanings to the filmic code works / Doutor

[pt] Se a tensão entre o fazer artístico e a lógica do mercado assombrou a arte em geral, desde o surgimento da cultura de massa no século XIX, ela esteve presente no cinema já no seu nascimento: para além de sua dimensão de obra de arte, a invenção do espetáculo da projeção fez do filme um bem de consumo coletivo, impondo-lhe métodos de produção industriais e finalidades comerciais. Na contemporaneidade, o declínio das grandes utopias e a expansão do papel do mercado como grande mediador cultural tem, cada vez mais, colocado em xeque o paradigma estético da modernidade, incluindo seu ideal de autonomia. Distanciada das posturas radicais que, outrora, advogavam o confrontamento com o massivo, a arte contemporânea desenvolve sutis formas de resistência que negociam a possibilidade de expressão com sua inevitável condição de mercadoria. Nosso objetivo, nesta dissertação, foi analisar como a tensão entre um ideal de liberdade artística e o filme como produto comercializável se manifesta no cinema contemporâneo. Para isso, buscamos selecionar, como objeto de estudo, filmes que nos permitissem destacar estratégias de negociação entre criação artística e instâncias da produção. A escolha recaiu sobre Quero Ser John Malkovich (1999), Adaptação (2002), A Natureza Quase Humana (2002) e Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças (2004). Os dois primeiros foram dirigidos por Spike Jonze, os dois últimos por Michel Gondry e todos tiveram Charles Kaufman como roteirista. / [en] If the tension between artistic work and the market`s logic hunted art in general, since the beginning of mass culture in mid nineteen century, it became present in films since its birth: beyond the dimension of work of art, with the invention of the spectacle of projection, films became a largely consumed product which imposed industry production methods and commercial goals. In contemporary days, the decay of utopia and the expansion of the market`s hole as a cultural mediator have put the modern esthetic paradigm in question, including its ideal of autonomy. Far from the radical postures that used to proclaim the confrontation with the massive, contemporary art develops ways of resistance that negotiate the possibility of expression with its undeniable condition of merchandise. Our goal, in this research, is to analyze how the tension between the ideal of artistic freedom and the film as a product happens in contemporary cinema. Therefore, we sought to select, as our object of study, films that allow us to perceive negotiation strategies between artistic creation and production methods. We chose Being John Malkovich (1999), Adaptation (2002), Human Nature (2001) and Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004). The first two had been directed by Spike Jonze, the last two had been directed by Michel Gondry and all of them had been written by Charlie Kaufman.

Orientador: Ana Silvia Lopes Davi Médola / Banca: Laan Mendes de Barros / Banca: Rosangela Marçolla / Resumo: A telenovela é um formato televisivo com história consolidada no meio audiovisual brasileiro, há mais de 50 anos. Em recente momento dessa história, a Rede Record de Televisão realiza com a produção de "Os Dez Mandamentos" (2015), a primeira adaptação de uma narrativa bíblica para este formato. Atendo-se às questões de narratividade, este trabalho investiga como a narrativa bíblica com características de condensação, se concretiza em outra estrutura narrativa marcadamente caracterizada pela expansão. Para isso, adota-se o referencial teórico-metodológico da semiótica discursiva de linha francesa, partindo da análise das estruturas mais abstratas do nível narrativo para o nível discursivo, onde são abordados os procedimentos enunciativos presentes em ambos os textos da tradução intersemiótica em questão, ou seja, o literário e o audiovisual. O trabalho revela uma ampliação dos percursos narrativos corroborados por isotopias temáticas e figurativas. / Abstract: The soap opera is a television format with a consolidated history in the Brazilian audiovisual medium for more than 50 years. In a recent moment in this history, Rede Record de Televisão produced "The Ten Commandments" (2015), the first adaptation of a biblical narrative for this format. Taking into account the issues of narrativity, this work investigates how the biblical narrative, with characteristics of condensation, is manifested in another narrative structure markedly characterized by expansion. For this, the theoreticalmethodological referential of the French discursive semiotics is adopted, parting from the analysis of the most abstract structures from the narrative level to the discursive level, where are adressed the enunciative procedures present in both texts of the intersemiotic translation, that is, the literary and the audiovisual texts. The work reveals an expansion of the narrative paths corroborated by thematic and figurative isotopies / Mestre

Made available in DSpace on 2016-04-27T18:15:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dennis Zagha Bluwol.pdf: 3411131 bytes, checksum: e0c2efdbea78b3ce916de510ab24b962 (MD5) Previous issue date: 2008-09-04 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The present research analyses Cinema from a geographic point of view. In this way, it identifies the means by which Cinema builds the spatiality of its images and inquires the connection of cinematographic narrative and the discussion of some aspects of the spatial experience related to the urban in the modernity . In order to compose theses reflections, the following films of different period and contexts are analyzed: The Man with a Movie Camera (Chelovek s Kino-Apparatom), directed by Dziga Vertov, 1929, Soviet Union. M , directed by Fritz Lang, 1931, Germany. The Trial , directed by Orson Welles, 1962, France, Italy and Germany. Mulholland Drive , directed by David Lynch, 2001, the USA. The research is justified by the opening of possibilities of epistemological and ontological discussions that come up from the relation between these two knowledge areas in the sense of contributing to the comprehension of the urban geographical life. The relations between the geographycity of the films (the spatiality of their images) and the geographycity in fact lived by the inhabitants of urban centers at the time of the production of the analyzed films. The aim of this research is to analyze the above-mentioned films with the support of proper bibliography. The main question is try to understand the modern urban world from the way those films are constructed, considering especially their geographycity / A presente pesquisa constitui uma análise sobre o Cinema a partir de um olhar geográfico, ou seja, identificando a maneira como o Cinema constrói a espacialidade de suas imagens e averiguando seus porquês, que estão vinculados à discussão de aspectos da experiência espacial do urbano na modernidade . Para tal feito, alguns filmes de diferentes épocas e lugares são analisados: Um Homem com uma Câmera (Chelovek s Kino-Apparatom, direção de Dziga Vertov, 1929, URSS). M O Vampiro de Düsseldorf (M, direção de Fritz Lang, 1931, Alemanha). O Processo (The Trial, direção de Orson Welles, 1962, França, Itália e Alemanha) Cidade dos Sonhos (Mulholland Drive, direção de David Lynch, 2001, USA) Justifica-se a pesquisa pela abertura de possibilidades de discussões epistemológicas e ontológicas advindas da relação entre esses dois campos de conhecimento no sentido de contribuir para a compreensão da geograficidade da vida urbana. São analisadas as relações entre a geograficidade dos filmes (a espacialidade de suas imagens) e a geograficidade de fato vivida pelos habitantes de centros urbanos nas épocas de produção dos filmes. A pesquisa parte da análise dos filmes, relacionando-os com bibliografia condizente. Trata-se de tentar compreender o mundo urbano moderno a partir do modo como os filmes são construídos, especialmente em suas geograficidades

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Christiane Paes Silva.pdf: 12498106 bytes, checksum: e1936ba20d2bf4248f9389f58ed4fb9a (MD5) Previous issue date: 2007-09-28 / Having as object the cinematographic criticism published in different daily newspaper of different Brazilian cities, this work is focused on an exam of the relation between critic jornalist and their readers and, more specifically, on the reader s cultural enhancement. The corpus is constituted by in a selection of critic reviews of Luiz Zanin Oricchio, from O Estado de S. Paulo, Jaime Biaggio, from O Globo, Tiago Faria, from Correio Braziliense and Inácio Araújo, from Folha de São Paulo published between january 2000 and december 2005. The research had as theoretical explanation the critic definition as proposed by Bento Prado Junior, the concept of public sphere such as defended by Jürgen Habermas, the aesthetic theories described by Jean-Yves Tadíe and the semioptics theories formulated for Roland Barthes and Yuri Lotman. Concerning the methodology, was made a valorative examination of the selected critics work. The corpus was gotten using the estratified proportional sampling method. Its analysis constituted the identification of the structural elements of the text and its relation with the general aspects of the speech, beyond the judgment used for the critics to make them. The analysis of the material allowed us to arrive at the following results: cultural enrichment of the reader. The hypothesis with that we work is that the examination of the film covering by newspaper can bring keys for the understanding of the processes of circulation of cultural information and of the formation of the taste of the reader, from which if it will be able to arrive at this work s main axis: answer if the criticism are worried in, more than make a judgment of film values, to contribute in the audience s cultural formation / Tendo por objeto a crítica cinematográfica publicada em jornais diários de diferentes cidades brasileiras, o presente trabalho está voltado para um exame das relações entre o crítico jornalista e seus leitores e, mais especificamente, para a questão da formação do gosto do leitor.O corpus da pesquisa é constituído por uma seleção de peças críticas de autoria de Luiz Zanin Oricchio, de O Estado de S. Paulo, Jaime Biaggio, de O Globo, Tiago Faria, do jornal Correio Braziliense e Inácio Araújo, da Folha de São Paulo, publicadas no período de janeiro de 2000 a dezembro de 2005. O trabalho teve como fundamentação teórica a definição de crítica tal como formulado por Bento Prado Junior, o conceito de esfera pública defendido por Jürgen Habermas, o conjunto de teorias estéticas descritos por Jean-Yves Tadíe e as teorias estéticas e semióticas formuladas por Roland Barthes e Yuri Lotman. Metodologicamente foi feito um exame valorativo dos trabalhos críticos selecionados. Para a determinação do corpus foi utilizado o método de amostragem proporcional estratificada. Sua análise constituiu a identificação dos elementos estruturais do texto e a sua relação com os aspectos gerais do discurso, além dos critérios utilizados pelos críticos para confeccioná-los. A análise do material permitiu-nos chegar aos seguintes resultados: enriquecimento cultural do leitor. A hipótese com que trabalhamos é que o exame da cobertura de cinema dos grandes jornais pode trazer chaves para a compreensão dos processos de circulação de informações culturais e da formação do gosto do leitor, a partir do qual se poderá chegar ao eixo central do projeto: responder se as críticas estão preocupadas em, mais que fazer um juízo de valor sobre a obra, contribuir na formação do espectador/ leitor

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:17:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Teresa Denser.pdf: 14629016 bytes, checksum: c4c67dd6a2ceaaea8419dfe05c2e4945 (MD5) Previous issue date: 2008-05-14 / This thesis inserts the graphic thinking in the theoretical reflections about cinema, analysing the aesthetic and mediatics phenomena that can be observed in movies, as a result of this thought. It is a theoretical descriptive proposition that tries to identify the parameters of the graphic aesthetics, in representation of the cinema s image as result of the filmmaker who uses simplified forms of the graphic expression to attend his objective of creation. For the questions of theoretical formulation, we utilized the theories of the cinema that board the aesthetics of the movie (Jacks Almont, Eric Rhomer), the cinema as language (François Albera, Sergei Eisenstein) and the theories formulated by the filmmakers (Sergei Eisenstein, Eric Rhomer, Píer Paolo Pasolini). The theory and practice of the cinema are approached through testimonies of the artists (Eisenstein, Fellini, Kurosawa, Hitchcock, Leone) and critic (Carlos Aguilar, Martin Scorsese). So that we were utilized the instruments of the genetic criticism (Cecília Almeida Sales) in the examination of the constructive processes in the production of the movies, Bronenosets Plotenkim (1925), Once Upon a Time in the West (1969), Kill Bill (2003) and Sin City (2005) what compose the corpus of analysys. The relevance of this research is due to the fact that this reflection has not considered space in the theories about cinema, meantime, the graphic thinking in the cinema is identified in this theory through the formal propositions put by the filmmakers who can be noticed in the result of this movies / Esta tese insere o pensamento gráfico nas reflexões teóricas de cinema, analisando os fenômenos estéticos e midiáticos que podem ser observados nos filmes, em decorrência desse pensamento. É uma proposição teórica descritiva que procura identificar os parâmetros da estética gráfica na representação da imagem do cinema, como resultado do pensamento do cineasta que se serve das formas simplificadas da expressão gráfica para atender seu objetivo de criação. Para as questões de formulação teórica, está se utilizando as teorias de cinema que abordam a estética do filme (Jacks Almont, Eric Rhomer), o cinema como linguagem (François Albera, Sergei Eisenstein) e as teorias formuladas pelos cineastas (Sergei Eisenstein, Eric Rhomer, Píer Paolo Pasolini). A teoria e a prática do cinema são abordadas através dos depoimentos dos artistas (Eisenstein, Fellini, Kurosawa, Hitchcock, Leone) e da crítica (Carlos Aguilar, Martin Scorsese), para tanto estão sendo usados os instrumentos da crítica genética (Cecília Almeida Salles) no exame dos processos construtivos de produção dos filmes, Encouraçado Potemkin (1925), Era Uma Vez No Oeste (1969), Kill Bill (2003) e Sin City (2005) que compõem o corpus de análise. A pertinência dessa pesquisa se deve ao fato de que essa reflexão não tem encontrado espaço nas teorias sobre o cinema, entretanto, o pensamento gráfico no cinema é identificado nessa tese através das proposições formais colocadas pelos cineastas que podem ser observadas no resultado desses filmes