451 |
Outros cinemas / Other CinemasNunes, Ellen de Medeiros 23 September 2016 (has links)
Outros cinemas é uma pesquisa teórico-prática que discorre sobre o deslocamento do dispositivo cinema para os espaços da arte. São tomadas como ponto de partida as práticas pré-cinematográficas, seguidas das práticas com o dispositivo cinema desenvolvidas nos anos 1960 e 1970, no âmbito artístico internacional e nacional. Por fim, trabalhos produzidos por mim e em parceria com o grupo Poéticas Digitais apontam para reflexões acerca do contexto contemporâneo. Sem isolar a problemática brasileira em relação ao conjunto da produção mundial, este trabalho se propõe o desafio de pensar os contextos internacional e nacional da presença do dispositivo cinema como estratégia artística para a espacialização e desmaterialização e a abertura para a participação do público na passagem dos anos 1960 para os anos 1970, além de apontar para um modo de entendimento do contexto contemporâneo por meio de projetos pessoais. Esta pesquisa busca, por meio dos artistas Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek e Hélio Oiticica, explorar suas reflexões particulares e confirmar a presença definitiva dos artistas contemporâneos no debate crítico. Por esse viés, o dispositivo cinema é contextualizado em três viradas históricas: na transição para o modernismo, no pós-modernismo e na contemporaneidade. Essas passagens pontuam rupturas e atualizações do dispositivo, ao mesmo tempo que revelam as circunstâncias do deslocamento das salas escuras para o cubo branco. / Other cinemas is a theoretical and practical study addressing the displacement of the of the cinematic apparatus in contemporary art. Precinematic strategies are taken as a starting point, followed by the practices of the cinematic apparatus developed in the 1960s and 1970s, at international and national levels. In conclusion, works developed by me and in partnership with the group Digital Poetics lead to reflections on the contemporary context. Encompassing the Brazilian problematic in relation to the body of international production, this research attempts to undertake the challenge of reflecting about the presence of the cinematic apparatus in both international and national contexts as artistic strategy of spatialization, dematerialization and topening for public participation in the passage of the 1960s to the 1970s, furthermore it indicates to one way of understanding contemporary context through personal projects. This research explores the works of Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek and Hélio Oiticica, and these artists\' personal reflections, as it confirms the definitive presence of contemporary artists in the critical debate. From this angle, the cinematic apparatus is contextualized in three historical turns: the transition to modernism, to postmodernism and to contemporaneity. These passages punctuate ruptures and updates of the cinematic apparatus at the same time it reveals the circumstances of its displacement from dark rooms to the white cube.
|
452 |
[en] Y GENERATION AND SPONTANEOUS EXPOSURE ON FACEBOOK / [pt] GERAÇÃO Y E A EXPOSIÇÃO VOLUNTÁRIA NO FACEBOOKMARIO RUBENS DE OLIVEIRA CARNEIRO 25 February 2019 (has links)
[pt] Este trabalho buscou identificar os principais fatores que influenciam no comportamento dos membros da Geração Y no Facebook, com ênfase no aspecto da exposição. O estudo teve por base as teorias de Coortes Geracionais e de Sites de Redes Sociais, bem como os conceitos de exposição e privacidade. Inicialmente, uma pesquisa bibliográfica e entrevistas semi-estruturadas levantaram 49 variáveis pertinentes. Na sequência, dados de campo foram coletados através de um questionário. A amostra utilizada foi formada por 473 indivíduos. A análise empregou técnicas estatísticas de Análise Fatorial Multivariada, seguidas de estudos de Regressões Lineares. Ao final, emergiram 10 fatores: Aderência, Dependência, Egocentrismo, Carência, Receios, Arrependimento, Privacidade, Popularidade, Risco e Banalização; dos quais os quatro primeiros mostraram-se capazes de explicar 22,4 por cento da variação no grau de exposição do comportamento dos respondentes. Enfim, o estudo mostra como o comportamento de exposição voluntária da Geração Y no Facebook é determinado com base em aspectos, como: grau de ligação, afinidade e envolvimento sentimental dos usuários com o site; atitudes auto-centradas, que revelam preferências por falar de si; exposição de sentimentos em busca de suporte emocional; e reconhecimento de malefícios no uso associado à incapacidade de abandono. Assim, a Geração Y demonstra um uso intensivo, voluntário, afetivo e recompensador do site. E seus usuários mais expositivos apresentam comportamentos de uso rotineiro, com acesso por diferentes meios e de diferentes lugares em busca dos benefícios do compartilhamento, demonstrando uma opção por se expor que por um lado é consciente e por outro pode tornar-se inevitável. / [en] This study aimed to identify the main factors that influence the behavior of members of Generation Y on Facebook, with emphasis on the aspect of exhibition. The study was based on the theories of Generational Cohort and Social Networking Sites, as well as on the concepts of exhibition and privacy. Initially, a literature review and semi-structured interviews raised 49 relevant variables. Further, field data were collected through a questionnaire. The sample consisted of 473 individuals. The analysis used statistical techniques of Multivariate Factors Analyses followed by Linear Regressions. At the end, factors emerged: Adherence, Dependency, Egocentrism, Emotional Neediness, Fears, Repentance, Privacy, Popularity, Risk and Banalization; the first four of which proved capable of explaining 22,4 percent of the variation in the exposure degree of the respondents’ behavior. Finally, the study shows how the behavior of voluntary exposure of Generation Y on Facebook is determined based on aspects such as: degree of binding, affinity and emotional involvement of the users with the site; self-centered attitudes that reveal preferences by talking about itself; exhibition feelings seeking emotional support, and recognition of harm in using associated with the incapacity to abandonment. Thus, Generation Y shows a intensive, voluntary, affective and notion of rewarding use of the site. And the users which more expose themselves exhibit behaviors of routine use, with access by different channels and different places in search of the benefits of sharing, showing an option for exposing himself. This option is on one hand conscious and on the other hand may become inevitable.
|
453 |
Nos arquivos da Bienal do Mercosul: democratizar, educar, investirGuedes, Betina Silva 26 February 2015 (has links)
Submitted by Maicon Juliano Schmidt (maicons) on 2015-05-26T16:21:17Z
No. of bitstreams: 1
Betina Silva Guedes.pdf: 5657461 bytes, checksum: c2928c83975c4941ec04f54986b981cf (MD5) / Made available in DSpace on 2015-05-26T16:21:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1
Betina Silva Guedes.pdf: 5657461 bytes, checksum: c2928c83975c4941ec04f54986b981cf (MD5)
Previous issue date: 2015-02-26 / Nenhuma / A partir dos estudos de Michel Foucault e operando com os conceitos de discurso e governamento, a Tese problematiza a instituição da Bienal do Mercosul como um contexto educativo por excelência, que privilegia a democratização do acesso à arte nas ações que desenvolve, em sintonia com a demanda das políticas inclusivas vigentes no Brasil. Para analisar esse contexto, utiliza como material um conjunto de publicações editadas pela Fundação Bienal do Mercosul, no decorrer das suas nove edições já realizadas, abrangendo o seguinte período: 1997 a 2013. As análises mostraram que o incentivo para frequentar a Bienal parte da promessa de que estar com arte agrega valor aos visitantes, e subentende-se que mudanças são geradas nos sujeitos que transitam por seus espaços expositivos. Tal promessa aponta que as relações estabelecidas entre arte e educação na Bienal do Mercosul têm como foco a capitalização dos sujeitos, principalmente em idade escolar. Para dar conta desse campo de expectativas e de interdependência, a Bienal foi constituída como um território heterogêneo, composto, entre outros, por um viés empresarial e um (necessário) viés educativo. A aproximação da Bienal com as empresas ocorre impelida pelo imperativo de conformação de uma sociedade inclusiva, pela democratização do acesso à arte, pelo fortalecimento da parceria Estado-Empresa e pelo empresariamento dos sujeitos e da sociedade – por meio do crescente investimento em capital humano. A inserção da Fundação Bienal nessa grade de inteligibilidade mostra as bases sobre as quais se assentam seus intentos de formar o sujeito (empresário de si) por meio de projetos educativos que repercutem em investimentos na população. Conclui-se que, ao promover a democratização do acesso à arte, fazendo do sujeito seu foco de intervenção, a Bienal do Mercosul assume o lugar de mais um espaço institucional politicamente instituído que educa e que mantém o fluxo de normalidade da população. / From studies by Michel Foucault, and operating with the concepts of discourse and government, this Thesis problematizes the institution of the Biennial Art Exhibition of Mercosul as an educative context par excellence, which privileges the democratization of access to art through the actions it develops in accordance with requirements of inclusive policies in effect in Brazil. In order to analyze such context, the study has addressed nine issues of publications by the Mercosul Biennial Visual Arts Foundation published from 1997 to 2013. The analyses have shown that the encouragement to attend the Biennial Art Exhibition has been grounded on the promise that being in contact with art can add value to visitors, and it has been understood that changes are produced in the subjects that move around its exhibition rooms. Such promise points out that the relationships established between art and education in the Biennial Art Exhibition of Mercosul focus on the capitalization of the subjects, particularly school age individuals. To meet such expectations and the idea of interdependence, the Biennial Art Exhibition has been constituted as a heterogenic territory consisting of both entrepreneurial and (necessary) educative biases, among others. The approximation between the Biennial Art Exhibition and corporations has been triggered by the imperative of a so-called inclusive society, the democratization of accesses, the strengthening of the State-Corporation partnership, and the entrepreneurship of subjects and society by means of an increasing investment in human capital. The insertion of the Biennial Foundation in this intelligibility framework shows the bases of its purpose of forming the (self-entrepreneur) subject by means of educative projects that reverberate in investments in the quality of living of the population. It has been concluded that, by fostering the democratization of the access to art, regarding the subject as its focus of intervention, the Biennial Art Exhibition of Mercosul has become one more institutional place that teaches and keeps the flow of normality of the population, which has been politically instituted.
|
454 |
Sculpture et cinéma : emprunts et perméabilités dans le champ de l'art contemporain et du cinéma / Sculpture and cinema : borrowings and interrelationships in the field of contemporary art and cinemaHonore, Thibault 16 January 2015 (has links)
La rencontre entre le cinéma et les arts du volume relève d’un principe de perméabilité. Le travail des cinéastes, qui se sont essayés à l’installation, témoigne de phénomènes d’hybridations connexes. Si le cinéma gagne l’espace d’exposition, c’est pour y retrouver les données séculaires de sa monstration. Le septième art voit dans sa déterritorialisation vers l’objet d’art tridimensionnel, l’expression réaffectée de son histoire. Le déplacement du cinéma dans le champ des œuvres d’art en volume doit donc être interrogé selon un principe de survivance. En feignant d’amortaliser les êtres qu’il capture, le cinéma trouve dans la sculpture un moyen de présentifier la mort. Dans notre travail plastique, cette entreprise passe par un procédé formel reconnaissable : le renversement. De ce geste plastique, dont nous postulons qu’il est métonymique d’une forme d’enfouissement, naît l’idée que le cinéma et la sculpture s’inscrivent tous deux dans un régime funéraire de l’art. / The meeting of cinema and sculpture must be analyzed through a principle of interrelationships. The work of movie directors, who tried to realize sculptures and installations, proves similar phenomena of hybridization. When cinema leaves the theatre for an exhibition, it is also to find again, with the updating of new plastic forms, the secular data of its screening. With its transfer towards the sculpture the cinematographic art acquires the new expression of its personal history. Knowing this, the movement of cinema towards sculpture must also be questioned in the light of a principle of survival. By pretending to a-mortalize the beings that it shoots, the cinema find in sculpture a means to nurture its macabre labour. Besides, this display of death undergoes a very identifiable formal process : the inversion. We may then identify this plastic gesture with the metonymical figure of a burying. Thus, both cinema and sculpture seem to join in a funeral system of art.
|
455 |
Ensino de história e o ofício do historiador : a investigação do processo de patrimonialização do espaço físico da Escola Estadual Professor Olintho de Oliveira (Porto Alegre/RS) com alunos e alunas do 6º ano do ensino fundamentalPereira, Leandro Balejos January 2016 (has links)
O presente trabalho assume a relação entre história e memória como um dos desafios disciplinares da História no âmbito da educação básica e pretende refletir sobre o ofício do historiador investigando o processo de patrimonialização do espaço escolar. Desta forma reconhece a materialidade das instituições formais de ensino como possibilidade de atuação da História, enquanto disciplina que proporciona diferentes leituras do mundo, inclusive a reflexão sobre a memória e a cultura material. Tomando em conta estas considerações, propõe-se que alunos e alunas do 6º do ensino fundamental de uma escola pública de Porto Alegre/RS possam construir noções de documento e fontes para a história, da narrativa como mediação entre o passado e a interpretação historiográfica, bem como da noção de patrimônio cultural e seus desdobramentos enquanto possibilidade para a educação histórica. Para concretizar o objetivo enunciado a pesquisa no acervo documental e iconográfico da escola foi simultaneamente recurso metodológico e questão mobilizadora para a produção de conhecimento no ensino fundamental Além de discutir teoricamente o problema anunciado, operando com os conceitos de patrimônio cultural e patrimônio escolar, e avaliar os resultados da pesquisa, a investigação também descreve e examina a construção de um projeto de exposição, reunindo fotografias e excertos de documentos escritos que compõe o acervo da instituição educativa. A partir da aplicação de instrumento de avaliação escrito, e das anotações efetuadas durante as aulas, foi possível verificar que a maioria dos estudantes conseguiu identificar a importância e a variedade dos vestígios como matéria-prima das fontes para a história e a relação entre a produção historiográfica e as demandas do presente. Também quando questionados sobre diferentes formas narrativas, majoritariamente os estudantes envolvidos na pesquisa identificaram as características da escrita autobiográfica, dos enredos ficcionais e as providências próprias da elaboração do conhecimento histórico. Com relação à noção de patrimônio cultural, a maior parte dos alunos e das alunas reconheceu a tensão entre o papel da memória e a dimensão histórica na patrimonialização dos bens. / The present work assumes the relation between history and memory as one of the disciplinary challenges of history in the scope of basic education and intends to reflect on the occupation of the historian investigating the process of patrimonialization of the school space. In this way, it recognizes the materiality of formal educational institutions as a possibility for the performance of history, as a discipline that provides different readings of the world, including reflection on memory and material culture. Taking into account these considerations, it is proposed that students of the 6th grade of a public elementary school in Porto Alegre/RS can construct notions of document and sources for history, of narrative as mediation between the past and the historiographic interpretation, as well as the notion of cultural patrimony and its outspread as a possibility for historical education. In order to fulfill the stated goal, the research in the documentary and iconographic collection of the school was simultaneously a methodological resource and a mobilizing question for the production of knowledge in elementary school. In addition to theoretically discussing the problem advertised, operating with the concepts of cultural heritage and school heritage, and evaluating the results of the research, the research also describes and examines the construction of an exhibition project, gathering photographs and excerpts of written documents that compose the collection of the educational institution From the application of a written evaluation instrument and the notes made during the lessons, it was possible to verify that the majority of the students were able to identify the importance and the variety of the traces as raw material of the sources for the history and the relation between the historiography production and the demands of the present. Also when asked about different narrative forms, most students involved in the research identified the characteristics of autobiographical writing, fictional plot, and the proper arrangements for the elaboration of historical knowledge. Regarding the notion of cultural heritage, most of the students recognized the tension between the role of memory and the historical dimension in the patrimonialization of goods.
|
456 |
Interseções entre arte e arquitetura. O caso dos pavilhões / Intersections between art and architecture. The case of pavilionsTonetti, Ana Carolina 29 April 2013 (has links)
Esta dissertação tem como foco central o estudo de edifícios pavilhões e sua relação com a produção tridimensional - entendida como instalação e escultura. Para tanto, articula-se o conceito de \"campo ampliado\", elaborado por Rosalind Krauss em texto de 1979 para abarcar as transformações da escultura a partir dos anos 60, com seu recente deslocamento, para o âmbito da arquitetura por parte de alguns autores, nomeadamente Antony Vidler. A pesquisa não se resume apenas a uma investigação da contribuição do espaço arquitetônico para a escultura ou da escultura para a arquitetura, mas foca especialmente a linha que as separa, visto que a tendência de convergência das duas disciplinas faz com que seu elo de reciprocidade se dissolva numa produção intersticial, realizada por artistas, arquitetos ou mesmo por ambos em colaboração. O pavilhão sempre foi entendido como um campo experimental para os arquitetos, especialmente ao longo do século XX quando ajudou a consolidar as premissas da arquitetura moderna. Hoje, apresenta grande visibilidade através de diversos programas que oferecem condições únicas de encomenda e concepção pressupondo uma arquitetura singular, que configura uma produção desvinculada do binômio forma-função e cujo assunto autorreferente é a própria arquitetura. Do ponto de vista das artes o pavilhão representa uma expansão da instalação para um todo espacial que passa a envolver também o edifício e, quando tomado como meta arquitetura, opera também como plataforma de afrontamento crítico. O embate teórico acerca dos desdobramentos do \"campo ampliado\", bem como a investigação sobre aspectos essenciais do termo \"pavilhão\", de natureza maleável, são confrontados com uma análise crítica de casos selecionados em três instituições com características bem distintas- Bienal de Veneza, Instituto de Arte Contemporânea do Inhotim e Serpentine Gallery -, e possibilitam alinhavar conclusões sobre esta produção contemporânea no limiar dessas duas disciplinas. / This dissertation is focused on the study of pavilions and their relationship with the three-dimensional production - understood as installation and sculpture. Therefore, the concept of \"expanded field\", elaborated by Rosalind Krauss in the 1979 essay to encompass the transformation of sculpture from the 60\'s, is articulated with the recent shift of this same concept into the realm of architecture by some authors, namely Antony Vidler. The research is not just an investigation on the contribution of the architectural space for sculpture or, on the other hand, from sculpture to architecture, but focuses especially the line that separates them, understood as a disposition of convergence by the two disciplines which dissolves the reciprocal bonds in a interstitial production, performed by artists, architects or even both together. The pavilion has always been understood as an experimental field for architects, especially during the twentieth century when it helped consolidate the assumptions of modern architecture. Today it has gained great visibility through several programs that offer specific conditions by commissioning and assuming a unique architecture design that sets up a production untied from the binomial form-function, resulting in a self referent building whose subject is the architecture itself. From the point of view of the arts, it represents an expansion of the installation configuring a spatial whole that also implicate the building and, when taken as meta architecture, also operates as a platform for critical confrontation. The opposition on theory about the ramifications of the expanded field, as well as a research on the essential characteristics to a malleable term, are faced with a critical analysis of selected cases in three institutions gathering rather distinct characteristics - the Venice Biennale, the Institute of Contemporary Art Inhotim and the Serpentine Gallery -, and allow conclusions on this contemporary production in a disciplinary threshold.
|
457 |
Medieval art on display, 1750-2010Snape, Julia January 2013 (has links)
This thesis asks how the curatorial framing of medieval objects - the processes of selection, classification, display and interpretation - affect how medieval objects are made legible within the museum. It investigates how different collectors and curators have deployed medieval objects over a period of two hundred and fifty years of museological practice. Throughout this history, medieval objects have been appropriated within a range of museological narratives that have positioned them variously as objects of curiosity, utility, scientific analysis, nationalistic interest and as sites of scholarly and popular attention. My purpose is to inquire how the epistemological re-positioning of objects is articulated through their presentation within the framework of the collection, museum or temporary exhibition and to question how the mechanics of display facilitate particular readings of medieval objects. I then consider how certain curatorial approaches may produce unintended effects that render the medieval object illegible or problematic in unexpected ways. I also acknowledge that unforeseen exhibitionary outcomes may not be solely due to the effects of curatorial intervention but may be wrought by the agency of objects themselves. This thesis therefore examines medieval objects as active participants that play a crucial role in influencing the communication of curatorial objectives and in affecting how they may be apprehended through exhibitionary practice. The thesis examines sixteen chronologically presented case studies, beginning in the mid eighteenth century and concluding in the early twenty-first century, that represent important or influential episodes in the history of the display of medieval art. It traces a selective history of the various ways medieval objects have been culturally positioned at particular points in time to reveal how curatorial techniques have worked to reinforce or undermine the perception of medieval objects as carriers of specific meanings. Through the examination of historical approaches to the display of medieval objects I reveal how familiar tropes of display, such as the use of specific lighting techniques and stained glass have characterized the museological staging of medieval objects and how these have endured into the twenty-first century. Drawing on performance theory, material culture theory and sensory theory I identify how the biographical histories, material characteristics and sensory properties of medieval objects have been re-activated or suppressed by curators to encourage audiences to engage with them in specific ways. This theoretical approach reveals a previously unacknowledged sensory cultural history of engagement with the medieval object and highlights how historical approaches that have privileged embodied engagement with objects continue to inform contemporary museological practice. I also draw on Actor-Network theory to illuminate how medieval objects may be understood as active agents within the chain of correspondences that links people, objects and exhibitions at particular points throughout this history. In this way I delineate an exhibitionary landscape through which we can understand medieval objects as multi-authored and polysemic entities but principally as the products of exhibitionary practice.
|
458 |
Kronobergsgatan 35 : Från brandvägg till utställningsrum / Kronobergsgatan 35 : From firewall to exhibition roomSjöberg, Mikaela January 2018 (has links)
Utställningsrummet för gatukonst växte fram långsamt på Kronobergsgatan 35. Genom att följa utvecklingsprocessen, platsen och verken som visats undersöker jag hur väggen växer fram till en hybrid som inte bara är ett utställningsrum. Det är även centrum för urban konst i Stockholms offentliga rum. Utställningsrummet är ett ovanligt inslag i en stad som fortsatt är präglad från en långvarig nolltolerans. Curering av väggen återspeglar ett utbildningssyfte för att visa att graffiti är mer än klotter. Jag undersöker vilka aktörer som är inblandade och deras mål med väggen utifrån curating teori. Väggen har flera intressenter. Kollektivet Livet som curerar väggen har en bakgrund inom graffiti och i sitt arbete att etablera konstformen kommer de även närmare att institutionalisera den, något som går emot dess historiska roll som subkultur. I mitt arbete studerar jag var utställningsrummet placerar sig i förhållande till graffitikulturen kontra konstinstitutionen. Fastighetsägaren står för resurserna och ser mot förmodan en slags vinst i sin investering, jag har döpt denne till konsthandlaren som förmedlar konsten till betraktaren. Att konsthandlaren associerar företaget till kulturella åtaganden gynnar företagsprofilen i ansamlande av kulturellt kapital. Utställningsrummet är även starkt påverkat av dess position i Stockholms centrala offentliga rum. Det skapar debatt om vem som får ta plats i stadsrummet och vilken konst som bör finnas, en debatt som curatorn välkomnar. Det är en debatt som potentiellt involverar hela staden, där alla är potentiella konstkritiker. Görandet av plats skapas i samverkan mellan tjänstemännen som formar stadsrummet och aktörerna som verkar i det. Jag undersöker denna samverkan och hur de förhåller sig till sina motsättningar. / I have followed the process of development of Kronobergsgatan 35 as an exhibition room for street art and graffiti in Stockholms public space. By interviewing the curators and analyzing with referens to institutional- and curating theory my aim has been to investigate the surrounding circumstances for said exhibition. Stockholm has a history of zero tolerance which makes this exhibition room a rare sight. The curators has, with an educational agenda, wanted to normalize graffiti as an artform but in so doing places the exhibition somewhere between it's subcultural history and the established art institution. The wall is made possible by the contribution of the property owner. I investigate the possible purposes of this investment and how association with culture affiliations could have positive effect on a business profile by obtaining cultural capital. As an exhibition room in public space it works with and in contrast to the official public art of the city. I investigate this relationship between official and unofficial public art and the discussion of a democratic public space.
|
459 |
Outros cinemas / Other CinemasEllen de Medeiros Nunes 23 September 2016 (has links)
Outros cinemas é uma pesquisa teórico-prática que discorre sobre o deslocamento do dispositivo cinema para os espaços da arte. São tomadas como ponto de partida as práticas pré-cinematográficas, seguidas das práticas com o dispositivo cinema desenvolvidas nos anos 1960 e 1970, no âmbito artístico internacional e nacional. Por fim, trabalhos produzidos por mim e em parceria com o grupo Poéticas Digitais apontam para reflexões acerca do contexto contemporâneo. Sem isolar a problemática brasileira em relação ao conjunto da produção mundial, este trabalho se propõe o desafio de pensar os contextos internacional e nacional da presença do dispositivo cinema como estratégia artística para a espacialização e desmaterialização e a abertura para a participação do público na passagem dos anos 1960 para os anos 1970, além de apontar para um modo de entendimento do contexto contemporâneo por meio de projetos pessoais. Esta pesquisa busca, por meio dos artistas Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek e Hélio Oiticica, explorar suas reflexões particulares e confirmar a presença definitiva dos artistas contemporâneos no debate crítico. Por esse viés, o dispositivo cinema é contextualizado em três viradas históricas: na transição para o modernismo, no pós-modernismo e na contemporaneidade. Essas passagens pontuam rupturas e atualizações do dispositivo, ao mesmo tempo que revelam as circunstâncias do deslocamento das salas escuras para o cubo branco. / Other cinemas is a theoretical and practical study addressing the displacement of the of the cinematic apparatus in contemporary art. Precinematic strategies are taken as a starting point, followed by the practices of the cinematic apparatus developed in the 1960s and 1970s, at international and national levels. In conclusion, works developed by me and in partnership with the group Digital Poetics lead to reflections on the contemporary context. Encompassing the Brazilian problematic in relation to the body of international production, this research attempts to undertake the challenge of reflecting about the presence of the cinematic apparatus in both international and national contexts as artistic strategy of spatialization, dematerialization and topening for public participation in the passage of the 1960s to the 1970s, furthermore it indicates to one way of understanding contemporary context through personal projects. This research explores the works of Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek and Hélio Oiticica, and these artists\' personal reflections, as it confirms the definitive presence of contemporary artists in the critical debate. From this angle, the cinematic apparatus is contextualized in three historical turns: the transition to modernism, to postmodernism and to contemporaneity. These passages punctuate ruptures and updates of the cinematic apparatus at the same time it reveals the circumstances of its displacement from dark rooms to the white cube.
|
460 |
Entre o Tejo e os Jerônimos: a Exposição Histórica do Brasil nas comemorações dos centenários de Portugal em 1940 / Between Tagus and Jerônimos: the historical exhibition from Brazil in the celebrations of Portugal in 1940Carla Rafaela Monteiro 26 August 2011 (has links)
O foco dessa dissertação é a Exposição Histórica do Brasil organizada no interior da Exposição do Mundo Português, em Lisboa, no ano de 1940, quando Oliveira Salazar decidiu comemorar os centenários da fundação de Portugal (1139) e o da Restauração (1640). A Exposição brasileira foi orientada e executada sob a direção de Gustavo Barroso, enviado a Portugal como um dos delegados do Brasil à Exposição do Mundo Português e como Diretor do Museu Histórico Nacional. Ao propor a Exposição Histórica do Brasil como tema, pretendeu-se compreendê-la como expressão de uma forma específica de reconstituir o passado do Brasil, tentando inseri-la no contexto cultural e político do período, contribuindo para o entendimento do modo pelo qual se configurou, na época, uma escrita da História do Brasil, simultaneamente, incrustada no Museu Histórico Nacional e no espaço dos eventos ocorridos em Portugal. / The focus of this essay is the Historical Exposition of Brazil organized inside the Exhibition of the Portuguese World, in Lisbon, in 1940, when Oliveira Salazar decided to celebrate the centenary of Portugal foundation (1139) and of the Restoration (1640). The Brazilian Exposition was guided and carried out by the lead of Gustavo Barroso, who was sent to Portugal as one of the Brazilian representatives in the Exhibition of the Portuguese World and as the Curator of the National Historical Museum. In proposing the Historical Exposition of Brazil as a theme, the intention was to understand it as an expression of a specific way of reconstituting the past of Brazil, trying to insert it in the political and cultural context of the time, contributing to the understanding of how it configured, at the time, a writing of the History of Brazil, simultaneously, incrusted in the National Historical Museum and in the area where the events took place in Portugal.
|
Page generated in 0.1393 seconds