Issu d'une pratique professionnelle consacrée à l'offre en langues étrangères dans une bibliothèque municipale, ce travail de recherche questionne le positionnement de l'institution, basée sur le principe d'égalité d'accès au service public de la lecture, alors que celle-ci cherche à enrayer la baisse de sa fréquentation et celle du nombre de ses inscrits à une époque caractérisée par l'accroissement des mouvements migratoires et l'augmentation conséquente du plurilinguisme. La problématique s'attache aux transformations des pratiques et des représentations des professionnels dans les bibliothèques municipales métropolitaines induites par l'introduction d'une offre en langues étrangères, en questionnant les notions de public, d'information et de positionnement institutionnel. Une première enquête quantitative vise à établir le nombre d'établissements concernés par cette offre singulière et la taille de celle-ci en volume et en valeur ; une seconde enquête qualitative s'attache à l'analyse des propos recueillis lors d'entretiens en face à face avec des professionnels, des non usagers des bibliothèques et des élus dont dépendent ces établissements. Les résultats montrent des bibliothèques nombreuses à proposer ce type d'offre, les faibles volumes et valeurs de celle-ci. Ils soulignent une méconnaissance des publics cibles comme de leurs attentes, le bouleversement des pratiques et des représentations professionnelles engendré par la prise en compte du critère inhabituel de la langue des usagers et des documents, la transformation du positionnement des bibliothécaires, des publics et de l'institution finalement peu investie dans le champ des langues étrangères. Ils montrent que cette question déborde les pouvoirs décisionnels des professionnels, interpelle ceux de la tutelle territoriale et de l'Etat. Ils ne permettent pas de déterminer si l'évolution de cette offre singulière relève plus de l'ombre d'un développement ou d'un développement dans l'ombre. / Initiated and informed by years of professional experience dedicated to providing foreign language resources in a French public library, this research questions the positioning of the library as an institution anchored in the principle of equal access to public service, in the context of a decline in both attendance and enrolment as well as that of increased international migration and multilingualism. The argument focuses on the transformation of practice and professional representation generated by the introduction of foreign language material in France's municipal libraries and questions the notions of “general public,” “information,” and “institutional positioning.” A quantitative survey assesses the size of the phenomenon. The qualitative survey analyses observations collected during face-to-face interviews with professionals, with non-library users as well as with elected representatives responsible for overseeing public libraries. Results reveal a real, albeit limited evolution: while numerous libraries now provide resources in foreign languages, such offers remain small in terms of both volume and value. They also highlight a lack of understanding of the nature and expectations of target audiences, the disruption of professional practice and representation generated by the acknowledgment of language as one of the criteria to shape the offer of resources, the transformation of the positioning of public librarians, of audiences and, more generally, of an institution not yet substantially involved in the field of foreign languages. In conclusion, the results show that this question goes beyond the sole decision-making power of public libraries themselves and falls more broadly in the remit of territorial and national authorities. Whether the development of foreign language resources in French public libraries is merely a passing shadow or, on the contrary, a significant evolution remains to be determined.

Issus d’une dynastie de maîtres maçons et d’architectes établis à Dreux vers 1500-1516, les frères Louis et Clément Métézeau sont des architectes français actifs de la fin du XVIe siècle à la première moitié du XVIIe. La carrière du premier, Louis (vers 1563 ?-1615), essentiellement parisienne, se confond avec le règne d’Henri IV et se prolonge jusqu’en 1615 sous la régence de Marie de Médicis. En 1594, il fut chargé de superviser tous les chantiers royaux et fut, à ce titre, un des principaux acteurs de la reconstruction et de la modernisation du royaume. Son frère cadet, Clément (1581-1652), suivit ses traces : un temps au service des ducs de Lorraine et de Nevers, il revint en France où il devint à partir de 1615 un des architectes et ingénieurs ordinaires du roi Louis XIII puis de son frère Gaston d’Orléans. Il répondit aussi à de nombreuses commandes privées, tant civiles que religieuses, mais c’est la digue de La Rochelle qui fit sa renommée.A partir de documents d’archives inédits et d’une iconographie plus riche qu’on pourrait imaginer a priori, cette thèse restitue et réévalue les carrières méconnues de ces deux architectes. Une lecture critique des sources inédites rétablit la chronologie de chacune de leurs œuvres et s’attache à répondre aux problèmes récurrents d’attribution. Elle met aussi l’accent sur la polyvalence de ces artistes qu’elle replace au sein même de la communauté artistique parisienne de l’époque. Elle tente enfin de définir, pour chacun, un style architectural mis en regard avec la production des « ancêtres » de la dynastie, puis avec celle de leurs confrères. / Born into a dynasty of builders and architects settled in Dreux around 1500-1516, the brothers Louis and Clément Métézeau are French architects of the end of the sixteenth century and the first half of the seventeenth century. The career of the elder, Louis (ca. 1563?-1615), essentially concentrated around Paris, parallels with the reign of Henri IV and continues until 1615 under the regency of Marie de Médicis. In 1594, he was chosen to supervise all the royal building sites. He was one of the major actors of the reconstruction and the modernisation of the kingdom. His younger brother, Clément (1581-1652), followed his example. After working for the dukes of Lorraine and Nevers, he came back to France where he became in 1615 one of the ordinary architects and engineers of the king Louis XIII and his brother Gaston d’Orléans. He carried on several private projects, both civil and religious, but he became famous with his dike of La Rochelle.Using unpublished archive documents, this dissertation revives the unknown careers of both of these architects. A critical reading of the sources provides us with a new chronology of their works and tries to answer the numerous questions concerning their works, especially the recurrent issues of the attribution of their buildings.

Quel sens faut-il donner à la création le 29 brumaire an III d’Écoles d’économie rurale vétérinaire en remplacement des écoles vétérinaires héritées de l’Ancien Régime ? L’historiographie n’a jamais vraiment relevé ce qu’implique l’affirmation de l’économie rurale vétérinaire. Notre thèse est construite sur l’idée que la République directoriale correspond aussi à la formulation d’une des avancées fondatrices de nos sociétés démocratiques contemporaines : la volonté d’établir un projet politique qui intègre la pensée d’une écologie politique. Ce projet, c’est l’économie rurale républicaine. C’est cette proposition qui investit l’École d’Alfort dès les années 1780 avec l’entrée de grands savants tels que Vicq d’Azyr, Fourcroy ou Daubenton. La proclamation de la République correspond ensuite à un moment d’affirmation de cette proposition scientifique de l’économie rurale vétérinaire. Après le coup d’État de Brumaire, on assiste à mise en ordre impériale qui implique l’abandon de l’économie rurale républicaine. / What meaning should be given to the creation on 29 Brumaire Year III of Schools of rural veterinary economy to replace veterinary schools inherited from the Ancien Régime? Historiography has never really identified what the assertion of the rural veterinary economy implies. Our thesis is built on the idea that the directorial Republic corresponds to the formulation of one of the founding advances of our contemporary democratic societies: the will to establish a political project that integrates the thought of a political ecology. This project is the republican rural economy. It is this proposal that invests the School of Alfort in the 1780s with the entry of great academics professors such as Vicq d'Azyr, Fourcroy or Daubenton. The proclamation of the Republic corresponds to a moment of affirmation of this scientific proposal of the rural veterinary economy. After the coup of 18/19 Brumaire in the Year VIII, imperial order was put in place, implying the abandonment of the republican rural economy.

L’œuvre d’Alexandre Vialatte manifeste une attirance et même une fascination pour les monstres et, en profondeur, pour le monstrueux : son univers romanesque est marqué par la présence de monstres qui est à la fois motivée par la perception tragique d’une monstruosité inhérente au quotidien et à l’homme et par un imaginaire hanté par la problématique de l’identité, de la culpabilité et de la création de soi comme fantasme de réinvention. Confronté aux folies meurtrières de l’Histoire, à sa propre folie, Vialatte fut subjectivement mêlé aux conflits du XXe siècle. Entre les années vingt et les années soixante-dix, il imagine comme romancier puis comme chroniqueur un univers qui porte les traces de la désintégration du réel, de la négation de l’être. Les monstres qui hantent la fiction sont le signe d’une époque profondément ébranlée, ils révèlent comment l’imaginaire de Vialatte est travaillé par un sens aigu de l’Histoire. Plus libre encore que le monstre de toute forme et de toute frontière, le monstrueux structure en profondeur l’œuvre. Ce jeu de distorsion du réel jusqu’à la transgression apparaît disséminé dans l’ensemble du récit. Cette fascination pour les monstres et le monstrueux trouve son origine dans une perception tragique et insupportable du réel : le regard singulier de Vialatte trahissant une angoisse métaphysique et ontologique. Son écriture, son humour indécidable frappent par son caractère dissonant et troublant. Cette écriture marquée par la déformation et la fragmentation donne à l’ensemble de l’œuvre un caractère subversif et explosif, révèle un espace de l’ordre de l’impensable. L’écrivain trouve ici un moyen de définir ses choix esthétiques, d’accepter ses désillusions sans pour autant cesser d’écrire. L’aveu inconscient de cette attirance intime, personnelle pour le monstrueux révèle combien l’acte d’écrire lui-même se reconnaît habité par le monstrueux, combien il permet de transcender le réel, de le sublimer par le pouvoir de l’écriture. / Alexandre Vialatte’s work displays an attraction, even a fascination, for monsters, and, more deeply, for monstrosity: his novelistic universe is characterized by the presence of monsters. This presence is both due to the tragic perception of a monstrosity which inheres in everyday life and in Man himself, and by Vialatte’s imaginary world which is haunted by the question of identity, of guilt, and of the creation of the Self as a fantasy of reinvention. As Vialatte was confronted with the mad murders of History and with his own madness, he was subjectively involved in the wars of the 20th century. Between the 1920’s and the 1970’s he was a novelist and then a columnist who imagined a fictional universe bearing the marks of the disintegration of reality and of the negation of the being. Monsters haunting fiction are the sign of deeply troubled times, they reveal how Vialatte’s imagination is marked by an acute sense of History. Monstrosity, which is even more shapeless and boundless than monsters, underlies the whole structure of Alexandre Vialatte’s work: indeed, the transgressive distortion of reality is present in all the narrative. This fascination for monsters and monstrosity originates in a tragic and insuperable perception of reality: indeed, Alexandre Vialatte’s vision betrays a metaphysical and ontological anxiety. His writing and his ambiguous humor have a troubling and cacophonic character. His writing, which is characterized by deformation and fragmentation, gives a subversive and explosive aspect to the work as a whole, and reveals a space which is unthinkable. In his work, the writer finds a way to define his aesthetic choices, to accept his disillusions without ceasing to write. His unconscious admission of his intimate and personal attraction for monstrosity reveals how the act of writing itself is haunted by monstrosity, how it enables to transcend reality and to sublimate it through the power of writing.

Cette thèse se propose d'étudier les différentes manifestations de l'ironie dans la poétique romanesque de L'Homme qui rit de Victor Hugo selon trois axes d'étude. Le premier s'organise autour d'une analyse de l'énonciation polyphonique dans le roman. Qui prend en charge le récit et avec quelles intentions? Les propos des personnages sont souvent empreints d'ironie, et sont commentés par le narrateur ou l'auteur. Nous observons surtout la fonction de ses paroles dans l’énoncé : comment leur insertion influence-elle le déroulement du récit? Pourquoi favorisent-elles les manifestations de l’ironie? Puis, le deuxième axe de notre réflexion s'interroge sur le mélange des genres qui favorise également l’émergence de la parole ironique. L'utilisation de l’ironie permet à Victor Hugo de porter un regard critique sur son travail d'écrivain en reconsidérant ses pratiques d’écriture. Dans son roman L'Homme qui rit,il se veut, d’abord, poète en proposant une écriture proche de celle du texte poétique où l’image figure les idées et favorise aussi le registre ironique. L’auteur endosse aussi le rôle de dramaturge en mettant en scène la parole pour la rendre plus ironique et, en même temps, le travail de sape permanent de l’ironie ne fait qu’amplifier les visées politiques et littéraires de l’auteur. Victor Hugo dénonce certaines pratiques politiques afin de remettre en question aussi sa propre expérience d’homme politique. Enfin, le dernier axe de cette étude se propose d'observer la dimension métaphysique de l’ironie au cœur de la poétique en soulignant les différentes influences des mouvements de pensées philosophiques. Dans L’Homme qui rit, on peut distinguer deux choses : l’ironie classique, définie et utilisée au cours de l’Antiquité, et l’ironie moderne, apparaissant à la fin du 18ème siècle, qui correspond à l’émergence de l’ironie romantique. Dans le roman, l’ironie verbale s’inspire des procédés rhétoriques employés par les philosophes de l’Antiquité mais aussi de l’antiphrase, arme favorite des philosophes des Lumières pour qui la littérature ne se présente plus seulement comme un témoignage ou la critique d’une époque, mais elle devient aussi un intermédiaire entre l’écrivain et son lectorat afin que ce dernier s’interroge davantage sur sa condition et sur tout ce qui l’entoure. Dans L'Homme qui rit, l’utilisation de l’ironie n'a pas seulement pour vocation de railler, elle permet au lecteur d’étendre et d’approfondir sa réflexion sur sa propre condition. / This thesis suggests studying the various appearances of irony in the romantic poetics of The Man who laughs by Victor Hugo according to three axes of study. The first one gets organized around an analysis of the polyphonic statement in the novel. Who takes care of the narrative and what are the intentions? The comments of the characters are often tinged with irony, and are commented upon by the narrator or the author. We observe especially the function of his words in the statement: how does their insertion influence the unfolding of the narrative? Why do they favor the demonstrations of irony? Then, the second axis of our reflection leads us to wonder about the mixture of the genres which also favors the emergence of the ironic word. The use of irony allows Victor Hugo to take a critical look at his work of writer by reconsidering his practices of writing. In his novel The Man who laughs, he is meant to be, at first, a poet by proposing a writing close to that of the poetic text where the image represents the ideas and also favors the ironic register. The author also assumes the role of playwright by staging the word to make it more ironic and, at the same time, the permanent undermining of irony is only amplifying the political and literary aims of the author. Victor Hugo denounces some political practices to question also his own experience as a politician.

L’émergence d’un « ‘esprit’ capitaliste » (Weber) en Angleterre et en France au tournant des XVIe-XVIIe siècles a favorisé la reconfiguration des rapports entre avaritia et cupiditas, qui déterminent tout le champ sémantique de l’usure et de l’intérêt. Cette thèse postule que cette évolution est sensible dans la comédie française et anglaise de l’époque, et plus particulièrement chez les grands dramaturges qui ont marqué l’imaginaire collectif en mettant en scène des personnages avares. À partir d’un type comique issu à la fois du théâtre antique et du canon religieux bien établi dans l’Occident chrétien, l’appréhension nouvelle de l’argent comme objet et comme signe permet de construire une véritable figure moderne de l’avarice. Shylock, Volpone et Harpagon sont suspendus entre un or quasi divin, et l’univers plus ou moins connu de l’argent, qu’ils pensent maîtriser grâce à leur trésor. S’ils s’intègrent parfaitement à la fluidité moderne des échanges économiques, culturels et sociaux, ils participent aussi à leur dévalorisation, par une activité et un discours proprement usuraires. Leur entourage tente de soumettre cette « labilité » (Simmel) suscitée par l’économie de l’usurier-avare à un nouvel ordre, cosmique, éthique ou politique. Le conflit se résout devant la justice, instance discriminatoire externe et prétexte à la mise en abyme du jugement social. L’analyse finale de ces dénouements permet de comprendre le travail de chaque auteur sur la forme et la fonction du comique, à travers le texte, les genres, ou une esthétique de l’espace. Elle montre que chacun s’attache à valoriser l’apport de son art au public dans une période de crise socio-économique. / The emergence of a capitalist ‘spirit’ (Weber) in England and France at the turn of the sixteenth and seventeenth centuries played a leading role in reconfiguring the relation between avaritia and cupiditas which determine the whole semantic field of usury and interest. This thesis postulates that this evolution is perceptible in French and British comedy at that time, in particular for some of the playwrights who staged miserly characters imprinted in our collective imagination. Starting from a comic type as common in Greek and Roman drama as it was in the well-established religious canon in the Christian West, a new understanding of money as object and as sign leads to the construction of a truly modern figure of avarice.Shylock, Volpone (Mosca) and Harpagon, hang on to a almost divine idea of gold and the more or less known world of money, medium they think they control through their treasure, and which is about to become the universal equivalent of any good. Those characters fit perfectly into this modern dynamic of economic, cultural and social exchanges, but they also contribute, with their strictly usurious speech, to its depreciation. Their entourage tries to tame this « lability » of values (Simmel) generated by the economy of the usurer-miser to a new order – a cosmic, ethical or political order. Conflicts are resolved by a court of law, external discriminatory authority and pretext for the mise-en-abyme of social judgment. The analysis of these denouements allows one to understand the work of each author in the comic form and function, through the text, the genres, or an aesthetic of space. It shows how much each author strived to value the contribution of his art to the public, in a time of socio-economic crisis.

Sans conteste, la réception de l'architecture française aux XVIe et XVIIe siècles par les contemporains français et étrangers manque à l'étude. Les visiteurs restent mal connus bien qu'ils soient les spectateurs de grandes manifestation architecturales. Leurs descriptions et leurs représentations des palais, des châteaux, mais aussi des églises, des ponts, des fortifications, des jardins et de leurs semblables permettent pourtant, une fois rassemblées, de définir le goût architectural d'une époque et d'une nation. Il était par conséquent primordial de constituer un corpus des textes et des images des XVIe et XVIIe siècles relatifs à l'architecture française et de l'analyser dans le détail. Les textes manuscrits, imprimés et les représentations graphiques laissés par les historiens, les antiquaires et les géographes, ainsi que les récits de voyages et les journaux rédigés par des notables curieux , des étudiants, voire des anonymes furent pris en compte pour répondre à trois grandes questions : qui sont les acteurs de cette réception, quelles sont les conditions de leurs visites et quels sont, à leurs yeux, les plus excellents bâtiments de France. Ces questions, si évidentes puissent-elles paraître, n'ont jamais été abordées. Or elles forment des clefs de lecture qu'il ne faut plus ignorer, d'autant qu'elles dissimulent des détails sur l'architecture qui s'avèrent nouveaux, uniques, incontournables. / The reception of French architecture in the 16th and 17th centuries by French and foreign contemporaries is unquestionably lacking. Visitors remain unknown, even though they are the spectators of great architectural shows. Their descriptions and mental images of palaces and stately homes, and also of churches, bridges, fortifications, gardens and their like, however, once reassembled enable one, to define the architectural flavour of a period and of a nation. It was thus essential to build up a coprus of texts and images of the 16th and 17th centuries and to analyse them in detail. Handwritten texts, printed documents and graphic representations left behind by antique dealers and geographers as well as travel diaries and newspapers written by inquiring notaries, scholars or even anonymous people were all analysed in an attempt to answer three important questions, namely who are the people behind this reception? In which conditions did their vsits take place? And in their view, what are the most outstanding buildings in France? However self-evident these questions may seem, they have never been tackled. And yet they form the clues to our reading which must no longer be ignored, even more so as they conceal the details of architecture which transpires to be new, unique, and not to be missed.

Cette thèse s’inscrit dans une problématique générale de la littérature de jeunesse comme lieu d’exigence et d’émergence des formes, lieu d’entrée de l’enfant en littérature. L’étude porte sur l’album contemporain, plus spécifiquement sur l’oeuvre foisonnante de Béatrice Poncelet, novatrice tant par ses modes de dialogue « texte-image » que par ses choix énonciatifs. L’album, s’il paraît à première vue relever du narratif, a aussi à voir avec le poétique, voire même le théâtral, du fait de sa plasticité, de ses jeux avec la matérialité de la langue, comme autant d’indices de la modernité de cette littérature contemporaine. Développant son propre système critique à la croisée des genres, l’album complexe ouvre à des expériences de lecture et des interprétations plurielles. Dans une perspective didactique et face au décalage parfois évident entre les goûts des lecteurs experts, des enseignants et des enfants, nous nous interrogeons ici sur la réception par les enfants et les adultes des albums de Béatrice Poncelet, sur la nécessaire médiation de l’adulte et sur la vocation de l’école à amener les enfants vers ce genre de production. L’enquête menée auprès d’élèves et d’enseignants de l’école primaire et de SEGPA nous conduit alors à faire l’hypothèse que c’est précisément la rencontre avec les supports complexes qui permet aux élèves, y compris disqualifiés en lecture, de se constituer comme sujets lecteurs et, partant, à envisager des dispositifs de formation à la littérature et par la littérature, pour les élèves et pour les maîtres. / This dissertation is situated within a general approach of youth literature not only as a first entry into literature for children, but also as the site of emerging forms of exacting standards. The study concerns contemporary albums, especially the prolific works of Beatrice Poncelet, whose innovations concern both the modes of dialogue between text and image and her choices in terms of enunciation. While at first sight the albums seem more narrative, they are equally poetic, even theatrical; along with the plasticity of their games with the materiality of language, these all point to the modernity of this contemporary writing. In developing their own critical system at the crossroad of genres, the complex albums open to a variety of reading experiences and interpretations. In a didactic perspective, and confronted to the gap – at times quite manifest – between the tastes of expert readers, teachers, and children, this study focuses on the reception by adults as well as children of Beatrice Poncelet’s albums, and on the necessary mediation by adults: the school context is required to introduce this type or genre of literary production to the children. The survey conducted with primary school teachers and pupils, as well as professional classes (SEGPA), leads to the following hypothesis: it is precisely through such encounters with complex reading materials that school children, even those who are least recognized as readers, to develop as reading subjects. This leads to a need for programs training both students and teachers in literature and through literature.

Si la théologie chez de Lubac est une théologie d’occasion, son humanisme est un humanisme converti, converti au Christ ! Il y a chez H. de Lubac une véritable quête d’un humanisme authentique qui ne soit pas contre l’homme, mais pour l’homme, ce que seule la foi au Christ peut garantir. C’est la raison pour laquelle notre auteur envisage l’humanisme comme tourné vers la religion la plus humaine, à savoir la religion du Verbe Incarné. Car ce concept d’humanisme, uni à une trop grande survalorisation de l’homme, verse rapidement dans une dérive anthropologique. Dans l’humanisme chrétien, c’est moins l’existence de l’homme que sa vocation qui est mise en valeur. D’autre part, il existe une connexion entre la singularité de la personne et la solidarité de l’humanité. L’humanisme chrétien déjoue toutes les formes d’individualisme et de collectivisme en contemplant le Christ sous les modes de la densité et de l’unité. La conception de l’humanisme revêt chez Lubac une densité ontologique et une fécondité. Si le sage antique est un être séparé parce que sa contemplation reste solitaire, le saint, dans le Christ, travaille à la transfiguration définitive de l’Univers. Lubac dresse le constat selon lequel le Christ ne peut être dépassé puisque c’est en lui que tout est accompli. L’évènement Jésus-Christ joue un rôle décisif pour l’humanité, c’est le principe du « Tout en tous ». / If the theology at Lubac is a theology of opportunity, its humanism is a converted humanism, converted to the Christ! There is at H. de Lubac a real quest of an authentic humanism which is not against the man, but for the man, what only the faith to the Christ can guarantee. It is the reason why our author envisages the humanism turned to the most human religion, worth knowing the religion of the Embodied Verb. Because this concept of humanism, united with a too big overestimation of the man, quickly overturns into an anthropological drift. In the Christian humanism, it is less the existence of the man than his vocation which is highlighted. On the other hand, there is a connection between the peculiarity of the person and the solidarity of the humanity. The Christian humanism thwarts all the forms of individualism and collectivism by contemplating the Christ under the modes of the density and the unity. The conception of the humanism dresses at Lubac an ontological density and a fertility. If the antique wise person is a separate being because his pondering remains solitary, the saint, in the Christ, works on the definitive metamorphosis of the Universe. Lubac draws up the report according to which the Christ cannot be exceeded because it is in him that everything is carried out. The event Jesus Christ plays a decisive role for the humanity, it is the principle of " Quite there all ".

Cette étude consiste à réaliser un portrait original de « Michaux inclassable », en ayant recours à deux figures particulières : « chaos » et « chaosmos », appliquées pour la première fois à la critique sur l’ensemble de la création littéraire et picturale de Michaux. Le terme « chaosmos », néologisme oxymorique joycien, repris par les critiques et les philosophes du XXe siècle, d’Umberto Eco à Philip Kuberski, en passant par Gilles Deleuze et Félix Guattari dans un contexte plus large de la vie scientifique et sociale, désigne par essence un rapport d’« osmose » entre le « chaos » et le « cosmos », une forme de continuité interne entre l’ordre et le désordre, qui donne naissance à un cosmos paradoxal, composé. Cette notion permettra de rééquilibrer la vision globale de l’œuvre de Michaux, par une mise en communication entre la part qui relève du chaos, du côté trouble et la part de l’ordonnance, du côté oriental. En réalité, Michaux oscille constamment entre ces deux directions opposées mais complémentaires : d’une part, il entretient une relation ouverte avec le chaos qui devient un facteur de création ; d’autre part, de cette plongée dans le chaos, il s’efforce de garder un équilibre, de s’acquérir une unité et une consistance sans rien perdre de l’infini. C’est ainsi que le « chaosmos » prend forme en cachette, apparaît de façon implicite et fonctionne discrètement dans la création michaudienne : elle exprime l’ouverture d’un Tout et intègre des mouvements hétérogènes en son sein ; elle a l’air suffisamment fini à chaque instant mais susceptible de se compléter à l’infini ; en fin de compte, elle s’affranchit de tout repère spatio-temporel et accède en ce sens à la transcendance. / This study consists in creating an original portrait of “Michaux described as unclassifiable”, by using two particular figures: “chaos” and “chaosmos”, applied for the first time to criticism on the whole of the literary and pictorial creation of Michaux. The term “chaosmos”, a Joycian oxymoronic neologism, taken up by critics and philosophers of the twentieth century, from Umberto Eco to Philip Kuberski, from Gilles Deleuze to Félix Guattari in a wider context of scientific and social life, refers, in essence, to a relation of “osmosis” between “chaos” and “cosmos”, a form of internal continuity between order and disorder, which give rises to a paradoxical, composed cosmos. This notion will make it possible to rebalance the overall vision of the work of Michaux, by making communication between the part that belongs to chaos, to the trouble side and the part of order, on the eastern side. In effect, Michaux constantly oscillates between these two opposite but complementary directions: On the one hand, he maintains an open relationship with chaos which becomes a factor of creation; on the other hand, from this dive into chaos, he strives to maintain an equilibrium, to acquire unity and consistency without losing anything from the infinite. This is how chaosmos takes shape in secret, appears implicitly and works discreetly in Michaux’s creation: it expresses the opening of a Whole and integrates heterogeneous movements within it; it seems sufficiently finite at every moment but capable of complementing itself to infinity; ultimately, it frees itself from any spatio-temporal reference and in this sense gains access to transcendence.