In the first part of this essay, the relationship between music and language is discussed from two different points of view that simultaneously reveal two different dimensions of understanding music. Referring to Nelson Goodman, particularly to his term »metaphorical exemplification«, the possible meaning of a »language of music« is outlined. The »understanding« of this language is analogous to the (nonverbal) understanding of gestures, expressions, moods, atmospheres etc., and therefore akin to an understanding of meaning that does not require words. The understanding of musical art works, however, is not the understanding of a context of meaning (Sinnzusammenhang), since the means of creating musical coherence – such as repetition and variation, the game of identity and difference – are different from the means that create a context of meaning in verbal languages. Music’s affinity to language is at once music’s distance from language. The idea of understanding music must therefore be different from, or more than, the wordless understanding of gestural or expressive figures. Musical listening can rather be grasped as the re-enactment of an enigmatic interpenetration of sound, structure, and meaning, the understanding of which, among others, requires verbal explication. These forms of explication do not stand for a resolution of the enigma but, due to their interminability, sustain it. The second part of the essay demonstrates that the semiotic model of the understanding of music not only falls short due to its failure to accommodate musical coherence, but also because it blocks out areas of musical meaning that are only comprehensible structurally, and not necessarily amenable to wordless re-enactment. These areas include the crisis of the subject in new music (dating back to the late Beethoven), demonstrating a peculiar proximity between music and philosophy. This context connects music to a question of truth that not only refers to individual works, but also to the question of what art and music as an art form can mean today. One answer to this question, which has troubled modern art since the avant-garde movements of the early twentieth century, is suggested at the end of this essay in reference to Jacques Rancière: the tension between the autonomy of art and its dissolution of boundaries has become art’s condition of existence.

Le volume est le fruit du colloque international Translatio : Transmédialité et Transculturalité qui a eu lieu au Centre de Recherches Ibéro-Américaines et Francophones de l’Université de Leipzig du 29 juin au 3 juillet 2011, avec l’objectif de promouvoir le dialogue transdisciplinaire et transculturel concernant le nouveau domaine de recherches sur la traduction culturelle, la translatio, et sur les stratégies médiales, comme celles de la "transmédialité", et de soumettre en même temps des théories et des champs de recherche actuels et centraux à un examen scientifique critique. La "transdisciplinarité", la "transmédialité" et la "transculturalité", représentent toute sorte de processus de translation et ont pris une place importante dans le colloque, avec l’intention d’apporter une contribution à la formation de la théorie, ou plutôt de la métathéorie, afin de s’opposer à certaines tendances arbitraires et ludiques de l’interprète dans ce domaine.

Continuant notre réflexion sur la transmédialité et la transculturalité, nous voulons donner quelques exemples issus de la littérature qui soient capables d’illustrer pars pro toto ce que nous avons élaboré dans la première partie, dans L’Éducation sentimentale de Flaubert par exemple, dans les nouvelles de Borges : "L’Aleph" et "Le jardin aux sentiers qui bifurquent", dans l’oeuvre de Frida Kahlo, mais aussi dans d’autres oeuvres qui ne seront pas traitées ici, telles que les romans de Robbe-Grillet Le Voyeur, La jalousie, La Maison des Rendez-vous, Pour une révolution à New York ou d’Italo Calvino, Se una notte d’inverno un viaggiatore ; dans les travaux des années 90 de Robert Wilson que j’ai appelés "spectacularité", tels que Cosmopolitan greetings, Parzival auf der anderen Seite des Sees ou Black Rider. Mais aussi dans Carlos W. Saénz (1956- ) (2003) d’Alejandro Tantanián ou les "présentations- pseudo-prothèse" de Periférico de Objetos comme Variaciones sobre B... (1991), El hombre de arena (1992), Cámara Gesell (1993), Máquina Hamlet (1995), Zooedipo (1998) ou Monteverdi método bélico (2000).

Continuant notre réflexion sur la transmédialité et la transculturalité, nous voulons donner quelques exemples issus de la littérature qui soient capables d’illustrer pars pro toto ce que nous avons élaboré dans la première partie, dans L’Éducation sentimentale de Flaubert par exemple, dans les nouvelles de Borges : "L’Aleph" et "Le jardin aux sentiers qui bifurquent", dans l’oeuvre de Frida Kahlo, mais aussi dans d’autres oeuvres qui ne seront pas traitées ici, telles que les romans de Robbe-Grillet Le Voyeur, La jalousie, La Maison des Rendez-vous, Pour une révolution à New York ou d’Italo Calvino, Se una notte d’inverno un viaggiatore ; dans les travaux des années 90 de Robert Wilson que j’ai appelés "spectacularité", tels que Cosmopolitan greetings, Parzival auf der anderen Seite des Sees ou Black Rider. Mais aussi dans Carlos W. Saénz (1956- ) (2003) d’Alejandro Tantanián ou les "présentations- pseudo-prothèse" de Periférico de Objetos comme Variaciones sobre B... (1991), El hombre de arena (1992), Cámara Gesell (1993), Máquina Hamlet (1995), Zooedipo (1998) ou Monteverdi método bélico (2000).:L’Éducation sentimentale de Flaubert ou l’anticipation du film. - "L''aleph et "Le jardin aux sentiers qui bifurquent" de Borges : de la représentation a la "présence" ou la création des médias ; de l''"hypermonde" et des "mondes multiples". - Stratégies transmédiales hybrides et transculturelles dans l’oeuvre de Frida Kahlo. - Architecture, art, installations lumineuses et performatives, internet, virtualité. - Alejandro Tantanián : "installation-performance", virtualité et hyperréalisme : Carlos W. Saenz. - Conclusion

Je commencerai par la question de savoir s’il est oui ou non souhaitable, nécessaire ou même possible d’élaborer une théorie unifiée d’intermédialité ou de transmédialité. J’aimerais pour l’instant laisser cette question en suspens et rappeler que nous avons assisté à des tentatives remarquables ces dernières années, ou du moins depuis les années 1980. Passer en revue les publications les plus réussies des vingt dernières années nous montre, qu’à cause des interrelations complexes et du chevauchement d’une grande variété et diversité de stratégies médiatiques et de formes de production, la tentative voulant présenter de façon claire les différenciations et les fonctions des relations intermédiales et transmédiales, a conduit dans certains cas à des définitions similaires, certains termes ayant des constituants similaires voire même identiques. Ces tentatives incluent tous types de définitions d’intermédialité et de transmédialité (ou dans une certaine mesure des termes comme "références aux médias" ("Medienbezüge"), "combinaison de médias" ("Medienkombination") et "changement de médias" ("Medienwechsel") (Rajewsky 2002 : 18 sqq.) ou le mélange de termes issus de la critique littéraire, comme l''intertextualité ou la "dialoguicité" avec des termes de la théorie médiatique.

This dissertation examines detective novels for children and young adults written and published in the German Democratic Republic (GDR). The aim of the thesis is to study how the genre developed under the conditions of a socialist society. The analysis of the 66 texts included in the corpus is based on a socio-historical approach assuming that dialogical interdependencies between texts and society exist and can be verified. Central to the analytical work with the texts is the thesis that detective novels written for young readers reflect the socio-political development in East-German society. It shows, however, that—because of their strong didactic impetus—the texts did generally not, like detective novels for adults, develop into a forum for socio-critical discussions. In the diachronic development, which extends from the beginning in the Soviet occupation zone to the post-reunification period, it is shown that changing socio-political conditions interact with the texts, which becomes particularly obvious in the changing presentation of the detectives and criminals. Studying the texts, the dissertation presents basic research and an overview of the genre. Ten texts from the corpus are subject to a detailed analysis in order to deepen the general insights with examples. This way, different aspects of detective novels for children and young adults in the GDR are emphasized, e.g. the interaction between text and illustration. The embedding of figures in a socialist community produces further motives frequently occurring in the texts such as: the Heimat motive or the anti-fascist society. Although the majority of the texts do not go beyond stereotypical representations of characters, criminal cases, and locations—and hence demonstrate the close link between (normative) ideas of society and their literary implementation—the body of texts contains some innovative exceptions in which the social development is questioned and even cautiously criticized.

In dieser Arbei wird, auf Grundlage der Figur des Sandmanns von E.T.A. Hoffmann, nach Gruselfiguren in der Moderne gesucht, die ebenfalls als Sandmänner ansehen kann. Die Figuren, die mit dem Original aus der schwarzen Romantik verglichen werden, kommen dabei aus unterschiedlichen Medien und sind nicht nur aus Büchern, sondern auch aus der Musik, der Graphic Novel, sowie dem Film. Es wird auf intermediale Weise untersucht, wie der jeweils gezeigte Sandmann aussieht, welche Eigenschaften er aufweist und wie er sich verhält. Die ausgewählten Sandmänner kommen teilweise aus dem europäischen und teilweise aus dem amerikanischen Raum.

Die Dissertation behandelt die Frage, wie sich mit dem von der Intertextualität abgeleiteten Theoriefeld der Intermedialität ein Text untersuchen lässt, wenn er als Theaterstück inszeniert und diese Inszenierung wiederum gefilmt wird. Wie verändert sich das Substrat des Texts bei dessen Übertragung auf die Bühne und auf den Bildschirm? Wie funktionieren diese Medien und Kunstformen zusammen im Theaterfilm? Diese grundsätzlichen Fragen stehen vor dem exemplarischen Vergleich von Bernard-Marie Koltès' Theaterstück "Dans la solitude des champs de coton" in Patrice Chéreaus Inszenierungen von 1987 und 1995, sowie deren Verfilmungen in der Regie von Benoît Jacquot bzw. Stéphane Metge. Aus dem derzeitigen Stand der Intermedialitätsforschung wird zu Theater und Film eine Analysemethode hergeleitet: Zunächst wird auf die "Framework"-Theorie E. Goffmans rückgegriffen, nach der jedwedes Handeln erst sinnvoll innerhalb vom Vorwissen strukturierter und dadurch erkennbarer Situationen vollzogen wird. So lässt sich die Aktion im Text, auf der Bühne oder dem Bildschirm mit jeweils anderen frames oder, wie C. Grivel diese Erscheinung nennt, créances in Verbindung bringen. Dabei dominieren in der Begegnung zwischen dem Dealer und dem Client, von der Koltès' Stück handelt, je nach formaler und medialer Vermittlung, die créance des Handels, des Kampfes oder der Verführung. Ihr Zusammenspiel wirkt irritierend auf den Leser oder Zuschauer. Mit vier Arten von Bedeutungsrelationen, nämlich Synchronisierung, Gegenläufigkeit, Überlagerung und Ausfächerung, lassen sich die intermedialen, semiotischen Prozesse beschreiben, die bei der Theaterinszenierung und deren Verfilmung auftreten. Wie der Transfer auf die Bühne und den Bildschirm das Textsubstrat bestätigt bzw. verändert, zeigt die Arbeit am Beispiel von Chéreaus beiden "Dans la solitude des champs de coton"-Inszenierungen, und zwar unter vier Aspekten: Zeitmuster, Schauplatz und Bühne, Licht und Atmosphäre, Gesten und Mimik. Die Untersuchung zeigt unter anderem, dass die Inszenierung von 1987 sowie Jacquots Verfilmung die im Text angelegte schematische Opposition zwischen Dealer und Client unterstreicht. Die Inszenierung von 1995 löst den Gegensatz zwischen ihnen auf und beschreibt den Dealer und den Client als Spieler im Spiel, deren Rollen austauschbar sind. Metges Aufzeichnung verweist schließlich auf die Lebendigkeit der Aufführung als einer Begegnung nicht nur zwischen Dealer und Client, sondern auch zwischen Darstellern und Publikum. / The thesis deals with the question of knowing, how 'intermediality', a theoretical field deduced from intertextuality, can aid in analysing a text being produced on stage and this staging having been filmed. In which way the substratum of the text will be transformed on its transfer to the scene and to the screen? How these media and art forms do function together in a theatre film? These basic questions follows a exemplary comparison of Bernard-Marie Koltès' theatre play "Dans la solitude des champs de coton" produced for the stage by Patrice Chéreau in 1987 and 1995 and the films of these stagings realised by Benoît Jacquot and Stéphane Metge. A method to analyse the relation between theatre and film in the case of a theatre film is deduced from the actual status of intermediality theory: The "framework"-theory of E. Goffman is recalled, according to which each action only becomes significant in situations that are distinguishable after having been structured by a previous knowledge. Any action in the text, on the scene or on the screen can then be associated with a frame or a "créance", as C. Grivel calls the same phenomenon. In the encounter of the Dealer with the Client, descibed in Koltès' play, dominate the créance of the deal, the fight or the seduction, depending on the form and the medium, by which the action is transmitted. Their interplay causes irritation. The intermedial, semiotic processes occurring in a theatre production and it's filmed version can be described by using four types of 'relations of significance' (Bedeutungsrelationen): synchronization (Synchronisierung), desynchronization (Gegenläufigkeit), superimposition (Überlagerung) and fanning-out (Ausfächerung). Taking the example of Chéreaus two theatre productions of "Dans la solitude des champs de coton", the thesis indicates how the transfer to the scene and to the screen confirms or modifies the substratum of the text. The demonstration follows four aspects: time structures, scene of action and theatre scene, light and atmosphere, gestures and mimicry. The analysis shows for instance, that the 1987 production and Jacquot's film version underline the schematic opposition between the Dealer and the Client that is established in the text. The 1995 production dissolves this antagonism between them and presents them as two actors in within the play, whose roles are interchangeable. Finally, Metge's video is a reference to the vivacity of the performance as a meeting not only between the Dealer and the Client, but also between the actors and the audience.

No description available.

La thèse porte sur le work in progress de Raoul Hausmann, "Hylé", dont la genèse exceptionnelle s'étend sur plus de 30 ans (1926-58). "Hylé I" (inédit) et "Hylé II" (2006) traitent des années 1926-33 (Allemagne) et 1933-36 (Ibiza) de la vie de Hausmann. Ces ensembles textuels, qui résultent tous deux du montage d'une centaine d'unités textuelles, transcendent les appartenances génériques au profit d'une identité transgénérique, plurielle et mobile. Au regard du rôle majeur de Hausmann dans le mouvement Dada à Berlin, tant sur le plan théorique que par sa production plastique et poétique, le présent travail pose la question de la continuation d'un projet d'avant-garde dans "Hylé". L'exploration des relations intermédiales entre Hylé et le photomontage, la poésie visuelle et la photographie – formes d'expression investies par Hausmann pendant ou après Dada – permet d'éclairer la permanence de son projet utopique d'une augmentation de la perception sensorielle humaine. L'analyse comparée de "Hylé I" et "Hylé II" s'appuie sur la reconstruction de la genèse du texte à partir des deux grands fonds d'archives français et allemand. Elle montre d'abord, au niveau macrostructurel, que le montage crée un mode de cohérence spatial et dynamique qui concurrence celui de la linéarité narrative, soutenu en cela dans "Hylé II" par une véritable poétique de l'espace. Elle fait ensuite ressortir l'ambivalence d'une entreprise autobiographique qui se forme au cours de la genèse et oscille entre la constitution rétrospective du moi et sa dissolution (ou sa fragmentation). Enfin, elle s'attache à l'expérimentation langagière conçue comme le projet utopique de mettre en mouvement les limites rigides imposées à notre connaissance par le langage, projet qui culmine dans l'écriture multilingue de l'exil dans "Hylé II". / This thesis discusses Raoul Hausmann's work in progress, Hyle, whose genesis lasted over 30 years (1926-1958). "Hyle I" (unpublished) and "Hyle II" (2006) both have strong autobiographical character and deal with the years 1926-33 (Germany) and 1933-36 (Ibiza). Each consists of approximately a hundred units combined together into a textual ensemble, which goes beyond traditional genre classifications and produce a transgeneric, plural and mobile textual identity. Taking into account Hausmann's crucial importance in Berlin Dada both on the theoretical field and for his artistic and poetical production, this thesis looks into the question of the continuation of an avant-garde project within "Hyle". In order to understand what remains of Hausmann's utopian project of an enlargement of human perception, it is most helpful to explore the intermedial relations between the work in progress and Hausmann's practice of photomontage, visual poetry and photography. The comparative analysis of "Hyle I" and "Hyle II" is based on an extensive genetic enquiry using the two principal Hausmann archives in Germany and France. It first focusses on the macrostructural level and highlights how the technique of textual montage creates a spatial and dynamic coherence mode, which is conflicting with that of narrative linearity – this being supported in "Hyle II" by a comprehensive poetics of space. The analysis then sheds some light on the ambiguity of an autobiographical project which forms itself in the course of the genesis and oscillates between retrospective subject constitution and subject fragmentation or dissolution. It finally analyses the language experiment in Hyle as a utopian attempt to shift the verbal bondaries which limit our understanding – culminating in "Hyle II" with the multilingual writing influenced by the exile years. / Die Dissertation untersucht Raoul Hausmanns Work-in-progress "Hyle" unter Berücksichtigung seiner mehr als 30 Jahre umfassenden Textgenese (1926-1958). "Hyle I" (unveröffentlicht) und "Hyle II" (2006) handeln von Hausmanns Leben in den Jahren 1926-33 (Deutschland) und 1933-36 (Ibiza). Diese jeweils aus ca. 100 zusammenmontierten Einheiten bestehenden Textensembles gehen über traditionelle Gattungszugehörigkeit hinaus zugunsten einer transgenerischen, pluralen und beweglichen Identität. Ausgehend von Hausmanns wesentlicher Rolle in Dada-Berlin – im theoretischen wie im künstlerischen und poetischen Bereich – wird in dieser Arbeit der Frage nach der Fortschreibung eines Avantgarde-Projekts in "Hyle" nachgegangen. Das vielfach intermediale Verhältnis des Schreibprojekts zu den Ausdrucksformen der Fotomontage, der visuellen Poesie und der Fotografie wird herausgearbeitet und in Beziehung zu Hausmanns utopischem Projekt einer Erweiterung der menschlichen Wahrnehmung gesetzt. Die vergleichende Analyse von "Hyle I" und "II" erfolgt anhand einer fundierten, sich auf den beiden Haupt-Nachlässen in Deutschland und Frankreich stützenden Rekonstruktion der Textgenese. Sie zeigt zuerst auf makrostruktureller Ebene, wie die Text-Montage einen räumlich-dynamischen, im Spannungsfeld mit einem linear-narrativen stehenden Kohärenzmodus stiftet, und wie sich dies zudem in "Hyle II" in einer umfassende Raumpoetik artikuliert. Die Analyse hebt dann das Ambivalente eines autobiographischen Unternehmens hervor, das sich erst im Laufe der Genese entwickelt und zwischen retrospektiver Ich-Konstitution und Subjekt-Auflösung bzw. -Fragmentierung oszilliert. Sie befasst sich schließlich mit dem Sprachexperiment als einem utopischen Projekt, das den starren, unsere Erkenntnis beschränkenden Grenzen der Sprache erneut Beweglichkeit zu verleihen sucht – und im mehrsprachigen, durch Exil-Erfahrung geprägten Schreiben in "Hyle II" seinen Höhepunkt erreicht.