Cette thèse examine l’importance de la figuration dans le récit policier et ce sous le signe de l’En-Quête – figure centrale de cette étude – qui se développe en deux parties, chacune divisée en trois chapitres. La première partie se penche sur le roman policier en tant que genre et analyse la pertinence, voire la nécessité de s'en extraire afin de saisir l'importante charge des récits policiers. La deuxième partie reprend les éléments soulevés dans la première en plongeant cette fois dans les récits, dans les textes, dans le littéraire. La division en chapitres, quant à elle, permet d'identifier les engrenages de cette pensée en construction, de placer les bornes importantes au déploiement de l'argument. C'est en créant, en plaçant au centre de la pensée la figure de l'En-Quête, que j'invente petit à petit au fil de la réflexion, que j'aborde les récits policiers en tant que textes mettant en scène la quête du savoir par la mise en mots, la mise en figures de la pensée. En commençant par l’analyse des textes policiers classiques, pour ensuite me diriger vers ceux de la modernité, il s’agit de réfléchir sur la figure de l’En-Quête et la manière dont elle se place comme un potentiel de création dans ces textes – abordés d’abord et avant tout comme des récits –, opérant comme une sorte d’auteure dans le texte qui, par les figures qu'elle crée, invente ou découvre, réfléchit à l'objet même qui la fait advenir, soit le littéraire, en tant qu'accès aux savoirs. Cette réflexion permet de voir combien riches sont ces textes souvent ignorés par l'institution, combien importantes sont les réflexions présentées sous la forme de personnages, de mises en scène, puisque celles-ci donnent accès à un langage riche, une mise en mots toujours nouvelle, qui réfléchit le pouvoir du littéraire dans les figures. La figure de l'En-Quête, figure génératrice de figures, d'un savoir indissociable de la rhétorique, permet quant à elle de voir ce qui unit les textes dits policiers tout en déplaçant le focus pour insister non plus sur les thèmes, mais bien sur la construction des savoirs dans le littéraire et, par la mise en scène, la mise en figure justement. / This dissertation examines the importance of figuration in crime fiction, under the sign of the In-Quest, the central figure of this study which is developed into two parts, each one divided in three chapters. The first part looks into the notion of “detective novel” understood as a genre and analyses the relevance, and even the necessity of thinking outside of this category in order to grasp the full significance of this kind of fiction. The second part revisits these observations, this time diving into the texts and stories and into their literary components. The division in chapters enables us to get a glimpse of the key elements of this thought-in-process and to set the conceptual groundwork needed for deploying the argument. Focusing my reflection on the In-Quest figure, which I invent and create progressively through the course of the essay, I address crime fiction as texts that stage a quest for knowledge in their recourse to words and figures of thought. I begin by analysing classic detective tales and continue with more modern texts in order to observe how the In-Quest figure places itself as a potential of creation within those narratives, working through the literary device it is creating as a sort of author in the text reflecting upon the object from which it arises, namely the literary as a way of knowing. This conceptual drive allows us to see the richness of these texts frequently ignored by the institution and the importance of the reflections they embody in the form of characters and mises-en-scène; these elements give access to a diversity of language that creates renewed forms of writing showcasing the power of the literary, in and through figuration. Thus, the In-Quest as a figure of figuration, of knowledge that is inseparable from rhetoric, enables us to see what unifies the texts known as “detective novels” by changing the focus and insisting not on the themes, but on the construction of knowledge within their literary form, through figures of speech and their particular mises-en-scène.

Au début des années 1950, le cinéma japonais achève de se remettre des restrictions d'abord imposées par le régime militariste, puis entraînées par la défaite du pays. L'industrie cinématographique prospère rapidement et puise dans la littérature des histoires pour les films qu'elle doit produire à une cadence toujours plus élevée afin de répondre à la demande des salles de cinéma. C'est dans ce contexte que Naruse Mikio (1905-1969) a réalisé six films inspirés de textes de Hayashi Fumiko (1903-1951). Ces films sont représentatifs tout à la fois des relations que les institutions littéraires et cinématographiques entretenaient à l'époque où les films ont été réalisés, du rôle joué par la littérature dans la politique de production des studios de cinéma et de la façon dont l’adaptation était perçue par la critique de cinéma.Mais outre la présentation de ces aspects contextuels et historiques, l'objectif de cette thèse est de dégager des pistes qui aideraient à appréhender l'œuvre de Naruse Mikio à travers l'examen des choix qu'il opère lors du processus d'adaptation, que ce soit au niveau du sujet, de la construction du récit, ou encore de la mise en scène. Naruse parvient à trouver un équilibre entre ses ambitions formelles et les exigences du récit en élaborant avec virtuosité un style effacé ou « invisible ». Pour tenter d'en faire ressortir les particularités, notre effort s'est concentré sur l'analyse des éléments de notre corpus (films, textes et scénarios). Dans cette entreprise, les textes de Hayashi constituent un référent précieux qui aide à déterminer les rapports que le cinéaste entretient avec son sujet, avec le scénario ou encore avec les contraintes inhérentes au cadre dans lequel il travaille. / In the early fifties, the Japanese film industry had almost recovered from the restrictions imposed first by the military regime and then from Japan’s defeat in the Pacific War. The industry then prospered rapidly and found in literature the stories needed in order to produce enough movies to comply to the always growing demand of the cinemas. It was in this context that Naruse (1905-1969) realized six movies inspired by Hayashi Fumiko's (1903-1951) works. These movies are exemplary of the relationship between literary institutions and the film industry at the time they were shot. They are also typical of the importance of literature in the production policy of the diverse film studios as well as the manner movie critics received these screen adaptations.Besides the presentation of the contextual and historical aspects, our objective is to identify ways which would help to discover Naruse Mikio's works through the filter of choices made by him at the time of the adaptation, be it when choosing the topic, the story construction or the stage direction. Naruse was able to find a balance between his formal ambitions and the requirements of the story by skillfully elaborating a subdued or “invisible” style. In order to highlight the singularities of his personal style, we have concentrated our effort on the analysis of the diverse elements of our corpus: the films, texts and scripts. In this endeavour Hayashi’s writings are a precious point of reference helping us to determine the precise nature of the relationship the film director had with his subject, with the script as well as the constraints imposed by the frame he was working in.

En mettant en scène Warten auf Godot en 1975 au Schiller Theater, Beckett déclare : « Je ne connaissais rien au théâtre quand j’ai écrit cette pièce. » Constat précieux : l’auteur parle au passé. Entre l’écriture et la mise en scène, un savoir a été acquis. Le défaut de savoir constaté concerne la dimension pratique du théâtre. C’est le théâtre tel qu’il se fait auquel Beckett s’est peu à peu confronté, jusqu’à assumer la mise en scène de ses propres pièces. Devenu praticien, l’auteur s’empare de se première œuvres, les reprend : dans cette reprise lui apparaissent les failles et les manques initiaux. Loin de relever d’une continuité ou d’une évidence, la mise en scène par l’auteur de son premier théâtre et les réécritures auxquelles elle donne lieu offrent un aperçu sur la façon dont l’intériorisation par Beckett de deux fonctions qui ont joué un rôle fondamental dans l’histoire du théâtre au XXe siècle soumet ses pièces à une dynamique de création seconde qui fait évoluer sa poétique initiale. Beckett ne considère pas l’œuvre écrite comme une partition dont il faudrait assumer l’exécution. Au contraire, au fil de sa pratique scénique, il les dramatise et les théâtralise, témoignant de l’évolution même de sa conception du théâtre. Il passe d’un « théâtre rêvé » à un « théâtre pratiqué ». Dans ce passage se dévoilent les méandres et les détours d’une écriture dramatique façonnée initialement dans un creuset romanesque, qui va progressivement acquérir une théâtralité plus marquée. La pratique soumet alors la poétique à une dynamique de reprise et d’ajustements dévoilant en définitive un « Beckett en mouvement », qui allie pratique scénique et poétique du drame pour fonder une poétique théâtrale complexe. / While staging Warten auf Godot in 1975 at the Schiller Theater, Beckett says : « I knew nothing about theater when I wrote this. » The use of the past tense points out the fact that between the writing process and the staging process, something has been learnt. What he did ignore is theater as an artistic practice, as a performance. He will discover it progressively during the 1950’s and the 1960’s and eventually will become the director of his own plays. Our work aims at showing how this shift from desk to stage will lead him to rewrite them, carrying on the creative process directly from the theatre, and, in return, how his very conception of directing is shaped by the singularity of these plays. Far from considering stage directing as a mere execution of the stage directions, Beckett dramatizes and theatricalises his works. Thus, his very conception of theater evolves from an abstract vision, drama as it appears in a literary form, to very a practical one, transforming the very theatricality at stake in his plays. Stage directing and theatre writing are then offering a constant interface, which leads to the emergence of what may be called a theatrical creation in which practical standpoint and literary creation are linked together.

I den här undersökningen studeras hur visuella linjer används i den sydkoreanska filmen Parasite (2019) och hur dessa tillsammans med filmens mise-en-scène och bildkomposition bidrar till att förstärka de sociala teman som finns. Detta görs genom en semiotisk- och formanalys med hjälp av filmvetenskapliga begrepp. Teorier som används är främst Pierre Bourdieus kapitalteori men också filmvetenskapliga begrepp som mise-en-scène och dess underkategorier så som; setting, kostym och smink samt ljus. Dessutom ligger kameraarbetet och bildkomposition i fokus. Fyra olika scener där visuella linjer är närvarande valdes ut och analyserades, och samtliga semiotiska tecken i scenerna tolkades på en denotativ och konnotativ nivå. Genom att de kopplas till Pierre Bourdieus kapitalteorier om kulturellt, socialt och ekonomiskt kapital samt habitus och fält visar resultatet av undersökningen att de visuella linjerna, tillsammans med scenernas mise-en-scène och bildkomposition bidrar till att förstärka de sociala och ekonomiska skillnaderna. / This study examines the use of visual lines in the South Korean film Parasite (2019) and how they, together with the film’s mise-en-scène and composition, contribute to reinforce its social themes. A semiotic and form analasys is used, utilizing film theoretical concepts. The primary theory used is Pierre Bourdeu’s capital theory, as well as film studies concepts such as mise-en-scène and its subcategories, including setting, costume and makeup and lighting. Additionally, camera work and composition are emphasized. Four scenes featuring visual lines were selected and analyzed and semiotics signs in the scenes were interpreted both denotatively and connotatively. By connecting them to Pierre Bourdieu’s theories of cultural, social, and economic capital as well as habitus and fields, the results of the study demonstrate that the visual lines, along with the mise-en-scène and the visual composition of the scenes, contributes to reinforce social and economic divisions.

Une des plus importantes lacunes des outils actuels de mise en scène est que la collaboration en temps réel est très difficile à réaliser. En fait, les metteurs en scène doivent actuellement être situés au même endroit pour collaborer, ce qui n'est pas toujours possible. Les logiciels actuels de mise en scène ne permettent généralement pas la collaboration en temps réel. De plus, ces systèmes sont souvent très dispendieux et complexes d'utilisation. Une solution plus adaptée combinant des concepts de réalité virtuelle, technologie réseaux et vision numérique a ainsi été spécifiquement développée pour combler ces lacunes. Ce mémoire présente l'application de réalité virtuelle permettant la mise en scène collaborative résultant de nos travaux de recherche. Les défis les plus importants étaient d'assurer une synchronisation en temps réel entre une scène réelle et une scène virtuelle partagée et de minimiser les coûts tout en offrant un système multi-plates-formes et convivial. / One of the more important limitations of actual tools for performing arts design is that collaboration between designers is hard to achieve. In fact, designers must actually be co-located to collaborate in the design of a show, something that is not always possible. Actual software tools for performing arts design do not generally provide real-time collaboration and are not really convenient for collaborative work. In addition, these Systems are often expensive and complex to operate. A more adapted solution combining concepts from virtual reality, network technology, and computer vision has then been specifically developed to solve these issues. This master thesis presents the virtual reality application for supporting distributed collaborative production of theater shows resulting from our research. Challenges were to ensure real-time synchronization between a real and a shared virtual scene and to keep System cost as low as possible while offering platform independence and user-friendliness.

Cette thèse propose une réflexion autour de la relation entre le dessin animé et le cinéma en prises de vues réelles, en faisant reposer le propos sur l'étude d'une forme cinématographique hybride, présentant un entremêlement ou encore une rencontre entre personnages graphiques et acteurs réels. Cette recherche interroge, du cinéma des premiers temps aux expériences plus contemporaines, l'évolution d'une forme reposant sur une frontière technique constamment mouvante au gré d'innovations technologiques et de perspectives théoriques historiquement variables. En s'intéressant tout autant aux films qu'à leur réception et leur contexte de production, l'objectif est de de mettre à jour et de comprendre les raisons pour lesquelles l'animation se trouve perçue à l'heure actuelle, à la fois comme une forme radicalement différente de la prise de vues réelles, rattachée à une institution qui lui est propre, et à la fois comme une forme potentiellement assimilable au cinéma photographique, en particulier dans le cadre de certains films à effets spéciaux. L'enjeu est de creuser les racinesde cette relation singulière, de cette scission-assimilation comme nous choisissons de la nommer, qui s'explique selon des modalités à la fois historiques, théoriques et esthétiques, et que la forme hybride permet de mettre particulièrement en évidence. Notre objectif est d'analyser, à travers l'évolution de cette forme et l'usage qu'en dévoilent les films, l'émergence d'une séparation plus esthétique, discursive et institutionnelle que véritablement ontologique entre ce que divers mouvements historiques et entreprises théoriques ont pu contribuer à définir, tout au long de l'histoire du cinéma, comme deux régimes de représentation aussi séparés que potentiellement assimilables

Le roman négro-africain de dénonciation que nous appelons « roman subversif » et que d'aucuns insèrent dans la catégorie dite roman de la rupture, en tant que macro-acte de langage, comporte bien une visée illocutoire subversive. Cela est vrai même si le discours littéraire négro-africain d'après les indépendances, à l'instar de tout discours, reste contraint, c'est-à-dire en grande partie déterminé par le contexte sociopolitique, mais également le champ littéraire francophone où entrent en concurrence divers « positionnements » et « postures » d'auteurs. Nous montrons dans ce travail que cette visée qui est une entreprise de dévoilement des dérives des nouveaux régimes politiques et/ou religieux, résultante de l'intrication du contexte non verbal négro-africain et de l'intérieur des romans, et qui se traduit par la construction littéraire de divers ethos individuels et collectifs, peut s'étudier, entre autres, au moyen de la méthode d'analyse du discours. En reliant extérieu r et intérieur du texte littéraire, ce qui écarte l'immanence structuraliste, nous abordons le roman négro-africain d'après les indépendance comme un dispositif d'énonciation dont le centre déictique et modal est le garant du discours, à savoir le narrateur principal qui est le plus souvent « homodiégétique » dans notre corpus à l'exception de Perpétue où il est « extradiégétique ». Ainsi, la thèse ruine la conception romantique qui distingue le moi social de l'écrivain et le moi créateur. Nous considérons donc que les romans de notre corpus sont des activités sociales s'insérant dans les pratiques discursives d'une société, ce qui consacre définitivement la relation texte et société en mettant en branle des notions de la problématique de l'énonciation à grande portée socioculturelle comme la « scénographie », la « scène générique », la « scène validée », la « paratopie », etc. Nous confirmons donc la possibilité d'un enrichissement des approches de la littéraire négro-afric aine considérant l'histoire littéraire composée de trois entités séparées (l' « homme », l' « uvre » et le « milieu ») et qui sont restées plus ou moins classiques, c'est-à-dire thématiques, souvent sociologiques. En recourant systématiquement aux outils de la linguistique de l'énonciation, de la pragmatique, de la linguistique textuelle, de l'argumentation, de la linguistique interactionniste, etc., nous appliquons à quelques romans négro-africains d'après les indépendances et à plusieurs séquences textuelles que nous avons sélectionnées et tirées de ce corpus, la méthode de l'analyse du discours telle qu'elle est théorisée dans la sphère européenne par des chercheurs tels que Dominique Maingueneau et Patrick Chareaudeau, mais également d'autres qui ont développé des problématiques linguistiques proches ou similaires : Jean Michel Adam, Ruth Amossy, Emile Benveniste, Catherine Kerbrat-Orecchioni, Oswald Ducrot, etc., pour ne citer que ceux-là. L'étude de la polyphonie pour la détermination des voix en présence dans les romans nous conduit à l'étude, d'une part, de la double énonciation qui se traduit par les dialogues en tant que modalité narrative où plusieurs énonciateurs sont mis en scène, de l'autre, de tous les types de discours rapporté, mais également de la manifestation verbale du peuple négro-africain. Ces voix définissent des identités énonciatives, celles des camps opposés, à savoir le pouvoir politique et/ou religieux et les opposants qui sont sans cesse en conflit dans les romans. Bannissant l' « authenticité » qui était la visée des conceptions identitaires négro-africaines comme la Négritude, les auteurs du corpus utilisent le discours rapporté et la double énonciation non pour restituer la réalité crue, comme dans le roman à thèse, mais pour dénoncer en dictant, en creux, au lecteur modèle ce qu'il faut penser ou croire. La tourmente politique et/ou religieuse est décriée par la présentation au lecteur de « patrons discursif » et d'un code langagier qui s'insérèrent dans l' « interdiscours » et qui montrent différents ethos populaires ou individuels fonctionnant comme des repoussoirs utilisés pour la dénonciation. Le lecteur modèle arrive à produire l'effet discursif attaché aux textes par l'activité d'« incorporation » de ces ethos qui se manifestent par une certaine corporalité et une vocalité précise.Mots clés :Énonciation, polyphonie, « scène d'énonciation », genre, dialogue, interaction, argumentation, « posture », « paratopie », ethos, discours, texte, contexte. / The black African novel of denunciation which is called the subversive novel and which some insert in the category said to be the novel of rupture, as a macro act of language, does involve a subversive and illocutory aim. That is true even if the post independence black African literary discourse, like any discourse, remains under constraint, that is to say, determined to a large extent, by the socio-political context, but also, the literary field where various positionings and postures of authors are in competition. In this work, we endeavour to show that this aim which is an attempt to reveal the awkwardness of the new political and/or religions systems, a result of the relationship between a non verbal black African context and the internal side of novels and results in literary construction of various individual and collective ethos, can be studied through the discourse analysis method. By linking the external and inner side of the literary text, which moves aside the str ucturalist immanence. We tackle the post independence black African novel as a system of enunciation whose deistic and modal centre vouches for the discourse, that is to say the principal narrator who is the most often homodiectic in our corpus except Perpetue where he is extradiegetic. So, the thesis ruins the romantic conception which distinguishes the social self from the creative self. We hence consider that the novels of our corpus are social activities involved in discursive practices of a society, which definitely settles the relationship between a text and society raising the notions of the enunciation issue with a broad socio cultural scope like the scenography, the generic scene, the validated scene, the paratopy,… we hence confirm the possibility of a rupture in the black African literary approaches considering literary history made up of three separate different entries(Man, his work and the environment) which have remained more or less classical, that is to say thematic, often sociological. In resorting systematically to the linguistic tool of enunciation, of pragmatism, of textual linguistic, of the argument of interaction linguistic, … we apply to a few post independence black African novels and to several textual sequences which we have selected and drawn from that corpus, the discourse analysis method as theoretized in the European area by researchers such as Dominique Maingueneau and Patric Chareaudeau, but also others who have developed similar linguistic issues : Jean Michel Adam, Ruth Amossy, Emile Benveniste, Catherine Kerbrat-Orecchioni, Oswald Ducrot,… to name but a few. The study of polygamy to determine voices which are found in the novels lead us to the study, on the one hand, of the double enunciation which are turned out into dialogues as narrative modality where several enunciators are brought to the stage, on the other hand, of all the type of reported speeches, but also of the verbal manifestation of the black Af rican people. These voices define enunciative identities, those of opposed positions, namely the political and/or religions power and the opponents who are always in conflict in the novels. Rejecting authenticity which was always the aim of black African; identity conceptions like Negritude, the authors of the corpus use the reported speech and the double enunciation not to restore the plain reality, like the thesis novel, but denounce by telling, in bias, the standard reader, what to think or believe. The political and/or religions upheaval is disparaged by the presentation to the reader of discursive patrons and of a language code which are integrated into the interdiscourse and which show different popular or individual ethos functioning as a foil used for denunciation. The standard reader manages to produce the discursive effect connected to the texts through the incorporation activity of these ethos which are shown through some corporality and precise vocality.Keywords:Enunciation, polyphony, enunciation scene gender, dialogue, interaction, argument, posture, paratopy, ethos, discourse, text, context.

Généralement considéré à l’aune de significations historiques, pour le rôle qu’il joue dans l’économie sociale et l’éclairage qu’il permet de porter sur la production musicale, le concert est aussi, plus rarement, envisagé selon le rapport qu’il entretient naturellement avec le monde du spectacle et l’univers religieux. Mais la question de son ontologie reste suspendue. Cherchant à saisir ce qui le constitue dans sa radicalité, nous élaborons dans ces pages une réflexion en deux temps. Le premier est consacré à un tableau, Le Concert, peint par Nicolas de Staël en 1955 après qu’il a assisté à deux concerts du Domaine musical. Le second propose de penser une poétique du concert, c’est-à-dire de s’intéresser au faire. De l’un à l’autre apparaît puis s’affirme la trace d’une discontinuité foncière, constitutive du concert. Ce que le tableau donne à voir, à la jointure des préoccupations anciennes du peintre et d’un événement musical, c’est une essence fragmentaire laissée nue. Nous saisissant de cette matière, nous nous interrogeons sur le rapport du concert à l’œuvre : qu’est le concert en regard de l’œuvre musicale, du morceau de musique, de l’opéra ? La question de l’unité et celle du sens s’imposent en contrepoint, constituant progressivement un dialogue avec l’univers du livre, depuis les origines didactiques du concert jusqu’à la désignation d’un geste poétique qui le fonde. Cette profonde intimité avec la poésie nous mène à l’orée d’une pensée politique de l’événement : fabriqué et fabriquant, le concert n’accède à la cohérence que dans un virtuose tissage de rapports. / Considered for the most part according to its historical significance, both for its role in the social economy and for the light it sheds on musical production, the concert is only rarely studied in terms of the theatrical and religious worlds to which it is, by its very nature, related. The question of its ontology, however, remains deferred. In an effort to understand what constitutes the concert’s radicality, a two-pronged approach has been developed here. The first is applied to Nicolas de Stael’s The Concert (1955), which he painted after having attended two Domaine musical concerts. The second attempts to elaborate a poetics of the concert, that is, to explore its doing. The trace of a fundamental discontinuity that is vital to the concert appears as we move from one to the other, faintly at first, and then more clearly. What this painting shows us, at the intersection of the old preoccupations of the painter and of a musical event, is a fragmentary essence laid bare. Using this subject as the basis of our study, we examine the relations between the concert and the work itself: how is the concert related to the musical opus, the musical piece, the opera ? In counterpoint, the questions of meaning and unity are crucial here, gradually opening a dialogue with the world of the book, from the didactic origins of the concert to the defining of the poetic gesture on which it is based. This deep intimacy with poetry leads us to a political approach to the event : fabricated and fabricating, the concert can only attain its coherence through the virtuous interweaving of connections.

Brooklyn est depuis quelques années un épicentre de la musique indépendante aux États-Unis. En utilisant la démarche ethnographique, l’auteur s’intéresse au rôle des médiateurs dans la définition du réseau socio-musical de la scène « indie » de Brooklyn à New York. Il met en relief la façon dont historiquement, le quartier brooklynois de Williamsburg est devenu un lieu important d’établissement des Brooklyn est depuis quelques années un épicentre de la musique indépendante aux États-Unis. En utilisant la démarche ethnographique, l’auteur s’intéresse au rôle des médiateurs dans la définition du réseau socio-musical de la scène « indie » de Brooklyn à New York. Il met en relief la façon dont historiquement, le quartier brooklynois de Williamsburg est devenu un lieu important d’établissement des musiciens alternatifs. Il aborde la façon dont les hipsters, comme communauté, font appel à différentes pratiques pour contourner le rapport d’infériorité avec les étiquettes majors. Il s’intéresse aussi au « do it yourself » ainsi qu’au rôle de New York dans le milieu musical mondial. Finalement, il s’intéresse aux médias qui définissent et structurent le milieu de la musique indépendante de Brooklyn. / Over recent years, Brooklyn has become a global epicenter for the production of alternative popular music known as « indie music ». Using ethnographic methods, this thesis examines the role of mediators in the definition of the socio-musical network of the Brooklyn’s indie music scene in New York. It emphasizes the way in which, historically, Williamsburg has come to be an important neighboorhood for musicians and how hipsters, as a community, use different practices in order to manage a hegemonic relationship with the majors. At the center of this analysis is a discussion of the « do it yourself » ethic and the place of New York in the world, musically speaking. Finally, the way some medias define and structure the musical field is also of a part of the analysis.

Ce mémoire propose une réflexion psychanalytique à partir de L'Âge d'homme et de L'Afrique fantôme de Michel Leiris. Il y est montré que la notion freudienne de scène primitive sert de paradigme à l'écriture autobiographique de cet auteur. Cette étude commence par approfondir les récits de rêves dans ces textes. Il s'agit d'emprunter la voie royale vers l'inconscient. Le moi du narrateur adopte une position masochiste devant des femmes phalliques dont il s'éprend. C'est ce qui le fait basculer dans la passion postcourtoise, notion développée par Paul-Laurent Assoun. La Dame se substitue à l'objet perdu et se présente comme une Judith meurtrière. Les nombreuses identifications du narrateur avec des personnages légendaires nous permettent de transposer son existence à l'intérieur d'une mythologie personnelle. L'analyse de ces fantaisies d'identification avec des modèles masculins révèle le sadisme de son surmoi. À Gondar, l'auteur tombe amoureux d'Emawayish, une sorcière éthiopienne, qui devient son double idéal de Lucrèce et Judith. Cette relation amoureuse répète inconsciemment la structure du complexe d'Œdipe. L'Âge d'homme apparaît comme une recherche du corps maternel et l'écriture autobiographique devient le moyen de remédier au sentiment mélancolique de perte d'objet d'amour. / This thesis is a psychoanalytical development based on the books L'Âge d'homme and L'Afrique fantôme by the French writer Michel Leiris. The purpose is to show that the Freudian notion of primitive scene is used as a paradigm for self-exploration and analysis through autobiographical writing. This study begins by detailing the stories of dreams retold by the author in his works. Thus, Leiris is traveling on the royal road that will take him to his unconscious mind. The ego of the narrator adopts a masochist approach to the phallic women he falls in love with. He then shifts to what is called « postcourtoise passion », a concept developed by Paul-Laurent Assoun. The Lady (La Dame) replaces the « lost object » and is transformed into the murderous Judith. The many identifications of the narrator with legendary figures allow us to read his existence through his personal mythology. Upon analysis, these identity fantasies of the author with male models are an indication of the sadism of his superego. In Gondar, the author falls in love with Emawayish, an Ethiopian sorceress who becomes the perfect double of Lucrèce and Judith. This love relationship unconsciously reveals the structure of the Oedipus complex. L’Âge d’homme can be seen as the quest of a man for the maternal body. The experience of self-exploration and analysis writing can be seen as the means to cure the melancholy generated by the loss of the loved object.