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[en] THE PUBLIC AND THE PLURAL: ABOUT THE IMPORTANCE OF JUDGMENT MAKE ITSELF PUBLIC IN ART / [pt] O PÚBLICO E O PLURAL: SOBRE A IMPORTÂNCIA DO JUÍZO SE FAZER PÚBLICO NA ARTEALEXANDRA DE ALMEIDA 19 July 2018 (has links)
[pt] problema que orienta o desenvolvimento desta pesquisa pergunta pelo lugar do espectador na arte contemporânea levando em consideração os seus limites e as suas possibilidades críticas. Marcel Duchamp ilustra a questão declarando, na sentença de abertura do seu texto O ato criador, Consideremos dois importantes fatores, os dois polos da criação artística: de um lado o artista, do outro o público, que mais tarde se transforma na posteridade. É desta dupla polaridade que se ocupa esta tese. Mais especificamente, ocupa-se, como princípio, da possibilidade de reconhecer no público ajuizador dos fenômenos estéticos, um lugar efetivo como salvaguarda de obras de arte. Neste sentido, caberia ao público-espectador proteger, preservar e garantir a integridade e a perenidade de obras artísticas. Do ponto de vista desta pesquisa é mediante a capacidade humana de julgar que se efetuaria a salvaguarda. Com efeito, o exercício do juízo é condição primeira fundamental para a efetuação da salvaguarda, porém, seguido de uma segunda condição: que o juízo se faça público ou, em outros termos, que se faça compartilhar. Ainda que incluso em uma malha de relações na qual figuram o artista, a obra artística e o local de exposição da obra, dentre outros componentes, o espectador, tradicionalmente, tem assumido papel acessório ou de permanente subordinação em suas relações com o mundo da arte. Um tanto alijado do plano das artes, parecem caber ao espectador (de fato, porém, não de direito) intervenções tímidas, periféricas, algo guiadas, impregnadas por uma suspeita de inoperância estética e de um despreparo como tradutor ou contratradutor dos fenômenos artísticos. Na tese, proponho que a relação entre o espectador e a obra seja tratada a partir de moldes kantianos. Naturalmente, dado o domínio dessas relações, o domínio artístico, refiro-me ao julgar, ou ao juízo, entendido em sua função reflexiva. Põe-se em causa, aqui, questões ligadas à contemplação, à produção de ideias, à comunicabilidade e à sociabilidade, bem como à ação do sujeito no mundo e à diversidade característica do discurso e do juízo. E, não tanto como um desdobramento, mas como algo intrínseco, quiçá anterior a todas estas questões, põe-se em causa, também, o lugar ocupado pelo sujeito do juízo de um ponto de vista político. Como nos lembra Hannah Arendt, sempre que a relevância do discurso (do juízo, neste caso) entra em jogo, a questão torna-se política por definição, pois é o discurso que faz do homem um ser político. Na tese, o espectador é proposto como sujeito do juízo, o juízo como lugar da salvaguarda e a salvaguarda se efetivando na condição da promulgação pública e compartida do juízo. Neste contexto, o espectador, em sua singularidade, é sempre plural, diverso, não necessariamente conforme e cultor de relações intersubjetivas. Por sua vez, o juízo é público, manifesto, partilhável, disponível a qualquer outro e portador de uma dimensão criativa que reconstrói o sentido da obra artística por meio do seu testemunho. Por extensão, a condição pública e plural de enunciação do juízo, revela a importância política do julgamento estético. / [en] The problem which guides the development of this research inquires about the spectator s place in contemporary art considering his or her limits and critical possibilities. Marcel Duchamp illustrates the question by declaring in the opening sentence of his text The Creative Act, Let us consider two important factors, the two poles of the creation of art: the artist on one hand, and on the other the spectator who later becomes the posterity. It is with this double polarity that this thesis occupies itself. More specifically, it occupies itself, as a principle, with the possibility of recognizing in the judging public of aesthetic phenomena an effective place as a safeguard of works of art. In that sense, it would fall to the public-spectator to protect, preserve and assure the integrity and perenniality of works of art. From this research s standpoint it is through the human power of judgment that this safeguarding would be accomplished. In fact, the exercise of judgment is a first fundamental condition for the fulfillment of the safeguarding, followed, however, by a second condition: that the judgment be made public or, in other words, that it be made shareable. Although inserted in a web of relations which includes the artist, the work of art and its place of exhibition, among other components, the spectator has traditionally played an accessory role or one of permanent subordination in his relations with the world of art. Somewhat excluded from the plane of arts, it seems to fall to the spectator (de facto but not de jure) to make timid, peripheral, somewhat guided interventions, impregnated with a suspicion of aesthetic inoperability and ill-preparedness as translator or counter-translator of artistic phenomena. In the thesis, I propose that the relation between spectator and work be treated with Kantian patterns. Naturally, given the dominion of these relations, the artistic dominion, I refer to judging or judgment when understood in their reflective function. Questions linked to contemplation, production of ideas, communicability and sociability, as well as to the subject s action in the world and to the characteristic diversity of discourse and judgment are called into question here. And not exactly as an unfolding, but as something intrinsic, perhaps prior to all these questions, the place occupied by the judgment s subject from a political standpoint is also called into question. As we are reminded by Hannah Arendt, whenever the relevance of the discourse (of judgment, in this case) comes into play, the question becomes political by definition, because discourse turns man into a political being. In the thesis, the spectator is proposed as the judgment s subject and judgment as the place of safeguard, this safeguarding being accomplished on condition of the public and shared promulgation of judgment. In this context, the spectator is always, in his singularity, plural, diverse, not necessarily conformist and adherent to intersubjective relations. In its turn, judgment is public, manifest, shareable, available to any other and carries a creative dimension which reconstructs the meaning of a work of art through its testimony. By extension, the public and plural condition of judgment s enunciation reveals the political importance of the aesthetic judgment.
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[en] THE POETICS OF MISERY: A COMPARATIVE STUDY BETWEEN ALVES REDOL S GAIBÉUS, AND JOHN STEINBECK S THE GRAPES OF WRATH / [pt] A POÉTICA DA MISÉRIA: UM ESTUDO COMPARATIVO ENTRE GAIBÉUS DE ALVES REDOL E AS VINHAS DA IRA DE JOHN STEINBECKSUELY DO ESPIRITO SANTO 12 July 2004 (has links)
[pt] Gaibéus, de Alves Redol e As Vinhas da Ira, de John
Steinbeck são romances que apresentam semelhanças de tema e
estilo, além de revelarem um retrato vivo da vida dos
agricultores em Portugal e nos Estados Unidos na década
de 1930. Considerando o Neo-Realismo ou Novo Humanismo como
base para uma abordagem comparativa entre estas obras, esta
tese propõe primeiramente uma análise de alguns aspectos
culturais e sociais que influenciaram a criação destes
livros, bem como da repercussão crítica que os mesmos
obtiveram em seus países. O propósito principal deste
trabalho é provar que, através de um duplo ponto de vista
crítico englobando um enfoque marxista do materialismo
histórico e a teoria da resposta no leitor, é possível
determinar as semelhanças entre a dialética empregada pelos
seus autores e os elementos estéticos implícitos, os
quais fazem estes dois romances semelhantes em arte e
conteúdo. / [en] Alves Redol s Gaibéus, and John Steinbeck s The Grapes of
Wrath are
novels that present similarities in theme and style,
besides revealing a lively
portrait of agricultural life in Portugal and in the United
States during de 1930 s.
Considering the Neorealism or New Humanism as the basis for
a comparative
approach between these works, this thesis proposes firstly
an analysis on some
cultural and social aspects that influenced the creation of
these books, as well as
the criticism on them in their countries. The main purpose
of this work is to prove
that, through a double point of view, comprising both the
Marxist focus of
historical materialism together with the reader-response
theories, it is possible to
determine the similarities between the dialectics employed
by the authors and the
implied aesthetics elements, which make these two novels
similar in artistry and
content.
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Os fundamentos da interpretação musical: aplicabilidade nos 12 estudos para violão de Francisco MignoneApro, Flávio [UNESP] January 2004 (has links) (PDF)
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apro_f_me_ia.pdf: 5394884 bytes, checksum: ab3182b478b63c8ccb06bc8e169bc9b5 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esta dissertação aborda alguns fundamentos teóricos da interpretação musical e sua aplicação nos 12 estudos para violão de Francisco Mignone. A estrutura geral desta pesquisa está desenvolvida em dois segmentos, sendo que o primeiro focaliza os fundamentos teóricos sobre interpretação musical, suas principais tendências, a teoria da Formatividade de Luigi Pareyson e alguns conceitos complementares de Unberto Eco a propósito dos limites da interpretação. No segundo, apresentamos uma revisão bibliográfica do que já foi pesquisado sobre a literatura violonística do compositor, um panorama geral de sua produção violonística na década de 1970, alguns comentários sobre a gênese dos 12 Estudos, aspectos documentais dos Estudos de Mignone e considerações gerais sobre as diferentes versões dessa obra. Apresentamos também um modelo de aplicação dos conceitos teóricos discutidos no primeiro capítulo, abordando as contribuições técnicas desses Estudos, incluindo soluções para trechos problemáticos e diretrizes interpretativas para essa obra. As considerações finais procuram responder aos questionamentos formulados na introdução, porém de forma não conclusiva, por considerarmos que o modelo de interpretação apresentado é apenas uma possibilidade entre muitas. Os anexos incluem uma Edição Aberta dos 12 estudos de Mignone (fac-símile e urtext), entrevistas e um CD contendo nossa interpretação dos estudos, como resultado prático de uma pesquisa orientada pala sua conjugação com a reflexão teórica. / This dissertation deals with musical interpretation and discussses the practical application of theorical principles in Francisco Mignone's Twelve Studies for Guitar.The body of this paper is sstrucstured in two sections. The first focuses on the theoretical foundations of the musical interpretarion, in main trends, Luigi Pareyson's theory of formativity, as well as some complementary concepts by Umberto Eco on the limits of interpretarion. The second section contains a bibliographic revision about researches on the Mignone's guitar output, an overview of this compositions for guitar on the seventies, and commemtaries about de genesis of his Twelve Studies, philological aspacts and general considerations about the different versions of this work. There is also apractical application of the concepts discussed in the first chapter, presenting the didactic contribuitions of Mignone's Studies, including some solutions fo difficult passages and some interpretative suggestions for this work. The final considerations are an attempt to answer the questions presented in the introduction, but nor in a conclusive way, since we consider that the model of interpretation presented here inonlu one amongst many others. The annexes contain a Double Edition of Mignone's Twelve Studies (the original version and our Urtext), complete interviews, and a CD with our interpretation of this work, a a practical result of a research which was guided by the theoretical reflection.
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Indivisibilidades entre natureza, homem e expressão artística: a reflexão estética de Merleau-PontyAlves, Fabiola Cristina [UNESP] 26 September 2013 (has links) (PDF)
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alves_fc_me_ia.pdf: 949904 bytes, checksum: 1884eb7f0cf21d91bbf6cff87dd06d2f (MD5) / Esta dissertação investiga a noção de arte moderna presente na reflexão estética do filósofo Maurice Merleau-Ponty, partindo da hipótese de que tal noção está inclusa na meditação sobre as indivisibilidades entre a relação homem, natureza e expressão artística. Apresenta a concepção de arte e arte moderna concomitantemente à trajetória e ao discurso filosófico de Merleau-Ponty. Discorre sobre a tese do filósofo acerca do retorno ao mundo percebido, as indivisibilidades, o corpo vidente e visível, o sensível, a carne do mundo, a pintura, o Ser bruto, a Natureza, logos e a expressão. A partir desses temas, foram desenvolvidas leituras sobre os seguintes textos para dimensionar essa noção de arte moderna: “A dúvida de Cézanne”, “A expressão e o desenho infantil”, “A linguagem indireta”, “A linguagem indireta e as vozes do silêncio” e “O olho e o espírito”. Para compreender o pensamento de Merleau- Ponty aproximamos suas ideias a várias teorias da história e da filosofia da arte, a partir dos temas: o espírito moderno, as correspondências, a representação e a expressão. Por fim, destaca os principais valores e ideias que compõem a noção de arte moderna em Merleau- Ponty. / This work investigates the notion of modern art in this aesthetic reflection of philosopher Maurice Merleau-Ponty, on the hypothesis that such a notion is included in the meditation about the indivisibilities on the relationship between man, nature and artistic expression. It presents the concept of art and modern art concomitantly to the trajectory and the philosophical discourse of Merleau-Ponty. This work also discuss the thesis of the philosopher about returning to the perceived world, the indivisibilities, the visible and invisible body, the sensitive, flesh of world, the painting, the Being, the Nature, the logos and the expression. On the themes, the following texts were studied to investigate the author’s notion of modern art: “Cézanne’s Doubt”, “Expression and the child’s drawing”, “The indirect language”, “The indirect language and the voices of silence” “Eye and mind”. To comprehend Merleu-Ponty’s ideas, his thought was related with various History and Art Philosophy theories, under the following themes: the modern mind, correspondence, representation and expression. At last, this work emphasizes the core values and ideas that make up the notion of modern art of Merleau-Ponty.
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Oscar Wilde: teoria e práticaAmaral, Stephania Ribeiro do [UNESP] 18 February 2011 (has links) (PDF)
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amaral_sr_me_sjrp.pdf: 847638 bytes, checksum: 1ca8f6c036d4d30d7925b494972844ba (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Este trabalho tem por objetivo a análise da peça A importância de ser Prudente (2007), escrita por Oscar Wilde (1854 – 1900), de acordo com a perspectiva teórica de base estética, da qual Wilde foi um dos expoentes maiores. O método analógico foi utilizado para estruturar a comparação entre a teoria estética de Wilde e o texto de sua peça A importância de ser Prudente, representante de sua prática dramatúrgica. Os textos teórico-críticos de Wilde foram escolhidos com base nos objetivos da proposta, os mais relevantes sendo: O crítico como artista, A decadência da mentira, A verdade das máscaras e Pena, lápis e veneno, todos eles compilados no livro Intenções, publicado no volume único da Obra Completa de Oscar Wilde (2007). A pesquisa partiu, ainda, dos conceitos teóricos do Movimento Estético (geral) para os conceitos estéticos encontrados nos ensaios críticos de Wilde (específico), e os ensaios em questão se prestaram à abordagem teórica estética utilizada na pesquisa. Considerando que o principal teórico do Movimento Estético foi Walter Pater (1839 – 1894), suas obras Appreciations, with an Essay on Style (1889) e The Renaissance: Studies in Art and Poetry (1873) foram analisadas a fim de clarificar quais são os pressupostos teóricos do Movimento Estético e quais desses são compartilhados com Oscar Wilde. Tomando como base tais conjecturas, verificaram-se como esses conceitos teóricos incidem na prática de Wilde / This study has as its aim the analysis of the play The Importance of Being Earnest (2007), written by Oscar Wilde (1854-1900), in accordance with the aesthetic theoretical perspective, of which Wilde was a major exponent. A method of analogical comparison was utilised, contrasting Oscar Wilde’s theory, taken from some of his critical essays, with the text of the play The Importance of Being Earnest, as a representation of his dramaturgy in practice. The theoretical and critical texts by Wilde were chosen according to the aims of this proposal, the most relevant being: “The Critic as Artist”, “The Decay of Lying”, “The Truth of Masks” and “Pen, Pencil and Poison”, all of which were published together in the book Intentions, republished in Oscar Wilde’s Complete Works (2007). The research moved from the theoretical conceptions of the Aesthetic Movement (general) to the aesthetic conceptions found in Wilde’s articles (specific), therefore the aforementioned essays are used as the aesthetic theoretical approach which was chosen to lead the research. Considering that the main theorist of the Aesthetic Movement was Walter Pater (1839 – 1894), his works, Appreciations, with an Essay on Style (1889) and The Renaissance: Studies in Art and Poetry (1873), were analysed in order to clarify the theoretical premises of the Aesthetic Movement and which of these are shared with Oscar Wilde. Taking these conjectures as a starting point, the impact of these theoretical concepts on Wilde’s practice was then analysed
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Moldar a carne : a queerização do corpo no teatro de João Carlos CastanhaDelgado, Pedro Omar Lacerda January 2013 (has links)
Este estudo tem o objetivo de construir uma reflexão acerca do processo de corporificação de personagens transgêneros e das construções teatrais de um ator homossexual a partir de seu corpo cotidiano (conjugado). Para tanto, escolhi investigar os processos de criação teatral e de construção corporal de alguns personagens interpretados pelo ator João Carlos Castanha. Os corpos criados por esse ator ganham carne a partir de pedaços de corpos masculinos e femininos que resultam em corpos estéticos de sexualidade e gênero híbridos. Diante disso, desenvolvi uma pesquisa embasada em referencias teóricos que subsidiam a Teoria Queer, aliados a procedimentos metodológicos oriundos da pesquisa qualitativa. Assim, utilizei fontes impressas, imagéticas, entrevistas e observações durante a prática do trabalho do ator. Esse trabalho resulta de uma necessidade particular de me aproximar e de compreender essas construções corpóreas que acontecem em zonas periféricas num devir-teatral. Zonas essas que se constituem fora dos padrões dos gêneros masculino e feminino. / This study aims to build a reflection on the embodiment process of transgender characters and theatrical constructions of a gay actor from his real life body (conjugate). Therefore, I chose to investigate the working process and body constructions of the characters played by actor João Carlos Castanha. The bodies created by this actor gain flesh from pieces of male and female bodies that result in hybrid sexuality and gender aesthetics bodies. Therefore, I have chosen to develop a research grounded in theoretical and methodological references of qualitative research, as well as the thought that subsidizes Queer Theory. So, I made use of printed sources, imagery, interviews and observations during the practice of that actor's work. Therefore, this paper is the result of a particular need for the researcher to approach these body constructions that occur in peripheral areas in a becoming theater. Thus, those areas are constituted outside the standards of male and female bodies.
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Moldar a carne : a queerização do corpo no teatro de João Carlos CastanhaDelgado, Pedro Omar Lacerda January 2013 (has links)
Este estudo tem o objetivo de construir uma reflexão acerca do processo de corporificação de personagens transgêneros e das construções teatrais de um ator homossexual a partir de seu corpo cotidiano (conjugado). Para tanto, escolhi investigar os processos de criação teatral e de construção corporal de alguns personagens interpretados pelo ator João Carlos Castanha. Os corpos criados por esse ator ganham carne a partir de pedaços de corpos masculinos e femininos que resultam em corpos estéticos de sexualidade e gênero híbridos. Diante disso, desenvolvi uma pesquisa embasada em referencias teóricos que subsidiam a Teoria Queer, aliados a procedimentos metodológicos oriundos da pesquisa qualitativa. Assim, utilizei fontes impressas, imagéticas, entrevistas e observações durante a prática do trabalho do ator. Esse trabalho resulta de uma necessidade particular de me aproximar e de compreender essas construções corpóreas que acontecem em zonas periféricas num devir-teatral. Zonas essas que se constituem fora dos padrões dos gêneros masculino e feminino. / This study aims to build a reflection on the embodiment process of transgender characters and theatrical constructions of a gay actor from his real life body (conjugate). Therefore, I chose to investigate the working process and body constructions of the characters played by actor João Carlos Castanha. The bodies created by this actor gain flesh from pieces of male and female bodies that result in hybrid sexuality and gender aesthetics bodies. Therefore, I have chosen to develop a research grounded in theoretical and methodological references of qualitative research, as well as the thought that subsidizes Queer Theory. So, I made use of printed sources, imagery, interviews and observations during the practice of that actor's work. Therefore, this paper is the result of a particular need for the researcher to approach these body constructions that occur in peripheral areas in a becoming theater. Thus, those areas are constituted outside the standards of male and female bodies.
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Re-elaborações esteticas da dança negra brasileira na contemporaneidade : analise das diferenças e similitudes na concepção coreografica do Bale Folclorico da Bahia e do Grupo Grial de Dança / Aesthetic re-elaboration of the black Brazilian dance in the contemporaneousness : analysis of the differences and similarities in the choreogrphic creation of the Folkloric Ballet of Bahia and the Gial Group of DancePaixão, Maria de Lurdes Barros da 14 August 2018 (has links)
Orientador: Inaicyra Falcão dos Santos / Acompanha 1 DVD e 1 anexo: "Projeto Redende: experiencias de fruição e re-elaboração estetica das matrizes africanas na dança negra contemporanea brasileira / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T02:48:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1
Paixao_MariadeLurdesBarrosda_D.pdf: 925473 bytes, checksum: 0f2bbc6c64e54b9809c6ba027d9e52de (MD5)
Previous issue date: 2009 / Resumo: Esta tese descreve a análise da Dança Negra elaborada e ressignificada em dois
diferentes contextos sócio-histórico-cultural brasileiro. Para isto realiza-se uma análise das diferenças e similitudes nas re-elaborações etno-ética-estéticacoreográfica e dramatúrgica do Balé Folclórico da Bahia/Salvador/BA e do Grupo Grial de Dança/Recife/PE a partir dos elementos presentes nos signos, símbolos, mitos e danças de origem afro-brasileira. As questões levantadas apontam que estas danças podem ser fontes de produção artística e criação coreográfica concebendo uma proposição dramatúrgica para a Dança Negra Contemporânea Brasileira. Transpondo fronteiras geográficas e culturais, a tese descreve as
possibilidades de pesquisa e criação artística a partir da temática afro-brasileira baseada nas relações tecidas entre corpo, memória, tradição e contemporaneidade. A metodologia utilizada será a análise fenomenológica orientada na proposta da etnóloga Juana Elbein dos Santos. O referencial teórico traz autores como Bastide (1983), Kerkhove (1997), Munanga (1999), Santos I. (2006), Santos J. (1996), Silva e Calaça (2006), Suassuna (1977, 2004) e Verger (1997) para ratificar as idéias apresentadas. A análise videográfica e a utilização dos princípios da dança africana são os elementos norteadores do processo de investigação das criações coreográficas do Balé Folclórico da Bahia e do Grupo Grial de Dança. Estas estratégias possibilitam apontar caminhos que explicam como estas companhias de dança lidam com a estética e os conceitos de arte africana no âmbito da Dança Negra Brasileira Contemporânea Brasileira. Propõese uma dramaturgia para a Dança Negra Contemporânea, baseada em princípios etno-ético-estético-coreográfico referenciada na pluralidade das danças tradicionais populares de origem afro-brasileira. / Abstract: This thesis describing the analysis of the Black Dance elaborated and re-signified in two different Brazilian social-historic-cultural contexts. For this one, accomplishes an analysis of the differences and similarities in the re-elaborations ethno-ethics-aesthetic-choreographic and dramaturge of the Folkloric Ballet of Bahia/Salvador/BA and the Grial Group of Dance/Recife/PE from the elements present in the signs, symbols, myths and dances of Afro-Brazilian origin. The raised questions point that these dances can be sources of artistic production and choreographic creation conceiving a dramaturge proposal for Black Brazilian Contemporaneous Dance. Transposing geographic and cultural boundaries, the thesis describes the possibilities of research and artistic creation from the Afro- Brazilian thematic based on the relations between body, memory, tradition and contemporaneousness. The methodology is guided in the proposal of the phenomenology analysis by Juana Elbein dos Santos. The theoretical references bring authors as Bastide (1983), Kerkhove (1997)), Munanga (1999), Santos I. (2006), Santos J. (1996), Silva and Calaça (2006), Suassuna (1977, 2004) and Verger (1997) to ratify the presented ideas. The video graphic analysis and the application of the African Dance principles are the guided elements of the process of investigation of the choreographic creations of the Folkloric Ballet of Bahia and the Grial Group of Dance. These strategies to enable to point ways that explain as these dance companies deal with the aesthetic and the African Art concepts in the scope of Black Brazilian Contemporaneous Dance. To propose a dramaturgy for the Black Brazilian Contemporaneous Dance based on the ethno-ethics-Aestheticchoreographic principles referenced in the plurality of the popular traditional dances of the Afro-Brazilian origin. / Doutorado / Doutor em Artes
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[de] DIE SAKRAMENTALITAT DER OFFENBARUNG IN HANS URS VON BALTHASAR / [pt] A SACRAMENTALIDADE DA REVELAÇÃO COMPREENDIDA A PARTIR DE HANS URS VON BALTHASARJAIR LUIS REIS 29 March 2005 (has links)
[pt] A sacramentalidade da revelação alcança sua plena expressão na pessoa de Jesus Cristo, porque por meio dele nos é manifestada a totalidade do Ser de Deus. Com suas duas naturezas: humano-divina, ele se torna o sacramento fonte, o meio indispensável que comunica a vontade divina e indica como o ser humano pode se comunicar com Deus, intermediado pela Igreja, a qual encarrega-se de prolongar os mistérios salvíficos, por sua economia sacramental: a palavra, os sacramentos e a caridade. A partir do
pensamento teológico-revelacional de Hans Urs Von Balthasar o presente trabalho procura expor os momentos basilares da constituição sacramental da Igreja e como o próprio Pai, na pessoa do seu Filho e no Espírito Santo, se faz presente e comunica eficazmente a graça salvífica, ao mesmo tempo em que cria
meios para sua visibilidade histórica. Deus se fez palavra carnal e palavra audível em Jesus Cristo. Assim, a forma sacramental remete a Cristo. É a partir dele, de seus atos, gestos e palavras, que o divino encontra expressividade eterna no seio da história. Ele concede elementos que assinalam e comunicam a presença e ação de Deus na história, essencialmente na cruz, momento cume da sacramentalidade e da revelação. O nosso objetivo, portanto, consiste em expor as raízes da experiência sacramental com o intuito de iluminar a prática eclesial, para uma valoração e compreensão do alcance e da eficácia sacramental e da Palavra revelada, como também da sua perenidade no existir da Igreja. / [de] Die Sakramentalitat der Offenbarung erreicht ihren hochsten Ausdruck in der Person Jesu Christi, da sich uns in ihm die Totalitat des Seins Gottes manifestiert hat. In seiner menschlich-gottlichen Doppelnatur ist er zum Grundsakrament geworden, notwendiges Mittel, welches den Willen Gottes mitteilt und anzeigt, wie der Mensch mit Gott kommunizieren kann, vermittelt durch die Kirche, welcher aufgetragen ist, die
heilswirsamen Geheimnisse durch ihre Okonomie zu verlangern: das Wort, die Sakramente und die Nachstenliebe. Ausgehend von der offenbarungstheologischen Reflektion Hans Urs von Balthasars versucht diese Studie die Grundmomente der sakramentalen Konstitution der Kirche aufzuzeigen, als wie auch der Vater sich in seinem Sohn durch den Heiligen Geist gegenwartig macht und seine heilswirksame Gnade mitteilt, zum gleichen Zeitpunkt, da er die Mittel zu ihrer historischen Visibilita hervorbringt. Gott hat sich fleischliches und horbares Wort gemacht. Deshalb bezieht sich die sakramentale Form auf Christus. Von ihm aus, seine Taten, Gesten und Worten, gewinnt das Göttliche ewigen Ausdruck in der Mitte der
Geschichte. Er verleiht Elemente, welche die Präsenz und die Aktin Gottes in der Geschichte hervorheben, vor allem am Kreuz, hochster Moment der Sakramentalitat und der Offenbarung. Unser Ziel ist es deshalb die Wurzeln der sakramentalen Erfahrung hervorzuheben, vor allem um die ekklesiale Praxis zu erhellen, im Blick auf eine Aufwertung und ein Verstehen der sakramentalen Wirksamkeit und des geoffenbarten Wortes als auch dessen Fortbestehen in der Existenz der Kircher.
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[en] ETHNIC DESIGN: A STUDY OF GRAPHISM IN BASKETS BY M`BYÁ GUARANI INDIANS OF PARATY MIRIM (RJ) / [pt] ETNODESIGN: UM ESTUDO DO GRAFISMO DAS CESTARIAS DOS M`BYÁ GUARANI DE PARATY - MIRIM (RJ)JOSE FRANCISCO SARMENTO NOGUEIRA 13 September 2005 (has links)
[pt] Durante muito tempo, a maioria das pesquisas feitas na
área de design,
ficaram restritas aos estudos das circunstâncias que
tinham o design industrial
como tema principal. Desta forma, o design limitou-se a
ser entendido como algo
relacionado a produtos produzidos em grande escala e com
características que
estivessem relacionadas com o contexto contemporâneo do
capitalismo. Nesse
sentido, entendeu-se que design era só aquilo que estava
inserido no meio de
produção de nossa sociedade. Ficou então a cargo da
antropologia estética ou
simbólica, a função de investigar os significados dos
desenhos inseridos no corpo
dos artefatos produzidos pelos povos indígenas e de outras
etnias, ou seja, do
universo simbólico dos povos que nos antecederam no
processo de produção de
artefatos. Tais povos desenvolveram recursos tecnológicos
criativos e originais,
entretanto os designers de um modo geral sempre
desprezaram os produtos
resultantes desse trabalho como um produto de design.
Neste trabalho a
compreensão do que é um produto de design vai além da
definição comumente
disseminada do que seja um produto de design. O etnodesign
surge com uma
forma de resgatar os processos, a tecnologia e o
entendimento daquilo que é
produzido por etnias que contribuíram através de seu meio
de produção para a
formação do universo simbólico dos materiais e produtos
que fazem parte do
cotidiano da população brasileira. Com o objetivo de
romper as fronteiras étnicas,
que o design ao longo do tempo deixou alongar, surge o
etnodesign. Entender
este universo, interpretar essas construções simbólicas é
também interesse de
pesquisa dentro do etnodesign. Os objetos produzidos por
diversas etnias que
compõem o Brasil são normalmente observados apenas como um
elemento
exótico que utilizamos como um adorno ou como objeto
decorativo em nossas casas. Desta maneira, desprezamos sua
riqueza simbólica e tecnológica, seu
entendimento com o místico e com a história de seus
antepassados.
No texto que segue são destacadas através de citações,
referências bibliográficas e
depoimentos que permitiram através do olhar do designer
analisar (em um breve
estudo de caso) os desenhos (grafismos) inseridos nas
cestarias dos índios M`byá
Guarani residentes no sul do estado do Rio de Janeiro,
mais especificamente nos
arredores da cidade de Paraty, em um local conhecido como
Paraty-Mirim. / [en] For a long time, the majority of researches in design area
were restricted to
studies of circumstances that had the industrial design as
main subject. This way,
the design was limited to be understood like products made
in a great scale with
characteristics related with the contemporary context of
capitalism. In this idea,
the design was only what was inside of the production of
our society. The
aesthetic or symbolic anthropology received the mission of
investigating the
meanings of the drawings in devices made by indians and
another`s ethnic groups,
it means, to study the symbolic universe of the people
that had preceded us in the
process of devices production. This people developed
technological resources
creative and original, however the designers (in a general
way), had always
ignored the products of this work as a product of design.
In this work the
understanding about a design product goes beyond the
definition commonly
disseminated about what the design product may be. The
ethnic design appears
like a form to rescue the processes, the technology and
the understanding of what
is produced by ethnic groups that had contributed through
this means of
production for the formation of the symbolic universe of
the materials and
products that are part of the daily of the Brazilian
population. To understand this
universe, to interpret these symbolic constructions is
also an important interest of
research inside of ethnic design. The objects produced for
diverse ethnic groups
that compose Brazil are normally observed only as an
exotic element that we use
as an adornment or as decorative object in our homes. In
this way, we ignore its
symbolic and technological interest, its understanding
with the mystic and of its
ancestor`s history. In the text that follows are detached
through citations,
bibliographical references and interviews that have
allowed through the look of a designer to analyze (in a
briefing case study) the drawings inserted in the baskets
of the indians M`byá Guarani.
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