[pt] A presente dissertação é fruto de uma investigação sobre formas e possibilidades de atuação política na cidade contemporânea. Em contraponto direto à crise de projeto e da representatividade política instaurada na contemporaneidade, as ações de urbanismo tático pareciam inicialmente responder aos anseios desta investigação. Tratam-se de atos apropriativos e de ativação de espaços da cidade movidos pelas próprias populações. Mas uma análise dos discursos políticos produzidos pelos agentes do caso de urbanismo tático desenvolvido no Largo da Batata (SP), dão a ver a fraqueza de atos baseados na oposição entre sociedade civil e Estado. Explicitamos de que forma estas ações são atravessadas pelo poder biopolítico e pelas estruturas da cidade neoliberal. Mas se a cartografia complexa e microfísica das relações de poder contemporâneo incide sobre os corpos e vidas de todos e de cada um, então uma ação política não necessariamente deve se dar em afronta ao aparelho de Estado. Assim vemos emergir de uma miríade de práticas sua potência micropolítica, dentre elas, a arte no regime estético. Seu caráter eminentemente dissensual produz fissuras na partilha do sensível e, em contato com o espectador emancipado, possibilita a produção de singularidades, a contrapelo das experiências massificantes que predominam nas grandes cidades contemporâneas. Ao final desta dissertação nos debruçamos sobre as relações entre corpo, política e cidade nos trabalhos artísticos do coletivo Opavivará!, apresentados de forma ensaística. / [en] This dissertation is the result of an investigation about forms and possibilities of political action in the contemporary city. In direct counterpoint to the project and the political representativeness crisis established in contemporary times, the actions of tactical urbanism seemed initially to respond to the aspirations of this investigation. These acts of appropriation and activation of public spaces are put in place by the populations themselves. However a careful review of the political speeches produced by the agents of the Batata Precisa de Você, a case of tactical urbanism developed in Largo da Batata (SP), shows the weakness of any political act based on the opposition between civil society and State. We explain how these actions are crossed by biopolitical power and inscribed inside structures of the neoliberal cities. But if the complex and microphysical cartography of contemporary relations of power affects the bodies and lives of each person and everyone, then a political action does not necessarily takes place in defiance of the State apparatus. Thus we see emerge from a myriad of practices the emergence of its micro political potential, amongst them art in the aesthetic regime. Its eminently dissensual character produces cracks in the distribution of the sensible and, in contact with the emancipated spectator, enables the production of singularities, in opposition to the mass experiences that prevail in most of great contemporary cities. At the end of this dissertation we focus on the relations between body, politics and city in the artistic works of the collective Opavivará!, presented as an essay.

Au sein de notre contemporanéité mondialisée, la vitesse des flux, des échanges et des transferts culturels se sont accrus. Dans ce contexte caractéristique de notre modernité, il existe des figures dominant le paysage: les figures du déplacement. Elles s'incarnent en de multiples identités et représentations et se retrouvent face à une forme de flexibilité ou d'urgence où la question de la frontière a pris une place prépondérante. Dans ce contexte, la question de la déterritorialisation des corps, des identités et des imaginaires est devenue un enjeu important qui altère et transforme les notions de constance et de stabilité dans la création et les langages scéniques. Les transferts artistiques et culturels peuvent ainsi être perçus comme le résultat de déplacement dont la nature aléatoire mettrait à l'épreuve la création et ses processus. Dès lors, l’œuvre scénique serait à envisager comme un lieu de convergence au sein duquel se rencontreraient de multiples visions du monde et de l'humain. Il deviendrait alors essentiel d'appréhender la question du déplacement physique et symbolique dans une dynamique relationnelle où le rétrécissement des espaces et du temps n'aurait de sens que dans une conscience de notre appartenance au Tout-Monde, conceptualisé par Édouard Glissant. Réfléchir aux formes et aux mutations des représentations et des écritures inscrites dans la "Mondialité" serait donc participer au décryptage de la complexification des modalités et des processus de création scénique en posant comme condition à ces processus une pensée du déplacement et de la traduction. Cette pensée, à la fois esthétique et éthique, ouvrirait la voie à la sauvegarde de la diversité des imaginaires nécessaires à toute création. / In our globalized contemporaneity, the speed of flows, exchanges and cultural transfers have increased. In this characteristic context of our modernity, there are figures dominating the landscape: the figures of travel and movement. They are incarnated in many identities and representations and meet some form of flexibility or emergency where the question of the frontier has taken a significant place. In this context, the question of the deterritorialisation of bodies, identities and imaginaries has become an important issue that alters and transforms the notions of constancy and stability in creation and scenic languages. Artistic and cultural transfers can consequently be perceived as the result of moving whose random nature would test the creation and its processes. In this way, the stage work should be considered as a place of convergence in which many visions of the world and the human are to be found. Then it would become essential to grasp the question of physical and symbolic move in a relational dynamic in which the narrowing of spaces and time would have meaning only in a consciousness of our belonging to the Tout-Monde, conceptualized by Édouard Glissant. To reflect on the forms and mutations of the representations and writings, inscribed in the "Mondialité", it would be to participate in the making sense of the complexification of the modalities and processes of scenic creation, by positing as a condition to these processes a thought of move and translation. This aesthetic and ethical thought would open the way to safeguarding the diversity of imaginaries necessary for all creation. / Em nossa contemporaneidade globalizada, a velocidade dos fluxos, trocas e transferências culturais aumentou. Neste contexto, característico da nossa modernidade, há figuras que dominam a paisagem: as figuras do deslocamento. Elas são encarnadas em múltiplas identidades e representações e encontram-se diante de uma forma de flexibilidade ou urgência, onde a questão da fronteira ocupa um lugar predominante. Neste contexto, a questão da desterritorialização de corpos, identidades e imaginários tornou-se uma questão importante que altera e transforma as noções de constância e estabilidade na criação e nas lingagens cênicas. As transferências artísticas e culturais podem assim ser percebidas como resultado do deslocamento cuja natureza aleatória testaria a criação e seus processos. Daqui em diante, o trabalho do palco deve ser considerado como um lugar de convergência em que muitas visões do mundo e do ser humano estão encontradas. Seria então essencial compreender a questão do deslocamento físico e simbólico em uma dinâmica relacional em que o estreitamento dos espaços e do tempo teria significado apenas na consciência de nossa pertença ao Tout-Monde, conceituado por Édouard Glissant. Refletir sobre as formas e mutações das representações e escrituras inscritas na "Mondialité", seria participar na decriptagem da complexificação das modalidades e dos processos de criação cênica, propondo como condição para esses processos um pensamento de deslocamento e de tradução. Este pensamento, tanto estético como ético, abriria o caminho para preservar a diversidade dos imaginários necessários para qualquer criação. / Nella nostra contemporaneità globalizzata, la velocità dei flussi, degli scambi e dei trasferimenti culturali è aumentata. In questo contesto caratteristico della nostra modernità, ci sono figure che dominano il paesaggio: le figure dello spostamento. Sono incarnate in molte identità e rappresentazioni e si trovano di fronte a una forma di flessibilità o urgenza in cui la questione della frontiera ha preso un posto di rilievo. In questo contesto, la questione della deterritorializzazione dei corpi, delle identità e degli immaginari è diventata una questione importante che altera e trasforma le nozioni di costanza e stabilità nella creazione e nei linguaggi scenici. I trasferimenti artistici e culturali possono perciò essere percepiti come conseguenza dell' spostamento in cui la natura casuale avrebbe messo alla prova la creazione e suoi processi. D'ora in poi, il lavoro scenico dovrebbe essere considerato come un luogo di convergenza in cui si possono trovare molte visioni del mondo e del essere umano. In questo, sarebbe diventato essenziale de capire la questione del spostamento fisico e simbolico in una dinamica relazionale in cui il restringimento dello spazio e del tempo avrebbe senso solo nella coscienza di appartenenza nel Tout-Monde, concettualizzato da Édouard Glissant. Riflettere sopra le forme e trasformazioni delle rappresentazione e scritture incisi nella "Mondialité" sarebbe quindi partecipare della decrittazione della complessità dei termini e processi delle creazione sceniche, posizionando come condizione per questi processi un pensiero di spostamento e traduzione. Questo pensiero, sia estetico che etico, apre la strada a salvaguardare la diversità degli immaginari necessari per qualsiasi creazione.

[pt] Esta pesquisa tem a obra de Chantal Akerman (1950 - 2015) como o seu ponto central. A proposta foi a de descrever um filme específico de Akerman – Les Rendez-vous d Anna (1978) –, em constelação com outros de seus trabalhos. Junto ao ato de descrever Les Rendez-vous d Anna, ocorre uma reflexão acerca do próprio ato de descrever enquanto um operador, um disparador teórico e artístico. Para isso, a cineasta é colocada em interlocução constante com a poeta Anne Carson (1950) e com o filósofo Ludwig Wittgenstein (1889 - 1951). Este é um estudo que traduz em sua própria composição, cujo tecido traz elementos audiovisuais e poéticos, uma crença drástica nas forças pensantes da arte. Movendo-se pela noção mais geral de descrição, debruça-se sobre os temas da experimentação artística, do possível como categoria estética, da representação, da experiência, da música, do tempo, da autobiografia e da morte. / [en] This is a research which has the oeuvre of Chantal Akerman (1950 - 2015) as its main focus. The proposal was to describe one of Akerman s specific film - Les Rendez-vous d Anna -, in constellation with other of her works. While describing Les Rendez-vous d Anna, a reflection on the act of describing as an operator, an artistic and theoretical trigger, occurs. For that, the filmmaker is put alongside with the poet Anne Carson (1950) and the philosopher Ludwig Wittgenstein (1889 - 1951). This is a study that translates in its own composition, which has in its fabric audiovisual and poetic elements, a drastic belief in the thinking forces of art. Moving through the overview notion of description, we speak of themes such as artistic experimentation, the possible as aesthetic category, representation, experience, music, time, autobiography and death.

[pt] Esta tese discute o conceito de violência nas Relações Internacionais enquanto formula um referencial teórico alternativo que consiga articular crítica e a política a partir de um julgamento estético. Dessa maneira, o sujeito entende o mundo enquanto um fenômeno ao mesmo tempo constrói o espaço comum de significados e visibilidade. Por isso, esta tese destaca o lugar da experiência para problematizar as condições de possibilidade de compreender a violência como um fenômeno relevante. Então, a estética fornece a legibilidade através da qual podemos entender (e enquadrar) o conflito ao mesmo tempo em que destaca os limites e potencialidades deixados para a política. Este trabalho avança que a violência, dentro das metodologias tradicionais, é enquadrada pela dinâmica entre guerra e paz. No entanto, como categoria de compreensão do mundo social, argumentarei que o conflito é uma abstração teórica porque se baseia no que a realidade supostamente é. Nesse sentido, destacar como apreendemos os fenômenos permite ampliar narrativas alternativas e formas de ver o conflito e a violência nas RI. Com esse pressuposto, esta tese traz o pensamento de Walter Benjamin como um referencial inspirador para discutir o conceito de violência ao lançar luz sobre a experiência corporal da violência e o que dela resta. Para isso, vou me basear em obras de arte como suporte metodológico para compreender como apreendemos esteticamente os fenômenos. Este trabalho explora como a arte pode ser considerada um esforço epistemológico para compreender o conflito de forma diferente, além de uma representação da violência. Para seguir esse raciocínio, este trabalho considerará obras de artistas plásticos do Rio de Janeiro que discutem a violência contemporânea na cidade para destacar como a arte pode funcionar como dispositivo de pensamento e visibilidade. / [en] This thesis investigates the concept of violence in International Relations whilst formulating an alternative theoretical framework that observes critique and politics from an aesthetical judgement. It assumes aesthetics as the sensory experience of perception. The subjectivity apprehends the world as it appears to them while creating the common ground of meanings and visibility among others. Therefore, this thesis highlights the place of experience to problematise the conditions of possibility to understand violence as a relevant phenomenon. Then, the aesthetic provides the legibility through which we may understand (and frame) conflict while highlighting the limits and potentialities left for politics. This work advances that violence, within traditional methodologies, is framed by the dynamics between war and peace. Nevertheless, as a category of understanding the social world, I shall argue that conflict is a theoretical abstraction because it draws from what reality supposedly is. In this regard, highlighting how we apprehend phenomena allows an enlargement of alternative narratives and ways of seeing conflict and violence in IR. With this assumption, this thesis brings Walter Benjamin s thinking as an inspirational framework to discuss the concept of violence by shedding light on the bodily experience of violence and what is left from it. To do this, I will rely on works of art as methodological support to comprehend how we apprehend the phenomena aesthetically. This work explores how art can be considered an epistemological endeavour to comprehend conflict differently, beyond a representation of violence. To pursue this reasoning, this work will consider artworks from Rio de Janeiro s plastic artists that discuss contemporary violence in the city to highlight how art could function as a device of thinking and visibility.

[pt] Na passagem do século XIX para o XX, emergem, em diferentes espaços, experiências estéticas que se apresentam em franca afinidade com a modernidade exposta pelo poeta francês Charles Baudelaire, ainda em meados do século. Essa tese recupera a importância dessas experiências a partir da análise de algumas de suas revistas literárias, publicadas em quatro cenas finisseculares distintas: as experiências estéticas simbolistas nas revistas La Vogue (1886) e Le Symboliste (1886), em Paris, e nas revistas Pierrot (1890), Galaxia (1896) e Rosa-Cruz (1901/1904), no Rio de Janeiro; e as modernistas hispano-americanas na Revista de America (1894), em Buenos Aires, e na Revista Azul (1894), na Cidade do México. Ao mundo moderno finissecular, capturado pela ideia do progresso e da técnica, simbolistas e modernistas partilham uma crítica poética que reinsere a imaginação no livre fazer artístico em resistência ao pensamento cientificista, às normas acadêmicas e à mercantilização da Arte, o que permite entrever o caráter político intrínseco a sua manifestação estética. Reunidos em cenáculos e revistas literárias, esses artistas elaboram suas reflexões sobre a arte, o papel do artista e a linguagem poética. Embora a individualidade que compõe cada artista, a diversidade de elaborações intelectuais e as singularidades de cada experiência histórica, tanto em sua historicidade quanto nas condições culturais e sócio-históricas do momento de surgimento dessas experiências estéticas, desvele diferenças entre estas, ainda assim elas podem ser apresentadas sem que sejam apreendidas em relações lineares, progressivas e hierarquizadas, comumente dicotomizadas, que as conformem como centrais ou periféricas, originais ou imitadoras, modernas ou pré-modernas, entre outros. Para pensar essas experiências e a poética crítica da modernidade fora dessa conformação dada pelo continuum da História, a imagem da constelação, apresentada por Walter Benjamin, é mobilizada nesse trabalho ao mesmo tempo como proposição teórica e modo de exposição. Benjamin mostra como é possível dar a ver nos elementos distantes-diferentes uma tênue ligação, outrora não aparente, iluminada a partir da apresentação desses em constelação. Essa tese é composta então por três momentos. No primeiro, é realizado um panorama sobre a questão da modernidade em Baudelaire e sobre as configurações das cenas finisseculares em que surgem as experiências simbolistas e modernistas, destacando que, estéticas, elas compreendem a dimensão política. Esse primeiro momento ainda traz o debate em torno da imagem benjaminiana da constelação. No segundo, discute-se a questão da crítica moderna para, então, no terceiro momento, contemplar o compartilhamento de ideias e imagens presentes nas críticas que figuram, sobretudo, mas não apenas, nas revistas literárias simbolistas e modernistas, em uma apresentação da modernidade em constelação. / [fr] Au tournant du XIXe au XXe siècle, des expériences esthétiques qui se montrent en nette affinité avec la modernité exposée par le poète français Charles Baudelaire, au milieu du XIXe siècle, émergent dans différents espaces. Cette thèse récupère l importance de ces expériences-là à travers l analyse de certaines de ses petites revues publiées dans quatre villes distinctes à la fin du siècle - à savoir, les expériences esthétiques symbolistes: à Paris, dans La Vogue (1886) et Le Symboliste (1886), et à Rio de Janeiro, dans Pierrot (1890), Galaxia (1896) et Rosa-Cruz (1901/1904); et les expériences esthétiques modernistes hispano-américains: à Buenos Aires, dans Revista de America (1894), et, à Mexico, dans Revista Azul (1894). Dans le monde fin-de-siècle capturé par les idées du progrès et de la technique, les artistes symbolistes et modernistes partagent une critique poétique qui réinsère l imagination dans le faire artistique en résistance à la pensée scientifique, aux normes académiques et à la marchandisation de l Art, ce qui laisse entrevoir leur caractère politique intrinsèque à sa esthétique. Réunis en cénacles et dans les petites revues, ces artistes élaborent leurs réflexions sur l art, le rôle de l artiste et le langage poétique. Et même si l individualité de l artiste, la diversité des élaborations intellectuelles et les singularités de chaque expérience historique, tant dans sa historicité que dans les conditions culturelles et socio-historiques au moment de l émergence des ces expériences esthétiques, révèlent des différences entre elles, celles-ci peuvent encore être présentées sans être appréhendées dans des relations linéaires, progressives et hiérarchiques, communément dichotomisées, de supériorité ou subordination les uns par rapport aux autres, qui les conforment comme centrales ou périphériques, originales ou imitatives, modernes ou prémodernes, etc. Pour penser ces expériences et la poétique critique de la modernité en dehors de cette conformation donnée par le continuum de l Histoire, l image de la constellation présentée par Walter Benjamin est mobilisée dans cet thèse à la fois comme proposition théorique et mode d exposition. Benjamin montre comment il est possible de voir dans les éléments distants-différents une connexion ténue, non apparente auparavant, éclairée par la présentation de ceux-ci en constellation. Cette thèse est alors composée de trois moments. Le premier comprendre un tour d horizon de la question de la modernité chez Baudelaire et des configurations des les quatre villes à la fin du siècle où les expériences symbolistes et modernistes surgissent, soulignant que, esthétiques, celles-ci relèvent du politique. Dans ce premier moment il y a encore un débat autour de l image benjaminienne de la constellation. Ensuite, dans le deuxième moment, la question de la critique moderne est abordée. Finalement, dans le troisième moment, le partage d idées et d images présentes dans les critiques qui apparaissent, surtout, mais pas seulement, dans les petites revues symbolistes et modernistes sont exposés dans une présentation de la modernité en constellation.

No description available.

[pt] O presente trabalho de pesquisa concentra-se na área de estudos da linguagem, constando de dois troncos principais: um primeiro de análise teórica, em que se abordam questões de filosofia da linguagem e filosofia estética; e um outro de linguística aplicada, com a tradução comentada para o italiano de trechos do livro Ó (2008), de Nuno Ramos. Consta também um apêndice com a tradução integral do livro. Particularmente na primeira parte da tese serão abordadas questões relativas à análise e identificação dos procedimentos estéticos da escrita de Nuno Ramos, tentando entender suas relações com as práticas de artes plásticas e relativas contaminações, abordando a obra na perspectiva da literatura nos seus campos expandidos. Os procedimentos e técnicas usados na escrita e sua relação com as artes plásticas serão investigados de forma a entender a operação estética subjacente, investigando de que forma, a partir das características da obra, instaurar-se-ia uma relação de reciprocidade com o leitor ao qual caberia um papel ativo na produção de sentido. Os procedimentos estéticos usados pelo autor serão relacionados à sua poética de multi-artista, especialmente, na relação entre as palavras e as coisas, que se traduz no embate entre linguagem e matéria. A segunda parte, de linguística aplicada, envolve a prática tradutória stricto sensu a partir das análises desenvolvidas na seção anterior. Com base na leitura e análise da obra, e acrescentando uma parte teórico-metodológica específica sobre tradução, são definidas as linhas norteadoras das escolhas tradutórias, identificando técnicas, práticas e soluções de tradução que possam restituir no texto italiano a mesma operação estética do texto fonte. Particularmente importante será a realização, através de uma tradução que reescreva os procedimentos estéticos do texto português, conseguir recriar a relação de reciprocidade entre obra e o leitor, de forma a ativar o empasses de percepção, base para o desenvolvimento de espaços de pensamento ético-político. Uma vez identificadas as linhas tradutórias, elas serão desenvolvidas e exemplificadas através de trechos de tradução comentada. / [en] This research - in the area of language studies - consists of two main sections: the first of theoretical analysis, in which we deal with issues related to the philosophy of language and aesthetic; another of applied linguistics, in which will be presented the commented translation in Italian of selected extracts from the book Ó (2008) by Nuno Ramos. The complete translation of the book is presented as appendix to this thesis. In the first part will be investigated issues related to the analysis and identification of the aesthetic procedures of Nuno Ramos writing, also trying to understand their relationships with plastic arts practices and possible contaminations; the work will be also investigated from the perspective of literature and its extension in different expressive fields. The procedures and techniques used in writing and its relationship with the plastic arts will be examined in order to understand and identify what type of aesthetic operation underlies, analyzing how, starting from the salient features of the work, a relationship of reciprocity could be established between the work and the reader who would have an active role in the production of meaning. The aesthetic procedures implemented by the author will be related to his poetics as multiartist, especially in the relationship between words and things, which leads into a clash between language and matter. The second part, of applied linguistics, concerns the translation practice stricto sensu, realized starting from the analyzes developed in the previous section. Based on the reading and interpretation of the work - also implementing a specific theoreticalmethodological part on translation -, will be defined the guidelines for the translation choices, highlighting techniques, practices and translation solutions that can reproduce the same aesthetic operation of the source text in the Italian text . It will be particularly important to recreate, through a translation that rewrites the aesthetic procedures of the Portuguese text, a relationship of reciprocity between the work and the reader, in order to activate the same impasse of perception - a fundamental element to open spaces for an ethical-political thinking. Once the guidelines are defined, they will be developed and exemplified through extracts of commented translation. / [it] Il presente lavoro di ricerca - afferente all area di studi del linguaggio - si compone di due tronchi principali: il primo di analisi teorica, in ci si affrontando questioni relative alla filosofia del linguaggio e alla filosofia estetica; un altro di linguistica applicata, con la traduzione commentata in italiano di estratti selezionati del libro Ó (2008) di Nuno Ramos. La traduzione integrale del libro costituisce appendice alla presente tesi. Nella prima parte saranno affrontate questioni relative all analisi e identificazione dei procedimenti estetici della scrittura di Nuno Ramos, provando a comprenderne le relazioni con le pratiche delle arti plastiche e relative contaminazioni, investigando l opera sotto la prospettiva della letteratura e la sua estensione in campi espressivi diversi. I procedimenti e le tecniche usate nella scrittura e la sua relazione con le arti plastiche saranno investigati in modo da comprendere e identificare che tipo di operazione estetica vi soggiace, analizzando in che modo, proprio partendo dalle caratteristiche salienti dell opera, si instaurerebbe una relazione di reciprocità tra l opera e il lettore al quale toccherebbe il ruolo attivo nella produzione di senso. I procedimenti estetici messi in atto dall autore saranno relazionati alla sua poetica di multi-artista, soprattutto nel rapporto tra le parole e le cose, che si traduce in uno scontro tra linguaggio e materia.

Cette thèse s'inscrit dans une dynamique de recherche qui seulement récemment a commencé à remettre en discussion une doxa de l'historiographie théâtrale un peu simpliste: dans le contexte italien, l'avènement de la mise en scène moderne serait un phénomène tardif, par rapport à d'autres Pays, comme par exemple l'Allemagne, la France, la Russie. Ce « retard » trouverait son origine dans la persistance d'une tradition autoréférentielle de l'acteur. Le système dans lequel il se produit - un système de troupes nomades, en l'absence d'un pôle théâtral hégémonique comme pouvait l'être Paris pour la France - serait inévitablement réfractaire à l'intrusion d'une figure artistique perçue comme étrangère: le metteur en scène. Il faudrait attendre l'après-guerre pour assister en Italie à l'affirmation de ce qu'on appelle la regìa. Ce lieu commun de l'historiographie a véhiculé une série d'équivoques et d'approximations qui aplatissent un phénomène comme l'affirmation de la mise en scène moderne, nourrissant ainsi un discours téléologique de progrès qualitatif.Une série de recherches menées à partir des années 2000 nous invite cependant à considérer la mise en scène comme un aspect de l'art théâtral dans toute sa complexité. Des concepts comme ceux de proto-regia (proto-mise en scène, Perrelli, 2005), de continuité/discontinuité (Sarrazac-Consolini, 2010), montrent les limites d'une définition univoque de cet art. Sous cette lumière, le contexte italien apparaît alors comme un terrain en friche. Une étude récente a justement montré la sensibilité du système italien envers l'œuvre des maîtres européens de la scène, en tournée dans la Péninsule entre 1911 et 1940 (Schino, 2008).Nous nous proposons alors de revenir d'une part sur la construction de l'idée du « retard », et sur les raisons qui ont fait de la mise en scène un véritable graal, d'une autre part nous souhaitons souligner de quelle façon cet art émerge en Italie justement à partir de la présupposée cause du retard: l'acteur. L'avènement de la mise en scène ne serait donc pas une épiphanie brusque, mais un art qui s'exprime de manière différente, selon le modus operandi des artistes et en fonction des caractéristiques du système théâtral. / This doctoral thesis challenges the simplistic doxa in theatre historiography that views genesis of theatre direction in Italy as a late phenomenon in comparison to other countries such as Germany, France, and Russia. This “delay” is thought to be due to the actor’s persistent self-referential tradition. According to the doxa, the Italian theatre system would have been resistant to the introduction of the new role of director, which was perceived as extraneous. This situation would have been caused in Italy by the popularity of wandering companies and the absence of a dominant theatrical focal point such as Paris was in France. The phenomenon of a strictly speaking regìa would have only emerged after the Second World War. This view has led to a series of misinterpretations and misunderstandings that oversimplify the phenomenon of the development of modern direction, favouring a teleological argument of qualitative progress. However, a number of studies carried out from the 2000’s encourage us to consider the direction as a complex aspect of the theatrical art. Concepts such as ‘proto-direction’ (Perrelli, 2005) and continuity/discontinuity (Sarrazac-Consolini, 2010), show the limits of an univocal definition of this art. In light of these studies, the Italian panorama appears as an uncharted territory. A recent study of the European directors’ tours in Italy for the years from the 1911 to 1940, has actually demonstrated the Italian system’s responsiveness (Schino, 2008).My research investigates the origin of the concept of “delay”, and the reasons by which theatre direction in Italy came to be considered by scholars as some sort of grail. I also highlight how direction in Italy emerges from the main source of the supposed delay itself: the actor. Indeed, the appearance of theatre direction is not abrupt; but rather a multifaceted art, which changes according to artists’ modus operandi and is dependent on the characteristics of the theatrical system.

Entre la mort de Molière et l’avènement de Marivaux, le théâtre connaît de profondes modifications. S’inscrivant dans le sillage des travaux de François Moureau, Christian Biet et Guy Spielmann sur la dramaturgie fin de règne, cette thèse s’intéresse à la manière dont s’est effectué le passage de la comédie classique à la comédie fin de règne. En prenant l’exemple d’Edme Boursault (1638-1701), écrivain mineur du XVIIe siècle, elle entend mettre en lumière une double trajectoire, celle d’un genre et celle d’un auteur. L’étude repose sur l’hypothèse selon laquelle le corpus comique de Boursault, produit entre 1661 et 1701, conserve les marques des mutations esthétiques qui a mené au théâtre fin de règne. Il s’agit donc de comprendre les enjeux qui ont conduit à un renouvellement de l’écriture dramaturgique, mais aussi d’observer la manière dont pouvait se construire une carrière littéraire chez un écrivain mineur de la seconde moitié du XVIIe siècle. Depuis ses premières comédies et farces (Le médecin volant, Le Mort vivant, Le jaloux endormy) jusqu’à ses comédies moralisantes (Les Fables d’Esope, Esope à la Cour), Boursault a su s’adapter aux changements que connaissent la société française et le théâtre, et a mis en œuvre diverses stratégies, tant sociales que littéraires. Par le moyen de l’histoire littéraire, entre sociologie de la littérature, poétique des genres et théorie de la réception, la thèse se penche sur les réseaux de sociabilité de Boursault (salons précieux, cercles littéraires, mécénat) et analyse son théâtre comique, tout en tenant compte des conditions de représentation et de la réception du public. L’étude tend à démontrer que cette évolution dramaturgique s’est faite graduellement, souvent au prix d’une coexistence de deux esthétiques au sein d’une même œuvre. Cherchant à mesurer l’apport de Boursault à la comédie et au comique du XVIIe siècle, la thèse révèle que le passage du classicisme au fin de règne implique chez le dramaturge un changement de stratégie. Entre 1660 et 1700, l’auteur passe en effet d’une stratégie du cursus où ses tendances polygraphiques le placent, à une stratégie du succès misant sur l’innovation et l’originalité. Ce faisant, l’écrivain explore les limites d’un genre qu’il participe à redéfinir, tant sur le plan de la structure et des thématiques que sur celui des personnages et du comique. L’examen du passage de la farce classique à la comédie moralisante, celui du comique burlesque au rire jaune du XVIIIe siècle positionne donc indéniablement Boursault comme un écrivain de transition. Transition entre l’esthétique classique et l’esthétique fin de règne, on s’en doute, mais aussi, en parallèle, entre la poétique classique-fin de règne, et celle des Lumières. / Entre la mort de Molière et l’avènement de Marivaux, le théâtre connaît de profondes modifications. S’inscrivant dans le sillage des travaux de François Moureau, Christian Biet et Guy Spielmann sur la dramaturgie fin de règne, cette thèse s’intéresse à la manière dont s’est effectué le passage de la comédie classique à la comédie fin de règne. En prenant l’exemple d’Edme Boursault (1638-1701), écrivain mineur du XVIIe siècle, elle entend mettre en lumière une double trajectoire, celle d’un genre et celle d’un auteur. L’étude repose sur l’hypothèse selon laquelle le corpus comique de Boursault, produit entre 1661 et 1701, conserve les marques des mutations esthétiques qui a mené au théâtre fin de règne. Il s’agit donc de comprendre les enjeux qui ont conduit à un renouvellement de l’écriture dramaturgique, mais aussi d’observer la manière dont pouvait se construire une carrière littéraire chez un écrivain mineur de la seconde moitié du XVIIe siècle. Depuis ses premières comédies et farces (Le médecin volant, Le Mort vivant, Le jaloux endormy) jusqu’à ses comédies moralisantes (Les Fables d’Esope, Esope à la Cour), Boursault a su s’adapter aux changements que connaissent la société française et le théâtre, et a mis en œuvre diverses stratégies, tant sociales que littéraires. Par le moyen de l’histoire littéraire, entre sociologie de la littérature, poétique des genres et théorie de la réception, la thèse se penche sur les réseaux de sociabilité de Boursault (salons précieux, cercles littéraires, mécénat) et analyse son théâtre comique, tout en tenant compte des conditions de représentation et de la réception du public. L’étude tend à démontrer que cette évolution dramaturgique s’est faite graduellement, souvent au prix d’une coexistence de deux esthétiques au sein d’une même œuvre. Cherchant à mesurer l’apport de Boursault à la comédie et au comique du XVIIe siècle, la thèse révèle que le passage du classicisme au fin de règne implique chez le dramaturge un changement de stratégie. Entre 1660 et 1700, l’auteur passe en effet d’une stratégie du cursus où ses tendances polygraphiques le placent, à une stratégie du succès misant sur l’innovation et l’originalité. Ce faisant, l’écrivain explore les limites d’un genre qu’il participe à redéfinir, tant sur le plan de la structure et des thématiques que sur celui des personnages et du comique. L’examen du passage de la farce classique à la comédie moralisante, celui du comique burlesque au rire jaune du XVIIIe siècle positionne donc indéniablement Boursault comme un écrivain de transition. Transition entre l’esthétique classique et l’esthétique fin de règne, on s’en doute, mais aussi, en parallèle, entre la poétique classique-fin de règne, et celle des Lumières. / Entre la mort de Molière et l’avènement de Marivaux, le théâtre connaît de profondes modifications. S’inscrivant dans le sillage des travaux de François Moureau, Christian Biet et Guy Spielmann sur la dramaturgie fin de règne, cette thèse s’intéresse à la manière dont s’est effectué le passage de la comédie classique à la comédie fin de règne. En prenant l’exemple d’Edme Boursault (1638-1701), écrivain mineur du XVIIe siècle, elle entend mettre en lumière une double trajectoire, celle d’un genre et celle d’un auteur. L’étude repose sur l’hypothèse selon laquelle le corpus comique de Boursault, produit entre 1661 et 1701, conserve les marques des mutations esthétiques qui a mené au théâtre fin de règne. Il s’agit donc de comprendre les enjeux qui ont conduit à un renouvellement de l’écriture dramaturgique, mais aussi d’observer la manière dont pouvait se construire une carrière littéraire chez un écrivain mineur de la seconde moitié du XVIIe siècle. Depuis ses premières comédies et farces (Le médecin volant, Le Mort vivant, Le jaloux endormy) jusqu’à ses comédies moralisantes (Les Fables d’Esope, Esope à la Cour), Boursault a su s’adapter aux changements que connaissent la société française et le théâtre, et a mis en œuvre diverses stratégies, tant sociales que littéraires. Par le moyen de l’histoire littéraire, entre sociologie de la littérature, poétique des genres et théorie de la réception, la thèse se penche sur les réseaux de sociabilité de Boursault (salons précieux, cercles littéraires, mécénat) et analyse son théâtre comique, tout en tenant compte des conditions de représentation et de la réception du public. L’étude tend à démontrer que cette évolution dramaturgique s’est faite graduellement, souvent au prix d’une coexistence de deux esthétiques au sein d’une même œuvre. Cherchant à mesurer l’apport de Boursault à la comédie et au comique du XVIIe siècle, la thèse révèle que le passage du classicisme au fin de règne implique chez le dramaturge un changement de stratégie. Entre 1660 et 1700, l’auteur passe en effet d’une stratégie du cursus où ses tendances polygraphiques le placent, à une stratégie du succès misant sur l’innovation et l’originalité. Ce faisant, l’écrivain explore les limites d’un genre qu’il participe à redéfinir, tant sur le plan de la structure et des thématiques que sur celui des personnages et du comique. L’examen du passage de la farce classique à la comédie moralisante, celui du comique burlesque au rire jaune du XVIIIe siècle positionne donc indéniablement Boursault comme un écrivain de transition. Transition entre l’esthétique classique et l’esthétique fin de règne, on s’en doute, mais aussi, en parallèle, entre la poétique classique-fin de règne, et celle des Lumières.

[pt] Esta tese busca compreender a contribuição de museus de artes da cidade do Rio de Janeiro como lócus de formação cultural e estética de professores dos anos iniciais da educação básica e a relação que esses profissionais estabelecem com os museus. Compreender a formação cultural como direito e parte da formação docente implica em assumir a diversidade, a continuidade e a mediação como parte de princípios éticos, políticos e estéticos de uma formação docente humanizadora. A formação cultural se configura em um processo intencional, continuado, mediado, reflexivo e compartilhado que propicia a vivência de experiências estéticas e contribui para uma educação para a diversidade mediante o exercício da alteridade e da ampliação da sensibilidade. Com o suporte de autores do campo da Educação e da Educação Museal, o conceito de formação estética e cultural é abordado a partir de uma revisão teórica, da perspectiva dos professores e dos educadores museais. Enquanto recursos metodológicos, fez-se uso de um questionário online aplicado a professores de educação infantil e ensino fundamental I, entrevistas com educadores museais e análise documental dos museus selecionados. Os achados da pesquisa indicaram que, em que pese um subaproveitamento do museu de artes como lugar de formação, os museus investigados oferecem atividades que priorizam a autoria e a criação dos professores em um processo que envolve a escuta e a permeabilidade de saberes. Quanto aos professores, foi possível observar que o conceito de formação cultural não está claro e prevalece como padrão, de modo geral, a ideia de acesso aos bens culturais legitimados. Esta percepção incide na relação que o professor estabelece com os equipamentos culturais da cidade e na visão compensatória que atravessa sua prática com as crianças. Entretanto, também foi possível identificar o surgimento de vozes dissonantes que associam uma formação cultural a uma formação sensível, que transforma a subjetividade do sujeito e privilegia a diversidade e a alteridade. / [en] This thesis seeks to understand the contribution of art museums in the city of Rio de Janeiro as a locus of cultural and aesthetic training for teachers in the early years of basic education and the relationship that teachers establish with these cultural spaces. Understanding cultural training as a right and part of teacher training implies assuming diversity, continuity and mediation as part of ethical, political and aesthetic principles of humanizing teacher training. Cultural formation is configured in an intentional, continued, mediated, reflexive and shared process that provides aesthetic experiences so that cultural formation is not just a veneer that represents only one voice. With the support of authors from the field of Education and Museum Education, the concept of aesthetic and cultural formation is approached from a theoretical review, from the perspective of teachers and museum educators. An online questionnaire, interviews and document analysis were the data production tools used. The research findings indicated that, despite an underutilization of the art museum as a place of formation, the investigated museums offer activities that prioritize the authorship and creativity of teachers in a process that involves listening and the permeability of knowledge. As for the teachers, it was possible to observe that the concept of cultural training is not clear and, in general, the idea of access to legitimate cultural goods prevails as a model. This perception affects the relationship that the teacher establishes with the city s cultural facilities and the compensatory vision that runs through his practice with children. However, it was also possible to identify the emergence of dissonant voices that associate a cultural formation with a sensitive formation that transforms the subjectivity of the subject and privileges diversity and otherness. / [fr] Cette thèse cherche à comprendre l apport des musées d art de la ville de Rio de Janeiro en tant que lieu de formation culturelle et esthétique des enseignants de l école primaire et la relation que ces professionnels établissent avec les musées. Appréhender la formation culturelle comme étant à la fois un droit et un contenu de la formation des enseignants implique de concevoir la diversité, la continuité et la médiation comme faisant partie des principes éthiques, politiques et esthétiques de la dimension humaine de la formation des enseignants. La formation culturelle est comprise comme un processus intentionnel, continu, médiatisé, réflexif et partagé qui mobilise des expériences esthétiques et contribue à une éducation à la diversité par l exercice de l altérité et le partage de la sensibilité. Avec le soutien d auteurs du domaine de l éducation et de l éducation muséale, le concept de formation esthétique et culturelle est abordé à partir d un examen théorique, du point de vue des enseignants et des éducateurs de musée. Comme ressources méthodologiques, un questionnaire en ligne a été proposé aux enseignants de l école maternelle et élémentaire, des entretiens semi-directifs ont été menés avec des éducateurs de musées et une analyse documentaire de musées sélectionnés complète la construction des données. Les résultats de la recherche indiquent que, malgré une sous-utilisation du musée d art comme lieu de formation, les musées étudiés proposent des activités qui privilégient la créativité des enseignants, l écoute et la circulation des connaissances. Du côté des enseignants, on a pu constater que la notion de formation culturelle n est pas claire et, en général, l idée d accès à des biens culturels légitimes prévaut comme norme. Cette perception affecte la relation que les enseignants interrogés établissent avec les équipements culturels de la ville et la vision compensatoire qui traverse leurs pratiques avec les enfants. Cependant, certains résultats laissent apparaitre des voix dissonantes qui associent une formation culturelle à une formation sensible qui transforme la subjectivité du sujet et privilégie la diversité et l altérité.